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Retorciendo el cuento de Blancanieves – Crítica de “La seducción” (2017)

1864, Virginia, tercer año de la Guerra de Secesión estadounidense. Una niña que recoge setas entre las encinas del sur encuentra malherido a un soldado del norte y lo traslada al internado en el que, junto a dos adultas y a otras cuatro jovencitas, sobrevive a los horrores de la contienda. En lugar de entregarlo a las tropas confederadas deciden hacerse cargo del convaleciente hasta que se recupere en un tiempo en el que cada una de ellas tratará de seducirlo buscando su amistad, su cariño o, tal vez, algo más. La presencia de ese elemento extraño alterará la convivencia hasta el punto de enfrentar a las ocupantes de la casa señorial que serán capaces de traicionarse por culpa de los celos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SEDUCCIÓN_Las 7 mujeres

En el minuto cinco salta el resorte de quien se acerca a una película exento de información que condicione su visionado. Esto es un remake de El seductor, que Don Siegel dirigió en 1971 a partir de la novela de Thomas Cullinan. Por más que Sofia Coppola asegure que se trata simplemente de una adaptación del mismo libro, totalmente independiente de la versión cinematográfica existente, resulta harto complicado desvincularla de aquella. La cuestión, además de pertinente, se antoja inevitable. ¿Era necesario?

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SEDUCCIÓN_Nicole Kidman y Colin Farrel

Buscando qué podría aportar la realizadora y guionista que no se hallase en la anterior aproximación se podría esperar una puesta al día, una modernización de la imagen de la mujer al trasladar el texto a la pantalla, algo que, por otra parte, se ha convertido en signo identificativo del cine de la responsable de Lost in translation.

The Beguiled

Ni rastro de novedades que justificasen la revisitación amén del subrayado de los aspectos más interesantes de la novela ya presentes en el trabajo de Siegel. La idea de presentar un aparentemente apacible oasis que se va convirtiendo en una prisión sin barrotes de la que es imposible salir porque hay algo sobrenatural y buñuelesco que lo impide, como sucedía en El ángel exterminador. O el tono turbador que, al reducir el número de féminas que habitan la mansión, ha permitido a Coppola transformar la historia en una retorcida, perversa y oscura versión de Blancanieves, cambiando el sexo tanto al personaje principal como a los encargados de su cuidado.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SEDUCCIÓN_Kirsten Dunst, Elle Fanning, Nicole Kidman y las demás chicas

La ironía desplegada en la narración, subrayada por un par de significativos planos, uno con seis de las protagonistas a la mesa y el último de la cinta en el que la verja de entrada simula una celda para todo el que aparece detrás, y el preciosismo de la fotografía, repartido en el uso de la luz, los elegantes movimientos de cámara y los cuidados encuadres, no parecen bagaje suficiente para haber recibido el premio a la mejor dirección en el pasado Festival de Cannes. Más aún teniendo en cuenta el ritmo excesivamente pausado del relato y dejando de lado el garrafal error de casting al escoger a Colin Farrell, cuya dudosa capacidad de atracción, sumada a una insulsa y ambigua interpretación, no hace justicia al personaje, palideciendo absolutamente en la comparación con Clint Eastwood.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SEDUCCIÓN_Colin Farrell

 

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  American Zoetrope, FR Productions. Cortesía de Universal Pictures Spain. Reservados todos los derechos.

 

La seducción

Dirección: Sofia Coppola

Guión: Sofia Coppola basado en la novela The beguiled de Thomas Cullinan

Intérpretes: Collin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst

Música: Laura Karpman y Phoenix

Fotografía: Philippe Le Sourd

Duración: 93 min.

Estados Unidos, 2017

Arturo, héroe de acción – Crítica de “Rey Arturo: La leyenda de Excálibur” (2017)

Braveheart, Robin Hood, Dos hombres y un destino, Enemigo Público. Los variados guiños de Guy Ritchie a obras tan diferentes entre sí, y tan lejanas en algunos casos a la temática que trata en su nueva película, nos dan la medida de que su versión de las leyendas artúricas se va a acercar mucho más al pastiche con mezcla de géneros que al relato clásico.

El británico siempre ha sido ese tipo espabilado que ha conseguido primero hacerse un nombre y posteriormente vivir del cine gracias a haber sabido adoptar como propio lo que otros habían puesto de moda. A nadie escapa el más que evidente paralelismo entre su debut, Lock & Stock, y la ópera prima de Quentin Tarantino, Reservoir Dogs (homenajeada aquí también), y la no menos reseñable relación que Snatch: Cerdos y diamantes tiene con Pulp Fiction. Quiso tomar el tren de la originalidad impulsado por pioneros como el director de Kill Bill a través de sucedáneos y no le ha ido nada mal. Su revolucionario Sherlock Holmes reventó taquillas con una heterodoxa visión que revestía las novelas detectivescas decimonónicas de thriller de principios del siglo XXI.

El Rey Arturo: La Leyenda de la Espada

Una vez hallada la piedra filosofal que le concedió el favor de la audiencia se ha limitado a repetir fórmula, volviendo a aplicar los conceptos de planificación, movimientos de cámara, montaje, sonido, efectos y música del cine de acción contemporáneo, en esta ocasión, a la temática medieval, especialmente al abordar peleas o persecuciones e incluso en el uso del lenguaje, que nos remite a la jerga barriobajera de los matones de poca monta de sus primeras cintas, cameo futbolero incluido. La aparición de improbables personajes, dada la época retratada, como importantes cargos militares de raza negra además de marineros asiáticos especialistas en kung fu, nos confirman, como era de prever, que se ha soslayado conscientemente el rigor histórico con la idea de potenciar el factor entretenimiento.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_REY ARTURO-LA LEYENDA DE EXCÁLIBUR_Charlie Hunnam y Djimon Honsou luz

Atendiendo a esta última reflexión, únicamente si nos adentramos en la proyección sin prejuicios de ningún tipo, difícil ejercicio pero útil en casos como el que nos ocupa, podremos disfrutar de dos horas de cine impecablemente realizado, técnicamente perfecto y endiabladamente entretenido. Con agradables sorpresas como la confirmación de un Charlie Hunnam que tras encarnar al aventurero Percy Fawcett de Z, la ciudad perdida se convierte en este inverosímil Arturo en su camino a la realeza, y la de la barcelonesa Astrid Bergès-Frisbey.

El Rey Arturo: La Leyenda de la Espada

Ritchie, como ya le sucedió en Snatch: Cerdos y diamantes, suple su falta de originalidad argumental con brillantes recursos narrativos que aportan atractivo y fluidez a su trabajo, adoptando diferentes estilos visuales para cada una de las múltiples secuencias de acción que aborda, emulando, en una de ellas, al añorado Tony Scott y sus planos cenitales en las persecuciones sobre los tejados. La originalidad de la banda sonora, que utiliza respiraciones humanas armonizadas y acompasadas con instrumentos de percusión, consigue un efecto hipnótico que encaja a la perfección con ese tono deliberadamente anacrónico del que se ha querido dotar al filme.

El Rey Arturo: La Leyenda de la Espada

 

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Warner Bros, Village Roadshow Pictures, Safehouse Pictures, Weed Road Pcitures, Wigram Productions. Cortesía de Warner Bros. España. Reservados todos los derechos.

 

Rey Arturo: La leyenda de Excálibur

Dirección: Guy Ritchie

Guión: Joby Harold, Guy Ritchie y Lionel Wigram

Intérpretes: Charlie Hunnam, Astrid Bergès-Frisbey, Jude Law

Música: Daniel Pemberton

Fotografía: John Mathieson

Montaje: James Herbert

Duración: 126 min.

Estados Unidos, 2017

De la donación y el trasplante de órganos – Crítica de “Reparar a los vivos” (2016)

Tras habernos emocionado con Reparar a los vivos, dos referencias. La real, el padre que cruzó Estados Unidos en bicicleta para abrazar al receptor del corazón de su hija fallecida y sentirlo, así, latir por última vez contra su pecho. Y la cinematográfica, Pedro Almodóvar, que en varios de sus trabajos ha contado con el asesoramiento del programa de comunicación de malas noticias de la Organización Nacional de Trasplantes, en Todo sobre mi madre recogía puntualmente tanto el adiestramiento de los facultativos para manejar situaciones tan delicadas como la mecánica del procedimiento.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_REPARAR A LOS VIVOS_Bauli Lanners y Tahar Rahim

A pesar de ser España líder mundial en la materia, este largometraje francés, adaptación de la novela homónima de Maylis de Kerangal, ha sido el primero en abordar de principio a fin, como temática principal, de manera certera y desde todos los puntos de vista implicados, el dolor, el sufrimiento, la angustia y la esperanza que envuelven un escenario en el que la muerte de una persona ayuda a vivir a otras mediante la cesión de varios de sus órganos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_REPARAR A LOS VIVOS_Emmanuelle Seigner y su marido junto a su hijo

Inteligentemente estructurada, la narración comienza relatando las circunstancias del accidente que acabará con la vida del futuro donante para ir introduciendo de forma gradual a su familia, a los doctores y cirujanos, a la posible receptora y al centro de coordinación de trasplantes, haciendo una pequeña parada en forma de hermoso flashback en el que, sin apenas palabras, nos enseña quién es ese chaval y cómo enamoró a la chica que ahora sufre su pérdida.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_REPARAR A LOS VIVOS_beso

Esa virtud, tan poco cultivada en el cine contemporáneo, consistente en el arte de narrar a través de la imagen y el sonido evitando la verborrea prescindible del diálogo superfluo preside la caligrafía con la que Katell Quillévéré ha cincelado este filme sustentado, entre otros, en los pilares de la elegante poética de la metáfora visual asentada en unos efectos digitales al servicio de un relato en el que prima la sensibilidad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_REPARAR A LOS VIVOS_Anne dorval

El equilibrio entre emotividad, perfectamente medida para no rozar siquiera la sensiblería, y el tono cuasi documental de las secuencias en las que se trata el trasplante desde el punto de vista médico, incluidas las tomas quirúrgicas, necesarias a todas luces pero evitando lo truculento, ofrece al público una obra que no deja de estremecer a pesar de la pulcritud y minuciosidad con la que describe los aspectos técnicos del proceso.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_REPARAR A LOS VIVOS_el trasplante

La película se percibe como un conjunto protagonizado por la donación y el trasplante de órganos en el que los intérpretes aparecen como meros secundarios, piezas de un engranaje en el que la partitura de Alexandre Desplat, presidida por la calidez del piano, acompaña, viste, sin destacar, dando pie a una selección musical cuya guinda la coloca, en los créditos finales, un tema de David Bowie, Five years, que apela a nuestra nostalgia recordando la aclamada versión de Tahures Zurdos. A pesar de todo, no hubiese desentonado en absoluto un colofón alternativo reflejado en el evocador inicio. Pantalla en negro. Sonido de olas de mar que, poco a poco, se desvanece.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_REPARAR A LOS VIVOS_Tahar Rahim despedida

 

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Les Films du Bélier, Les Films Pelléas, France 2 Cinéma, Mars Films. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

 

Reparar a los vivos

Dirección: Katell Quillévéré

Guión: Katell Quillévéré y Gilles Taurand, basado en la novela Reparar a los vivos de Maylis de Kerangal

Intérpretes: Tahar Rahim, Emmanuelle Signer, Anne Dorval

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Tom Harari

Montaje: Thomas Marchand

Duración: 103 min.

Francia, Bélgica 2016

Romeo y Julieta en Vanuatu – Crítica de “Tanna” (2015)

Robert Flaherty sentó las bases del documentalismo con su hermosa aproximación a la vida de los inuit en una época en que todavía se rodaba en blanco y negro y sin sonido. Nanuk, el esquimal data de 1922 y ha servido de espejo a todo el que se ha interesado por ese cine que pretende acercar la realidad al espectador, sin artificio ninguno, para usarlo no como medio de evasión sino como fuente de saber y de aprendizaje. La película que hoy nos ocupa se encuentra a mitad de camino entre estos dos extremos.

Traslada hechos sucedidos en 1987 en la paradisiaca isla de Tanna, perteneciente a Vanuatu, y se encuentra tan ligeramente ficcionado que nos da la sensación de estar contemplando cómo se desarrolla la vida y cuáles son las costumbres de los indígenas protagonistas en su día a día. El hecho de contar con interpretes no profesionales, miembros de la comunidad que ocupa esa parte del territorio insular, hace el resto y emparenta este trabajo con aquel que Flaherty desarrolló casi un siglo antes.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_TANNA_la tribu yakel baila

En este remoto enclave del Pacífico cubierto por la espesura de la selva tropical y dominado por un volcán en activo, en el seno de la tribu de los Yakel, se desarrolla una historia que habla de la lealtad entre dos hermanas, de un amor prohibido que desafía los convencionalismos y las costumbres arraigadas desde tiempos lejanos y de cómo la sabiduría y los acontecimientos pueden llevar a que se produzca un pacto entre lo ancestral y la modernidad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_TANNA_Wawa y su hermana Seline

Este canto a la libertad individual, a la posibilidad de elección por parte de las mujeres Yakel de la persona amada por encima de supersticiones y tradiciones, que por muy asentadas no dejan de estar trasnochadas, resulta extrapolable a entornos sociales completamente diferentes. Esas madres y abuelas que conminan a la joven Wawa a aceptar con resignación el fatídico destino que la convierte en poco más que una ofrenda a la tribu adversaria para evitar un enfrentamiento armado, pasando a ser esposa del hijo del jefe en contra de su voluntad, y lo que es más doloroso, de su corazón, podrían encontrarse bastante más cerca de lo que pensamos tanto en el espacio como en el tiempo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_TANNA_Los dos protagonistas sobre una roca

La belleza de las imágenes, que emerge sostenida por tonadas étnicas y una breve partitura reservada para subrayar lo verdaderamente importante, no es óbice para poder disfrutar de un Romeo y Julieta entre naturaleza salvaje que reflexiona sobre cómo los jóvenes poco a poco han de participar, a veces de un modo traumático, en la actualización de lo tradicional para dotarlo de una modernidad que lo haga perdurar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_TANNA_El jefe de la tribu rival

La universalidad del relato toca el alma de la audiencia de un modo tan contundente que fue capaz de convencer a los miembros de la Academia de Hollywood para admitirla como contendiente al Óscar a la mejor película de habla no inglesa por encima de contrastados trabajos del predicamento de Neruda, Elle o Julieta. Algo tendrá el agua cuando la bendicen.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_TANNA_El protagonista, triste

 

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Copyright imágenes  ©  Contact Films. Cortesía de Alfa Pcitures. Reservados todos los derechos.

 

Tanna

Dirección; Martin Butler y Bentley Dean

Guión: Martin Butler, John Colle y Bentley Dean

Intérpretes: Mungau Dain, Marie Wawa, Marceline Rofit

Música: Antony Partos

Fotografía: Bentley Dean

Montaje: Tania Nehme

Duración: 104 min.

Australia, Vanuatu, 2015

Un Berlanga a la rumana – Crítica de “Sieranevada” (2016)

Pasada la primera hora de metraje uno no puede más que deducir que Christian Puiu, rumano y máximo responsable de Sieranevada, ha debido repasarse toda la cinematografía de Luis García Berlanga antes de ponerse a rodar. Los seis minutos iniciales, sin cortes, observando a los personajes desde la distancia y sin apenas entender lo que se dicen, nos había llevado a la errónea consideración de que el estilo narrativo escogido para transmitir esta historia se podría acercar al utilizado por Michael Haneke en Caché o al que Jaime Rosales imprimió a Tiro en la cabeza. Dado que ni una, ni otra son santas de la devoción de este que escribe, alivio momentáneo al comprobar que la caligrafía audiovisual no se dirigía por aquellos derroteros.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SIERANEVADA_desde el asiento trasero

El objetivo se aproxima a los intérpretes. Primero dentro de un coche, oteando desde atrás a los conversadores, para, en unos instantes, en cuanto entramos en casa de la madre, hacernos tomar conciencia de la coralidad del guión a tenor de la ingente cantidad de parentela reunida en la vivienda para asistir a una comida.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SIERANEVADA_Tres de los familiares

A partir de ese momento, tomas de más de cinco minutos con continuas entradas y salidas de las habitaciones, frases milimetradas de unos para dejar paso a otros y cierta coreografía que aporta fluidez a todos los movimientos actorales y los acompasa con los de la cámara. La referencia a Berlanga, indudable, no alcanza el vértigo y la precisión de los “ballets” orquestados por el director de Bienvenido Míster Marshall.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SIERANEVADA_El protagonista y la anciana nostálgica del comunismo

El valenciano ponía el plano secuencia al servicio del humor negro y la crítica social surgidas de la pluma del inimitable Rafael Azcona. Esta celebración familiar en el aniversario de la muerte del patriarca, a pesar de la utilización de un tono irónico, de la intención de despotricar en torno a los estamentos políticos (nacionales e internacionales, presentes y pasados), religiosos y militares de Rumanía, más allá de lo pintoresco de alguno de los personajes y de lo rimbombante de ciertas costumbres en torno al fallecido y recordado, y por muy felliniano que intente parecer aquello, queda a años luz tanto del universo del realizador romano como de Plácido, una de las cimas de la cinematografía mundial en cuanto a elegancia, causticidad y profundidad argumental.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SIERANEVADA_el sacerdote ortodoxo llega a la casa

La construcción de este trabajo a partir de la concatenación de extensas secuencias en las que la cámara no deja de rodar puede que aporte naturalidad y frescura al material y a las interpretaciones, pero cuenta con el hándicap de añadir minutos y minutos a un metraje imposible de ser aliviado al no poder usar las tijeras hasta el final de cada toma. De modo que los certeros noventa minutos del cuento moral protagonizado por Cassen se convierten en casi tres horas de conversaciones salpicadas de intrigas palaciegas que dejan de interesar apenas alcanzado el primer tercio de duración. Llegados a este punto, la elección de un título deliberadamente mal deletreado y que nada tiene que ver con el argumento queda en pura anécdota.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SIERANEVADA_Se ríen en la mesa

 

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Copyright imágenes  ©  Madragora, Production 2006, Alcatraz Films, Studioul de Creatie Cinematografica al Ministerului Culturii. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

Sieranevada

Dirección y guión: Cristi Puiu

Intérpretes: Mimi Branescu, Judith State, Bogdan Dumitrache

Fotografía: Barbu Balasolu

Montaje: Ciprian Cimpoi y Letitia Stefanescu

Duración: 173 min.

Rumania, Francia, Croacia, Bosnia Herzegovina, Macedonia, 2016

Amor (por el cine) en tiempos de guerra – Crítica de “Su mejor historia” (2016)

¿Has mirado algo sabiendo que lo quieres más que a nada en la vida comprendiendo que nunca podrá ser tuyo? Yo lo he hecho y te digo que, o acaba contigo o enciende un fuego en tu interior que seguirá ardiendo hasta el fin de tus días. Tras escuchar esta frase sobre un primer plano del rostro de una Gemma Arterton con los ojos vidriosos, la conmovedora partitura de Rachel Portman hace el resto. Cuando el espectador llegue a ese punto, con el bagaje emocional que el argumento ha ido sedimentando en el cauce de la narración, va a ser harto complicado contener las lágrimas.

Qué no hubiésemos dado por haber podido escribir (e interpretar) otro final, uno distinto y brillante, para nuestras escenas románticas fallidas. Culminar aquella conversación entre adolescentes de casi cuatro horas con un beso en los labios de la persona amada, conseguir el ansiado sí evitando el molesto tartamudeo provocado por el nerviosismo ante un momento crucial o asumir y aceptar el amor que nos brinda quien tenemos enfrente, sincerándose y ofreciéndose a tumba abierta, en lugar de acobardarnos y salir huyendo.

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Vida y cine, cine y vida, vida dentro del cine y cine dentro de la vida. El juego que articula la danesa Lone Scherfig une por un lado y desenlaza por otro el ámbito real y la ficción traídos a la gran pantalla a partir de la adaptación de una novela que ya en su título homenajea al séptimo arte. Su mejor hora y media, de Lissa Evans, es un juego de palabras que se refiere a la duración estándar de un largometraje de la época.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SU MEJOR HISTRORIA_Gemma Arterton y Sam Claflin proyector

Londres. Segunda Guerra Mundial. Una joven escritora comienza a trabajar en la división de películas del Ministerio de Información, unidad encargada de trasladar a la población optimismo ante los constantes bombardeos que asedian la capital. Las circunstancias la colocan en el equipo de guionistas que prepara un largometraje acerca de la evacuación de Dunkerque, momento en que su gris existencia junto a un artista bohemio experimentará un tremendo vuelco.

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Lo más interesante de esta aproximación al metacine reside en su disección del proceso creativo, la manera en que una historia real ha de ser modificada para convertirse en material cinematográfico de primera que consiga atrapar la atención y apasionar a la audiencia transmitiendo autenticidad y credibilidad sin perder su espíritu primigenio.

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Más importante aún resulta una segunda lectura que reflexiona sobre el papel de la mujer tanto como personaje dentro de un guión como en la sociedad, incluidos sus méritos para figurar como jefa de equipo dentro de un filme. Aunque la acción se desarrolle en la década de 1940, el mensaje, por desgracia, no ha perdido vigencia, a pesar de que una fémina dirija y cuente con talentosas colaboradoras al frente del guión, la música, el montaje, la dirección artística y el reparto de una cinta que, más allá de no resultar redonda, deja un regusto emotivo y evocador para todos los que amamos el cine.

Their Finest Hour and A Half
Directed by Lone Sherfig

 

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Copyright imágenes  ©  Number 9 Films, Filmgate Films, Ripken Productions, BBC Films. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

Su mejor historia

Dirección: Lone Scherfig

Guión: Gaby Chiappe, basado en la novela Su mejor hora y media de Lissa Evans

Intérpretes: Gemma Arterton, Sam Claflin, Bill Nighy

Música: Rachel Portman

Fotografía: Sebastian Blenkov

Montaje: Lucia Zucchetti

Duración: 112 min.

Reino Unido, Suecia, 2016 

Fatídico 15 de abril – Crítica de “Día de patriotas” (2016)

Cada tercer lunes de abril Massachusetts conmemora el Día de Patriotas y Boston, su capital, celebra el maratón más antiguo del mundo aprovechando la festividad regional. Hace cuatro años la carrera tuvo lugar el 15 del mes en curso. Fatídica cita con el calendario para los Estados Unidos. Ese mismo día de 1912 se hundía en aguas del Atlántico norte el mayor trasatlántico de la época, el Titanic, que navegaba rumbo a Nueva York. En 1865, en idéntica fecha, y debido a las heridas provocadas por un disparo la noche anterior, el presidente Abraham Lincoln fallecía asesinado.

De nuevo el destino, de nuevo el 15 de abril. Año 2013. Poco antes de las tres de la tarde el tiempo se detuvo. Dos bombas de fabricación casera explotaban en Boylston Street, a escasos metros de la meta de la prueba atlética más famosa del planeta provocando el pánico entre público y corredores. Una foto de Kennedy, nacido a escasos kilómetros de la ciudad del trébol, en la pared de un pub irlandés recuerda a los bostonianos otra gran tragedia a la que fueron capaces de sobreponerse. Esta película recrea la historia del atentado, sus consecuencias y el operativo policial desplegado para capturar a los responsables.

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Con Peter Berg tras la cámara la traslación a la pantalla de estos terribles sucesos que conmocionaron a la sociedad estadounidense podría tornarse en un retrato un tanto maniqueo debido, principalmente, al tono de sus últimos trabajos, en especial El último superviviente, cuyo guión también firmaba. Teniendo en cuenta que aquí ha participado de nuevo en la escritura, la sorpresa, en sentido positivo, se produce al observar que la complejidad con la que se ha abordado el conflicto, a pesar de ciertas simplificaciones, convierte a éste en su filme más atractivo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DÍA DE PATRIOTAS_Mark Wahlberg

Probablemente el hecho de unir dos libretos, uno centrado en la acción y otro basado en la manera en que afectó personalmente a los damnificados por el ataque, ha propiciado la mezcla perfecta de géneros entre el thriller que aborda la investigación y el drama de personajes que a modo de vidas cruzadas refleja y acerca cada uno de los personajes al espectador.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DÍA DE PATRIOTAS_John Goodman y Kevin Bacon

Técnicamente se ha sabido seducir al público gracias a la utilización de distintos formatos y texturas, incluido el vídeo y la televisión, permitiendo que imágenes reales del suceso aparezcan, gracias a la brillante labor de montaje, junto al material rodado, de modo que aporten, además de espectacularidad, credibilidad y exactitud a lo narrado. Tampoco se ha querido descuidar la parte emocional del relato gracias al dibujo coral de todos y cada uno de cuantos tomaron parte de manera directa o indirecta en los fatales acontecimientos.

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El resultado, francamente notable, en una primera hora magnífica, rodada con tremendo pulso narrativo, con hallazgos como la localización de los terroristas a través de las cámaras de establecimientos cercanos a la deflagración; tensión en estado puro que se va diluyendo en una segunda mitad que, más allá de su convencionalidad, no deja que el interés de la cinta decaiga en ningún momento.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Bluegrass Films, CBS Films, Closest to the Hole Productions, Hutch Parker Entertainment, TIK Films. Cortesía de eOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

 

Día de patriotas

Dirección: Peter Berg

Guión: Peter Berg, Matt Cook, Joshua Zetumer

Intérpretes: Mark Wahlberg, Michelle Monaghan, Kevin Bacon

Música: Trent Reznor y Atticus Ross

Montaje: Gabriel Fleming y Colby Parker Jr.

Duración: 133 min.

Estados Unidos, Hong Kong 2016

¿Es lícito robar una infancia? – Crítica de “Un don excepcional” (2017)

Tras una larga trayectoria como realizador de videoclips para grupos punteros como No Doubt o Green Day, Marc Webb debutó como largometrajista por todo lo alto dirigiendo la comedia romántica independiente triunfadora de aquel año 2009, (500) días juntos. El sello de originalidad, de diferencia, de buen director de actores le marcó desde su debut hasta el punto de que cuando se quiso dar una vuelta a las aventuras de Spiderman potenciando la historia, las tramas y los personajes no se pensó en un especialista en rodar acción sino en alguien con las prestaciones de Webb.

En su regreso del cine espectáculo a uno donde los verdaderos efectos especiales los ponen la emoción y las relaciones humanas, no deja de ser curioso que haya escogido como protagonista a un “superhéroe”; Chris Evans se quita el traje de Capitán América para demostrar que es capaz de sacar adelante un papel como el de este tipo soltero que se hace cargo de su sobrina, que posee una habilidad especial para las matemáticas. Junto a ellos, una ganadora del Óscar un tanto desaprovechada, Octavia Spencer, y enfrente, la veteranía de la británica Lindsay Duncan.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN DON EXCEPCIONAL_Chris Evans y McKenna Grace

McKenna Grace encarna a la chiquilla superdotada a la que, además de sus dotes interpretativas, aporta gran parte de su experiencia personal, ésa que le ha llevado a sus escasos once años a acumular nada menos que cuarenta y dos trabajos entre la pequeña y la gran pantalla. Y es que la temática que desarrolla este trabajo se centra en la licitud de secuestrar la niñez de un pequeño por muy prodigiosas capacidades que posea.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN DON EXCEPCIONAL_McKenna Grace Pizarra

Infancias escamoteadas por su propia sangre, talentos explotados para el “beneficio familiar”, como el caso del actor Macaulay Culkin, el del ajedrecista Bobby Fischer y su deriva obsesivo-conspiranóica en su edad adulta o el chaval protagonista de En busca de Bobby Fischer que pretendía emularle, al que la obsesión de su padre, como en tantos casos en que las virtudes del infante se centran en el ámbito del deporte, llevó a la depresión y a odiar aquello que tanto amaba.

Un Don Excepcional

A pesar de abordar este espinoso asunto obviando sus aspectos más controvertidos, de manera un tanto naíf, el filme no se arredra a la hora de hablar de la madre que destrozó la adolescencia de su hija y ahora pretende llevar por el mismo camino a su nieta y del hombre que se enfrenta a su progenitora porque no quiere ver a su sobrina pasar el calvario que sufrió su propia hermana. A Webb y al guión se les podrá tachar de poco incisivos, de no pretender bucear en el lado oscuro de una cuestión tan peliaguda, pero es de justicia reconocerles que no dejan de retratar de manera modélica esa dicotomía entre la decisión del tío de la protagonista de proporcionarle una existencia normal, como la de cualquier chica de su edad, y la visión ambiciosa de la abuela con ese “le estás robando la posibilidad de desarrollar todo su potencial”.

Un Don Excepcional

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Film Nation Entertainment, Fox Searchlight Pictures, Grade A Entertainment, DaydayFilms. Cortesía de Hispano Fox Films. Reservados todos los derechos.

 

Un don especial

Dirección: Marc Webb

Guión: Tom Flynn

Intérpretes: Chris Evans, McKenna Grace, Lindsay Duncan

Música: Rob Simonsen

Fotografía: Stuart Dryburgh

Montaje: Bill Pankow

Duración: 101 min.

Estados Unidos, 2017

El príncipe de la montaña – Crítica de “Hermanos del viento” (2015)

El título puede llevar a equívoco. Al igual que en El último mohicano de James Fenimore Cooper, donde la lectura de la novela o el visionado de su adaptación desvelaba la verdadera razón de ser por la que se nombraba así al relato, la mejor manera de salir de dudas es sumergirse en esta fábula acerca de las, a veces, intrincadas relaciones paternofiliales, e incluso las fraternales, narrada a través de las vivencias y convivencias entre humanos y bestias.

El tono de la historia nos remite de manera absolutamente consciente al cuento; esa ficción que reúne a unos pocos personajes y que de forma sencilla y directa alude tanto al espectador adulto como al niño para culminar, no sin haber dado un ligero requiebro a lo absolutamente evidente, con esa moraleja que reconforta al público y lo manda a casa con una sonrisa en su rostro.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HERMANOS DEL VIENTO_Manuel Camacho

Érase una vez un guardabosques, un cazador, el hijo de éste, enfrentado a su progenitor, y un aguilucho huérfano de padre al que su hermano ha echado del nido al poco de nacer y del que mamá águila se desentiende para dedicarse al que quedó en el hogar. La voz del guardabosques nos acerca a aquel príncipe de la montaña, destronado y abandonado a su suerte, del que el niño, que no pronuncia palabra ante ningún individuo de su especie, se hace cargo por su cuenta y riesgo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HERMANOS DEL VIENTO_Jean Reno, Manuel Camacho y el aguilucho

El cordobés Gerardo Olivares, afamado documentalista que firma esta película conjuntamente con el austriaco Otmar Penker, aporta su bagaje filmando la vida salvaje en su hábitat natural obteniendo espectaculares imágenes que nos retrotraen a la fascinación que nos produjo El hombre y la tierra del añorado Félix Rodríguez de la Fuente. El capricho de la distribución cinematográfica ha hecho que la cinta, a pesar de estar rodada con anterioridad, llegue a nuestras pantallas un año después que El faro de las orcas, en la que Olivares pudo desarrollar en profundidad las aristas más afiladas de un argumento que, en el marco de un entorno agreste y extremo, hablaba, al igual que aquí, de la orfandad y de las tragedias que marcan a unos seres que se convierten en compañeros de viaje para ayudarse mutuamente a sanar sus heridas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HERMANOS DEL VIENTO_Manuel Camacho mueve sus brazos como alas

Colocando Entrelobos por delante de estas dos, obtenemos una trilogía en la que la relación hombre-animal destaca por encima de todo. Aquella, que se acercaba más a El pequeño salvaje de Truffaut, resultaba mucho más adulta que Hermanos del viento, cuyo referente podríamos hallarlo en la animación de Cómo entrenar a tu dragón. De manera que nos encontramos ante un hermoso trabajo acerca del amor a la naturaleza y a sus criaturas canalizado como terapia y contado con tono amable que, a pesar de los lugares comunes que transita y de la aparente simplicidad, transmite de manera agradable una sensación de interés que puede llevar, acertadamente, a quienes quieran explorar lugares más oscuros y complejos dentro de la misma temática a revisar la excelente El faro de las orcas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HERMANOS DEL VIENTO_Manuel Camacho y el aguilucho

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Terra Mater Factual Studios. Cortesía de Wanda Visión. Reservados todos los derechos.

 

Hermanos del viento

Dirección: Otmar Penker y Gerardo Olivares

Guión: Joanne Reay, a partir de una idea de Ottmar Penker y Gerald Salmina

Intérpretes: Jean Reno, Manuel Camacho, Tobias Moretti

Fotografía: Óscar Durán y Otmar Penker

Duración: 98 min.

Austria-España, 2015

Amar para volver de la guerra – Crítica de “Cartas de la guerra” (2016)

Mi amor, mi gacela, mi nomeolvides, mi estrella, mi amante, mi Vía Láctea, mi hija, mi madre, mi esposa, mi eterna adolescencia, mi país, mi isla, mi puerta al mar, mi Anna Karenina, mi lámpara de Aladino, mi mujer. La enumeración se prolonga hasta las ciento cuatro imágenes en las que el médico castrense ve reflejada la figura de su mujer. Tres minutos y medio de pasión en la distancia. Ella en la cama de matrimonio a medio ocupar del piso de Lisboa, él ahogado en sudor por el calor tropical de la noche africana. Música in crescendo, latidos que se aceleran, palpitaciones, suspiros, aliento entrecortado. El recuerdo de los versos escritos por el militar muta en poesía recitada por su nostálgica lectora. La distancia se difumina. Nueve mil kilómetros que se evaporan en un encadenado. Dos anhelos se respiran como si compartieran lecho, como si la guerra no se hubiese interpuesto.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CARTAS DE LA GUERRA_Margarida Vila-nova 2

El facultativo y soldado responde al nombre de Antonio, alter ego de Lobo Antunes, que en Cartas de la guerra relató epistolarmente su experiencia en el conflicto de liberación colonial de Angola, librado a principios de los 70, de una manera tan cruda como lírica. El literato luso no dejó de saetear a su esposa con palabras que reflejan continuos cambios en un estado de ánimo más y más quebradizo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CARTAS DE LA GUERRA_Miguel Nunes anochece

Esa maravillosa secuencia anteriormente descrita muestra la singularidad del acercamiento que texto y película realizan a la temática bélica. Buscando una válvula de escape a los horrores inherentes a cualquier enfrentamiento armado, esgrime el amor como medicina para no enloquecer y lograr, gracias a ese trébol de cuatro hojas, el salvoconducto para regresar a casa sano y salvo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CARTAS DE LA GUERRA_Bandera de Portugal de fondo

Las arriesgadas elecciones narrativas de Ivo Ferreira podrían haber malogrado el resultado final, sin embargo la osadía del lisboeta ha engrandecido una obra intensa y hermosa en imágenes y palabras. El blanco y negro de la fotografía acompañado por la contrastada iluminación, el juego de luces y sombras a ratos expresionista, la composición de los planos, las caras, los gestos, las siluetas recortadas iluminadas por el fulgor de los relámpagos en medio de una tormenta nocturna; todo como recién salido del objetivo del impactante Sebastiao Salgado. Y en el momento en que la cámara se mueve, suave y elegante en lentas panorámicas o desde las alturas de un helicóptero, el Platoon de Oliver Stone.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CARTAS DE LA GUERRA_Como una foto de Sebastiao Salgado

Este escrupulosamente cuidado aspecto visual, de una belleza epatante, de nada serviría sin una narrativa coherente y rítmica, jugando fuerte, manteniendo la voz en off durante gran parte del metraje a riesgo de resultar pesada y redundante, como en el Casino de Scorsese, y ganando la apuesta de forma brillante. El toque de distinción, la manera en que las palabras de Lobo Antunes tocan nuestra alma, llega a través de un recurso tan sencillo como efectivo: no es el autor quien relata sus misivas sino la voz de su destinataria, protagonista pasiva, que se estremece al saber que su marido le amará hasta el final de los tiempos.

 

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CARTAS DE LA GUERRA_Margarida Vila-nova

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Foley Walkers Studio, O Som e a Fúria. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

Cartas de la guerra

Dirección: Ivo Ferreira

Guión: Ivo Ferreira y Edgar Medina, a partir de la novela homónima de Antonio Lobo Antunes

Intérpretes: Miguel Nunes, Margarida Vila-Nova, Ricardo Pereira

Fotografía: Joao Ribeiro

Montaje: Sandro Aguilar

Duración: 105 min.

Portugal, 2016

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