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El sexo (y el amor) a los sesenta y tantos – Crítica de “Book Club” (2018)

En el año 2000 Clint Eastwood convocó a otros tres grandes actores para correrse una última juerga juntos. El director de Sin Perdón llamó a James Garner, Donald Sutherland y Tommy Lee Jones para que co protagonizaran junto a él mismo Space Cowboys, una revisión nostálgica y con mucho sentido del humor del cine de aventuras espaciales que tanto predicamento sigue teniendo en Hollywood. Una vuelta del revés a la ingente caterva de tópicos sobre los filmes de acción, personajes arquetípicos desmitificados a golpe de ironía y la reunión de un Dream Team de estrellas entradas en años. Mirando Book Club nos da la sensación de que se ha querido replicar en lo que se refiere a la audiencia femenina lo que pudo significar en su día esta película para el público masculino.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOOK CLUB_Jane Fonda, Mary SteenBurgen y Candice Bergen

La alineación de lujo de veteranas ilustres que compone este cóctel con sabor complementario al del largometraje astronáutico está integrada por Jane Fonda, Diane Keaton, Candice Bergen y Mary Steenburgen, actrices de éxito con la inteligencia de saber reírse de sí mismas y de los mitos que han representado a lo largo de su extensa carrera. Ellas encarnan a un grupo de mujeres en la segunda mitad de los 60 cada una con un tipo de personalidad claramente diferenciada.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOOK CLUB_Candice Bergen y Diane Keaton

Este filme narra las aventuras y desventuras romántico-eróticas de cuatro amigas que desde la época de la universidad se siguen reuniendo mensualmente con la excusa del club de lectura que tienen montado para ponerse al día y comentar sus distintas vicisitudes, además del libro que han devorado en los treinta días anteriores. La aparición de la trilogía de 50 sombras de Grey en su particular foro de debate dará un vuelco significativo tanto a sus vidas como a sus respectivas relaciones sentimentales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOOK CLUB_Diane Keaton

Con un principio brioso, ágil, típico de la comedia adolescente (que trajo a nuestra memoria el recuerdo de Fuera de onda por la presencia de la hace tiempo desaparecida Alicia Silverstone en el reparto), el director debutante y co guionista Bill Holderman logra sumergirnos en la trama venciendo nuestros recelos iniciales. Dentro del tono ligero de la cinta, el complicado reto de mantener el ritmo inicial se consigue, a pesar de ligeros altibajos, gracias a grandes dosis de mala uva y una clara vocación auto paródica (impagable el chiste sobre Werner Herzog y la inevitable referencia sexual a partir del título de uno de sus documentales).

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOOK CLUB_Jane Fonda Scope

Book club se deja ver con agrado. Tiene sus puntos divertidos condimentados con un toque de picardía y hasta con algún momento de carcajada (Candice Bergen haciéndose un perfil en redes sociales para ligar, desternillante). Al buen sabor de boca final colaboran sin ninguna duda unos partenaires masculinos a la altura de las protagonistas (Andy García, Don Johnson, Richard Dreyfuss y Craig T. Nelson) y una banda sonora repleta de éxitos de los 80 (desde Meat Loaf a Roxy Music pasando por Paul Simon) que encajan como un guante y realzan momentos clave de la historia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOOK CLUB_Diane Keaton y Andy García

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  June Pictures, Apartment Story. Cortesía de Vértigo Films España. Reservados todos los derechos.

 

Book Club

Dirección: Bill Holderman

Guión: Bill Holderman y Erin Sims

Intérpretes: Jane Fonda, Diane Keaton, Candice Bergen, Mary Steenburgen

Música: Peter Nashel

Fotografía: Andrew Dunn

Duración: 104 min.

Estados Unidos, 2018

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Entre la heroicidad y la inconsciencia – Crítica de “Un océano entre nosotros (The Mercy)” (2017)

“Los hombres no deciden volverse extraordinarios, deciden lograr cosas extraordinarias”. El guión pone en boca de Donald Crowhurst, en cuya peripecia se basa esta película, una cita de Edmund Hillary, primer montañero en hollar el Everest. Una sentencia perfectamente aplicable a las dos figuras centrales, que tampoco tienen nada de ficticias, de los dos trabajos más reconocidos de James Marsh: Philippe Petit, el osado funámbulo francés que caminó por un cable entre las Torres Gemelas en el oscarizado documental Man on wire, y el científico recientemente desaparecido Stephen Hawking, que le supuso a Eddie Redmayne la dorada estatuilla al mejor actor por su encarnación en La teoría del todo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN OCÉANO ENTRE NOSOTROS_Colin Firth dentro del trimarán

Las imágenes que acompañan esas frases son las de las olas del océano infinito y esa declaración de intenciones, la motivación de Crowhurst para lograr un imposible. En 1968 su empresa de productos electrónicos para la navegación marina se encontraba al borde de la bancarrota, fue entonces cuando surgió la regata Sunday Times Golden Globe Race que planteaba la vuelta al mundo en una embarcación de vela sin escalas y en solitario, y ofrecía un premio de 5000 libras, una suma que le permitiría solucionar sus problemas financieros además de dar notoriedad y publicidad a su negocio.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN OCÉANO ENTRE NOSOTROS_Rachel Weisz triste

A pesar de su bisoñez en la singladura en alta mar se embarcó en este complicado cometido hipotecando su casa para comprar un trimarán. Si no terminaba la regata debía devolver el dinero recibido, lo que le supondría quedar en la ruina junto a su mujer y sus tres hijos. Además, quiso instalar sus aparatos para mejorar la seguridad y las prestaciones de la nave, pero la fecha límite para la partida se le echó encima y ante la perspectiva del desastre económico familiar decidió partir a pesar de los importantes contratiempos surgidos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN OCÉANO ENTRE NOSOTROS_Colin Firth

James Marsh, especializado en filmes biográficos, glosa la figura de un Donald Crowhurst con el rostro de Colin Firth en un largometraje que, sin alcanzar la altura de sus obras más destacadas, no deja de poseer puntos de interés. El retrato psicológico del protagonista; el del entorno perverso que puede rodear una hazaña de estas características, con la presión mediática encabezada por su propio jefe de prensa y sus patrocinadores; el contrapunto familiar, gran apoyo en el aislamiento de la distancia, y la evocadora banda sonora, entre nostálgica y melancólica, del piano del trágicamente fallecido Jóhann Jóhannsson.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN OCÉANO ENTRE NOSOTROS_Rachel Weisz

Estructuralmente podemos diferenciar dos partes claramente delimitadas. Un inicio que nos trae a la memoria la tozudez mezclada con la brillantez del creador de ingenios que persigue sus anhelos a toda costa de Tucker, un hombre y su sueño, con un claro paralelismo entre los personajes de Jeff Bridges y Colin Firth. Y, a partir del momento del viaje, el relato del hombre enfrentado a la inmensidad, a la soledad, a sí mismo y a sus propias limitaciones, del que surgen profundas reflexiones filosóficas sobre la vida y la condición humana que ilustran esa misericordia (mercy) a la que alude el título original del largometraje.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN OCÉANO ENTRE NOSOTROS_Colin Firth desesperado

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Blueprint Pictures, BBC Films. Cortesía de Vértice 360. Reservados todos los derechos.

 

Un océano entre nosotros (The mercy)

Dirección: James Marsh

Guión: Scott Z. Burns

Intérpretes: Colin Firth, Rachel Weisz, David Thewlis

Música: Jóhann Jóhannsson

Fotografía: Eric Gautier

Duración: 112 min.

Reino Unido, 2018

Una gaviota perdida en el desierto – Crítica de “La novia del desierto” (2017)

Festival de San Sebastián 2017. Horizontes Latinos. La novia del desierto. En un certamen de cine de una semana de duración siempre coinciden en horario películas que a uno le apetece ver. En esos casos hay que optar por una de ellas y rezar para que la elección haya sido un acierto porque la alternativa o se tardará en ver o bien se perderá en el limbo de los largometrajes que nunca llegarán a las pantallas comerciales. En el Zinemaldia este debate se centra entre las cintas a concurso y Perlas, por eso, el escoger aquel día un trabajo que suponía una incógnita y que, además, pertenecía a la sección de filmes latinoamericanos era una apuesta arriesgada por partida doble.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA NOVIA DEL DESIERTO_Paulina García andando por el desierto

El temor inicial a haber metido la pata se fue transformando en atención, esa atención dio pie al interés y el interés mudó en emoción. La sensación de haber encontrado una perla, compartida con todo ese público que se había adentrado en esta aventura sin saber con qué se iba a topar, es algo que cada vez se da menos en la vida de quien engulle las películas como si fuesen gildas (permítase el símil con la banderilla de guindilla típica de Donosti bautizada en honor a Rita Hayworth).

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA NOVIA DEL DESIERTO_Paulina García y Clauido Risi furgoneta

La clave, la sencillez con la que Cecilia Adán y Valeria Privato narran la preciosa historia de una mujer madura que ha de perderse en el desierto para encontrarse a sí misma. Algo solo posible gracias a la presencia de una fantástica actriz, Paulina García (la inolvidable Gloria) y su compañero de reparto, el estupendo Claudio Rissi.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA NOVIA DEL DESIERTO_Paulina García y Claudio Risi camión

Teresa, empleada de hogar, a los cincuenta y cuatro años y tras décadas trabajando para la misma familia en Buenos Aires ha de dejar su rutina para trasladarse a otra casa a cientos de kilómetros de distancia. El abandono de su zona de confort le producirá un shock tremendo cuando una gaviota estropea su autobús y le obliga a enfrentarse a sus propios fantasmas en mitad de un territorio inhóspito. Aunque su miedo más cerval surge al descubrir que hasta entonces no había vivido para sí misma.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA NOVIA DEL DESIERTO_Paulina García y Claudio Risi risas

Esta maravillosa película se encuentra trufada de virtudes. Concisión y virtuosismo narrativo. En apenas setenta y ocho minutos se cuenta toda una existencia, con el uso inteligente de flashbacks y un montaje sobrio, delicado, invisible. Conceptualmente, la evolución del ánimo de Teresa recorre, paralelamente, las localizaciones oscuras del inicio que se van transformando en la luminosidad y el brillo de espacios abiertos. El uso de grandes planos generales seduce a la mirada atenta de la misma manera que la exquisita composición de los encuadres en los que la protagonista siempre aparece físicamente en el centro; es la pieza sobre la que pivota todo el relato. En uno de los momentos más sublimes se mira en un espejo retrovisor, se suelta el pelo, se observa y le gusta lo que ve; una mujer hermosa, segura de sí misma. El rostro, los gestos de Paulina García sin necesidad de palabras, pura emoción, cine con mayúsculas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA NOVIA DEL DESIERTO_Paulina García Retrovisor

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Ceibita Films, El Perro en la Luna, Haddock Films. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

La novia del desierto

Dirección: Cecilia Adán y Valeria Privato

Guión: Cecilia Adán y Valeria Privato, con la colaboración de Martín Salinas

Intérpretes: Paulina García, Claudio Rissi

Música: Leo Lujatovich

Fotografía: Sergio Armstrong

Montaje: Andrea Chignoli

Duración: 78 min.

Argentina, Chile, 2017

La pasión y el proceso creativo – Crítica de “Rodin” (2017)

Jess Franco, ayudante de dirección de Orson Welles en Campanadas a medianoche, lo tildaba de enfermo del montaje. Decía que tenía tal afán de perfeccionismo que cuando terminaba de filmar, salía corriendo con las latas de celuloide bajo el brazo y se escondía con su moviola vertical para dar forma a la película lejos de las fauces de los productores. Un año tardó en editar la adaptación shakespeariana, y porque no le dieron más tiempo; habría seguido rodando si veía que eran necesarios planos adicionales, puliendo y puliendo, en busca de una perfección nunca alcanzada.

Muchos genios coinciden en este aspecto. El afán obsesivo por mejorar sus esculturas llevaba a Auguste Rodin a seguir modificándolas durante años sin terminar de lograr el resultado deseado. Le ocurrió con la práctica totalidad de su exquisita producción artística, pero aquí Jaques Doillon ha querido concentrarlo en una pieza no tan conocida, el Monumento a Balzac, rechazada en 1898 y hoy considerada la primera obra escultórica moderna.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RODIN_Vincent Lindon con el Monumento a Balzac

Este biopic comienza en 1880, cuando Rodin cuenta con 40 años, con el encargo del Estado francés de La Puerta del Infierno. Podemos ver los primeros esbozos donde destaca el poeta Dante reflexivo, contemplando a sus personajes, figura que posteriormente tomaría vida propia como El Pensador y El Beso, que terminaría independizándose de la versión definitiva convirtiéndose en uno de los iconos más representativos de su autor.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RODIN_Izia Higuelin y Vincent Lindon escultura

En esa época fue cuando el maestro tomó como alumna a Camille Claudel, una joven artista que terminó modelando su propia escultura además de convertirse en su amante. El filme trata de este tórrido y apasionado romance que devino en una tormentosa relación de amor-odio causada por los devaneos del parisino con sus modelos, su vida con la madre de su hijo, Rose Beuret, pero sobre todo por la rivalidad profesional y el hecho de que Claudel nunca fuera considerada a la altura de Rodin.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RODIN_Séverine Caneele

La cinta está contada a hachazos, dejando destellos de la vida del protagonista que se introducen elegantemente con fundidos a negro. A pesar de esta narrativa tan particular y sus dos horas de duración, no resulta pesada. El interés que despierta la personalidad de quien se está retratando y la forma en que se concibieron obras clave en la historia del arte le dan un aire documental que resulta un aliciente extra. La aparición de personajes clave en la cultura del país galo que confraternizaron con Rodin, como Claude Monet o Paul Cézanne, añaden más mordiente.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RODIN_Vincent Lindon y la obra de Rodin

De todo el metraje, lo más intenso viene dado por una obra de Camile Claudel, El Vals. A partir de ella, en una magnífica secuencia se nos explica la naturaleza destructiva de su autora, la pasión de Rodin por ella y la vida que hay dentro de esas figuras que giran y giran, que se respiran, que se desean y que querrían detener el tiempo para gozarse mutuamente en ese instante sublime de felicidad absoluta.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RODIN_Izia Higuelin y Vincent Lindon

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Les Films Du Lendemain, Wild Bunch, France 3 Cinéma. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

 

Rodin

Dirección y guion: Jacques Doillon

Intérpretes: Vincent Lindon, Izia Higelin, Séverine Caneele

Música: Philippe Sarde

Fotografía: Christophe Beaucarne

Montaje: Frédéric Fichefet

Duración: 119 min.

Francia, Bélgica, Estados Unidos, 2017

Mucho más que cine de género – Crítica de “Purasangre” (2017)

Podríamos catalogar esta historia en varios géneros; suspense, principalmente, matizado por grandes pinceladas de comedia negra con toques dramáticos. De tratamiento minimalista en cuanto al reducido número de personajes y a la escasez de localizaciones, su origen teatral y su evolución argumental la emparentan directamente con La Soga y Extraños en un tren de Alfred Hitchcock, aunque las referencias al realizador británico pueden ampliarse a La sombra de una duda. Las fuentes de inspiración de Cory Finley, director primerizo y autor de un texto inicialmente pensado para las tablas, pueden ir más allá, hasta una pieza de culto gratamente recordada, una joya en el currículum de Peter Jackson, Criaturas celestiales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PURASANGRE_Anya Taylor-Joy y Olivia Cooke

Dos adolescentes de clase alta de Connecticut retoman su antigua amistad después de varios años sin verse por lo que se intuye que fue una traumática ruptura. Juntas de nuevo, urden un plan para resolver los problemas de ambas sin importarles el coste ni los efectos colaterales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PURASANGRE_Anya Taylor-Joy y Olivia Cooke jardín

La atmósfera oscura y perturbadora del libreto se traslada a la pantalla gracias en gran medida a las dos actrices que encarnan a las protagonistas, pero también a un tratamiento audiovisual que huye en todo momento de la cuarta pared para aprovechar todos los recursos estilísticos que ofrece el séptimo arte. Olivia Cooke, que rodó este filme antes de la explosión en su carrera que va a suponer Ready Player One, dibuja a una joven tan inteligente como inquietante; incapaz de empatizar con nadie, ha de fingir sus sentimientos para que no la tachen de desequilibrada. Los enormes ojos de Anya Taylor-Joy la han convertido en uno de los rostros más significativos del cine de terror. Su Lily transmite ingenuidad y una fragilidad que podría revestir cierta ambigüedad.

THOROUGHBREDS

La sencillez de la puesta en escena se acompaña de una interesante propuesta en lo cinematográfico. Finley retrata hábilmente el primer encuentro de las dos amigas con un plano-contraplano en el que deliberadamente coloca la cabeza de cada una en el extremo del encuadre más cercano a la otra, dejando todo el aire por detrás, justo al contrario a como se hace habitualmente. Esto crea la misma sensación de incomodidad en el espectador que la que siente una en presencia de la otra, dándonos a entender que algo doloroso las separó en el pasado.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PURASANGRE_Anya Taylor-Joy y Olivia Cooke cabreo

Este juego con las partes de la trama que no se cuentan pero que se sabe que están ahí o con escenas realmente atroces que no se muestran porque alguien las explica con palabras, eleva este trabajo de categoría. Como en Cautivos del mal, lo que no vemos se convierte en algo mucho más terrorífico que cualquier elemento concreto que nos hubieran enseñado. La resolución del momento clave, a través de un plano secuencia con un travelling suave sobre un sillón, dejando que el sonido y la imaginación del público completen lo que sucede, da fe de la sublime maestría de este novato tras las cámaras.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PURASANGRE_Olivia Cooke y Anya Taulor-Joy Ajedrez

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  B Story, Big Indie Pictures, June Pictures. Cortesía de Universal Pictures International Spain. Reservados todos los derechos.

 

Purasangre

Dirección y guion: Cory Finley

Intérpretes: Olivia Cooke, Anya Taylor-Joy, Anton Yelchin

Música: Erik Friedlander

Fotografía: Lyle Vincent

Montaje: Louise Ford

Duración: 92 min.

Estados Unidos, 2017

Partida de ajedrez en Beirut – Crítica de “El Rehén” (2018)

El cine de espías siempre nos ha brindado excelentes películas que mezclaban el thriller con el suspense. Si nos ponemos clásicos, el mejor Hitchcock, el de Encadenados, coqueteó con el género dándole su toque personal y añadiendo una buena dosis de romance (sentimiento que se exacerba en situaciones límite como las que se narran en este tipo de filmes) que incluía el considerado beso más largo jamás plasmado en celuloide, el que compartían Cary Grant e Ingrid Bergman. En los albores del siglo XXI Tony Scott logró su trabajo más redondo gracias a Spy game (Juego de espías). Mismos ingredientes mezclados en una trama brillantemente tejida, con unos excepcionales Robert Redford y Brad Pitt, en la que destacaba la mano del director británico y esa manera tan espectacular de jugar con las imágenes, el montaje, los efectos de sonido y la banda sonora que convertían una cinta de puro entretenimiento en una obra de autor.

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Adoptando un estilo no tan sofisticado como el de Scott aunque igualmente efectivo, Brad Anderson ha concebido una pieza sólida eminentemente deudora del largometraje del desaparecido realizador. Los paralelismos resultan más que evidentes. Oriente Medio como uno de los puntos importantes de la historia, un hombre tratando de conseguir el rescate de un amigo al que hace tiempo que no ve, intrigas en las altas esferas que harán desconfiar al protagonista, la Casa Blanca, gobiernos de países de la zona, grupos armados de distintas facciones y una historia de pasión soterrada, acentuada al tiempo por vivirla al filo del abismo.

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Beirut, 1982. En plena guerra del Líbano un agente de la CIA que maneja información sensible es secuestrado por un comando terrorista. Los servicios secretos estadounidenses se pondrán en contacto con un ex diplomático que trabaja arbitrando en conflictos laborales para que ayude en la negociación. El mediador acepta a regañadientes un cometido que le devolverá a un pasado doloroso y le obligará a regresar a la ciudad donde una vez vivió y compartió misiones con el ahora rehén.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL REHÉN_John Hamm y Rosamund Pike coche

El guión de Dan Gilroy bebe de forma inconfesa de aquel estupendo libreto que firmaban Michael Frost y David Arata, lo que no es óbice para haber conseguido un resultado notable. No obstante de su pluma han surgido dos de los análisis más lacerantes en torno a los círculos de influencia al más alto nivel, la amistad y el amor, La sombra del poder y Michael Clayton.

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El acercamiento al conflicto que sacudió Oriente Medio a principio de la década de los ochenta, a pesar de que se haga a través de una ficción, aporta un interés añadido a esta narración donde los oscuros entramados entre la Agencia Central de Inteligencia, el Gobierno de Israel, el Mossad y la Organización para la Liberación de Palestina impactan por su realismo. La vida de según quién no vale apenas nada y se utiliza como moneda de cambio para conseguir objetivos políticos o militares en una partida de ajedrez donde los protagonistas han de jugar sus propias armas ante poderosos enemigos.

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Copyright imágenes  ©  Radar Pictures, ShivHans Pictures, Kasbah-Film Tanger. Cortesía de DeA Planeta. Reservados todos los derechos.

 

El Rehén

Dirección: Brad Anderson

Guion: Dan Gilroy

Intérpretes: John Hamm, Rosamund Pike, Mark Pellegrino

Música: John Debney

Fotografía: Björn Charpentier

Duración: 109 min.

Estados Unidos, 2018

Mi querido niño – Crítica de “Siempre juntos (Benzinho)” (2018)

La manera más justa y objetiva de ver y analizar una película consiste en entrar a la sala completamente desprejuiciado, algo complicado pero factible si hay buena predisposición. Cuando a uno le llegan comentarios no muy halagüeños corre el riesgo de sobrevalorar el trabajo que tiene ante sus ojos porque el panorama no parece tan negro como lo habían pintado. Al contrario, se termina siendo más severo, tal vez injustamente, con una obra que viene precedida de encendidos elogios y recomendaciones de la prensa especializada e incluso de amigos con criterio. Y si ya viene coronada por premios en un festival de prestigio, el listón a superar a la hora de valorar ya parte de una altura considerable.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SIEMPRE JUNTOS (BENZINHO)_LA casa familiar

En efecto, el mayor obstáculo al que se enfrenta un filme pequeño como Siempre juntos son las expectativas generadas en el público potencial. Un lastre de inicio que, en caso de no ver cumplido el deseo de la audiencia provoca desilusión y se vuelve en contra del largometraje. Sus dos galardones en el pasado Festival de Málaga, Mejor Película Iberoamericana y el Premio Especial del Jurado de la Crítica, pesan notablemente a la hora de defender una historia que podría haber despertado más simpatía sin tantas alharacas como las que la circundan.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SIEMPRE JUNTOS (BENZINHO)_Karine Teles y Otávio Müller

Irene es una madre de familia de extracción humilde que intenta llevar adelante a los suyos a través de un pequeño negocio ambulante de compra-venta de telas y con la ayuda de la papelería que regenta su marido. Entre los conflictos a los que ha de enfrentarse se encuentra con la sorpresiva noticia de que su hijo adolescente se va a la otra esquina del mundo en menos de dos meses y no encuentra la manera de afrontarlo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SIEMPRE JUNTOS (BENZINHO)_En el gomnasio

Para que un guión de estas características funcione es imprescindible que el patio de butacas empatice con la protagonista, con sus vivencias y sus padecimientos. El problema surge cuando no se consigue esa conexión. Este que escribe no ha sido capaz de emocionarse con esta matriarca y con su desesperación, hecho achacable a la impericia del cineasta como director de actores que ha permitido a la intérprete, Karine Telles (que figura, además, como co autora del libreto), sobreactuar de tal manera que pierda el favor de quienes nos encontramos a este lado de la pantalla.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SIEMPRE JUNTOS (BENZINHO)_camino de la playa

De nada sirve el virtuosismo estético del que Gustavo Pizzi hace gala, con el uso de colores primarios, rojos, azules, verdes, una fotografía luminosa, unos encuadres perfectamente compuestos, si la historia que pretende contar y la manera de narrarla no es capaz de atrapar la atención de la platea. Si la forma pesa notablemente más que el fondo la batalla está perdida; el desequilibrio crea un abismo insalvable. Al no haber sabido introducirnos en el relato, el plano cenital en el que madre e hijo flotan a la deriva en una cámara de rueda de tractor con el chaval en posición fetal nos resulta tan obvio como innecesario. Se echa de menos algo más de sutileza.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SIEMPRE JUNTOS (BENZINHO)_Karine Teles

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Bubbles Project, TV Zero, Baleia Filmes. Cortesía de BTeam Pictures. Reservados todos los derechos.

 

Siempre juntos (Benzinho)

Director: Gustavo Pizzi

Guion: Gustavo Pizzi, Karine Telles

Intérpretes: Karine Telles, Otávio Müller, Konstantino Sarris

Fotografía: Pedro Faerstein

Montaje: Livia Serpa

Duración: 95 min.

Brasil, Uruguay, Alemania, 2018

Risas contra Trump y el machismo – Crítica de “Un mar de enredos” (2018)

Si hablamos de placeres culpables, cómo disfrutamos con quince años recién cumplidos de la picaresca de Kurt Russell replicada por la insolencia de Goldie Hawn en Un mar de líos. Y eso desconociendo que tras la cámara había un señor llamado Garry Marshall que rompería taquillas poco más tarde gracias a Pretty Woman. Fresca, divertida, ágil. Risas, enredo y un toque de romance. Lo cierto es que el guión funcionaba a la perfección y las dos estrellas encandilaban gracias a su espontaneidad y compenetración.

He de confesar que me acerqué a ver Un mar de enredos sin caer en la cuenta de que se trataba de una puesta al día de aquella historia que tan buenos momentos me había hecho pasar hace ya tres décadas. Los personajes han cambiado de sexo. En esta ocasión el heredero del imperio del cemento de México, un tipo rico, malcriado y consentido, que dilapida la fortuna de su padre a bordo del yate que recibió como regalo de cumpleaños, se niega a pagar a la chica que ha ido a limpiar las alfombras del barco y termina lanzándola por la borda. Cuando él sufre un accidente y acaba en el hospital con amnesia ella, como venganza, le convence de que es su mujer y se lo llevará a su casa de los suburbios junto a sus tres hijas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN MAR DE ENREDOS_Eugenio Derbez y Anna Faris, por la borda

Lo que en un principio pudiera parecer una comedieta al uso da un interesante giro para adquirir más sustancia. El toque de gracia lo pone esa ironía con la que sacude por un lado a Trump, con una evidente reivindicación de lo mexicano y del español como idioma (gran parte del metraje y muchos de los mejores gags, chistes y dobles sentidos están hablados en la lengua de Cervantes, algo que lamentablemente se perderá en la versión doblada), y por otro al machismo, algo, por desgracia, universal, aunque por aquellos lares y en su Casa Blanca conocen bien el asunto (la secuencia en la que Eva Longoria emula a tantos presidentes y políticos que han salido a pedir perdón por sus devaneos extramatrimoniales, impagable). La guinda, la auto parodia totalmente consciente de las telenovelas en la que se convierte toda la parte latina de la trama.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN MAR DE ENREDOS_Anna Faris

Las piezas clave capaces de sustentar un texto en el que las risas convivan constantemente con un registro más dramático son sin duda los dos protagonistas. Eugenio Derbez y Anna Faris demuestran su tremenda versatilidad, y lo que sobre el cartel podría parecer una pareja improbable se revela, una vez vista la película, un dúo con innegable química tanto cómica como romántica.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN MAR DE ENREDOS_Anna Faris y Eugenio Derbez con las niñas

Se ha sabido dar la vuelta a un libreto de los 80 con el ingenio suficiente como para denunciar, tirando de sarcasmo, unas cuantas lacras de la sociedad contemporánea sin perder el punto divertido, con una profundidad que uno no habría esperado de inicio y añadiendo un toque de ternura para cerrar la narración con una buena dosis de causticidad que contrarreste cualquier atisbo de final empalagoso.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN MAR DE ENREDOS_Eva Longoria y Anna Faris

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Pantelion Films, 3Pas Studios, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Cortesía de Filmax. Reservados todos los derechos.

 

Un mar de enredos

Dirección: Rob Greenberg

Guión: Bob Ficher y Rob Greenberg a partir de un guión de Leslie Dixon

Intérpretes: Eugenio Derbez, Anna Faris, Eva Longoria

Música: Lyle Workman

Fotografía: Michael Barrett

Duración: 112 min.

Estados Unidos, 2018

Haneke, no apto para todos los paladares – Crítica de “Happy End” (2017)

Una confesión antes de comenzar a disertar sobre Happy End. Quien se sienta tras el teclado tan solo está familiarizado con el segmento más reciente de la filmografía de Michael Haneke. Únicamente La cinta blanca, probablemente la muestra más convencional de su producción, ha atrapado, sin una adhesión inquebrantable, el interés y la atención de este cronista. Por suerte o por desgracia, el singular modo de expresarse del cineasta alemán no nos ha conseguido emocionar con sentimientos que embargan a tantos otros, apasionados de su obra.

Uno ha de acercarse a un tipo tan particular con precaución a pesar del entusiasmo mostrado por las recomendaciones de amigos cinéfilos que tienen en gran estima al director. Tal vez Caché (Escondido) no fue la mejor elección para una primera toma de contacto. Esos planos tomados con teleobjetivo para retratar la acción desde el punto de vista de un mirón apostado tras la maleza, sin dejar que el espectador escuche las conversaciones que se producen entre los intérpretes, más que la inquietante sensación que sesudos críticos decían haber captado provocaron displicencia y profundo aburrimiento.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HAPPY END_Isabelle Huppert

En el momento de la reflexión, pocos minutos después de terminar el visionado de esta película, nos invade la intuición de que el proyecto se articuló de detrás hacia delante, comenzando la casa por el tejado en lugar de cimentarla sobre una sólida base. Y de la imaginación surge la figura de un Haneke que, en un instante de inspiración, idea la que a la postre sería la última secuencia del filme, que por respeto al lector no destriparemos, y exclama: tengo que hacer un largometraje que termine así.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HAPPY END_Jean Louis Trintignant biblioteca

Genialidad y fuerza no le faltan a ese perfecto colofón, el problema se encuentra en los cien minutos anteriores. Desiguales, utilizando en determinados momentos la misma técnica desarrollada en Caché y que, como ya se ha dicho, no seduce al autor de estas líneas y deshilvanando retales de unos personajes que adquirirán relativo sentido tras ese potente final. De la adinerada familia que el realizador ubica en el centro de esta historia para despellejarla de manera implacable tan solo los roles de la niña y su abuelo, incorporado por el veterano Jean-Louis Trintignant, despiertan cierto atractivo del que no somos conscientes hasta pasados dos tercios de metraje.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HAPPY END_Fantine Harduin

Por más que el juego en torno a la cámara del teléfono móvil con el que se abre la cinta y el que se articula gracias a los mensajes a través del ordenador cree cierta sensación de misterio, la intercalación de tiempos muertos entre secuencias con más enjundia no hace sino desesperar a la audiencia. El de Haneke es un cine difícil, no apto para todos los paladares, a pesar de ello y de no comulgar con el irregular camino tomado para desembocar en su excelente remate, no hemos de negarle la ironía y el acierto a la hora de escoger el título. Más que un Happy end, a la conclusión queda un poso de amargura.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HAPPY END_Fantine Harduine, Jean-Louis Trintignant, Isabelle Huppert, Toby Jones y Mathieu Kassovitz

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Les Films de Losange, Wega Films. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

Happy End

Dirección y guión: Michael Haneke

Intérpretes: Isabelle Huppert, Jean-Louis Tringtignant, Mathieu Kassovitz

Fotografía: Christian Berger

Montaje: Monika Willi

Duración: 107 min.

Francia, Austria, Alemania, 2017

Optimismo en tiempos de crisis – Crítica de “El mejor verano de mi vida” (2018)

El cine bienintencionado, ese que nos cuenta historias donde la visión positiva de la vida se impone sobre el cinismo y el verismo descarnado que la cruda realidad pueda ofrecer, ha dado obras maestras y buenas dosis de escape a un público necesitado de un mensaje de esperanza en tiempos de crisis. Aunque esta definición pueda parecer cercana en el tiempo se refiere al género que Frank Capra desarrolló en los años 30 del siglo pasado para contrarrestar los desoladores efectos de la Gran Depresión en el ciudadano de a pie estadounidense debidos a aquel fatídico jueves negro de 1929. Sucedió una noche, Dama por un día, Qué bello es vivir, y sobre todo Vive como quieras, guardan elementos (salvando las distancias) que vamos a encontrar en la cinta que nos ocupa.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL MEJOR VERANO DE MI VIDA_Leo Harlem y Toni Acosta

La humanidad ha tropezado cíclicamente infinitas veces en la piedra de la codicia; lo aplicado al crack de Wall Street de hace casi 90 años sirve para la debacle de Lehman Brothers de septiembre de 2008 y todas sus consecuencias. De modo que una comedia con toques dramáticos pero con el espíritu de las películas de Capra siempre es bienvenida.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL MEJOR VERANO DE MI VIDA_Alejandro Serrano y Leo Harlem

El actor más taquillero de Italia, Checco Zalone (Un italiano en Noruega), escribió y encabezó el reparto de Sol a cántaros (2013), cuyo guión, debidamente adaptado a la idiosincrasia española, se ha convertido en El mejor verano de mi vida.

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Curro vende robots de cocina pero sueña con trabajar en el mundo financiero. Optimista por naturaleza, a pesar de las deudas familiares y del mal momento de su matrimonio, promete algo que no se puede permitir: si su hijo de nueve años saca todo sobresalientes, le llevará a unas vacaciones de verano inolvidables. El niño lo consigue y su padre se verá obligado a cumplir su palabra.

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La trama tarda en arrancar. Demasiadas vueltas en la presentación de personajes. Más o menos hacia la mitad del metraje se produce el clic. En el momento en que el protagonista y su chaval llegan a un resort de yoga en el que conocen a la dueña y a su hija se produce el giro a partir del que la cinta comienza a convencer. No se trata de un trabajo redondo, pero si tenemos un poco de paciencia y conectamos con el tono, podemos pasar un rato más que agradable.

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Aunque su tratamiento sea ligero, la crisis económica, la corrupción, la reforma laboral, el paro, quedan como interesante telón de fondo. A este que escribe el estilo a la hora de afrontar las desventuras de este trabajador golpeado por las circunstancias pero inasequible al desaliento, interpretado por un divertidísimo Leo Harlem, le trajo a la memoria otro intento de fantasía capriana, Dave, presidente por un día de Ivan Reitman. Si a ese grato recuerdo y al buen hacer del cabeza de cartel unimos la agradable sorpresa de Maggie Civantos, la siempre solvente Toni Acosta y la desternillante Gracia Olayo, nos han merecido la pena estos 90 minutos de desconexión con las preocupaciones diarias.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL MEJOR VERANO DE MI VIDA_Alejandro Serrano, Stephanie Gil, Leo Harlem, Maggie Civantos e Isabel Ordaz ok

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Álamo Audiovisual, Atresmedia Cine. Cortesía de A Contracorriente. Reservados todos los derechos.

 

El mejor verano de mi vida

Dirección: Dani de la Orden

Guión: Olatz Arroyo, Daniel Castro, Dani de la Orden y Marta Suárez

Intérpretes: Leo Harlem, Alejandro Serrano, Maggie Civantos

Música: Zacarías M. de la Riva

Fotografía: Valentín Álvarez

Duración: 91 min.

España, 2018

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