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Los curiosos mecanismos de la memoria – Crítica de “El sentido de un final” (2017)

En el cine la memoria siempre se ha representado por medio de un recurso narrativo muy particular llamado flashback. Una exposición de hechos pretéritos, ilustrada con imágenes, que uno de los personajes realiza en conversación con otro o a través de una voz en off con el espectador como interlocutor. El clásico, a veces introducido por un efecto óptico, nos cuenta de forma prolija una vicisitud real. Un fogonazo que está encerrado de forma traumática en el subconsciente y fluye, muy poco a poco, a través de algún elemento recurrente, es el típico del género de suspense. En el thriller, si el detenido no dice la verdad al agente que lo está interrogando, el resultado visual de esas palabras conforma un flashback mentiroso. O las distintas visiones que exponen diferentes testigos del mismo acontecimiento, cada uno con su versión.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL SENTIDO DE UN FINAL_Jim Broabdent y Harriet Walter

Tenemos una memoria selectiva y muchas veces evocamos las cosas no de la manera en que tuvieron lugar sino como creemos que sucedieron. Además de alterar un acontecimiento concreto de nuestra vida, el curioso funcionamiento del cerebro nos hace borrar determinados pasajes, ya sea por su naturaleza traumática o bochornosa, como estrategia de auto defensa, para protegernos de la cruda realidad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL SENTIDO DE UN FINAL_Jim Broabdent y Michelle dockery

El sentido de un final, además de plantear una muy interesante (por atípica dentro del cine) reflexión sobre la vida y ahondar en el análisis del tipo de persona que es Tony, el protagonista, de cómo se ve a sí mismo cuando los fantasmas del pasado regresan en el momento en que está a punto de convertirse en abuelo, supone un ejercicio de disección de esos curiosos mecanismos que rigen en el momento en que nos ponemos a rebuscar en el baúl de los recuerdos y, sin ser conscientes de ello, omitimos ciertos episodios o modificamos otros en el absoluto convencimiento de que aquello acaeció de la manera en la que nuestras palabras lo reconstruyen.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL SENTIDO DE UN FINAL_Emily Mortimer

Aplicando esto al lenguaje fílmico, Ritesh Batra, el director indio triunfador con su ópera prima The Lunchbox, experimenta con la estructura y plantea un juego de muñecas rusas que mezcla distintos tipos de flashbacks, de los que hablábamos más arriba, en los que quedan huecos por cubrir que poco a poco van completando un relato de emociones, de amistad, de secretos, de pasiones, de enamoramiento, de amor, de desamor y finalmente de equilibrio en el balance de toda una existencia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL SENTIDO DE UN FINAL_Jimi Broaddent y charlotte Rampling restaurante

Obtiene notables interpretaciones de un excelente reparto que combina pesos pesados del cine británico del cariz de Jim Broabdent o Charlotte Rampling con grandes promesas que dejan su impronta a pesar de sus escasos minutos en pantalla, en el caso de Joe Alwyn, al que, con Billy Lynn en la memoria, ya le auguramos un brillante futuro.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL SENTIDO DE UN FINAL_Joe Alwyn y Billy Howle

Poco que reprochar a un largometraje que no llega a la excelencia pero que deja un poso de buen cine. Minucias como un par de secuencias prescindibles, ya que determinada falta de química detectada entre un par de intérpretes se revela, finalmente, algo buscado intencionadamente que termina de dar forma al argumento.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL SENTIDO DE UN FINAL_Jim Broabdent

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Origin Pictures, BBC Films, CBS Films, Filmnation Entertainment. Cortesía de Vértigo Films. Reservados todos los derecho

 

El sentido de un final

Dirección: Ritesh Batra

Guión: Nick Payne, basado en la novela homónima de Julian Barnes

Intérpretes: Jim Broabdent, Charlotte Rampling, Harriet Walter

Música: Max Richter

Fotografía: Christopher Ross

Montaje: John F. Lyons

Duración: 108 min.

Reino Unido, 2017  

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No juzgues un libro por su portada – Crítica de “Wonder” (2017)

Alguna mente corta de miras (y un tanto prejuiciosa) podría calificar a esta película como un placer culpable avergonzada de reconocer que se ha emocionado cuando todo lo que esperaba era empalago y sensiblería barata. Reducir Wonder a ese par de palabras tan «de moda» es tanto como infravalorarla, cuando lo correcto sería ensalzar su valía como vehículo para transmitir sentimientos y enseñanzas, y como espejo en el que mirarnos y reconocernos.

El best seller de la literatura juvenil de R.J. Palacio y el guión de este trabajo consiguen de manera inmediata la universalidad a través de un acontecer específico y concreto, duro, como la circunstancia que rodea al protagonista, pero repleto de la ironía y el sentido del humor necesarios para ser asimilado por el gran público, y tan excelentemente expuesto como para conectar con la audiencia a través de la empatía.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_WONDER_Owen Wilson, Jacob Tremblay, Izabela Vidovic y Julia Roberts

Sé que no soy un niño de diez años como los demás. He pasado por veintisiete operaciones. Me han ayudado a respirar, a ver, a oír sin audífono, pero ninguno ha conseguido que parezca normal. El reto de Auggie, afrontar 5º curso en un colegio con otros chicos de su edad por primera vez en su vida. Su temor (y el de su familia), las reacciones ante su apariencia física debido a una enfermedad genética, la disostosis mandibulofacial o Síndrome de Treacher Collins, caracterizada por malformaciones craneofaciales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_WONDER_Jacob tremblay y Julia Roberts 3

La estructura del filme nos va a deparar una agradable sorpresa: no se centra exclusivamente en el relato de este chaval excepcional. En distintos capítulos se da cabida a los diversos planetas que rodean a este sol. Brillantemente se nos ofrece un largometraje coral en el que cada rol es importante para mostrarnos que cualquiera en su interior, da igual el aspecto que tenga, sufre por no sentirse querido. Esta cinta habla de la imagen que proyectamos a los demás y de cómo somos realmente, de la necesidad de ser amado y de nuestra influencia sobre los que nos rodean.

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Stephen Chbosky ya demostró su capacidad para crear magníficos personajes en su novela Las ventajas de ser un marginado, revelándose como un estupendo cineasta y un fantástico director de actores al adaptar su texto al séptimo arte. Aquí ha vuelto a lograr que todo su reparto resplandezca con luz propia equilibrando la aportación de cada intérprete, con una mención especial para Jacob Tramblay, que ya asombró en Room, y su hermana en la ficción, Izabela Vidovic, auténtica revelación.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_WONDER_Owen Wilson, Julia Roberts, Jacob Tremblay, Izabela Vidovic, Ellaine Rose Russell

Digno heredero de John Hughes, Chbosky ha encontrado ese resorte, esa forma de narrar que contiene los ingredientes adecuados para conectar con nuestra fibra sensible, evitando lo edulcorado y provocando que lo contado nos llegue hasta el tuétano. Uno escucha: «todos tenemos marcas en la cara, son el mapa que nos muestra dónde hemos estado»; y recuerda El hombre sin rostro (excelso debut en la realización de Mel Gibson); y piensa que haríamos bien en no juzgar un libro por su portada.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Lionsgate, Mandeville Films, Participant Media, Walden Media. Cortesía de eOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

 

Wonder

Dirección: Stephen Chbosky

Guión: Stephen Chbosky, Steven Conrad y Jack Thorne, basado en la novela La lección de August de R.J. Palacio

Intérpretes: Jacob Tremblay, Izabela Vidovic, Julia Roberts

Música: Marcelo Zarvos

Fotografía: Don Burgess

Duración: 113 min.

Estados Unidos, Hong Kong, 2017 

El arte de la elipsis – Crítica de “En realidad, nunca estuviste aquí” (2017)

Cuando atribuimos a una película chispazos, referencias u homenajes que la emparentan tangencialmente con trabajos tan diversos como Psicosis, Cadena Perpetua, Sexo, mentiras y cintas de vídeo y Las aventuras de Priscilla, reina del desierto o más directamente con Carretera perdida, Drive, Taxi driver y El silencio de un hombre, estamos alabando su heterogeneidad pero, sobre todo, su singularidad.

La obra maestra de Jean-Pierre Melville, referencia para tantos filmes, impregna cada fotograma desde un inicio tan elocuente como exento de diálogos. La cámara fija su atención en extraños detalles impropios de una habitación de hotel de tercera. La fotografía de una niña que desaparece ardiendo sobre una papelera, el detector de humos protegido con plástico para evitar que suene la alarma, los restos ensangrentados encima de la cama junto a un colgante con el nombre de Sandy, el tipo corpulento, vestido de negro, encapuchado y con guantes en las manos, que recoge todo para deshacerse de ello y dejar el edificio por la puerta de servicio, la manera efectiva y certera de librarse del ataque que sufre nada más acceder a la callejuela trasera.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN REALIDAD NUNCA ESTUVISTE AQUÍ_Joaquin Phoenix pistola

¿Un psicópata, un asesino en serie? ¿Quién es la chica de la foto? ¿Su víctima? El fulano tiene el rostro demacrado de Joaquin Phoenix, barba desaliñada y el pelo grasiento recogido en una especie de moño. Se dirige a una cabina y le espeta a un contestador: hecho. Más parece un matón a sueldo que otra cosa. Lo que realmente nos descoloca es el momento de regresar a la casa donde vive con su madre, el costumbrismo y las bromas hitchcockianas que le gasta su progenitora, ignorante de sus menesteres: ¿dónde pasas tanto tiempo, hijo mío?

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN REALIDAD NUNCA ESTUVISTE AQUÍ_Joaquín Phoenix agua

El magnífico guión (galardonado en Cannes) firmado por la directora, Lynn Ramsey, engancha desde el principio creándonos dudas, intrigándonos, planteándonos continuas preguntas que responde de manera gradual, administrando la información de forma precisa hasta el momento en que el argumento queda definido. Cuidado hasta el mínimo detalle, no deja de desvelar pequeñas sorpresas que impactan en la audiencia de la misma manera que el tratamiento cortante y minimalista de una violencia exacerbada pero mostrada de una manera seca, abrupta, por medio de elipsis, enseñando directamente el resultado final, el cuerpo inerte y lacerado, o retratándola sobre planos sin audio, en una esquina del encuadre, sin dejar tiempo a que se aprecie, sin magnificarla con efectos de sonido, sin regodearse en ella. Contundente por real, nada cinematográfica.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN REALIDAD NUNCA ESTUVISTE AQUÍ_Joaquin Phoenix mirada fija

La enrarecida atmósfera, a la que contribuye en gran medida la turbadora partitura, deja entrever ecos de David Lynch, con un Phoenix inmenso que, a pesar de estar merodeado por la sombra de Travis Bickle, compone un inclasificable y contradictorio personaje que merecidamente le hizo ganar el premio al mejor actor en el pasado Festival de Cannes.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN REALIDAD NUNCA ESTUVISTE AQUÍ_Joaquin Phoenix coche

Silencio, escasas y escogidas palabras y una gran lección de narrativa fílmica de una realizadora con notable personalidad que nos regala un inusitado plano final con una no menos inquietante última frase: Joe, despierta, hace un día precioso.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN REALIDAD NUNCA ESTUVISTE AQUÍ_Joaquin Phoenix puerta

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Film 4, Why Not Productions. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

 

En realidad, nunca estuviste aquí

Dirección y guión: Lynn Ramsey, a partir de la novela homónima de Jonathan Ames

Intérpretes: Joaquin Phonex, Ekaterina Samsonov, Alessandro Nivola

Música: Jonny Greewood

Fotografía: Thomas Townend

Montaje: Joe Bini

Duración: 85 min.

Reino Unido, Francia, Estados Unidos, 2017

Una oportunidad perdida – Crítica de “6 días” (2017)

Basado en hechos reales. El rótulo y la rápida sucesión de noticiarios británicos nos van ubicando espacial, temporal y temáticamente. Una de las voces achaca el crecimiento del terrorismo internacional a las tácticas de negociación y concesión utilizadas por los gobiernos permitiendo el éxito de estas acciones por parte de quienes las perpetraron. Del resto, dos acontecimientos destacados. El fracaso de las tropas de élite estadounidenses para rescatar a 52 compatriotas retenidos en Irán, crisis que reflejó el filme Argo, y el primer aniversario del ascenso al cargo de la Primera Ministra Margareth Thatcher, de la que se habla en términos elogiosos a pesar de lo polémico de sus medidas económicas y sociales. Indudablemente nos hallamos en 1980.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_6 DÍAS_Terroristas de Arabistán

Acabada la introducción asistimos a la toma de la embajada iraní en Londres por miembros del Frente Democrático Revolucionario para la Liberación de Arabistán, provincia de la antigua Persia donde se habla árabe, que exigen, amenazando con ejecutar uno a uno a sus rehenes, autonomía para su región y la liberación de 91 presos políticos encerrados en cárceles por el régimen del ayatolá Jomeini,

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_6 DÍAS_Terroristas de Arabistán 2

El largometraje se vertebra a partir de los cinco vértices del problema: los terroristas, la prensa, las Fuerzas Especiales, la Unidad de Negociadores y los altos mandos de gobierno y ejército. La presentación de los personajes principales en la que el cabo segundo Rusty Firmin (Jamie Bell) precede al inspector jefe Max Vernon (Mark Strong) deja claro que el dilema entre la utilización de la fuerza o la palabra para resolver el trance no es tal. La toma de partido de la película por una de las dos vertientes expuesta en la misma presentación provoca una importante merma del interés que nos despierta este trabajo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_6 DÍAS_Jamie Bell

El guión muestra varios puntos débiles que dan la sensación de oportunidad perdida para haberle hincado el diente a una situación muy rica en conflictos éticos y morales. Se echa de menos una mayor presencia en la trama de los medios de comunicación, con dos periodistas entre los secuestrados, completamente ignorados, y una reportera, Kate Adie (Abbie Cornish), que realizó una innovadora cobertura informativa de los hechos que el largometraje soslaya por completo relegando su personaje a un decepcionante segundo plano. Aunque lo más sangrante proviene de la lacerante falta de complejidad argumental que pedía a gritos un tratamiento en profundidad, mucho más incisivo, de la disyuntiva entre negociación y asalto.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_6 DÍAS_Jamie Bell en la embajada

De la apenas hora y media de metraje los primeros sesenta minutos resultan reiterativos, faltos de punch y carentes de tensión. Ni la realización ni el montaje dan la talla. Espías desde el cielo, con un planteamiento muy similar en cuanto a trama, estructura y duración, resulta mucho más atractiva visualmente, es capaz de crear suspense y todo ello aportando una riqueza narrativa y temática que hace tremendamente interesante la disquisición presentada. El simplismo de 6 días en cuanto a su desarrollo y a las conclusiones que se derivan del mismo ni siquiera puede compensarse con la siempre estimulante presencia de Mark Strong.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_6 DÍAS_Mark Strong

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  General Film Corporation. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

6 días

Dirección: Toa Fraser

Guión: Glenn Stranding

Intérpretes: Jamie Bell, Mark Strong, Abbie Cornish

Música: Lachian Anderson y David Long

Fotografía: Aaron Morton

Duración: 94 min.

Reino Unido, Nueva Zelanda, 2017 

En busca de la inspiración – Crítica de “El autor” (2017)

Drama es la lucha de nuestro héroe para superar aquellos obstáculos que le impiden cumplir su objetivo. El ponente de la masterclass resulta muy convincente. Álvaro, un tipo gris que trabaja en una notaría, escucha casi ensimismado. Vive a la sombra de su mujer, autora de best sellers, y está obsesionado con las reglas de oro que le lleven a poder escribir, algún día, “alta literatura”. La separación temporal de su esposa le dará la oportunidad de trasladarse a una curiosa comunidad de vecinos que despertará su creatividad y le empujará a cruzar límites que un simple observador no debería sobrepasar. Terminará comprobando cómo se cumple el axioma que dice que por mucho que los escritores crean dominar la realidad siempre es ella la que acaba sometiéndolos a ellos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL AUTOR_Javier Gutiérrez ordenador

La mala baba del guión, que adapta la primera novela de Javier Cercas, El móvil, obra del director, Manuel Martín Cuenca, y de Alejandro Hernández, se encuentra presente desde el primer momento. Una vez aceptada la propuesta tonal en cuanto a ironía y sentido del humor solo hay que dejarse llevar por un relato perfectamente plasmado en su espíritu y enriquecido en cuanto a estructura, ritmo e imagen.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL AUTOR_Javier Gutiérrez y Adelfa Calvo

El autor reflexiona acerca de la creación literaria a partir de un fulano que considera que lo más importante en su vida es parir una novela que trascienda, con un estilo elevado, más allá de la facilona y ramplona literatura de masas que ha catapultado al éxito a su pareja. Este antihéroe incorporado por un excelso Javier Gutiérrez no dudará en crear conflictos y manipular los aconteceres que le rodean para convertirlos en material narrativo de primera, encarnando, de alguna manera, el reverso del fracasado protagonista de una de las cimas del cine español, Los peces rojos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL AUTOR_Javier Gutiérrez y Antonio de la Torre

El tour de force de la película con el público plantea un más difícil todavía con el paso de las secuencias. ¿Hasta dónde será capaz de llegar Álvaro con tal de que la realidad se adapte a su soñada ficción? El profesor de escritura creativa que interpreta un Antonio de la Torre de Goya contribuye definitivamente a los delirios de grandeza de este aspirante a literato en un antológico monólogo en el que le conmina a buscar la inspiración en su propio día a día, llegando a afirmar que en caso de bloqueo utilice una tajante técnica atribuida a Hemingway que da lugar a un plano innecesariamente explícito que, al no aportar información esencial para el desarrollo de la trama, se podría haber rodado de otra manera manteniendo el efecto cómico. Única nimiedad achacable, junto con otro encuadre de similares características, al magnífico trabajo del responsable de Caníbal.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL AUTOR_Javier Gutiérrez al teclado

Cuenca, con la complicidad de su habitual director de fotografía Pau Esteve, articula una sátira guiñolesca en la que la caverna platónica sirve de modelo a unas hermosas composiciones que, más allá de su belleza estética, elevan la escritura en imágenes a lenguaje cinematográfico de primer nivel. La música de un debutante de 72 años, José Luis Perales, hace el resto.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL AUTOR_Javier Gutiérrez, María León y Antonio de la Torre

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  La Zona Films, Icónica Producciones, La Loma Blanca P.C. Cortesía de Filmax. Reservados todos los derechos.

 

El autor

Dirección: Manuel Martín Cuenca

Guión: Manuel Martín Cuenca y Alejandro Hernández, basado en la novela El móvil de Javier Cercas

Intérpretes: Javier Gutiérrez, Adelfa Calvo, Antonio de la Torre

Fotografía: Pau Esteve Birba

Música: Pablo Perales y José Luis Perales

Duración: 112 min.

España, 2017

Historias que hacen que compartamos emociones – Crítica de “La librería” (2017)

Me dijo una vez: «cuando leemos una historia la habitamos; las cubiertas de los libros son como un techo y cuatro paredes: una casa». Lo que más le gustaba del mundo era el momento en que terminas una novela y el relato te sigue acompañando como el más vívido de los sueños. Y después de eso le gustaba dar largos paseos para aclarar su mente de todas las emociones que esa obra le había provocado.

La voz en off que abre esta película describe en términos literarios, de manera apasionada pero lúcida, la misma sensación que invade a un cinéfilo cuando, al encenderse las luces, permanece sentado en la sala contemplando los créditos finales y escuchando la banda sonora; reposando eso tan hermoso que acaba de presenciar. Un estado que puede prolongarse varias decenas de minutos o llegar a durar horas e incluso días, dependiendo de la intensidad con la que la cinta haya golpeado su alma inquieta.

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Esa misma mañana, tras años confusos de lecturas, paseos y luto por la muerte de su marido, Florence Green se despertó sabiendo exactamente qué quería hacer. Abriría una librería en el pueblecito al que había ido a vivir.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA LIBRERÍA_La Librería

A través de una galería de pintorescos personajes, Isabel Coixet articula una narración con el coraje y el amor por la literatura en primer plano, pero también se hace eco de la mezquindad que, disimulada de falsa cortesía, aflora en determinadas pequeñas comunidades para rechazar y expulsar de las mismas a todo el/lo que viene de fuera.

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El texto original de Penelope Fitzgerald, que la directora catalana ha adaptado, ubica la acción en la campiña inglesa, en 1959, casi quince años después de que terminase la segunda gran contienda mundial. A pesar de ello, según qué artimañas de la nobleza con influencias en los círculos políticos nos pueden resultar desagradablemente familiares. Las maniobras de la señora Gamart (impecable Patricia Clarkson) para que le sea expropiada la propiedad en la que Florence Green pretende abrir su tienda se encuentran a la altura de cualquier cacique local que hayamos podido conocer, con la salvedad de que ella lo hace desde la más exquisita educación, faltaría más.

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Aunque las verdaderas joyas de la novela, del guión y del filme las encontramos en las almas gemelas que congenian con el espíritu valiente de la protagonista. La complicidad que obtiene de Christine, la ingeniosa Honor Kneafsy, la niña que, más allá de su desapego por los libros, se convierte en fiel escudera y ayudante. Y la amistad, el gusto compartido por la lectura y mucho más que eso, que surge de una intensa relación epistolar que el aparentemente huraño y misántropo señor Brundish mantiene con Florence gracias a los pedidos que realiza a su establecimiento. Aquí es donde la estupenda Emily Mortimer y un grande de la cinematografía británica como Bill Nighy consiguen estremecernos de manera sutil y elegante, trayéndonos a la memoria hermosos pasajes de La carta final que todavía pululan en nuestro recuerdo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA LIBRERÍA_Bill Nighy

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  A Contracorriente Films, Diagonal TV, Zephyr Films, ONE TWO Films, Green Films. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

La librería

Dirección y guión: Isabel Coixet, basado en la novela homónima de Penelope Fitzgerald

Intérpretes: Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Bill Nighy

Música: Alfonso de Villalonga

Fotografía: Jean-Claude Larrieu

Montaje: Bernat Aragonés

Duración: 110 min.

España, Reino Unido, Alemania, 2017

Comelodrama – Crítica de “La gran enfermedad del amor (The big sick)” (2017)

«Kumail, si no quieres ser abogado, bien. Si prefieres hacer monólogos y avergonzarnos como familia, de acuerdo. Solo te pedimos una cosa, sé un buen musulmán y cásate con una chica pakistaní».

En toda comedia romántica que se precie (incluidas las independientes y triunfadoras en Sundance) el chico y la chica se conocen en un entorno singular y a través de diálogos ingeniosos se engatusan mutuamente sin saber cuál de los dos está cayendo en las redes del otro. Ella le ha llamado la atención interpelándole mientras declamaba sobre el escenario. Él se ha acercado a la barra del bar tras la actuación con la excusa de sermonearle. La atracción de opuestos entra en juego. «¿Cómo te llamas?». Ella coquetea sonriente. «Emily». Él garabatea algo en una servilleta. «Emily, éste es tu nombre en urdu». La curvilínea caligrafía en el idioma de su niñez aparece hermosa y llamativa. «¿Te ha funcionado esto alguna vez?».

Kumail Nanjiani as "Kumail" in THE BIG SICK. Photo by Nicole Rivelli.

Tras una velada viendo La noche de los muertos vivientes, ¿quién podría resistirse? Y de tener reticencias, una segunda cita con El abominable Dr. Phibes y Vincent Price como anfitrión acaban por convencer a la más escéptica.

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El problema, la estricta pero divertida familia Nanjiani. Orgullosamente pakistaní, respetuosamente musulmana y profundamente amante de las tradiciones. La multitud de hermosas pretendientes y compatriotas que aparecen «por sorpresa» a la hora de cenar, con una foto y un escueto currículo, haciendo gala de su buen dominio del urdu, son la prueba viviente de que los padres de Kumail, en Chicago, en pleno siglo XXI, creen a pies juntillas en los matrimonios concertados. Habrá que ver si su vástago es capaz de explicarles que ya sale con alguien que no profesa el islam.

Zenobia Shroff as "Sharmeen" in THE BIG SICK. Photo by Nicole Rivelli.

El sello Apatow en la producción denota que vamos a encontrar más realidad de la habitual en el ABC de un género edulcorado per se. Este hecho, diferencial en lo positivo, conlleva el único aspecto negativo de la cinta. Tras una presentación ágil y brillante, genuinamente enmarcada en lo hilarante y lo amoroso, el paso al segundo acto, que dramatiza la trama, atasca esa fluidez y ralentiza la narración hasta el punto de requerir las tijeras del montador para atajar ese punto muerto y reducir, de paso, una duración que se extiende hasta las dos horas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR (THE BIG SICK)_Zoe Kazan y Kumail Nanjiani en el sofá

Es el único pero achacable a un largometraje que sabe retomar la buena senda con la que echó a caminar y que habría que catalogar, inventando un nuevo palabro, como comelodrama: comedia romántica + melodrama. El cabeza de cartel y co autor de un notable guión con un marcado toque autobiográfico, Kumail Nanjiani, echa mano de la ironía para reírse de los tópicos relacionados con la religión musulmana, de las costumbres llevadas al límite e incluso del terrorismo islamista. No en vano interpreta a una versión de sí mismo. Su química con Zoe Kazan resulta innegable y la personalidad que ésta insufla a su Emily la dota de un carisma, un sentido del humor y una ternura que la hacen irresistiblemente atractiva.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Apatow Productions, Filmnation Entertainment, Story Ink. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

 

La gran enfermedad del amor (The big sick)

Dirección: Michael Showalter

Guión: Emily V. Gordon y Kumail Nanjiani

Intérpretes: Kumail Nanjiani, Zoe Kazan, Holly Hunter

Música: Michael Andrews

Fotografía: Brian Burgoyne

Montaje: Robert Nassau

Duración: 120 min.

Estados Unidos, 2017

El concepto de justicia – Crítica de “El tercer asesinato” (2017)

Dos hombres caminan por una estrecha vereda. Repentinamente uno de ellos acaba a golpes con la vida del otro. Rocía el cadáver con gasolina, enciende una cerilla y la arroja sobre el cuerpo provocando una intensa fogata que ilumina la noche.

Por primera vez Hirokazu Kore-eda, autor de obras maestras como De tal padre, tal hijo y con querencia por las historias intimistas y profundas, se adentra en las procelosas aguas del cine negro. Lo hace sin abandonar su sello personal, aportando su peculiar forma de relatar a un género habitualmente encorsetado por los arquetipos. Para corroborar que no nos encontramos ante un thriller al uso, el japonés nos muestra, nada más comenzar y sin ningún tipo de tapujo, el quién, y una vez liberada nuestra avidez por descubrir si este individuo es o no un asesino focaliza la atención en otra cuestión con mucha más enjundia: ¿por qué?

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL TERCER ASESINATO_El asesinato

Misumi, que así se llama el interfecto, es detenido y acusado de robo con homicidio. El tipo, que ya cumplió pena de cárcel por otro crimen hace treinta años, reconoce ser culpable, lo que probablemente signifique la pena de muerte. Su defensa recae sobre un letrado de reconocido prestigio, Shigemori, que a medida que ahonda en los entresijos del caso a través de los distintos testimonios empieza a dudar de la culpabilidad de su cliente.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL TERCER ASESINATO_En la encrucijada

Sin renunciar a su sempiterno sentido del humor, Kore-eda aborda en profundidad un asunto tan intrincado como lo que es justo o deja de serlo. “Todos navegamos en un barco llamado Justicia”, espeta uno de los personajes, dando por hecho que las instancias legales ya han decidido que Misumi es culpable. Y es esa certeza la que provoca que Shigemori se rebele. Persevera en la búsqueda de una verdad que, pese a las manifiestas evidencias, pueda esconder algo que exculpe al reo. Y en ese tortuoso descenso a los infiernos su fe en la ley y en el sistema jurídico comienza a tambalearse. Por primera vez aprecia como un teatrillo la pantomima que magistrados, fiscales y abogados defensores desarrollan en los tribunales mientras los afectados se encuentran a expensas de lo que estos orquesten.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL TERCER ASESINATO_Interrogatorio en la celda

La magnífica realización de Kore-eda nos muestra el gradual acercamiento de pareceres entre los dos protagonistas acortando los espacios que los separan en cada plano contraplano hasta fundirlos en el mismo encuadre, aportando con su caligrafía visual contenido a lo puramente estético. El nexo de unión, la relación padre-hija, tema recurrente en la filmografía del cineasta nipón, que aquí se llega a multiplicar hasta por tres, entrando en escena la primogénita del finado, cuya presencia tiene un importancia vital en el desarrollo de la trama.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL TERCER ASESINATO_La hija y la mujer del asesinado

Sin alcanzar el brillo de anteriores trabajos, el intríngulis del título, los guiños a clásicos como Perdición, la magnífica banda sonora de Ludovico Einaudi, con ese toque occidental tan del gusto del maestro tokiota, sus virtudes como narrador y la reflexión a la que nos somete, bien merecen dos horas de nuestra completa atención.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL TERCER ASESINATO_En el juicio ok

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Toho. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

El tercer asesinato

Dirección, guión y montaje: Hirokazu Kore-eda

Intérpretes: Masaharu Fukuyama, Kôji Yakusho, Suzu Hirose

Música: Lodovico Einaudi

Fotografía: Mikiya Takimoto

Duración: 124 min.

Japón, 2017

Cine Fórum,”El olivo”, Salón de Actos Castillo de Marcilla – sábado 28-10-2017 – moderado por Manu Zapata

El regreso a uno de los lugares donde te hacen sentir como en casa siempre es gratificante, y si es para disfrutar de una estupenda película como “El olivo” lo es por partida doble. Por eso, la gran afluencia de público al Salón de Actos del Castillo de Marcilla de ayer por la noche, pero, sobre todo, el trajín de pañuelos y respiraciones entrecortadas de los minutos finales de la proyección, le dejan a uno una agradable sensación de satisfacción. La culminación de todo que, tras el animado coloquio, todos hayamos podido compartir las inquietudes y los sentimientos que nos despertó el certero mensaje no exento de emoción de una película que, de forma transversal, aborda varias temáticas en distintos niveles y las integra en un guión brillante y emotivo.

Como siempre, mi sincero agradecimiento a la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Marcilla, con Vicente Navarro al frente, a Merche Boneta, Técnica de Cultura del mismo,y a la bibliotecaria Gloria Perales sin los que esto no hubiese sido posible.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL OLIVO_Abuelo y nieta con el olivo en la lejanía

Fue todo un placer y una verdadera delicia desentramar entre todos los que allí nos dimos cita las claves de uno de los filmes más importantes que el cine español alumbró en 2016.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL OLIVO_La niña protagnista

Este largometraje de Icíar Bollaín, directora que con Flores de otro mundo y Te doy mis ojos dejó claro su interés por los temas sociales con la mujer como protagonista, y que gracias al guión de Paul Laverty, su pareja y también habitual de otro realizador comprometido con este tipo de argumentos en el Reino Unido como Ken Loach, desarrolla una historia basada en hechos reales, sacada de una noticia de un periódico, en la que se mezclan temáticas tan interesantes como el legado de las generaciones anteriores o la crisis económica y cómo afectó a las personas y a sus entornos. También se encuentran ahí presentes las relaciones familiares que de forma metafórica pueden aglutinar la respuesta que como sociedad hemos dado a esta crisis monetaria pero también crisis de valores.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL OLIVO_Anna Castillo, Javier Gutiérrez y Pep Ambrós

Al frente del reparto, Anna Castillo y Javier Gutiérrez, a los que podemos ver triunfando en televisión gracias a la serie Estoy vivo de la que son protagonistas. Les acompañan el debutante Pep Ambrós, brillante en su primer trabajo, y un actor no profesional, Manuel Cucala, que interpreta a Ramón, al abuelo, y que aporta esa verdad que requiere un personaje crucial.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL OLIVO_Alma y su abuelo con los esquejes

Javier Gutiérrez, un veterano totalmente consagrado, vuelve a hacernos disfrutar con su trabajo, pero la auténtica sorpresa de El Olivo es Anna Castillo, a la que habíamos visto como secundaria en Promoción Fantasma o en series de Televisión como Amar es para siempre, y que aquí explotó definitivamente. Tanto, que ganó el premio a la mejor actriz Revelación en la pasada edición de los Goya y en los galardones que cada año otorga el Círculo de Escritores Cinematográficos. La película además estuvo nominada al Goya al Mejor actor de Reparto, Javier Gutiérrez, al Mejor Guión Original, Paul Laverty, y a la Mejor Banda Sonora, Pascal Gaigne.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL OLIVO_Javier Gutiérrez y Anna Castillo

Icíar Bollaín desarrolla con un estilo sobrio, pero contundente, el magnífico texto que le ha brindado Paul Laverty. Más que ir a buscar la verdad deja que ocurra delante de su cámara, de modo que cada elemento va encontrando su encaje en la historia. Obtiene de sus intérpretes una química que rezuma naturalidad por los cuatro costados. El entrañable tío “Alcachofa” de Javier Gutiérrez, la franqueza del Rafa de Pep Ambrós, la impulsiva Alma de Anna Castillo y la dignidad insobornable del abuelo al que Manuel Cucala viste de la honestidad de un tipo que sabe lo que es el campo y las enseñanzas y el legado de sus mayores.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL OLIVO_La niña y su abuelo

El olivo como metáfora de lo que es uno mismo y no se puede vender ni comerciar con ello porque equivaldría a vender tu alma al diablo, a traicionarte a ti mismo. Y el precioso símil del injerto que representa el legado de nuestros mayores en forma de esa raíz a la que se le acopla la rama nueva, el espíritu innovador y el empuje de una juventud que necesita de esa savia sabia que nos dejan nuestras generaciones anteriores para seguir adelante y mejorar, aprendiendo de los errores de nuestro pasado. Y en torno a este tema principal, la crisis, la corrupción política y urbanística, el respeto a la naturaleza, a la vida, a lo que no es tuyo, la mentira, la lealtad, la traición, las relaciones padre-hija, tío-sobrina, pero sobre todo ese vínculo inquebrantable que se forma entre un abuelo y una nieta que se quieren como a nada en el mundo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL OLIVO_Alma con su abuelo de mayor

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Ayuntamiento de Marcilla, Morena Films. Cortesía de EOne Spain. Reservados todos los derechos.

Las odiosas comparaciones – Crítica de “Handia” (2017)

Cuando uno entra a una sala de cine sin apenas referencias espera que le sorprendan. En el caso de que un trabajo previo le haya seducido aspira a ser subyugado, lo que supone un hándicap para la película en cuestión que no tenía la anterior. Handia, por suerte para Moriarti Produkzioak, sus creadores, nació con una gran expectación por parte de los muchos que amamos la maravillosa Loreak, con la importancia que eso supone de cara a la siempre competitiva taquilla y a la permanencia en cartelera. Aunque la otra cara de la moneda, la de la expectativa, situaba a gran altura el inevitable listón a superar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HANDIA_ante los médicos

Con esa única premisa, que no supone poco bagaje para alguien acostumbrado a abordar un largometraje sin un ápice de información, los primeros veinte minutos resultan netamente esperanzadores amén de espectaculares. Los rótulos iniciales anunciando un contexto histórico, la primera mitad del siglo XIX, que abrigaba notables cambios en el mundo tal como se conocía; desde los producidos en el ámbito científico y cultural como los derivados de la mutante geopolítica, con el fin del antiguo régimen y la revolución francesa todavía coleando, las Guerras Napoleónicas en España y posteriormente la abolición de la Ley Sálica y las Guerras Carlistas que se recrudecieron y afectaron a la familia protagonista.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HANDIA_Eneko Sagardoy y sus hermanas

Una cuidada factura a partir de la magnífica fotografía, el tratamiento realista del sonido, que resulta atronador, y del montaje, especialmente en la secuencia de la batalla entre carlistas e isabelinos que recuerda por momentos a Braveheart o Salvar al soldado Ryan, nos hacen una promesa que, muy a nuestro pesar, queda en un deslumbrante prólogo que se va desvaneciendo a medida que la trama se va centrando en lo que realmente venía a contarnos. Un concepto interesante pero al que no se ha sabido hincar el diente para hacerlo resultar lo suficientemente atractivo como para mantenernos asidos por la pechera del mismo modo que el brillante arranque nos había atrapado.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HANDIA_Eneko Sagardoy

En su partida de nacimiento se puede leer Migel Joakin Eleizegi Arteaga. Vino al mundo en un pueblecito guipuzcoano, Altzo, en 1818. A los 20 años desarrolló acromegalia, una enfermedad causada por una secreción excesiva de la hormona del crecimiento que le hizo alcanzar los 2,27 metros. El conocido como gigante de Altzo fue un personaje muy popular en su tiempo siendo recibido en todas las cortes europeas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HANDIA_Joseba Usabiaga entre los dos gigantes

Las vivencias de este tipo singular junto a su hermano mayor, además de sus tirantes relaciones paternofiliales, contaban, a priori, con gancho e interés como para haber resultado estimulantes a la audiencia. Finalmente las intenciones han quedado en mero deseo debido, entre otros factores, a un problema de inexpresividad en el caso de Joseba Usabiaga, el intérprete del primogénito sobre el que recae el peso de la cinta, que aparta cualquier hálito de empatía que podamos sentir hacia su personaje, y a un guión que ralentiza y prolonga en exceso una narración lineal que adolece de la concisión y la exquisita complejidad que nos ofrecía la fantástica Loreak.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HANDIA_Ramón Agirre y Joseba Usabiaga

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Irusoin, Kowalski Films, Moriarti Produkzioak. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

Handia

Dirección: Aitor Arregi y Jon Garaño

Guión: Aitor Arregi, Jon Garaño, José Mari Goenaga y Andoni de Carlos

Intérpretes: Joseba Usabiaga, Eneko Sagardoy, Ramón Agirre

Música: Pascal Gaigne

Fotografía: Javier Agirre

Duración: 114 min.

España, 2017

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