Ayer viernes 19 de febrero volvimos al incomparable marco del Salón de Actos del imponente Castillo de Marcilla, una maravilla arquitectónica rescatada hace varios años gracias a la restauración, para ver y comentar con todas las espectadoras y espectadores La ladrona de libros, en un concurrido encuentro propiciado gracias al imprescindible apoyo concejalía de Cultura del Ayuntamiento de la localidad y con la impagable colaboración de la Biblioteca y de su rectora, Gloria Perales, y del club de lectura que con tanto acierto dirige.
La conversación acerca de la película y su relación con la novela resultó tremendamente fructífera, a pesar de no resultar plenamente convincente ni una ni la otra. El filme data del año 2013. En su día se trató de un intento, un tanto pretencioso de llegar a los Óscar con una historia de las que tanto gustan a la Academia, con un reparto encabezado por el australiano Geoffrey Rush, premio al mejor actor por Rush, y por la candidata y flamante Premio Donostia 2015, la británica Emily Watson. Finalmente la única nominación que prosperó fue para John Williams y su preciosa banda sonora. La sorpresa más agradable, la niña protagonista, Sophie Nélisse, de origen canadiense, a la que conocimos en Profesor Lazhar.
Volviendo a lo que cuenta la cinta, se trata de un acercamiento a la situación previa y al estallido de la segunda guerra mundial en la Alemania Nazi narrado desde el punto de vista de una niña que llega a una pequeña población para ser adoptada por una familia humilde en la que encuentra el amor y la complicidad de un padre y el desdén y la rigidez de una madre adoptiva más pragmática que amorosa. Se trata de un relato original en el sentido de que retrata la vida de los que se quedan atrás, de los que no van al frente, y las reflexiones de esta chica que no comprende cómo el auge del nazismo afecta a las personas que le rodean.
La voz en off que actúa como narradora representa a la muerte. Brian Percival, un director correcto, procedente de la televisión (Downton Abbey),pero que no da un toque de personalidad a la película, ha diseminado de manera desigual las apariciones de tan temible personaje. Otro de los aspectos que no permite que entremos en la película y en lo que cuenta es la falta de carisma del personaje del chico judío, Max (al que acogen en casa de Liesel, la niña protagonista), y del desconocido actor que lo interpreta.
Los libros, las palabras, el uso pernicioso de estas que hicieron los nazis y los maravillosos relatos que aprendió a dar forma la protagonista fueron reflexiones imprescindibles en el animado debate que vivimos ayer. Todo este mundo de lectura y de imaginación como modo de evasión, de válvula de escape, de arma para sobrevivir o para sobrellevar el horror de los acontecimientos que ocurren a su alrededor. Y tres personajes clave en la formación de Liesel: su padre e Ilsa, la mujer del alcalde, que la enseñaron a leer y le insuflaron el amor por la lectura y Max, que despertó su talento para escribir y compartir sus sentimientos con los demás con un talento fuera de lo común.
Un filme desigual, basado en la novela de Matias Zusak, pero que se ve con interés y que, una vez más, supimos exprimir al máximo para extraer enriquecedoras conclusiones.
Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.
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No fue hasta más de media hora después del partido cuando se supo qué era lo que había escrito en la camiseta que Andrés Iniesta enseñó bajo la elástica de la selección tras marcar su histórico gol en la final del mundial de Sudáfrica. Dedicaba ese momento único a Dani Jarque, amigo fallecido prematuramente en una concentración de pretemporada con el R.C.D.Español. Miklós Fehér y Marc-Vivien Foé se desplomaron dramáticamente, al igual que el sevillista Antonio Puerta, mientras iban caminando por el terreno de juego durante un partido. Ninguno de ellos sobrevivió. Aparentemente se trata de casos aislados pero, ¿qué sucedería si un médico publicase un estudio de cuya conclusión se derivase que jugar al fútbol profesionalmente podría causar la muerte? ¿Cómo reaccionaría la FIFA? ¿Y los clubes más importantes?
Si trasladamos esta situación a Estados Unidos, hablamos de fútbol americano en lugar de balompié, cambiamos a la todopoderosa FIFA por la no menos omnipotente NFL y en lugar de Real Madrid o F.C.Barcelona tenemos a los Pittsburg Steelers, nos encontramos con un caso real que sacudió a la opinión pública en una nación de 300 millones de habitantes en la que este deporte, número uno tanto en practicantes como en seguidores, es un enorme negocio que vende su merchandising a 20 millones de personas semanalmente. En mitad de todo este monumental circo, un honrado forense, extremadamente preparado, minucioso e inteligente, un hombre de ciencia con profundas ideas religiosas, sacará a la luz lo que nadie, ni dirigentes ni aficionados, quiere oír. Un tipo con, además, el estigma de no haber nacido en Nueva York o en Boston, sino en un pueblecito en el sur de Nigeria.
El doctor Bennet Omalu, encarnado por Will Smith en una interpretación digna de ser candidata al Óscar (imprescindible su acento africano en versión original), explica de manera gráfica, con la ayuda de un tarro de cristal, el daño que pueden provocar en el cerebro humano multitud de colisiones producidas contra el cráneo debido a la práctica del fútbol americano. Esta aproximación tan visual suma un acierto más en un director, Peter Landesman, que se enfrenta a su segundo trabajo con un innegable oficio.
Su talento le ha permitido, incluso, desarrollar un guión férreo (cuya génesis se encuentra en un artículo de la revista GQ) al que su faceta como realizador dota de los elementos necesarios para, en una primera parte, acercarse a trabajos como En el filo de la duda, en el que la investigación médica sobre el SIDA era tratada con elementos de thriller, y en un momento posterior abordar ese cine de denuncia contra las tropelías de las grandes corporaciones que veíamos en El dilema. Este filme habla elocuentemente sobre el, a veces, difícil equilibrio entre la integridad, la honestidad y la verdad frente a la impunidad. Parecería como si el título original, “Contusión”, se refiriese, metafóricamente, a este choque entre conceptos y valores que impactan unos contra otros como los cascos de dos jugadores durante la pasada Superbowl.
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La verdad duele
Dirección y guión: Peter Landesman, basado en al artículo “Game Brain” de Jeanne Marie Laskas
Intépretes: Will Smith, Alec Baldwin, Albert Brooks
Música: James Newton Howard
Fotografía: Salvatore Totino
Duración: 124 min.
Estados Unidos, 2015
Un extraño clic en el cerebro hace que la primera imagen que asociamos a El renacido nada más acabado su visionado sea el “Duelo a garrotazos” de Goya, que inspiró a Bigas Luna en su obra cumbre, Jamón, jamón. El polvo desértico muta en un enorme manto nevado sobre el que el rojo intenso hemoglobínico dibuja un contraste de colores digno de un maestro de la imagen como Emmanuel Lubezki, cómplice habitual de Alejandro González Iñárritu y experimentador amante del más difícil todavía.
Emulando al Stanley Kubrick de Barry Lyndon, el dúo mejicano se propuso el reto de rodar un filme de tamaña complejidad, localizado en agrestes exteriores, utilizando únicamente iluminación natural. La apuesta visual en su conjunto, con el ingenioso plano secuencia integral de Birdman en mente, parece más basada en el hecho de volver a epatar a la platea que en una necesidad narrativa concreta. La luz y los planos largos y complejos, compuestos mediante el fluir de la cámara en torno a los personajes, resultan gratos alicientes a ojos de un espectador que echa de menos una intención más allá de la simplemente estética, emparentando así con todos los trabajos que el director de fotografía ha realizado para Terrence Malick, desde El árbol de la vida hasta La delgada línea roja, a la que la espléndida banda sonora ambiental del recuperado para el cine Ryuichi Sakamoto nos ha rememorado instantáneamente.
Toda esta parafernalia se ha articulado para narrar una historia basada parcialmente en lo sucedido a un cazador embarcado en una expedición comercial en la frontera del territorio indio en los Estados Unidos de 1820. Mientras huye de los nativos, Hugh Glass se enfrenta al terrible ataque de un oso y es dado por muerto y abandonado por sus compañeros, en un fresco sobre la supervivencia humana extrema en un entorno natural hostil y acechante, al estilo de Las aventuras de Jeremiah Johnson.
Leonardo DiCaprio, en la piel del protagonista, realiza una interpretación totalmente orgánica, reflejando con su aspecto físico, sus miradas, sus quejidos, el sufrimiento de un hombre que apenas articula palabra. Un papel al que ha sabido sacar todo su jugo, hasta el punto de estar acariciando, por fin, su ansiado Óscar. No obstante, quien nos ha sabido seducir (más incluso) ha sido el malcarado Tom Hardy, perfecto némesis que engrandece la figura de su partenaire.
Sin resultar tan pretencioso como en sus primeros trabajos, la tentación del exceso puede con Iñárritu. En la parte central de la cinta encontramos a un cineasta contemplativo, excesivamente autocomplaciente, que termina por sacarnos poco a poco del filme para volver a inyectarnos una dosis de adrenalina que nos acompañará en el tercio final de película, produciéndonos exactamente el mismo dolor en el alma que lo último de Tarantino. Ese espectacular remate, puro western, ávido de tensión y de cine de muchos quilates, hubiese supuesto el culmen perfecto de una obra maestra de no ser por la media hora larga sobrante que entorpece la fluidez del relato en su nudo narrativo.
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El renacido
Dirección: Alejandro González Iñárritu
Guión: Alejandro G. Iñárritu y Mark L. Smith, basado en parte en la novela de Michael Punke
Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson
Música: Ryuichi Sakamoto
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Duración: 156 min.
Estados Unidos, 2015
El próximo martes 9 de febrero tendréis la crítica de la película de reciente estreno «El renacido», que acaba de recibir el premio del gremio de directores concedido a Alejandro González Iñárritu y que cuenta con dos de las mejores interpretaciones del año a cargo de Leonardo DiCaprio, que le puede suponer su primer Óscar, y de Tom Hardy. La cinta cuenta con 12 candidaturas a los premios de la Academia, siendo la más nominada de esta edición.
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En el Festival de San Sebastián de 2013 una pequeña película nos sorprendió muy gratamente. Fruitvale station, todavía inédita en España; una ópera prima centrada en un caso de violencia policial sobre un joven negro que supuso una doble alegría para su director, el afroamericano Ryan Coogler. Por un lado, la inmensa catarata de reconocimientos le hizo un hueco en una industria tan competitiva como la de Hollywood. En segundo lugar, la calidad de su trabajo le granjeó el crédito para recibir el sí definitivo de un Sylvester Stallone reticente a seguir con la saga Rocky, que ya había dado calabazas al realizador y guionista cuando todavía firmaba cortometrajes, por creer, con buen criterio, que su muy bien acogida Rocky Balboa había supuesto el colofón perfecto a la historia del púgil de Philadelphia.
Creed no es sino el apellido de aquel campeón de los pesos pesados, que tenía el nombre del dios griego Apolo, al que Balboa arrebata el cetro mundial en la segunda película de la serie. Un tipo fanfarrón, cercano al potro italiano, que realizó su postrera y estelar aparición vestido con unos shorts con la bandera de Estados Unidos, al ritmo del “Living in America” del inimitable James Brown, en Rocky IV. Esa prenda, que fue la última que ciñó su cintura sobre un cuadrilátero, será importante en el desarrollo de este filme, que quiere dirigirse mediante constantes guiños a la nostalgia de los incondicionales de esta épica heptalogía. El séptimo capítulo, primero no escrito por Stallone, relata el encuentro de Adonis (más mitología) Johnson, hijo ilegítimo de Creed, y Rocky Balboa, al que convence para que sea su mánager.
A los impenitentes seguidores del boxeador italoamericano, carne de videoclub ochentero, nos resulta más que evidente observar cómo la estructura de esta cinta calca las, por otra parte, miméticas de las cuatro películas iniciales. Sirva como ejemplo gráfico el paralelismo que equipara la relación paternofilial que surge entre Balboa y el hijo de su amigo con la que él mismo, en su juventud, vivió junto a la figura protectora de Mickey, su primer entrenador. De modo que nada nuevo bajo el sol, tan solo alguna argucia técnica revestida de espectacularidad como el arrojo de rodar un combate de dos asaltos en un plano secuencia (sin cortes) de cinco minutos.
Rocky Balboa, el título precedente al que nos ocupa, escrito y dirigido por el alma máter de la saga, Sylvester Stallone, con su aire intimista y crepuscular, resolvía, de manera hermosa, el final de la trayectoria de este hombre, haciendo completamente innecesario este punto y aparte que deja una puerta abierta para que los personajes regresen próximamente. No tenemos manera de saber si el veterano intérprete será galardonado con el Óscar (nosotros se lo entregaríamos sin dudarlo a Mark Rylance) pero le agradecemos que nos confiese quién ganó aquella revancha a puerta cerrada entre Apolo Creed y Rocky Balboa al final de Rocky III que culminaba con el mítico plano congelado del primer puñetazo entre ambos.
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Creed. La leyenda de Rocky
Dirección: Ryan Coogler
Guión: Ryan Coogler y Aaron Covington
Intérpretes: Michael B. Jordan, Sylvester Stallone, Tessa Thomson
Música: Ludwig Göranson
Fotografía: Maryse Alberti
Duración: 133 min.
Estados Unidos, 201
Esto, que parece un chiste, sucedió realmente. Michael Burry (Christian Bale), un fulano con pinta de autista y un ojo de cristal, va a Goldman Sachs en 2005 (sí, los mismos que la semana pasada pagaron 5.100 millones de dólares para cerrar el caso de las hipotecas basura) y les pide un crédito de 100 millones para comprar a la baja bonos (basados precisamente en hipotecas) que vendía el propio banco; esto es, apostar en contra del mercado inmobiliario estadounidense. Para que la inversión fuese productiva cientos de miles de personas tendrían que dejar de pagar el gravamen sobre su vivienda, algo que nunca había sucedido. Los gestores de la entidad se frotan las manos al grito de: “esto es Wall Street, si nos ofrecen dinero gratis, lo cogemos”. Ellos desconocían algo que Burry tenía meridianamente claro: la triple A concedida a estos productos financieros era totalmente ficticia ya que se habían cocinado con activos de pésima viabilidad (las famosas hipotecas sub-prime), pero la actitud negligente de las agencias de calificación otorgándoles la máxima nota ocultaba esta sangrante realidad.
A los corredores de bolsa les encanta utilizar términos confusos, como los del anterior párrafo, para hacernos pensar que ellos son los únicos que pueden hacer lo que hacen. Para explicar todo este galimatías en román paladino aparece Margot Robbie, la rubia esposa de Leonardo Di Caprio en El lobo de Wall Street, dentro de un estimulante baño de espuma y glosa, en palabras sencillas y de forma explícita y gráfica, toda esta jerga y los pormenores de la operación de Burry.
La gran apuesta cuenta cómo, en los años de bonanza, mientras todos nos divertíamos inconscientemente, unos cuantos tipos raros advirtieron lo que nadie más, ni siquiera los expertos, fue capaz de predecir: la burbuja inmobiliaria que iba a hacer estallar la crisis financiera mundial de 2008.
La eficacia e inteligencia de este guión ha vertebrado una estructura que salpica con tres jugosas metáforas y otras tantas citas hirientes la compleja verborrea económica que supura el filme para hacer llegar de forma llana al espectador el meollo del asunto. Y toda esa palabrería aparece aderezada con un lenguaje audiovisual audaz, un montaje sincopado, cortante, epatante, pero completamente al servicio de lo narrado, una banda sonora rompedoramente avasalladora con Metallica, Guns´n´roses, Led Zeppelin o Neil Young y una vena juguetonamente metalingüística con el espectador, además de un impagable elenco encabezado por dos bestias de la interpretación como el inimitable Christian Bale y el camaleónico Steve Carell.
Nunca hubiéramos esperado esto de Adam McKay, un tipo que dirigía comedias absurdas a mayor gloria del estrafalario Will Ferrell. Nadie imaginaba, antes de verla, que tuviésemos entre manos una de las películas del año. Nos hemos tenido que quitar el sombrero y hacer una reverencia ante el fantástico, brutal e irónico relato del por qué de la situación económica que sufrimos. Una auténtica obra maestra que ha sabido convertirse en el reverso sarcástico de Inside Job o Margin Call para dejarnos con la sonrisa congelada.
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La gran apuesta
Dirección: Adam McKay
Guión: Charles Randolph y Adam McKay, basado en el libro de Michael Lewis
Intérpretes: Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling
Fotografía: Barry Ackroyd
Duración: 130 min.
Estados Unidos, 2015
En el angosto espacio de un encuadre de 4:3 el verde difuminado de una frondosa arboleda espera a que los personajes que pululan en la lejanía se acerquen a primer plano. Ese va a ser el único instante en que vamos a tener un momento de respiro y tranquilidad, revestido de cierto colorido, en toda la película. Nos encontramos en 1944. Quien camina hacia la cámara ataviado con una gorra es Saúl, un judío húngaro que se ocupa de conducir a un grupo de personas de su propia nacionalidad y religión al interior del campo de concentración de Auschwitz. Visiblemente desorientados, colocan sus ropas y pertenencias en las perchas de unos inhóspitos vestuarios mientras el protagonista y otros como él les apremian, ante la atenta mirada de los soldados alemanes, para que se introduzcan en las “duchas”.
No han pasado diez minutos y el directo al estómago y la sensación de desazón resulta angustiosa. Lázsló Nemes, el realizador, no tarda en contextualizar un comportamiento que pone en entredicho la moralidad de estos hombres. Forman parte de los llamados Geheimsträger, portadores de secretos, prisioneros forzados por los nazis para trabajar en las cámaras de gas y crematorios de los centros de exterminio. No podían dimitir de sus puestos, tan solo esperar el final de la guerra antes de que ellos mismos fuesen “seleccionados”. A pesar de reconocer que no tenían alternativa, tamaña atrocidad nos deja hundidos en la butaca.
Saúl, para no volverse completamente loco, dentro de la tortura psicológica que supone colaborar en semejante barbarie, encuentra su tabla de salvación moral en el intento de rescatar de las llamas el cadáver de un niño, al que toma por su hijo, para enterrarlo según el rito judío.
Esta sorprendente ópera prima, cruda y sin concesiones, se encuentra diseñada desde un principio para hacer sentir incómodo al público. Todas las decisiones estéticas y estilísticas forman parte de una propuesta absolutamente coherente con lo que quiere narrar, por muy experimental que pudiera parecer el uso continuo de planos secuencia concatenados. De esta forma, teniendo siempre al protagonista en primer término, le acompañamos en este descenso a los infiernos en el que, con gesto desencajado, observamos el proceso cuasi industrial mediante el que el ejército nazi deshumanizaba el trato a los prisioneros primero y a sus cadáveres y objetos de valor después.
Nemes ha querido encajonar la acción entre los estrechos márgenes del exiguo cuadrilátero de su cámara transmitiendo con ello la atmósfera claustrofóbica e irrespirable que se vive en esta factoría de la muerte; sin apenas diálogos, reduciendo a la mínima expresión una partitura prácticamente imperceptible que, sin subrayados dramáticos, ayuda a plasmar la terrible realidad retratada. Nos encontramos ante un trabajo sobrio, tremendamente impactante, que trata un aspecto apenas transitado a la hora de hablar del Holocausto y al que poco hemos de reprochar. Tal vez la franqueza con la que nos abruma desde el inicio. El Óscar a la mejor película de habla no inglesa ya tiene dueño.
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El hijo de Saúl
Dirección: Lázsló Nemes
Guión: Lázsló Nemes y Clara Röyer
Intérpretes: Géza Röhrig, Levente Molnár, Urs Rechn
Fotografía: Mátyás Erdély
Duración: 107 min.
Hungría, 2015
El cine de Hollywood ha sabido retratar como nadie esas historias de éxito emprendedor de inventores que pasaban de la nada más absoluta al infinito, aplicando ese sentido de la épica y del hombre hecho a sí mismo tan genuinamente estadounidense que provocaba la adhesión inmediata del espectador sin pararse a especular sobre la credibilidad del guión. Y lo hacía tanto a la hora de narrar triunfos como a la de hacerlo con auténticas carreras de obstáculos hacia el sueño americano. Joy evoca en nuestro recuerdo las odiseas de dos visionarios que se enfrentaron a los poderes fácticos con sus diseños por bandera: Jeff Bridges como Preston Tucker, con su innovador utilitario, en Tucker, un hombre y su sueño y, sobre todo, Greg Kinnear dando vida a Robert Kearns, con su patente del limpiaparabrisas intermitente en Destellos de genio.
Este filme le da la vuelta al tópico, ya que la mente que idea los ingenios es una mujer, que tan solo por el hecho de serlo se verá obligada a superar muros mucho más altos para ser tomada en serio que sus colegas del primer párrafo. En esta ocasión pone en jaque a la industria de la limpieza del hogar gracias a la fregona lavable y autoescurrible.
El guión primigenio, obra de Annie Mumolo, siguiendo las directrices del género glosaba la figura de Joy Mangano y su revolucionario mocho. Tal vez se hubiese convertido en una película más, es difícil saberlo, pero con toda probabilidad se habría situado muy por encima de un decepcionante trabajo que adolece gravemente de un ataque de originalidad sobrevenida y de autoría galopante de un director y guionista al que los excesivos reconocimientos de la Academia han hecho que deje de pisar tierra firme.
Al tratar de hacer algo distinto con aquel primer libreto reuniendo en el personaje principal las historias de diferentes mujeres que vivieron semejantes circunstancias para llevar adelante sus creaciones, David O. Russell construye un filme irregular que no termina de fluir en ningún momento y que no engancha con el espectador. El aspecto más sangrante tiene que ver con la extravagante caterva de secundarios, a cual más estrafalario, que en lugar de matizar la narración con un toque exótico la convierten en una excentricidad absurda. Duele especialmente advertir cómo Robert de Niro e Isabella Rossellini parecen incómodos dentro de la piel de sus personajes, totalmente desquiciados, hasta el punto de resultar tan irritantes como ellos. La única que mantiene el tipo es Jennifer Lawrence gracias a un talento que le ha permitido flirtear con el cine comercial sin dejar de lado papeles más arriesgados y de calidad.
Salvo en un par de momentos álgidos, la montaña rusa en la que Russell ha convertido este largometraje desciende frenéticamente sin nada que le ponga freno. Joy no hace sino confirmar, vista la entusiasta veneración de trabajos simplemente correctos como El lado bueno de las cosas o La gran estafa americana, que nos encontramos ante uno de los directores más sobrevalorados del Hollywood reciente.
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Joy
Dirección: David O. Russell
Guión: David O. Russell, a partir de una historia de Annie Mumolo
Intérpretes: Jennifer Lawrence, Robert de Niro, Bradley Cooper
Fotografía: Linus Sandgren
Duración: 124 min.
Estados Unidos, 2015
La noche de fin de año siempre ha dado mucho juego cinematográficamente hablando. Gran número de películas de diversa índole, procedencia y calidad han ubicado su momento culminante en esta fecha tan señalada: una obra maestra incontestable como El apartamento; el filme que nos explicó por qué los hombres y las mujeres no pueden ser amigos, Cuando Harry encontró a Sally; una historia de ciencia ficción que daba la bienvenida al año 2000, Días extraños; un paseo romántico e independiente por un Los Ángeles en blanco y negro, Buscando un beso a media noche; o las vidas cruzadas de unos cuantos neoyorquinos en clave navideña, Noche de fin de año. La nómina de directores y directora no suena nada mal: Billy Wilder, Rob Reiner, Kathryn Bigelow, Alex Holdridge y Garry Marshall.
Con desigual suerte, José Corbacho y Juan Cruz van a pasar a formar parte de este curioso club por doble motivo. A la anécdota dramática se une el hecho de que el día escogido por la distribuidora para hacer llegar el largometraje a las salas comerciales es el mismo en el que transcurre una trama que viene a contar, en tono de comedia negra, los avatares que sufre un variopinto grupo de viajeros, y la no menos singular tripulación, del AVE que sale de Barcelona a las 17:30 del 31 de diciembre camino de Madrid cuando una avería provoca que el convoy se detenga en mitad de ninguna parte y se vean obligados a pasar las últimas horas del año juntos.
A pesar del bagaje de los dos realizadores; con un sorprendente debut, Tapas, Goya a la mejor dirección novel, y una segunda cinta de menor fuste aunque no exenta de interés, Cobardes; cuando uno, después de leer esta sinopsis, se detiene a mirar el cartel promocional no puede apartar su pensamiento de Los amantes pasajeros, el fallido último trabajo de Pedro Almodóvar, y le da por pensar que se ha calcado sospechosamente la premisa argumental cambiando el avión por un tren de alta velocidad. Por desgracia, la primera parte de Incidencias parece confirmar los malos augurios y esa deriva descendente de lo que parecía una prometedora carrera: los gags no terminan de funcionar, con el agravante de la sobreactuación permitida a intérpretes como Ernesto Alterio o Lola Dueñas por parte del dúo regidor.
Debido a las bajas expectativas generadas por esta similitud en el planteamiento, el giro hacia temas de mayor peso dramático, como la corrupción, el terrorismo yihadista o la independencia de Cataluña, que sobreviene mediado el metraje sorprende positivamente, y si bien no es capaz de enderezar totalmente el rumbo de una nave que de inicio había tomado una deriva muy peligrosa, sí que deja mucho mejor sabor de boca del que se preveía, con agradabilísimas sorpresas en el apartado actoral que compensan algún que otro borrón un tanto grosero. Por encima de un valor seguro como Carlos Areces, nos quedamos con una magnífica Toni Acosta que debía haber obtenido una nominación a los Goya.
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Incidencias
Dirección: José Corbacho y Juan Cruz
Guión: Jaime Bartolomé, José Corbacho y Juan Cruz
Intérpretes: Carlos Areces, Toni Acosta, Roberto Álamo
Música: Arnau Bataller
Duración: 90 min.
España, 2015
El pamplonés Fernando González Molina se ha curtido como realizador en el competitivo mundo de las series en el que la dictadura de las audiencias hace que cada capítulo se convierta en un examen. Gracias al importante bagaje acumulado, Antena 3 Films, su productora en el medio catódico, le ofreció llevar Fuga de cerebros a la gran pantalla. Esta comedia desmadrada se convirtió en la película más vista en España en 2009. Las espectaculares recaudaciones de las adaptaciones de las novelas de Federico Moccia Tres metros sobre el cielo y Tengo ganas de ti que vinieron después, supusieron el empujón definitivo que lo situó a los mandos de una de las superproducciones con mayor presupuesto del cine español, el drama colonial Palmeras en la nieve, basado en el best-seller homónimo de Luz Gabás.
La trama transcurre en dos líneas temporales distintas. A través de Clarence, una lingüista que encuentra una enigmática carta entre los papeles de su familia, vamos a viajar de la montaña oscense del siglo XXI al exotismo tropical de Guinea Ecuatorial en los últimos años de ocupación española, a las décadas de los 50 y 60 del siglo pasado en los que su padre, Jacobo, y su tío, Kilian, trabajaron en sus inmensos cacaotales, dejando allí más de un recuerdo y algún que otro secreto.
La elección de Mario Casas, actor fetiche del navarro, para dar vida a Kilian y la condescendencia con la que lo dirige en ocasiones en lugar de atarlo más en corto, es una de las máculas que achacar a González Molina. No se trata de un mal intérprete, pero el personaje principal de esta historia demandaba otro perfil. Por el contrario, su trabajo con el resto del elenco es digno de ser alabado, destacando Alain Hernández que compone un Jacobo duro, seco y oscuro, y una fantástica Berta Vázquez, injustamente ninguneada de cara a los próximos Goya, que dibuja una Bisila deslumbrante.
Tratándose de una historia con un importante trasfondo político-bélico, al estilo de Memorias de África o El paciente inglés, se echa de menos algo más de profundidad en aspectos que la novela glosa de manera profusa como la convulsa situación de una Guinea en los albores de la independencia o la riqueza del mestizaje lingüístico del país. Aunque en honor a la verdad, teniendo en cuenta que no se puede contentar a cada uno de los lectores, director y guionista (Sergio G. Sánchez) han acertado separando la película del libro, apostando por salpicar la trama principal con parte del nutrido contexto que proveía el magnífico relato.
Dos medios distintos han de utilizar gramática y recursos estilísticos diferentes, prescindiendo incluso de giros argumentales completos además de condensar ciertas líneas narrativas y personajes, dada la economía temporal de la que se ha de hacer gala. Transformar más de 700 páginas en lenguaje cinematográfico resulta una labor ingente, complicada, casi imposible, y estos cineastas han logrado, de manera meritoria, 163 minutos de tensión e interés, sin tiempos muertos, que terminan por enganchar al espectador.
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Copyright imágenes © Nostromo Pictures, Atresmedia cine, Warner Bros. Pictures International, Telefónica Studios, Dynamo. Cortesía de Warner Bros. Pictures España. Reservados todos los derechos.
Palmeras en la nieve
Dirección: Fernando González Molina
Guión: Sergio G. Sánchez, basado en la novela de Luz Gabás
Intérpretes: Mario Casas, Berta Vázquez, Adriana Ugarte
Música: Lucas Vidal
Fotografía: Xavi Giménez
Duración: 163 min.
España, 2015
¡Viva Zapata! 