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El genio de un tipo subversivo – Crítica de “Tres anuncios en las afueras” (2017)

El comienzo del final del caso Diana Quer ha vuelto a abrir un debate que con mucho dolor surge cada vez que una joven es violada y/o asesinada de manera vil y cobarde. A uno se le encoge el alma cuando recuerda a Sandra Palo, a Marta del Castillo o a la mencionada Diana Quer. ¿Se debe cambiar el código penal para casos del cariz de los mencionados? Y en caso afirmativo, ¿cómo habría que hacerlo?

Esa misma controversia entre el punto de vista de la familia afectada, la labor de la autoridad competente y las armas jurídicas que tiene ésta para luchar contra esta lacra se exponen de manera brillante, irónica e ingeniosa en este drama vestido de comedia negra narrada con ese aire inclasificable aunque perfectamente reconocible que el británico Martin McDonagh aporta a todos sus trabajos. Este aficionado a subvertir los géneros para ofrecer una visión sorprendente de los mismos ha ido depurando su estilo, primero con Escondidos en Brujas, más tarde a través de 7 psicópatas, hasta alcanzar su cénit creativo en esta obra absolutamente redonda.

THREE BILLBOARDS OUTSIDE OF EBBING, MISSOURI

Mildred decide alquilar tres vallas publicitarias de gran tamaño que llevan tiempo sin ser utilizadas para colocar en cada una de ellas una frase en enormes letras mayúsculas negras sobre fondo rojo. 1ª VIOLADA MIENTRAS MORÍA. 2ª ¿TODAVÍA NO HAY ARRESTOS? 3ª ¿POR QUÉ SHERIFF WILLOUGHBY? Su objetivo, que el caso del cruel asesinato de su hija no caiga en el olvido. La contrapartida, la animadversión de todo un pueblo que quiere y respeta a la cabeza visible de la policía local.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS_Sam Rockwell y Frances McDormand

Se produce una curiosa relación amor odio entre esta madre coraje, que puede proporcionarle a Frances McDormand su segundo Premio de la Academia, y los dos funcionarios armados encarnados por Sam Rockwell y Woody Harrelson. En el caso del primero, su retrato del alcohólico, racista y homófobo oficial se ciñe de manera canónica al arquetipo que todos tenemos en mente. En cambio Harrelson construye un sheriff Willoughby memorable que empatiza con el pesar de esa mujer a pesar de sus discrepancias, un rol primorosamente escrito e interpretado cuya percepción va cambiando a ojos del espectador y que debería ser reconocido con un merecidísimo Óscar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS_Woody Harrelson y Frances McDormand

El magnífico guión, obra del propio realizador, escudriña dentro de cada una de las zonas grises de tan funesto acontecimiento sabiendo encontrar el tono adecuado para no resultar en absoluto irrespetuoso con el delicado asunto que se trae entre manos, presentando a cada personaje con sus virtudes y sus miserias, siendo capaz de no tomar partido por ninguno de ellos y planteando a la audiencia un puñado de interesantes cuestiones. ¿Han hecho los cuerpos de seguridad todo lo que estaba en su mano para intentar identificar y detener al culpable o culpables? ¿Están en su derecho a ejercer una presión de este tipo los seres queridos de la víctima? ¿Sería lícito intentar tomarse la justicia por su mano? ¿Podrían la implicación, el dolor y el sufrimiento equivocar a quien lo hiciese?

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS_Frances McDormand

 

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Blueprint Pictures. Cortesía de 20th Century Fox España. Reservados todos los derechos.

 

Tres anuncios en las afueras

Dirección y guión: Martin McDonagh

Intérpretes: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell

Música: Carter Burwell

Fotografía: Ben Davis

Montaje: John Gregory

Duración: 115 min.

Reino Unido, Estados Unidos, 2017

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Instinto de supervivencia – Crítica de “Molly´s game” (2017)

A Miguel Urabayen, maestro en la divulgación del cine.

El éxito es la capacidad de ir de fracaso en fracaso sin perder el entusiasmo. La cita de Winston Churchill que cierra esta película encierra una filosofía de vida que encaja, no solo con las circunstancias de la protagonista, sino con las de tantas personas que se han visto en la necesidad de empezar de cero una y mil veces. Porque, no nos engañemos, si buceamos tras la azarosa trayectoria de Molly Bloom llegamos a la conclusión de que este filme nos está hablando realmente del instinto de supervivencia y de la facultad de reinventarse del ser humano.

MOLLY'S GAME

El prestigioso guionista Aaron Sorkin debuta en la realización con la adaptación de su puño y letra de Molly´s game, el libro autobiográfico que levantó ampollas en Hollywood. En el centro del relato, la bautizada por la prensa como Princesa del Póker por las ostentosas timbas que organizaba para millonarios de todo tipo clase y condición. Con ella, Sorkin ha seguido un proceso similar al desarrollado para diseccionar en carne viva el cuerpo y alma de figuras tan controvertidas como las de Mark Zukerberg o Steve Jobs, sin temor a que afloren los recovecos más ocultos de su psique.

MOLLY'S GAME

Los consejos de su amigo David Fincher han derivado en una puesta en escena agresiva y sin complejos, que basa su efectividad tanto en la habilidad del creador de El ala oeste para escribir diálogos trepidantes repletos de contenido narrativo, como en un montaje avasalladoramente brillante que refuerza la ingeniosa estructura en flashbacks sucesivos, marca de la casa, que va completando el dibujo de un personaje tan complejo como Molly Bloom.

MOLLY'S GAME

La elegida para recrear la vida de esta mujer es, probablemente, la mejor actriz del momento. Jessica Chastain desarrolla un rol que conoce perfectamente, ya que comparte su perseverancia, inteligencia y su dureza con trazas de vulnerabilidad con viejas conocidas de la interprete como Maya, la militar de La noche más oscura, o la abogada Elizabeth Sloane de El Caso Sloane. Una candidatura al Óscar puede esperarle a la vuelta de la esquina, la misma que al libreto de su director. El tercer nombre propio del filme, Kevin Costner, que en una segunda juventud se ha convertido en todo un robaescenas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MOLLY´S GAME_Kevin Costner y Jessica Chastain

Sorkin, tan demoledor como acostumbra en los instantes iniciales, vuelve a epatar. Un tipo con multitud de recursos cuando se sienta frente a un teclado, capaz de definir al creador de Facebook en cinco minutos de vértigo convertidos en conversación o de sacarse de la chistera un brutal monólogo mordazmente crítico con su propio país, posee el genio suficiente para montar desde el minuto cero al espectador en su particular montaña rusa. La voz en off de Molly Bloom interpela a la audiencia entre espectaculares imágenes de un descenso de esquí acrobático en la modalidad de mogul. ¿Qué es lo peor que te puede pasar en el deporte? ¿Perder? Alguien aseguró que quedar cuarta en unos Juegos Olímpicos. Solo puedo decirle a esa persona, ¿en serio? ¡Que te jodan!

MOLLY'S GAME

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  STX Entertainment, Huayi Brothers Pictures, The Mark Gordon Company, Pascal Pictures, Entertainment One. Cortesía de Entertainment One Spain. Reservados todos los derechos.

 

Molly´s game

Dirección: Aaron Sorkin

Guión: Aaron Sorkin, basado en la novela homónima escrita por Molly Bloom

Intérpretes: Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner

Música: Daniel Pemberton

Fotografía: Charlotte Bruus Christensen

Montaje: Alan Baumgarten, Elliot Graham, Josh Schaeffer

Duración: 140 min.

Estados Unidos, China, 2017

En nombre de mi padre – Crítica de “Una bolsa de canicas” (2017)

Apenas cinco segundos después de entregar a cada uno de sus vástagos 10000 francos para que huyan de París camino de la Francia libre, Roman Joffo les hace jurar que bajo ningún concepto le dirán a nadie que son judíos. Jo, ¿eres judío? No. El tortazo resuena como un látigo sobre la mejilla izquierda del más joven, que le mira atónito. Se lo pregunta en su lengua materna. No, exclama, y recibe otra bofetada. Nunca contestes cuando te hablen en yiddish. Continúa el interrogatorio. Sé que lo eres. Su gesto permanece serio, crispado. Vamos, dímelo, ¿eres judío? El pequeño rompe a llorar. Su padre lo abraza, le acaricia el pelo y le pide perdón. Más vale encajar un golpe doloroso que perder la vida por miedo a recibirlo.

Un Saco de Canicas

La novela Un saco de canicas fue llevada al cine por primera vez en 1975, dos años después de su publicación. Esta segunda adaptación vuelve a narrar en primera persona las traumáticas experiencias de Joseph Joffo en el marco de la Segunda Guerra Mundial, durante la ocupación nazi del país vecino, y su huida al sur junto a su hermano mayor Maurice.

Tournage Un sac de Billes

La esperanza y las emociones no le son ajenas a una historia que afronta los horrores del conflicto armado lanzando una mirada luminosa y positiva sobre el género humano que intenta sobreponerse a la barbarie cometida por las tropas germanas, sin dejar de subrayar el deleznable trato al que parte de la población sometió a sus propios compatriotas.

Tournage Un sac de Billes

El colaboracionismo del gobierno del Mariscal Pétain y de buena parte de la ciudadanía con el nazismo se ha convertido en un tema recurrente en el cine francés en un intento de que nadie olvide unos hechos que forman parte del muro de la vergüenza de la cuna de la Revolución. Precisamente su lema, «Libertad, igualdad, fraternidad», fue subvertido por el régimen de Vichy para convertirlo en «Trabajo, familia y patria», como bien refleja en clave contemporánea La maestra de historia, o en un acercamiento similar al de este largometraje, La llave de Sarah, haciendo patente que la herida todavía supura como ya lo hacía en la época de la mismísima Casablanca.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA BOLSA DE CANICAS_Frente al Mediterráneo

Más allá de la temática bélica y de la irrespirable atmósfera entre paisanos, lo más conmovedor de la cinta lo recoge esa mirada tierna y llena de admiración de un chaval de diez años que, en unas circunstancias excepcionales, ensalza la figura de su progenitor. La película se convierte en una conversación, un homenaje, una carta de amor al padre y a sus enseñanzas en un periodo convulso y complicado en el que dar ejemplo a tus hijos podía costarte la vida. El cantante y actor Patrick Bruel transmite esa mezcla de firmeza, determinación y protección utilizando la crudeza cuando la situación lo requiere o inspirando a su benjamín con un manual de supervivencia tan sabio como sencillo. No hay que mirar hacia atrás cuando se camina, si lo haces, te vas a caer.

Tournage Un sac de Billes

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Quad Productions, Main Journey. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

Una bolsa de canicas

Director: Christian Duguay

Guión: Jonathan Allouche, Alexandra Geismar, Chritstian Duguay y Benoit Guichard, basado en la novela Un saco de canicas de Joseph Joffo

Intérpretes: Dorian Le Clech, Batyste Fleurial, Patrick Bruel

Música: Armand Amar

Fotografía: Christophe Gralliot

Duración: 110 min.

Francia, Canadá, República Checa, 2017

Nostalgia por los videojuegos – Crítica de “Jumanji: Bienvenidos a la jungla” (2017)

La gran expectación que despertó Jumanji en 1995 debido a su deslumbrante despliegue visual resultó directamente proporcional a la decepción provocada después. Una gran idea malograda por haber equivocado el camino del libro a la película. Enésimo caso en que el largometraje en cuestión es fagocitado por espectaculares efectos especiales en lugar de que estos funcionen al servicio de un buen guión.

Con esta percepción como única referencia, la perspectiva ante este remake no invitaba precisamente al optimismo. Lo maravilloso de acudir a una sala de cine dispuesto a dejarse sorprender es que el lienzo en blanco que se extiende delante puede emborronarse con garabatos y manchas informes o terminar poblado de audaces trazos y colores. Por fortuna la combinación de formas y pigmentos que ha esbozado el inspirado pintor nos ha deparado una más que agradable sorpresa.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JUMANJI-BIENVENIDOS A LA JUNGLA_Jack Black, Nick Jonas, Karen Gillian, Dwayne Johnson y Kevin Hart

Cuatro estudiantes con diferentes y arquetípicos perfiles son castigados y obligados a realizar una tarea conjunta en el instituto para expiar sus diversas trastadas. En el transcurso de su “reclusión” encontrarán una vieja consola de los años 90 que al encenderla los arrastrará al interior del videojuego “Jumanji”, transformando a cada uno de ellos en el personaje escogido para iniciar la partida.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JUMANJI-BIENVENIDOS A LA JUNGLA_Kevin Hart, Dwayne Johnson, Karen Gillian y Jack Black

Magníficas ideas como la transmutación de la versión clásica de tablero en una aventura conversacional permiten al libreto dar rienda suelta a su vena cómica de modo que cada carácter encuentre prácticamente su opuesto en su alter ego cibernético. Así el típico empollón retraído se transforma en el osado y cachas Dwayne Johnson (su personalidad y su capacidad para la autoparodia, impagables); la rebelde, inteligente, pero inadaptada en guerra con todo el mundo, pasa a ser un despampanante y atlético clon de Lara Croft; el jugador estrella del equipo de baloncesto aparece convertido en el retaco e hilarante contrapunto del héroe y la rubia cañón encantada de conocerse a sí misma…

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JUMANJI-BIENVENIDOS A LA JUNGLA_Dwayne Johnson, Karen Gillian y Jack Black

Las referencias, inagotables. El club de los cinco constantemente por aquí y por allí, las Ray Ban de Top gun, el Baby I love your way que escuchamos en Reality Bites como tronchante y recurrente acompañamiento y todos los convencionalismos de los arcades en los que hemos dejado cientos de monedas o que hemos cargado con una cinta de casette en nuestros ordenadores, con un recuerdo muy personal a la irrepetible versión para máquinas recreativas del Trivial Pursuit y sus extravagantes avatares.

Jumanji: En La Selva

La tecnología digital, el montaje, la fotografía, los efectos de sonido, la excelente banda sonora y un reparto equilibrado subordinados a un magnífico texto. Una cinta de aventuras excelentemente escrita que ha sabido superar a su predecesora poniéndola al día y en la que no falta un punzante y acertado sentido del humor sin dejar de lado otros aspectos, que aprendimos aporreando teclas o descoyuntando joysticks, como la importancia del trabajo en equipo y de las habilidades que pueda aportar cada miembro del grupo para superar adversidades. Ah, y como no podía ser de otra manera, con la guinda final de los Guns N´ Roses.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JUMANJI-BIENVENIDOS A LA JUNGLA_Con la selva de fondo

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Matt Tolmach Productions, Radar Pcitures, Seven Bucks Productions, Sony Pictures Entertainment. Cortesía de Sony Pcitures España. Reservados todos los derechos.

 

Jumanji: Bienvenidos a la jungla

Director: Jake Kasdan

Guión: Chris McKenna, Erik Sommers, Scott Rosemberg y Jeff Pinkner, basado en el libro Jumanji de Chris Van Allsburgh

Intérpretes: Dwayne Johnson, Karen Gillan, Kevin Hart

Música: Henry Jackman

Fotografía: Gyula Pados

Duración: 119 min.

Estados Unidos, 2017

Espontánea, extravagante, contradictoria y extraordinaria – Crítica de “Muchos hijos, un mono y un castillo” (2017)

Este que escribe siempre ha sentido ojeriza por ciertas palabras con un regusto pedante y postizo y un uso flagrantemente erróneo. El sangrante ejemplo de «bizarro» con el mal atribuido significado de extravagante o el caso tremendamente extendido, e igualmente incómodo, del adjetivo «orgánico» aplicado al mundo cinematográfico. ¿No resultaría más sencillo decir que una actriz que transmite espontaneidad resulta simplemente natural? Julita Salmerón lo hace. De manera innata consigue lo que muchos con una larga carrera a sus espaldas no han logrado. Su hijo Gustavo ha construido este singular documental en torno a ella para dedicarle el piropo más grande que puede recibir alguien que se coloca delante de una cámara.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Julita salmerón rodeada de excentricidades

Debido a su frescura y a su desinhibición la considera su gran maestra de interpretación, una fuerza de la naturaleza de la que ha tomado su vena creativa (no en vano su nombre artístico lleva el apellido materno), del mismo modo que agradece a su padre la virtud de la paciencia y su capacidad analítica. Una mezcla explosiva esta conjunción de personalidades opuestas pero complementarias que ha mantenido unida a la familia llueva o truene. Y es que los García-Salmerón sacaron adelante a sus seis retoños en los años 70 sin excesivas alegrías, pero tampoco con aprietos, hasta que recibieron una herencia que los convirtió en millonarios de un día para otro.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Julita Salmerón y su mardio Antonio García

Gustavo Salmerón ha dedicado 16 años de su vida a la materialización de esta cinta para la que ha contado con más de 400 horas de metraje. El proceso para separar el grano de la paja y construir un guión, que en el caso de los documentales se produce en la sala de montaje, supone un largo y doloroso trayecto en el que de la infinidad de largometrajes posibles el director ha de elegir uno. Un interesante recorrido, en este caso, con un sorprendente hilo narrativo, la localización de las vértebras perdidas de la bisabuela del realizador, que cuenta, a través de la curiosa peripecia vital de su extraordinaria y contradictoria progenitora, la historia de una generación de españoles desde los años 30 del siglo pasado hasta la actual crisis económica.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Julita y Gustavo Salmerón en los años 70

Comienza y termina con una reflexión sobre la muerte, muy presente en todo el metraje, que Julita expresa con naturalidad pero en la que deja patente su intención de divertirse. Las fotos antiguas, que forman parte de ese síndrome de Diógenes que conforma el caos que ha conducido el destino de todos los suyos, le traen fantasmas del pasado. A través de ellas rememora una vocación frustrada mientras entona una sincera autocrítica por el hecho de haberse comportado como nuevos ricos ante la extravagancia de comprar un castillo y con la crisis y la necesidad de reinventarse como telón de fondo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Gustavo y Julita Salmerón

Sin iluminación, ni maquillaje, mezclando distintos formatos y en tono de tragicomedia, Gustavo Salmerón realiza una elección valiente en la que el resultado final ha primado por encima del pudor de airear interioridades. La vida misma, llena de risas y llantos, encarada, a pesar de todo, con optimismo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Antonio García, el mono y Julita Salmerón

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Sueños Despiertos. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

 

Muchos hijos, un mono y un castillo

Dirección: Gustavo Salmerón

Guión: Gustavo Salmerón, Beatriz Montañez y Raúl de Torres

Intérpretes: Julita Salmerón, Antonio García, Gustavo Salmerón

Montaje: Raúl de Torres

Duración: 90 min.

España, 2017

Los curiosos mecanismos de la memoria – Crítica de “El sentido de un final” (2017)

En el cine la memoria siempre se ha representado por medio de un recurso narrativo muy particular llamado flashback. Una exposición de hechos pretéritos, ilustrada con imágenes, que uno de los personajes realiza en conversación con otro o a través de una voz en off con el espectador como interlocutor. El clásico, a veces introducido por un efecto óptico, nos cuenta de forma prolija una vicisitud real. Un fogonazo que está encerrado de forma traumática en el subconsciente y fluye, muy poco a poco, a través de algún elemento recurrente, es el típico del género de suspense. En el thriller, si el detenido no dice la verdad al agente que lo está interrogando, el resultado visual de esas palabras conforma un flashback mentiroso. O las distintas visiones que exponen diferentes testigos del mismo acontecimiento, cada uno con su versión.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL SENTIDO DE UN FINAL_Jim Broabdent y Harriet Walter

Tenemos una memoria selectiva y muchas veces evocamos las cosas no de la manera en que tuvieron lugar sino como creemos que sucedieron. Además de alterar un acontecimiento concreto de nuestra vida, el curioso funcionamiento del cerebro nos hace borrar determinados pasajes, ya sea por su naturaleza traumática o bochornosa, como estrategia de auto defensa, para protegernos de la cruda realidad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL SENTIDO DE UN FINAL_Jim Broabdent y Michelle dockery

El sentido de un final, además de plantear una muy interesante (por atípica dentro del cine) reflexión sobre la vida y ahondar en el análisis del tipo de persona que es Tony, el protagonista, de cómo se ve a sí mismo cuando los fantasmas del pasado regresan en el momento en que está a punto de convertirse en abuelo, supone un ejercicio de disección de esos curiosos mecanismos que rigen en el momento en que nos ponemos a rebuscar en el baúl de los recuerdos y, sin ser conscientes de ello, omitimos ciertos episodios o modificamos otros en el absoluto convencimiento de que aquello acaeció de la manera en la que nuestras palabras lo reconstruyen.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL SENTIDO DE UN FINAL_Emily Mortimer

Aplicando esto al lenguaje fílmico, Ritesh Batra, el director indio triunfador con su ópera prima The Lunchbox, experimenta con la estructura y plantea un juego de muñecas rusas que mezcla distintos tipos de flashbacks, de los que hablábamos más arriba, en los que quedan huecos por cubrir que poco a poco van completando un relato de emociones, de amistad, de secretos, de pasiones, de enamoramiento, de amor, de desamor y finalmente de equilibrio en el balance de toda una existencia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL SENTIDO DE UN FINAL_Jimi Broaddent y charlotte Rampling restaurante

Obtiene notables interpretaciones de un excelente reparto que combina pesos pesados del cine británico del cariz de Jim Broabdent o Charlotte Rampling con grandes promesas que dejan su impronta a pesar de sus escasos minutos en pantalla, en el caso de Joe Alwyn, al que, con Billy Lynn en la memoria, ya le auguramos un brillante futuro.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL SENTIDO DE UN FINAL_Joe Alwyn y Billy Howle

Poco que reprochar a un largometraje que no llega a la excelencia pero que deja un poso de buen cine. Minucias como un par de secuencias prescindibles, ya que determinada falta de química detectada entre un par de intérpretes se revela, finalmente, algo buscado intencionadamente que termina de dar forma al argumento.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL SENTIDO DE UN FINAL_Jim Broabdent

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Copyright imágenes  ©  Origin Pictures, BBC Films, CBS Films, Filmnation Entertainment. Cortesía de Vértigo Films. Reservados todos los derecho

 

El sentido de un final

Dirección: Ritesh Batra

Guión: Nick Payne, basado en la novela homónima de Julian Barnes

Intérpretes: Jim Broabdent, Charlotte Rampling, Harriet Walter

Música: Max Richter

Fotografía: Christopher Ross

Montaje: John F. Lyons

Duración: 108 min.

Reino Unido, 2017  

No juzgues un libro por su portada – Crítica de “Wonder” (2017)

Alguna mente corta de miras (y un tanto prejuiciosa) podría calificar a esta película como un placer culpable avergonzada de reconocer que se ha emocionado cuando todo lo que esperaba era empalago y sensiblería barata. Reducir Wonder a ese par de palabras tan «de moda» es tanto como infravalorarla, cuando lo correcto sería ensalzar su valía como vehículo para transmitir sentimientos y enseñanzas, y como espejo en el que mirarnos y reconocernos.

El best seller de la literatura juvenil de R.J. Palacio y el guión de este trabajo consiguen de manera inmediata la universalidad a través de un acontecer específico y concreto, duro, como la circunstancia que rodea al protagonista, pero repleto de la ironía y el sentido del humor necesarios para ser asimilado por el gran público, y tan excelentemente expuesto como para conectar con la audiencia a través de la empatía.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_WONDER_Owen Wilson, Jacob Tremblay, Izabela Vidovic y Julia Roberts

Sé que no soy un niño de diez años como los demás. He pasado por veintisiete operaciones. Me han ayudado a respirar, a ver, a oír sin audífono, pero ninguno ha conseguido que parezca normal. El reto de Auggie, afrontar 5º curso en un colegio con otros chicos de su edad por primera vez en su vida. Su temor (y el de su familia), las reacciones ante su apariencia física debido a una enfermedad genética, la disostosis mandibulofacial o Síndrome de Treacher Collins, caracterizada por malformaciones craneofaciales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_WONDER_Jacob tremblay y Julia Roberts 3

La estructura del filme nos va a deparar una agradable sorpresa: no se centra exclusivamente en el relato de este chaval excepcional. En distintos capítulos se da cabida a los diversos planetas que rodean a este sol. Brillantemente se nos ofrece un largometraje coral en el que cada rol es importante para mostrarnos que cualquiera en su interior, da igual el aspecto que tenga, sufre por no sentirse querido. Esta cinta habla de la imagen que proyectamos a los demás y de cómo somos realmente, de la necesidad de ser amado y de nuestra influencia sobre los que nos rodean.

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Stephen Chbosky ya demostró su capacidad para crear magníficos personajes en su novela Las ventajas de ser un marginado, revelándose como un estupendo cineasta y un fantástico director de actores al adaptar su texto al séptimo arte. Aquí ha vuelto a lograr que todo su reparto resplandezca con luz propia equilibrando la aportación de cada intérprete, con una mención especial para Jacob Tramblay, que ya asombró en Room, y su hermana en la ficción, Izabela Vidovic, auténtica revelación.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_WONDER_Owen Wilson, Julia Roberts, Jacob Tremblay, Izabela Vidovic, Ellaine Rose Russell

Digno heredero de John Hughes, Chbosky ha encontrado ese resorte, esa forma de narrar que contiene los ingredientes adecuados para conectar con nuestra fibra sensible, evitando lo edulcorado y provocando que lo contado nos llegue hasta el tuétano. Uno escucha: «todos tenemos marcas en la cara, son el mapa que nos muestra dónde hemos estado»; y recuerda El hombre sin rostro (excelso debut en la realización de Mel Gibson); y piensa que haríamos bien en no juzgar un libro por su portada.

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Copyright imágenes  ©  Lionsgate, Mandeville Films, Participant Media, Walden Media. Cortesía de eOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

 

Wonder

Dirección: Stephen Chbosky

Guión: Stephen Chbosky, Steven Conrad y Jack Thorne, basado en la novela La lección de August de R.J. Palacio

Intérpretes: Jacob Tremblay, Izabela Vidovic, Julia Roberts

Música: Marcelo Zarvos

Fotografía: Don Burgess

Duración: 113 min.

Estados Unidos, Hong Kong, 2017 

El arte de la elipsis – Crítica de “En realidad, nunca estuviste aquí” (2017)

Cuando atribuimos a una película chispazos, referencias u homenajes que la emparentan tangencialmente con trabajos tan diversos como Psicosis, Cadena Perpetua, Sexo, mentiras y cintas de vídeo y Las aventuras de Priscilla, reina del desierto o más directamente con Carretera perdida, Drive, Taxi driver y El silencio de un hombre, estamos alabando su heterogeneidad pero, sobre todo, su singularidad.

La obra maestra de Jean-Pierre Melville, referencia para tantos filmes, impregna cada fotograma desde un inicio tan elocuente como exento de diálogos. La cámara fija su atención en extraños detalles impropios de una habitación de hotel de tercera. La fotografía de una niña que desaparece ardiendo sobre una papelera, el detector de humos protegido con plástico para evitar que suene la alarma, los restos ensangrentados encima de la cama junto a un colgante con el nombre de Sandy, el tipo corpulento, vestido de negro, encapuchado y con guantes en las manos, que recoge todo para deshacerse de ello y dejar el edificio por la puerta de servicio, la manera efectiva y certera de librarse del ataque que sufre nada más acceder a la callejuela trasera.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN REALIDAD NUNCA ESTUVISTE AQUÍ_Joaquin Phoenix pistola

¿Un psicópata, un asesino en serie? ¿Quién es la chica de la foto? ¿Su víctima? El fulano tiene el rostro demacrado de Joaquin Phoenix, barba desaliñada y el pelo grasiento recogido en una especie de moño. Se dirige a una cabina y le espeta a un contestador: hecho. Más parece un matón a sueldo que otra cosa. Lo que realmente nos descoloca es el momento de regresar a la casa donde vive con su madre, el costumbrismo y las bromas hitchcockianas que le gasta su progenitora, ignorante de sus menesteres: ¿dónde pasas tanto tiempo, hijo mío?

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN REALIDAD NUNCA ESTUVISTE AQUÍ_Joaquín Phoenix agua

El magnífico guión (galardonado en Cannes) firmado por la directora, Lynn Ramsey, engancha desde el principio creándonos dudas, intrigándonos, planteándonos continuas preguntas que responde de manera gradual, administrando la información de forma precisa hasta el momento en que el argumento queda definido. Cuidado hasta el mínimo detalle, no deja de desvelar pequeñas sorpresas que impactan en la audiencia de la misma manera que el tratamiento cortante y minimalista de una violencia exacerbada pero mostrada de una manera seca, abrupta, por medio de elipsis, enseñando directamente el resultado final, el cuerpo inerte y lacerado, o retratándola sobre planos sin audio, en una esquina del encuadre, sin dejar tiempo a que se aprecie, sin magnificarla con efectos de sonido, sin regodearse en ella. Contundente por real, nada cinematográfica.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN REALIDAD NUNCA ESTUVISTE AQUÍ_Joaquin Phoenix mirada fija

La enrarecida atmósfera, a la que contribuye en gran medida la turbadora partitura, deja entrever ecos de David Lynch, con un Phoenix inmenso que, a pesar de estar merodeado por la sombra de Travis Bickle, compone un inclasificable y contradictorio personaje que merecidamente le hizo ganar el premio al mejor actor en el pasado Festival de Cannes.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN REALIDAD NUNCA ESTUVISTE AQUÍ_Joaquin Phoenix coche

Silencio, escasas y escogidas palabras y una gran lección de narrativa fílmica de una realizadora con notable personalidad que nos regala un inusitado plano final con una no menos inquietante última frase: Joe, despierta, hace un día precioso.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN REALIDAD NUNCA ESTUVISTE AQUÍ_Joaquin Phoenix puerta

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Film 4, Why Not Productions. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

 

En realidad, nunca estuviste aquí

Dirección y guión: Lynn Ramsey, a partir de la novela homónima de Jonathan Ames

Intérpretes: Joaquin Phonex, Ekaterina Samsonov, Alessandro Nivola

Música: Jonny Greewood

Fotografía: Thomas Townend

Montaje: Joe Bini

Duración: 85 min.

Reino Unido, Francia, Estados Unidos, 2017

Una oportunidad perdida – Crítica de “6 días” (2017)

Basado en hechos reales. El rótulo y la rápida sucesión de noticiarios británicos nos van ubicando espacial, temporal y temáticamente. Una de las voces achaca el crecimiento del terrorismo internacional a las tácticas de negociación y concesión utilizadas por los gobiernos permitiendo el éxito de estas acciones por parte de quienes las perpetraron. Del resto, dos acontecimientos destacados. El fracaso de las tropas de élite estadounidenses para rescatar a 52 compatriotas retenidos en Irán, crisis que reflejó el filme Argo, y el primer aniversario del ascenso al cargo de la Primera Ministra Margareth Thatcher, de la que se habla en términos elogiosos a pesar de lo polémico de sus medidas económicas y sociales. Indudablemente nos hallamos en 1980.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_6 DÍAS_Terroristas de Arabistán

Acabada la introducción asistimos a la toma de la embajada iraní en Londres por miembros del Frente Democrático Revolucionario para la Liberación de Arabistán, provincia de la antigua Persia donde se habla árabe, que exigen, amenazando con ejecutar uno a uno a sus rehenes, autonomía para su región y la liberación de 91 presos políticos encerrados en cárceles por el régimen del ayatolá Jomeini,

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_6 DÍAS_Terroristas de Arabistán 2

El largometraje se vertebra a partir de los cinco vértices del problema: los terroristas, la prensa, las Fuerzas Especiales, la Unidad de Negociadores y los altos mandos de gobierno y ejército. La presentación de los personajes principales en la que el cabo segundo Rusty Firmin (Jamie Bell) precede al inspector jefe Max Vernon (Mark Strong) deja claro que el dilema entre la utilización de la fuerza o la palabra para resolver el trance no es tal. La toma de partido de la película por una de las dos vertientes expuesta en la misma presentación provoca una importante merma del interés que nos despierta este trabajo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_6 DÍAS_Jamie Bell

El guión muestra varios puntos débiles que dan la sensación de oportunidad perdida para haberle hincado el diente a una situación muy rica en conflictos éticos y morales. Se echa de menos una mayor presencia en la trama de los medios de comunicación, con dos periodistas entre los secuestrados, completamente ignorados, y una reportera, Kate Adie (Abbie Cornish), que realizó una innovadora cobertura informativa de los hechos que el largometraje soslaya por completo relegando su personaje a un decepcionante segundo plano. Aunque lo más sangrante proviene de la lacerante falta de complejidad argumental que pedía a gritos un tratamiento en profundidad, mucho más incisivo, de la disyuntiva entre negociación y asalto.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_6 DÍAS_Jamie Bell en la embajada

De la apenas hora y media de metraje los primeros sesenta minutos resultan reiterativos, faltos de punch y carentes de tensión. Ni la realización ni el montaje dan la talla. Espías desde el cielo, con un planteamiento muy similar en cuanto a trama, estructura y duración, resulta mucho más atractiva visualmente, es capaz de crear suspense y todo ello aportando una riqueza narrativa y temática que hace tremendamente interesante la disquisición presentada. El simplismo de 6 días en cuanto a su desarrollo y a las conclusiones que se derivan del mismo ni siquiera puede compensarse con la siempre estimulante presencia de Mark Strong.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_6 DÍAS_Mark Strong

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  General Film Corporation. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

6 días

Dirección: Toa Fraser

Guión: Glenn Stranding

Intérpretes: Jamie Bell, Mark Strong, Abbie Cornish

Música: Lachian Anderson y David Long

Fotografía: Aaron Morton

Duración: 94 min.

Reino Unido, Nueva Zelanda, 2017 

En busca de la inspiración – Crítica de “El autor” (2017)

Drama es la lucha de nuestro héroe para superar aquellos obstáculos que le impiden cumplir su objetivo. El ponente de la masterclass resulta muy convincente. Álvaro, un tipo gris que trabaja en una notaría, escucha casi ensimismado. Vive a la sombra de su mujer, autora de best sellers, y está obsesionado con las reglas de oro que le lleven a poder escribir, algún día, “alta literatura”. La separación temporal de su esposa le dará la oportunidad de trasladarse a una curiosa comunidad de vecinos que despertará su creatividad y le empujará a cruzar límites que un simple observador no debería sobrepasar. Terminará comprobando cómo se cumple el axioma que dice que por mucho que los escritores crean dominar la realidad siempre es ella la que acaba sometiéndolos a ellos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL AUTOR_Javier Gutiérrez ordenador

La mala baba del guión, que adapta la primera novela de Javier Cercas, El móvil, obra del director, Manuel Martín Cuenca, y de Alejandro Hernández, se encuentra presente desde el primer momento. Una vez aceptada la propuesta tonal en cuanto a ironía y sentido del humor solo hay que dejarse llevar por un relato perfectamente plasmado en su espíritu y enriquecido en cuanto a estructura, ritmo e imagen.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL AUTOR_Javier Gutiérrez y Adelfa Calvo

El autor reflexiona acerca de la creación literaria a partir de un fulano que considera que lo más importante en su vida es parir una novela que trascienda, con un estilo elevado, más allá de la facilona y ramplona literatura de masas que ha catapultado al éxito a su pareja. Este antihéroe incorporado por un excelso Javier Gutiérrez no dudará en crear conflictos y manipular los aconteceres que le rodean para convertirlos en material narrativo de primera, encarnando, de alguna manera, el reverso del fracasado protagonista de una de las cimas del cine español, Los peces rojos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL AUTOR_Javier Gutiérrez y Antonio de la Torre

El tour de force de la película con el público plantea un más difícil todavía con el paso de las secuencias. ¿Hasta dónde será capaz de llegar Álvaro con tal de que la realidad se adapte a su soñada ficción? El profesor de escritura creativa que interpreta un Antonio de la Torre de Goya contribuye definitivamente a los delirios de grandeza de este aspirante a literato en un antológico monólogo en el que le conmina a buscar la inspiración en su propio día a día, llegando a afirmar que en caso de bloqueo utilice una tajante técnica atribuida a Hemingway que da lugar a un plano innecesariamente explícito que, al no aportar información esencial para el desarrollo de la trama, se podría haber rodado de otra manera manteniendo el efecto cómico. Única nimiedad achacable, junto con otro encuadre de similares características, al magnífico trabajo del responsable de Caníbal.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL AUTOR_Javier Gutiérrez al teclado

Cuenca, con la complicidad de su habitual director de fotografía Pau Esteve, articula una sátira guiñolesca en la que la caverna platónica sirve de modelo a unas hermosas composiciones que, más allá de su belleza estética, elevan la escritura en imágenes a lenguaje cinematográfico de primer nivel. La música de un debutante de 72 años, José Luis Perales, hace el resto.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL AUTOR_Javier Gutiérrez, María León y Antonio de la Torre

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  La Zona Films, Icónica Producciones, La Loma Blanca P.C. Cortesía de Filmax. Reservados todos los derechos.

 

El autor

Dirección: Manuel Martín Cuenca

Guión: Manuel Martín Cuenca y Alejandro Hernández, basado en la novela El móvil de Javier Cercas

Intérpretes: Javier Gutiérrez, Adelfa Calvo, Antonio de la Torre

Fotografía: Pau Esteve Birba

Música: Pablo Perales y José Luis Perales

Duración: 112 min.

España, 2017

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