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Aventuras y desventuras de un aprendiz de hechicero – Crítica de “La casa del reloj en la pared” (2018)

Una vidriera de aspecto medieval representa a un hombre con armadura en una iglesia de la ciudad universitaria de Oxford en plena época victoriana. El sacerdote al cuidado de la capilla se acerca temblando. La tez lívida, de su frente resbalan gotas de sudor que nublan la visión de unos ojos enrojecidos. Ante su atónita mirada el caballero formado por piezas de cristal coloreadas cobra vida, salta junto a él y comienza a perseguirle hasta que, horrorizado y en pleno ataque de pánico, sale despavorido por la puerta y es arrollado por un carruaje de caballos.

Esa mítica secuencia quedó grabada de forma indeleble en la mente de este precoz cinéfilo que a los 12 años disfrutaba con las aventuras del joven Sherlock Holmes en El secreto de la pirámide. Nunca los efectos digitales habían llegado tan lejos. Ese momento pertenece a la historia del cine ya que se trata del primer personaje completamente generado por ordenador en aparecer en una película. Lo hizo en 1985 de la mano del Steven Spielberg productor. El mismo que auspicia, a través de Amblin Entertainment, esta adaptación de la novela La casa del reloj en la pared, que rinde evidente homenaje al inefable instante.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CASA DEL RELOJ EN LA PARED_Owen Baccaro y Jack Black llegan a la cas

Este es uno de los múltiples guiños que, trufados a lo largo del filme, hacen alusión al espectador adulto que probablemente se encuentre en la sala acompañado a hijos, sobrinas y otros preadolescentes, público objetivo de este largometraje que narra las aventuras y desventuras de Lewis, un huérfano que va a vivir con su excéntrico tío a un espeluznante caserón que cuenta con vida propia. A diferencia de aquel título, que seducía por igual a audiencias de todas las edades, esta cinta, que a buen seguro hará disfrutar a los más pequeños, deja un tanto de lado al aficionado que ya haya superado la pubertad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CASA DEL RELOJ EN LA PARED_Jack Black con los autómatas

A pesar del creciente interés de su tramo final, su ritmo, intensidad y la perfección técnica de sus magníficos efectos visuales, no se antojan suficientemente atractivos los homenajes varios y alguna que otra cita culta, como la referencia a Dalí y a La persistencia de la memoria, para enganchar a la trama a los más talluditos. Escondidos cual huevos de pascua tenemos fragmentos de diálogos que si somos avispados podremos relacionar con Tras el corazón verde o Casablanca, una colección de muñecos y autómatas que nos traen a la mente trabajos tan dispares como La invención de Hugo o La huella, ataques de libros que cobran vida al estilo de los temibles pájaros hitchcockianos e incluso chistes internos en torno a producciones emblemáticas de Amblin Entertainment (en la marquesina del cine se puede leer Un extraterrestre del planeta Plutón, nombre que Universal quería ponerle originalmente a Regreso al futuro) o al último King Kong, protagonizado también por Jack Black, que aquí exhibe un registro contenido dentro del margen para el histrionismo que le da su papel de tío Jonathan. Tanto él como Cate Blanchett se adaptan a sus roles sin caricaturizarlos, resolviendo con solvencia su cometido.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CASA DEL RELOJ EN LA PARED_Cate blanchett, Owen Vaccaro y Jack Black

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Amblin Entertainment, Mythologhy Entertainment, Dreamworks. Cortesía de EOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

 

La casa del reloj en la pared

Dirección: Eli Roth

Guión: Eric Kripke, basado en la novela homónima de John Bellairs

Intérpretes: Jack Black, Cate Blanchett, Owen Baccaro

Música: Nathan Barr

Fotografía: Rogier Stoffers

Duración: 105 min.

Estados Unidos, 2018  

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Amores imposibles en el espacio y el tiempo – Crítica de “Cold war” (2018)

De relatos de pasión más grandes que la vida se encuentra repleta la historia del cine. Románticos, imposibles, inverosímiles, sin esperanzas, ideales, arrebatados. El que centra los 88 minutos de esta película pertenece sin duda ninguna a este último grupo. De tormentosa podría calificarse la relación que surge entre los principales personajes que se asoman a la pantalla como trasuntos de los padres del oscarizado director polaco Pawel Pawlikowski. La huella que dejaron en él sus múltiples rupturas y reconciliaciones impregna este guión inspirado en hechos reales. El controvertido universo de una pareja en la que una atracción y un amor exacerbado convive con roces y ataques de celos igualmente intensos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_COLD WAR_Tomasz Kot y su compañera la músico

Polonia, 1949. Dos músicos recorren zonas rurales del país con el encargo de formar un grupo folklórico que a través del canto y los bailes regionales insufle optimismo a una población afectada por los efectos de una Segunda Guerra Mundial especialmente cruenta con la nación centroeuropea. Una atractiva aspirante seduce al pianista y profesor y comienzan un romance clandestino que viven en secreto mientras la política eleva las primeras barreras entre ellos. Desde el poder quieren que este conjunto de coros y danzas contribuya a la exaltación del régimen comunista que impera en un territorio situado en la órbita de la Unión Soviética.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_COLD WAR_Joanna Kulig aprendiendo a bailar

De la misma manera que el Telón de Acero sirvió de MacGuffin al gran Hitchcock, la Guerra Fría vivida en torno a él se traslada a la desgarradora batalla sentimental que libran Viktor y Zula. Esa Cortina rasgada metafórica se convierte en un protagonista más de la narración de la que empiezan a surgir vinculaciones tangenciales con otras cintas en las que la emoción y el deseo pasaban, no sin riesgo, de un flanco a otro de una pared levantada para separar en lugar de unir. Omar se las arreglaba para hacerlo en Jerusalén y encontrarse con su adorada Nadia. Aquí el espacio y el tiempo condicionan una pasión desatada que se extiende durante quince años a ambos lados del Muro de Berlín y discurre paralela a la historia de una Europa de posguerra partida en dos por tan infausta construcción.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_COLD WAR_Joanna Kulig canta Tomasz Kot de fondo

El contexto bélico y la más que eminente falta de sincronía entre los enamorados, que propicia diversos encuentros y desencuentros en los que bien uno de ellos o ambos conviven con otra pareja, nos acerca a Casablanca. Obra maestra de la que Cold War adopta un blanco y negro magníficamente plasmado que tanto ayuda a sumergirse en la época. Pawlikowski maneja con elegancia tanto los movimientos de cámara como la composición de los planos, amén del ritmo y un montaje que de forma suave y sobria muestra el paso de los años de forma natural. El formato 4:3, prácticamente cuadrado y angosto hasta el límite, presente en El hijo de Saúl, consigue que el espectador tome conciencia de lo opresivo del amor de estas dos torturadas almas gemelas capaces de tomar decisiones radicalmente viscerales, e incomprensibles si se miran desde la racionalidad, nublados por la intensidad de sus sentimientos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_COLD WAR_Tomasz Kot y Joanna Kulig beso

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Bazalevs Entertainment, Bazalevs Productions. Cortesía de Sony Pictures Spain. Reservados todos los derechos.

 

Cold war

Dirección: Pawel Pawlikowski

Guión: Pawel Pawlikowski, Janusz Glowacki y Piotr Borkowski

Intérpretes: Joanna Kulig, Tomasz Kot, Borys Szyc

Fotografía: Lukasz Zal

Montaje: Jaroslaw Kaminski

Duración: 88 min.

Polonia, Francia, Reino Unido, 2018

Suspense digital – Crítica de “Searching” (2018)

A más de uno se le hiela la sangre cuando observa en el cartel de una película el logotipo representativo del Sundance Film Festival acompañado de un texto que glosa el galardón recibido en el certamen de cine independiente creado y auspiciado por Robert Redford. Al fin y a la postre es la plataforma más importante para las creaciones que se mueven en los circuitos periféricos, los que se salen de las grandes productoras, y la que les podría granjear cierta notoriedad e incluso un contrato de distribución con una de ellas. La cinta que nos trae a estas líneas tuvo la suerte de lograr ambas cosas e, incluso, el mérito de hacerse con dos reconocimientos: el concedido a una producción con temática científica o tecnológica y el, mucho más significativo de cara a la futura taquilla, premio del público a “lo mejor de lo que viene”. Curiosamente, tal vez por evitar desafecciones prejuiciosas como las que comentábamos más arriba, no hay ni rastro de ellos en el cartel promocional, aunque conviene tener en cuenta que cuando una audiencia numerosa se pone de acuerdo resulta más que probable que se encuentre en lo cierto.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SEARCHING_John Cho con su hija de niña

Los primeros diez minutos se encuentran cargados del mismo magnetismo que el inicio de Up; su magnificencia nos gana inmediatamente para la causa. Una virguería técnica que cuenta a través de las pantallas de dispositivos digitales, sistemas operativos, herramientas informáticas, páginas web y redes sociales varias el crecimiento de una niña, y la estrecha relación que la une con sus padres, desde la niñez hasta su primer día de instituto. Una delicatesen concebida para articular un impactante prólogo al tiempo que familiariza al público con el tipo de lenguaje audiovisual que la película va a utilizar durante todo el metraje.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SEARCHING_John Cho ante el ordenador

Este arranque aparentemente liviano experimenta un interesante giro hacia el género del suspense. Debido a la misteriosa desaparición de la adolescente el protagonismo recae en el padre, que se empeña en colaborar con la detective encargada del caso. La desesperación le llevará a asaltar el ordenador de su hija en busca de pruebas que puedan ayudar a encontrarla. Ese Searching del título lleva implícito un juego de palabras que relaciona la investigación real y la que se produce a través de buscadores como Google.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SEARCHING_Debra Messing y John Cho

El ingenioso debutante Aneesh Chaganty ha conseguido desarrollar un thriller absorbente que no te deja respirar, sin puntos muertos ni bajones rítmicos, con mínimos motivos para el reproche, y lo ha hecho a modo de brillante ejercicio de virtuosismo narrativo, auto imponiéndose la prerrogativa de que cada uno de los fotogramas del filme provengan de las imágenes que nos devuelven elementos que cada vez se han instalado más en nuestra vida como teléfonos móviles o computadoras portátiles. Si Alfred Hitchcock viviese en el siglo XXI se habría planteado un reto de similar complejidad amén de bendecir, sin duda ninguna, la osadía de este primerizo que apunta muy alto en sus pinitos en el largometraje.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SEARCHING_John Cho

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Copyright imágenes  ©  Bazalevs Entertainment, Bazalevs Productions. Cortesía de Sony Pictures Spain. Reservados todos los derechos.

 

Searching

Dirección: Aneesh Chaganty

Guión: Aneesh Chaganty, Sev Ohanian

Intérpretes: John Cho, Debra Messing, Michelle La

Música: Torin Borrowdale

Fotografía: Juan Sebastián Barón

Fotografía digital y montaje: Nicholas D. Johnson, Will Merrick

Duración: 102 min.

Estados Unidos, 2018

La disyuntiva del vaquero – Crítica de “The rider” (2017)

Dios nos da a todos un propósito en la vida. A un caballo, pasear por la pradera. A un vaquero, cabalgar en un rodeo. Esta reflexión, extraída de una conversación en la que el protagonista le explica a su hermana con síndrome de Down la importancia que para él tiene la pasión a la que se ha consagrado en cuerpo y alma, encierra la clave para entender en toda su dimensión el relato que narra esta sencilla cinta independiente que golpea y emociona de a poco hasta conseguir dejarnos visiblemente tocados.

Su montura ha escapado, se encuentra tan malherido que ha perdido su capacidad para cumplir con su esencia: galopar a campo abierto. Lo más probable es que termine por ser sacrificado. La identificación del jinete con el animal es inmediata. Ha sufrido un accidente que le ha producido lesiones cerebrales incompatibles con la práctica de la única actividad que da sentido a su existencia: montar un équido salvaje en un rodeo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE RIDER_Brady Jandreau duda si sacrificar a su caballo

El origen de esta cinta se encuentra en la preparación del anterior filme de la directora china residente en Estados Unidos Chloé Zhao. Se dirigió a un rancho porque necesitaba a alguien que le enseñase a montar. El joven que le atendió, Brady Jandreau, le impresionó de tal manera que quiso incluirlo en alguno de sus futuros proyectos. Cuando, poco después, la desgracia se cruzó en el camino de Jandreau, en forma de caída de un cuadrúpedo con secuelas que le provocaron un cambio de vida radical, la realizadora decidió basar su siguiente guión en esta historia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE RIDER_Brady Jandreau herido

El argumento de The rider coloca en el centro de la trama a un cowboy que sufre idénticas heridas y se debate ante la misma disyuntiva a la que este tipo se enfrentó. Tan es así que Zhao escogió como intérprete al propio Jandreau para que contase su vivencia personal. El resto del reparto en gran medida lo forman actores no profesionales. Aparecen su padre y su hermana y otros profesionales de este mundillo que reflejan los aspectos más amargos de una profesión que te lleva de la gloria al olvido en los ocho segundos que dura la cabalgada de una bestia indómita. Podríamos decir por tanto que, más que una obra de ficción, tenemos ante nosotros un seudodocumental, hecho que convierte la crudeza de determinadas situaciones en algo realmente impactante.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE RIDER_Brady Jandreau con su colega

La cineasta oriental ha escogido una narrativa pausada, que va de menos a más y requiere cierta dosis de paciencia a la audiencia. Si somos capaces de adaptarnos a ella disfrutaremos de una maravillosa experiencia que nos conduce, a medida que avanzamos en un relato que evoluciona paralelamente al estado de ánimo del protagonista, de los interiores asfixiantes y la oscuridad iniciales a los espacios abiertos y la luminosidad posterior. La manera tan delicada en la que se nos muestra el proceso de doma de un potro salvaje compone una de las secuencias más hermosas, paradigma de un largometraje que se nutre de silencios donde lo visual prima por encima de la palabra.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE RIDER_Brady Jandreau cabalga de nuevo

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Caviar, Highwayman Films. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

 

The rider

Dirección y guión: Chloé Zhao

Intérpretes: Brady Jadreau, Tim Jandreau, Lilly Jandreau

Música: Nathan Halpern

Fotografía: Joshua James Richards

Duración: 104 min.

Estados Unidos, 2017

El sexo (y el amor) a los sesenta y tantos – Crítica de “Book Club” (2018)

En el año 2000 Clint Eastwood convocó a otros tres grandes actores para correrse una última juerga juntos. El director de Sin Perdón llamó a James Garner, Donald Sutherland y Tommy Lee Jones para que co protagonizaran junto a él mismo Space Cowboys, una revisión nostálgica y con mucho sentido del humor del cine de aventuras espaciales que tanto predicamento sigue teniendo en Hollywood. Una vuelta del revés a la ingente caterva de tópicos sobre los filmes de acción, personajes arquetípicos desmitificados a golpe de ironía y la reunión de un Dream Team de estrellas entradas en años. Mirando Book Club nos da la sensación de que se ha querido replicar en lo que se refiere a la audiencia femenina lo que pudo significar en su día esta película para el público masculino.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOOK CLUB_Jane Fonda, Mary SteenBurgen y Candice Bergen

La alineación de lujo de veteranas ilustres que compone este cóctel con sabor complementario al del largometraje astronáutico está integrada por Jane Fonda, Diane Keaton, Candice Bergen y Mary Steenburgen, actrices de éxito con la inteligencia de saber reírse de sí mismas y de los mitos que han representado a lo largo de su extensa carrera. Ellas encarnan a un grupo de mujeres en la segunda mitad de los 60 cada una con un tipo de personalidad claramente diferenciada.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOOK CLUB_Candice Bergen y Diane Keaton

Este filme narra las aventuras y desventuras romántico-eróticas de cuatro amigas que desde la época de la universidad se siguen reuniendo mensualmente con la excusa del club de lectura que tienen montado para ponerse al día y comentar sus distintas vicisitudes, además del libro que han devorado en los treinta días anteriores. La aparición de la trilogía de 50 sombras de Grey en su particular foro de debate dará un vuelco significativo tanto a sus vidas como a sus respectivas relaciones sentimentales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOOK CLUB_Diane Keaton

Con un principio brioso, ágil, típico de la comedia adolescente (que trajo a nuestra memoria el recuerdo de Fuera de onda por la presencia de la hace tiempo desaparecida Alicia Silverstone en el reparto), el director debutante y co guionista Bill Holderman logra sumergirnos en la trama venciendo nuestros recelos iniciales. Dentro del tono ligero de la cinta, el complicado reto de mantener el ritmo inicial se consigue, a pesar de ligeros altibajos, gracias a grandes dosis de mala uva y una clara vocación auto paródica (impagable el chiste sobre Werner Herzog y la inevitable referencia sexual a partir del título de uno de sus documentales).

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOOK CLUB_Jane Fonda Scope

Book club se deja ver con agrado. Tiene sus puntos divertidos condimentados con un toque de picardía y hasta con algún momento de carcajada (Candice Bergen haciéndose un perfil en redes sociales para ligar, desternillante). Al buen sabor de boca final colaboran sin ninguna duda unos partenaires masculinos a la altura de las protagonistas (Andy García, Don Johnson, Richard Dreyfuss y Craig T. Nelson) y una banda sonora repleta de éxitos de los 80 (desde Meat Loaf a Roxy Music pasando por Paul Simon) que encajan como un guante y realzan momentos clave de la historia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOOK CLUB_Diane Keaton y Andy García

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  June Pictures, Apartment Story. Cortesía de Vértigo Films España. Reservados todos los derechos.

 

Book Club

Dirección: Bill Holderman

Guión: Bill Holderman y Erin Sims

Intérpretes: Jane Fonda, Diane Keaton, Candice Bergen, Mary Steenburgen

Música: Peter Nashel

Fotografía: Andrew Dunn

Duración: 104 min.

Estados Unidos, 2018

Entre la heroicidad y la inconsciencia – Crítica de “Un océano entre nosotros (The Mercy)” (2017)

“Los hombres no deciden volverse extraordinarios, deciden lograr cosas extraordinarias”. El guión pone en boca de Donald Crowhurst, en cuya peripecia se basa esta película, una cita de Edmund Hillary, primer montañero en hollar el Everest. Una sentencia perfectamente aplicable a las dos figuras centrales, que tampoco tienen nada de ficticias, de los dos trabajos más reconocidos de James Marsh: Philippe Petit, el osado funámbulo francés que caminó por un cable entre las Torres Gemelas en el oscarizado documental Man on wire, y el científico recientemente desaparecido Stephen Hawking, que le supuso a Eddie Redmayne la dorada estatuilla al mejor actor por su encarnación en La teoría del todo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN OCÉANO ENTRE NOSOTROS_Colin Firth dentro del trimarán

Las imágenes que acompañan esas frases son las de las olas del océano infinito y esa declaración de intenciones, la motivación de Crowhurst para lograr un imposible. En 1968 su empresa de productos electrónicos para la navegación marina se encontraba al borde de la bancarrota, fue entonces cuando surgió la regata Sunday Times Golden Globe Race que planteaba la vuelta al mundo en una embarcación de vela sin escalas y en solitario, y ofrecía un premio de 5000 libras, una suma que le permitiría solucionar sus problemas financieros además de dar notoriedad y publicidad a su negocio.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN OCÉANO ENTRE NOSOTROS_Rachel Weisz triste

A pesar de su bisoñez en la singladura en alta mar se embarcó en este complicado cometido hipotecando su casa para comprar un trimarán. Si no terminaba la regata debía devolver el dinero recibido, lo que le supondría quedar en la ruina junto a su mujer y sus tres hijos. Además, quiso instalar sus aparatos para mejorar la seguridad y las prestaciones de la nave, pero la fecha límite para la partida se le echó encima y ante la perspectiva del desastre económico familiar decidió partir a pesar de los importantes contratiempos surgidos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN OCÉANO ENTRE NOSOTROS_Colin Firth

James Marsh, especializado en filmes biográficos, glosa la figura de un Donald Crowhurst con el rostro de Colin Firth en un largometraje que, sin alcanzar la altura de sus obras más destacadas, no deja de poseer puntos de interés. El retrato psicológico del protagonista; el del entorno perverso que puede rodear una hazaña de estas características, con la presión mediática encabezada por su propio jefe de prensa y sus patrocinadores; el contrapunto familiar, gran apoyo en el aislamiento de la distancia, y la evocadora banda sonora, entre nostálgica y melancólica, del piano del trágicamente fallecido Jóhann Jóhannsson.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN OCÉANO ENTRE NOSOTROS_Rachel Weisz

Estructuralmente podemos diferenciar dos partes claramente delimitadas. Un inicio que nos trae a la memoria la tozudez mezclada con la brillantez del creador de ingenios que persigue sus anhelos a toda costa de Tucker, un hombre y su sueño, con un claro paralelismo entre los personajes de Jeff Bridges y Colin Firth. Y, a partir del momento del viaje, el relato del hombre enfrentado a la inmensidad, a la soledad, a sí mismo y a sus propias limitaciones, del que surgen profundas reflexiones filosóficas sobre la vida y la condición humana que ilustran esa misericordia (mercy) a la que alude el título original del largometraje.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN OCÉANO ENTRE NOSOTROS_Colin Firth desesperado

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Copyright imágenes  ©  Blueprint Pictures, BBC Films. Cortesía de Vértice 360. Reservados todos los derechos.

 

Un océano entre nosotros (The mercy)

Dirección: James Marsh

Guión: Scott Z. Burns

Intérpretes: Colin Firth, Rachel Weisz, David Thewlis

Música: Jóhann Jóhannsson

Fotografía: Eric Gautier

Duración: 112 min.

Reino Unido, 2018

Una gaviota perdida en el desierto – Crítica de “La novia del desierto” (2017)

Festival de San Sebastián 2017. Horizontes Latinos. La novia del desierto. En un certamen de cine de una semana de duración siempre coinciden en horario películas que a uno le apetece ver. En esos casos hay que optar por una de ellas y rezar para que la elección haya sido un acierto porque la alternativa o se tardará en ver o bien se perderá en el limbo de los largometrajes que nunca llegarán a las pantallas comerciales. En el Zinemaldia este debate se centra entre las cintas a concurso y Perlas, por eso, el escoger aquel día un trabajo que suponía una incógnita y que, además, pertenecía a la sección de filmes latinoamericanos era una apuesta arriesgada por partida doble.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA NOVIA DEL DESIERTO_Paulina García andando por el desierto

El temor inicial a haber metido la pata se fue transformando en atención, esa atención dio pie al interés y el interés mudó en emoción. La sensación de haber encontrado una perla, compartida con todo ese público que se había adentrado en esta aventura sin saber con qué se iba a topar, es algo que cada vez se da menos en la vida de quien engulle las películas como si fuesen gildas (permítase el símil con la banderilla de guindilla típica de Donosti bautizada en honor a Rita Hayworth).

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA NOVIA DEL DESIERTO_Paulina García y Clauido Risi furgoneta

La clave, la sencillez con la que Cecilia Adán y Valeria Privato narran la preciosa historia de una mujer madura que ha de perderse en el desierto para encontrarse a sí misma. Algo solo posible gracias a la presencia de una fantástica actriz, Paulina García (la inolvidable Gloria) y su compañero de reparto, el estupendo Claudio Rissi.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA NOVIA DEL DESIERTO_Paulina García y Claudio Risi camión

Teresa, empleada de hogar, a los cincuenta y cuatro años y tras décadas trabajando para la misma familia en Buenos Aires ha de dejar su rutina para trasladarse a otra casa a cientos de kilómetros de distancia. El abandono de su zona de confort le producirá un shock tremendo cuando una gaviota estropea su autobús y le obliga a enfrentarse a sus propios fantasmas en mitad de un territorio inhóspito. Aunque su miedo más cerval surge al descubrir que hasta entonces no había vivido para sí misma.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA NOVIA DEL DESIERTO_Paulina García y Claudio Risi risas

Esta maravillosa película se encuentra trufada de virtudes. Concisión y virtuosismo narrativo. En apenas setenta y ocho minutos se cuenta toda una existencia, con el uso inteligente de flashbacks y un montaje sobrio, delicado, invisible. Conceptualmente, la evolución del ánimo de Teresa recorre, paralelamente, las localizaciones oscuras del inicio que se van transformando en la luminosidad y el brillo de espacios abiertos. El uso de grandes planos generales seduce a la mirada atenta de la misma manera que la exquisita composición de los encuadres en los que la protagonista siempre aparece físicamente en el centro; es la pieza sobre la que pivota todo el relato. En uno de los momentos más sublimes se mira en un espejo retrovisor, se suelta el pelo, se observa y le gusta lo que ve; una mujer hermosa, segura de sí misma. El rostro, los gestos de Paulina García sin necesidad de palabras, pura emoción, cine con mayúsculas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA NOVIA DEL DESIERTO_Paulina García Retrovisor

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Copyright imágenes  ©  Ceibita Films, El Perro en la Luna, Haddock Films. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

La novia del desierto

Dirección: Cecilia Adán y Valeria Privato

Guión: Cecilia Adán y Valeria Privato, con la colaboración de Martín Salinas

Intérpretes: Paulina García, Claudio Rissi

Música: Leo Lujatovich

Fotografía: Sergio Armstrong

Montaje: Andrea Chignoli

Duración: 78 min.

Argentina, Chile, 2017

La pasión y el proceso creativo – Crítica de “Rodin” (2017)

Jess Franco, ayudante de dirección de Orson Welles en Campanadas a medianoche, lo tildaba de enfermo del montaje. Decía que tenía tal afán de perfeccionismo que cuando terminaba de filmar, salía corriendo con las latas de celuloide bajo el brazo y se escondía con su moviola vertical para dar forma a la película lejos de las fauces de los productores. Un año tardó en editar la adaptación shakespeariana, y porque no le dieron más tiempo; habría seguido rodando si veía que eran necesarios planos adicionales, puliendo y puliendo, en busca de una perfección nunca alcanzada.

Muchos genios coinciden en este aspecto. El afán obsesivo por mejorar sus esculturas llevaba a Auguste Rodin a seguir modificándolas durante años sin terminar de lograr el resultado deseado. Le ocurrió con la práctica totalidad de su exquisita producción artística, pero aquí Jaques Doillon ha querido concentrarlo en una pieza no tan conocida, el Monumento a Balzac, rechazada en 1898 y hoy considerada la primera obra escultórica moderna.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RODIN_Vincent Lindon con el Monumento a Balzac

Este biopic comienza en 1880, cuando Rodin cuenta con 40 años, con el encargo del Estado francés de La Puerta del Infierno. Podemos ver los primeros esbozos donde destaca el poeta Dante reflexivo, contemplando a sus personajes, figura que posteriormente tomaría vida propia como El Pensador y El Beso, que terminaría independizándose de la versión definitiva convirtiéndose en uno de los iconos más representativos de su autor.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RODIN_Izia Higuelin y Vincent Lindon escultura

En esa época fue cuando el maestro tomó como alumna a Camille Claudel, una joven artista que terminó modelando su propia escultura además de convertirse en su amante. El filme trata de este tórrido y apasionado romance que devino en una tormentosa relación de amor-odio causada por los devaneos del parisino con sus modelos, su vida con la madre de su hijo, Rose Beuret, pero sobre todo por la rivalidad profesional y el hecho de que Claudel nunca fuera considerada a la altura de Rodin.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RODIN_Séverine Caneele

La cinta está contada a hachazos, dejando destellos de la vida del protagonista que se introducen elegantemente con fundidos a negro. A pesar de esta narrativa tan particular y sus dos horas de duración, no resulta pesada. El interés que despierta la personalidad de quien se está retratando y la forma en que se concibieron obras clave en la historia del arte le dan un aire documental que resulta un aliciente extra. La aparición de personajes clave en la cultura del país galo que confraternizaron con Rodin, como Claude Monet o Paul Cézanne, añaden más mordiente.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RODIN_Vincent Lindon y la obra de Rodin

De todo el metraje, lo más intenso viene dado por una obra de Camile Claudel, El Vals. A partir de ella, en una magnífica secuencia se nos explica la naturaleza destructiva de su autora, la pasión de Rodin por ella y la vida que hay dentro de esas figuras que giran y giran, que se respiran, que se desean y que querrían detener el tiempo para gozarse mutuamente en ese instante sublime de felicidad absoluta.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RODIN_Izia Higuelin y Vincent Lindon

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Les Films Du Lendemain, Wild Bunch, France 3 Cinéma. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

 

Rodin

Dirección y guion: Jacques Doillon

Intérpretes: Vincent Lindon, Izia Higelin, Séverine Caneele

Música: Philippe Sarde

Fotografía: Christophe Beaucarne

Montaje: Frédéric Fichefet

Duración: 119 min.

Francia, Bélgica, Estados Unidos, 2017

Mucho más que cine de género – Crítica de “Purasangre” (2017)

Podríamos catalogar esta historia en varios géneros; suspense, principalmente, matizado por grandes pinceladas de comedia negra con toques dramáticos. De tratamiento minimalista en cuanto al reducido número de personajes y a la escasez de localizaciones, su origen teatral y su evolución argumental la emparentan directamente con La Soga y Extraños en un tren de Alfred Hitchcock, aunque las referencias al realizador británico pueden ampliarse a La sombra de una duda. Las fuentes de inspiración de Cory Finley, director primerizo y autor de un texto inicialmente pensado para las tablas, pueden ir más allá, hasta una pieza de culto gratamente recordada, una joya en el currículum de Peter Jackson, Criaturas celestiales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PURASANGRE_Anya Taylor-Joy y Olivia Cooke

Dos adolescentes de clase alta de Connecticut retoman su antigua amistad después de varios años sin verse por lo que se intuye que fue una traumática ruptura. Juntas de nuevo, urden un plan para resolver los problemas de ambas sin importarles el coste ni los efectos colaterales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PURASANGRE_Anya Taylor-Joy y Olivia Cooke jardín

La atmósfera oscura y perturbadora del libreto se traslada a la pantalla gracias en gran medida a las dos actrices que encarnan a las protagonistas, pero también a un tratamiento audiovisual que huye en todo momento de la cuarta pared para aprovechar todos los recursos estilísticos que ofrece el séptimo arte. Olivia Cooke, que rodó este filme antes de la explosión en su carrera que va a suponer Ready Player One, dibuja a una joven tan inteligente como inquietante; incapaz de empatizar con nadie, ha de fingir sus sentimientos para que no la tachen de desequilibrada. Los enormes ojos de Anya Taylor-Joy la han convertido en uno de los rostros más significativos del cine de terror. Su Lily transmite ingenuidad y una fragilidad que podría revestir cierta ambigüedad.

THOROUGHBREDS

La sencillez de la puesta en escena se acompaña de una interesante propuesta en lo cinematográfico. Finley retrata hábilmente el primer encuentro de las dos amigas con un plano-contraplano en el que deliberadamente coloca la cabeza de cada una en el extremo del encuadre más cercano a la otra, dejando todo el aire por detrás, justo al contrario a como se hace habitualmente. Esto crea la misma sensación de incomodidad en el espectador que la que siente una en presencia de la otra, dándonos a entender que algo doloroso las separó en el pasado.

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Este juego con las partes de la trama que no se cuentan pero que se sabe que están ahí o con escenas realmente atroces que no se muestran porque alguien las explica con palabras, eleva este trabajo de categoría. Como en Cautivos del mal, lo que no vemos se convierte en algo mucho más terrorífico que cualquier elemento concreto que nos hubieran enseñado. La resolución del momento clave, a través de un plano secuencia con un travelling suave sobre un sillón, dejando que el sonido y la imaginación del público completen lo que sucede, da fe de la sublime maestría de este novato tras las cámaras.

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Copyright imágenes  ©  B Story, Big Indie Pictures, June Pictures. Cortesía de Universal Pictures International Spain. Reservados todos los derechos.

 

Purasangre

Dirección y guion: Cory Finley

Intérpretes: Olivia Cooke, Anya Taylor-Joy, Anton Yelchin

Música: Erik Friedlander

Fotografía: Lyle Vincent

Montaje: Louise Ford

Duración: 92 min.

Estados Unidos, 2017

Partida de ajedrez en Beirut – Crítica de “El Rehén” (2018)

El cine de espías siempre nos ha brindado excelentes películas que mezclaban el thriller con el suspense. Si nos ponemos clásicos, el mejor Hitchcock, el de Encadenados, coqueteó con el género dándole su toque personal y añadiendo una buena dosis de romance (sentimiento que se exacerba en situaciones límite como las que se narran en este tipo de filmes) que incluía el considerado beso más largo jamás plasmado en celuloide, el que compartían Cary Grant e Ingrid Bergman. En los albores del siglo XXI Tony Scott logró su trabajo más redondo gracias a Spy game (Juego de espías). Mismos ingredientes mezclados en una trama brillantemente tejida, con unos excepcionales Robert Redford y Brad Pitt, en la que destacaba la mano del director británico y esa manera tan espectacular de jugar con las imágenes, el montaje, los efectos de sonido y la banda sonora que convertían una cinta de puro entretenimiento en una obra de autor.

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Adoptando un estilo no tan sofisticado como el de Scott aunque igualmente efectivo, Brad Anderson ha concebido una pieza sólida eminentemente deudora del largometraje del desaparecido realizador. Los paralelismos resultan más que evidentes. Oriente Medio como uno de los puntos importantes de la historia, un hombre tratando de conseguir el rescate de un amigo al que hace tiempo que no ve, intrigas en las altas esferas que harán desconfiar al protagonista, la Casa Blanca, gobiernos de países de la zona, grupos armados de distintas facciones y una historia de pasión soterrada, acentuada al tiempo por vivirla al filo del abismo.

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Beirut, 1982. En plena guerra del Líbano un agente de la CIA que maneja información sensible es secuestrado por un comando terrorista. Los servicios secretos estadounidenses se pondrán en contacto con un ex diplomático que trabaja arbitrando en conflictos laborales para que ayude en la negociación. El mediador acepta a regañadientes un cometido que le devolverá a un pasado doloroso y le obligará a regresar a la ciudad donde una vez vivió y compartió misiones con el ahora rehén.

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El guión de Dan Gilroy bebe de forma inconfesa de aquel estupendo libreto que firmaban Michael Frost y David Arata, lo que no es óbice para haber conseguido un resultado notable. No obstante de su pluma han surgido dos de los análisis más lacerantes en torno a los círculos de influencia al más alto nivel, la amistad y el amor, La sombra del poder y Michael Clayton.

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El acercamiento al conflicto que sacudió Oriente Medio a principio de la década de los ochenta, a pesar de que se haga a través de una ficción, aporta un interés añadido a esta narración donde los oscuros entramados entre la Agencia Central de Inteligencia, el Gobierno de Israel, el Mossad y la Organización para la Liberación de Palestina impactan por su realismo. La vida de según quién no vale apenas nada y se utiliza como moneda de cambio para conseguir objetivos políticos o militares en una partida de ajedrez donde los protagonistas han de jugar sus propias armas ante poderosos enemigos.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Radar Pictures, ShivHans Pictures, Kasbah-Film Tanger. Cortesía de DeA Planeta. Reservados todos los derechos.

 

El Rehén

Dirección: Brad Anderson

Guion: Dan Gilroy

Intérpretes: John Hamm, Rosamund Pike, Mark Pellegrino

Música: John Debney

Fotografía: Björn Charpentier

Duración: 109 min.

Estados Unidos, 2018

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