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Partida de ajedrez en Beirut – Crítica de “El Rehén” (2018)

El cine de espías siempre nos ha brindado excelentes películas que mezclaban el thriller con el suspense. Si nos ponemos clásicos, el mejor Hitchcock, el de Encadenados, coqueteó con el género dándole su toque personal y añadiendo una buena dosis de romance (sentimiento que se exacerba en situaciones límite como las que se narran en este tipo de filmes) que incluía el considerado beso más largo jamás plasmado en celuloide, el que compartían Cary Grant e Ingrid Bergman. En los albores del siglo XXI Tony Scott logró su trabajo más redondo gracias a Spy game (Juego de espías). Mismos ingredientes mezclados en una trama brillantemente tejida, con unos excepcionales Robert Redford y Brad Pitt, en la que destacaba la mano del director británico y esa manera tan espectacular de jugar con las imágenes, el montaje, los efectos de sonido y la banda sonora que convertían una cinta de puro entretenimiento en una obra de autor.

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Adoptando un estilo no tan sofisticado como el de Scott aunque igualmente efectivo, Brad Anderson ha concebido una pieza sólida eminentemente deudora del largometraje del desaparecido realizador. Los paralelismos resultan más que evidentes. Oriente Medio como uno de los puntos importantes de la historia, un hombre tratando de conseguir el rescate de un amigo al que hace tiempo que no ve, intrigas en las altas esferas que harán desconfiar al protagonista, la Casa Blanca, gobiernos de países de la zona, grupos armados de distintas facciones y una historia de pasión soterrada, acentuada al tiempo por vivirla al filo del abismo.

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Beirut, 1982. En plena guerra del Líbano un agente de la CIA que maneja información sensible es secuestrado por un comando terrorista. Los servicios secretos estadounidenses se pondrán en contacto con un ex diplomático que trabaja arbitrando en conflictos laborales para que ayude en la negociación. El mediador acepta a regañadientes un cometido que le devolverá a un pasado doloroso y le obligará a regresar a la ciudad donde una vez vivió y compartió misiones con el ahora rehén.

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El guión de Dan Gilroy bebe de forma inconfesa de aquel estupendo libreto que firmaban Michael Frost y David Arata, lo que no es óbice para haber conseguido un resultado notable. No obstante de su pluma han surgido dos de los análisis más lacerantes en torno a los círculos de influencia al más alto nivel, la amistad y el amor, La sombra del poder y Michael Clayton.

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El acercamiento al conflicto que sacudió Oriente Medio a principio de la década de los ochenta, a pesar de que se haga a través de una ficción, aporta un interés añadido a esta narración donde los oscuros entramados entre la Agencia Central de Inteligencia, el Gobierno de Israel, el Mossad y la Organización para la Liberación de Palestina impactan por su realismo. La vida de según quién no vale apenas nada y se utiliza como moneda de cambio para conseguir objetivos políticos o militares en una partida de ajedrez donde los protagonistas han de jugar sus propias armas ante poderosos enemigos.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Radar Pictures, ShivHans Pictures, Kasbah-Film Tanger. Cortesía de DeA Planeta. Reservados todos los derechos.

 

El Rehén

Dirección: Brad Anderson

Guion: Dan Gilroy

Intérpretes: John Hamm, Rosamund Pike, Mark Pellegrino

Música: John Debney

Fotografía: Björn Charpentier

Duración: 109 min.

Estados Unidos, 2018

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Mi querido niño – Crítica de “Siempre juntos (Benzinho)” (2018)

La manera más justa y objetiva de ver y analizar una película consiste en entrar a la sala completamente desprejuiciado, algo complicado pero factible si hay buena predisposición. Cuando a uno le llegan comentarios no muy halagüeños corre el riesgo de sobrevalorar el trabajo que tiene ante sus ojos porque el panorama no parece tan negro como lo habían pintado. Al contrario, se termina siendo más severo, tal vez injustamente, con una obra que viene precedida de encendidos elogios y recomendaciones de la prensa especializada e incluso de amigos con criterio. Y si ya viene coronada por premios en un festival de prestigio, el listón a superar a la hora de valorar ya parte de una altura considerable.

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En efecto, el mayor obstáculo al que se enfrenta un filme pequeño como Siempre juntos son las expectativas generadas en el público potencial. Un lastre de inicio que, en caso de no ver cumplido el deseo de la audiencia provoca desilusión y se vuelve en contra del largometraje. Sus dos galardones en el pasado Festival de Málaga, Mejor Película Iberoamericana y el Premio Especial del Jurado de la Crítica, pesan notablemente a la hora de defender una historia que podría haber despertado más simpatía sin tantas alharacas como las que la circundan.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SIEMPRE JUNTOS (BENZINHO)_Karine Teles y Otávio Müller

Irene es una madre de familia de extracción humilde que intenta llevar adelante a los suyos a través de un pequeño negocio ambulante de compra-venta de telas y con la ayuda de la papelería que regenta su marido. Entre los conflictos a los que ha de enfrentarse se encuentra con la sorpresiva noticia de que su hijo adolescente se va a la otra esquina del mundo en menos de dos meses y no encuentra la manera de afrontarlo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SIEMPRE JUNTOS (BENZINHO)_En el gomnasio

Para que un guión de estas características funcione es imprescindible que el patio de butacas empatice con la protagonista, con sus vivencias y sus padecimientos. El problema surge cuando no se consigue esa conexión. Este que escribe no ha sido capaz de emocionarse con esta matriarca y con su desesperación, hecho achacable a la impericia del cineasta como director de actores que ha permitido a la intérprete, Karine Telles (que figura, además, como co autora del libreto), sobreactuar de tal manera que pierda el favor de quienes nos encontramos a este lado de la pantalla.

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De nada sirve el virtuosismo estético del que Gustavo Pizzi hace gala, con el uso de colores primarios, rojos, azules, verdes, una fotografía luminosa, unos encuadres perfectamente compuestos, si la historia que pretende contar y la manera de narrarla no es capaz de atrapar la atención de la platea. Si la forma pesa notablemente más que el fondo la batalla está perdida; el desequilibrio crea un abismo insalvable. Al no haber sabido introducirnos en el relato, el plano cenital en el que madre e hijo flotan a la deriva en una cámara de rueda de tractor con el chaval en posición fetal nos resulta tan obvio como innecesario. Se echa de menos algo más de sutileza.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SIEMPRE JUNTOS (BENZINHO)_Karine Teles

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Bubbles Project, TV Zero, Baleia Filmes. Cortesía de BTeam Pictures. Reservados todos los derechos.

 

Siempre juntos (Benzinho)

Director: Gustavo Pizzi

Guion: Gustavo Pizzi, Karine Telles

Intérpretes: Karine Telles, Otávio Müller, Konstantino Sarris

Fotografía: Pedro Faerstein

Montaje: Livia Serpa

Duración: 95 min.

Brasil, Uruguay, Alemania, 2018

Risas contra Trump y el machismo – Crítica de “Un mar de enredos” (2018)

Si hablamos de placeres culpables, cómo disfrutamos con quince años recién cumplidos de la picaresca de Kurt Russell replicada por la insolencia de Goldie Hawn en Un mar de líos. Y eso desconociendo que tras la cámara había un señor llamado Garry Marshall que rompería taquillas poco más tarde gracias a Pretty Woman. Fresca, divertida, ágil. Risas, enredo y un toque de romance. Lo cierto es que el guión funcionaba a la perfección y las dos estrellas encandilaban gracias a su espontaneidad y compenetración.

He de confesar que me acerqué a ver Un mar de enredos sin caer en la cuenta de que se trataba de una puesta al día de aquella historia que tan buenos momentos me había hecho pasar hace ya tres décadas. Los personajes han cambiado de sexo. En esta ocasión el heredero del imperio del cemento de México, un tipo rico, malcriado y consentido, que dilapida la fortuna de su padre a bordo del yate que recibió como regalo de cumpleaños, se niega a pagar a la chica que ha ido a limpiar las alfombras del barco y termina lanzándola por la borda. Cuando él sufre un accidente y acaba en el hospital con amnesia ella, como venganza, le convence de que es su mujer y se lo llevará a su casa de los suburbios junto a sus tres hijas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN MAR DE ENREDOS_Eugenio Derbez y Anna Faris, por la borda

Lo que en un principio pudiera parecer una comedieta al uso da un interesante giro para adquirir más sustancia. El toque de gracia lo pone esa ironía con la que sacude por un lado a Trump, con una evidente reivindicación de lo mexicano y del español como idioma (gran parte del metraje y muchos de los mejores gags, chistes y dobles sentidos están hablados en la lengua de Cervantes, algo que lamentablemente se perderá en la versión doblada), y por otro al machismo, algo, por desgracia, universal, aunque por aquellos lares y en su Casa Blanca conocen bien el asunto (la secuencia en la que Eva Longoria emula a tantos presidentes y políticos que han salido a pedir perdón por sus devaneos extramatrimoniales, impagable). La guinda, la auto parodia totalmente consciente de las telenovelas en la que se convierte toda la parte latina de la trama.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN MAR DE ENREDOS_Anna Faris

Las piezas clave capaces de sustentar un texto en el que las risas convivan constantemente con un registro más dramático son sin duda los dos protagonistas. Eugenio Derbez y Anna Faris demuestran su tremenda versatilidad, y lo que sobre el cartel podría parecer una pareja improbable se revela, una vez vista la película, un dúo con innegable química tanto cómica como romántica.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN MAR DE ENREDOS_Anna Faris y Eugenio Derbez con las niñas

Se ha sabido dar la vuelta a un libreto de los 80 con el ingenio suficiente como para denunciar, tirando de sarcasmo, unas cuantas lacras de la sociedad contemporánea sin perder el punto divertido, con una profundidad que uno no habría esperado de inicio y añadiendo un toque de ternura para cerrar la narración con una buena dosis de causticidad que contrarreste cualquier atisbo de final empalagoso.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN MAR DE ENREDOS_Eva Longoria y Anna Faris

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Pantelion Films, 3Pas Studios, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Cortesía de Filmax. Reservados todos los derechos.

 

Un mar de enredos

Dirección: Rob Greenberg

Guión: Bob Ficher y Rob Greenberg a partir de un guión de Leslie Dixon

Intérpretes: Eugenio Derbez, Anna Faris, Eva Longoria

Música: Lyle Workman

Fotografía: Michael Barrett

Duración: 112 min.

Estados Unidos, 2018

Haneke, no apto para todos los paladares – Crítica de “Happy End” (2017)

Una confesión antes de comenzar a disertar sobre Happy End. Quien se sienta tras el teclado tan solo está familiarizado con el segmento más reciente de la filmografía de Michael Haneke. Únicamente La cinta blanca, probablemente la muestra más convencional de su producción, ha atrapado, sin una adhesión inquebrantable, el interés y la atención de este cronista. Por suerte o por desgracia, el singular modo de expresarse del cineasta alemán no nos ha conseguido emocionar con sentimientos que embargan a tantos otros, apasionados de su obra.

Uno ha de acercarse a un tipo tan particular con precaución a pesar del entusiasmo mostrado por las recomendaciones de amigos cinéfilos que tienen en gran estima al director. Tal vez Caché (Escondido) no fue la mejor elección para una primera toma de contacto. Esos planos tomados con teleobjetivo para retratar la acción desde el punto de vista de un mirón apostado tras la maleza, sin dejar que el espectador escuche las conversaciones que se producen entre los intérpretes, más que la inquietante sensación que sesudos críticos decían haber captado provocaron displicencia y profundo aburrimiento.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HAPPY END_Isabelle Huppert

En el momento de la reflexión, pocos minutos después de terminar el visionado de esta película, nos invade la intuición de que el proyecto se articuló de detrás hacia delante, comenzando la casa por el tejado en lugar de cimentarla sobre una sólida base. Y de la imaginación surge la figura de un Haneke que, en un instante de inspiración, idea la que a la postre sería la última secuencia del filme, que por respeto al lector no destriparemos, y exclama: tengo que hacer un largometraje que termine así.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HAPPY END_Jean Louis Trintignant biblioteca

Genialidad y fuerza no le faltan a ese perfecto colofón, el problema se encuentra en los cien minutos anteriores. Desiguales, utilizando en determinados momentos la misma técnica desarrollada en Caché y que, como ya se ha dicho, no seduce al autor de estas líneas y deshilvanando retales de unos personajes que adquirirán relativo sentido tras ese potente final. De la adinerada familia que el realizador ubica en el centro de esta historia para despellejarla de manera implacable tan solo los roles de la niña y su abuelo, incorporado por el veterano Jean-Louis Trintignant, despiertan cierto atractivo del que no somos conscientes hasta pasados dos tercios de metraje.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HAPPY END_Fantine Harduin

Por más que el juego en torno a la cámara del teléfono móvil con el que se abre la cinta y el que se articula gracias a los mensajes a través del ordenador cree cierta sensación de misterio, la intercalación de tiempos muertos entre secuencias con más enjundia no hace sino desesperar a la audiencia. El de Haneke es un cine difícil, no apto para todos los paladares, a pesar de ello y de no comulgar con el irregular camino tomado para desembocar en su excelente remate, no hemos de negarle la ironía y el acierto a la hora de escoger el título. Más que un Happy end, a la conclusión queda un poso de amargura.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_HAPPY END_Fantine Harduine, Jean-Louis Trintignant, Isabelle Huppert, Toby Jones y Mathieu Kassovitz

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Les Films de Losange, Wega Films. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

Happy End

Dirección y guión: Michael Haneke

Intérpretes: Isabelle Huppert, Jean-Louis Tringtignant, Mathieu Kassovitz

Fotografía: Christian Berger

Montaje: Monika Willi

Duración: 107 min.

Francia, Austria, Alemania, 2017

Optimismo en tiempos de crisis – Crítica de “El mejor verano de mi vida” (2018)

El cine bienintencionado, ese que nos cuenta historias donde la visión positiva de la vida se impone sobre el cinismo y el verismo descarnado que la cruda realidad pueda ofrecer, ha dado obras maestras y buenas dosis de escape a un público necesitado de un mensaje de esperanza en tiempos de crisis. Aunque esta definición pueda parecer cercana en el tiempo se refiere al género que Frank Capra desarrolló en los años 30 del siglo pasado para contrarrestar los desoladores efectos de la Gran Depresión en el ciudadano de a pie estadounidense debidos a aquel fatídico jueves negro de 1929. Sucedió una noche, Dama por un día, Qué bello es vivir, y sobre todo Vive como quieras, guardan elementos (salvando las distancias) que vamos a encontrar en la cinta que nos ocupa.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL MEJOR VERANO DE MI VIDA_Leo Harlem y Toni Acosta

La humanidad ha tropezado cíclicamente infinitas veces en la piedra de la codicia; lo aplicado al crack de Wall Street de hace casi 90 años sirve para la debacle de Lehman Brothers de septiembre de 2008 y todas sus consecuencias. De modo que una comedia con toques dramáticos pero con el espíritu de las películas de Capra siempre es bienvenida.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL MEJOR VERANO DE MI VIDA_Alejandro Serrano y Leo Harlem

El actor más taquillero de Italia, Checco Zalone (Un italiano en Noruega), escribió y encabezó el reparto de Sol a cántaros (2013), cuyo guión, debidamente adaptado a la idiosincrasia española, se ha convertido en El mejor verano de mi vida.

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Curro vende robots de cocina pero sueña con trabajar en el mundo financiero. Optimista por naturaleza, a pesar de las deudas familiares y del mal momento de su matrimonio, promete algo que no se puede permitir: si su hijo de nueve años saca todo sobresalientes, le llevará a unas vacaciones de verano inolvidables. El niño lo consigue y su padre se verá obligado a cumplir su palabra.

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La trama tarda en arrancar. Demasiadas vueltas en la presentación de personajes. Más o menos hacia la mitad del metraje se produce el clic. En el momento en que el protagonista y su chaval llegan a un resort de yoga en el que conocen a la dueña y a su hija se produce el giro a partir del que la cinta comienza a convencer. No se trata de un trabajo redondo, pero si tenemos un poco de paciencia y conectamos con el tono, podemos pasar un rato más que agradable.

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Aunque su tratamiento sea ligero, la crisis económica, la corrupción, la reforma laboral, el paro, quedan como interesante telón de fondo. A este que escribe el estilo a la hora de afrontar las desventuras de este trabajador golpeado por las circunstancias pero inasequible al desaliento, interpretado por un divertidísimo Leo Harlem, le trajo a la memoria otro intento de fantasía capriana, Dave, presidente por un día de Ivan Reitman. Si a ese grato recuerdo y al buen hacer del cabeza de cartel unimos la agradable sorpresa de Maggie Civantos, la siempre solvente Toni Acosta y la desternillante Gracia Olayo, nos han merecido la pena estos 90 minutos de desconexión con las preocupaciones diarias.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL MEJOR VERANO DE MI VIDA_Alejandro Serrano, Stephanie Gil, Leo Harlem, Maggie Civantos e Isabel Ordaz ok

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Copyright imágenes  ©  Álamo Audiovisual, Atresmedia Cine. Cortesía de A Contracorriente. Reservados todos los derechos.

 

El mejor verano de mi vida

Dirección: Dani de la Orden

Guión: Olatz Arroyo, Daniel Castro, Dani de la Orden y Marta Suárez

Intérpretes: Leo Harlem, Alejandro Serrano, Maggie Civantos

Música: Zacarías M. de la Riva

Fotografía: Valentín Álvarez

Duración: 91 min.

España, 2018

El regreso del hombre hormiga – Crítica de “Ant-man y la Avispa” (2018)

El inconveniente más grande al que se enfrenta una película de superhéroes al afrontar su segunda entrega reside en la necesidad de enganchar al público desde el primer minuto, habida cuenta de que el cartucho del siempre fascinante proceso de descubrimiento de poderes sobrehumanos del protagonista y creación de su identidad secreta ya se ha consumido en el filme primigenio de la saga. El espectador no familiarizado con la historia a través del cómic original, caso de este que escribe, ya conoce al cruzado de turno y al entorno que lo rodea (qué decir del que ha devorado las aventuras en las viñetas), de modo que, o se comienza con brío o ya de inicio se tiene un serio problema de conexión con la platea.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ANT-MAN Y LA AVISPA_Ant-man y la Avispa

Peyton Reed, que repite en la dirección, sale airoso ante la complicada tarea de convencer al cada vez más exigente aficionado a este tipo de cine ya convertido en género. El cometido se ha cumplido con creces manteniendo y reforzando los elementos que hicieron triunfar a su predecesora.

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La secuencia pre créditos nos devuelve al pasado donde el profesor Hank Pym (Michael Douglas) se adentra en el mundo cuántico junto a su esposa (Michelle Pfeiffer) para llevar a cabo una peligrosa misión. Ella quedará aislada en la inmensidad microscópica aunque, ya de vuelta en el presente, el científico y su hija (Evangeline Lilly) descubren que es posible que siga viva y enrolan en el rescate a Scott Lang (Paul Rudd) mientras él se plantea la compatibilidad de la paternidad con su faceta de hombre hormiga.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ANT-MAN Y LA AVISPA_Paul Rudd y Evangeline Lilly sorpresa

Cuando se aplica el sentido común a una producción cinematográfica es lógico que el proyecto en cuestión salga a flote, obtenga rendimiento en taquilla e incluso el favor de la crítica. Los responsables de la saga escogieron un tono cómico para relatar las aventuras de Ant-man y dentro de los distintos grados optaron por un humor blanco, para todos los públicos, probablemente el más complicado de desarrollar. No buscaron un realizador curtido en el cine de acción sino con experiencia en comedia y un protagonista versado en hacer reír a la audiencia. Resultaba mucho más práctico que un tipo con talento como Paul Rudd desarrollase abdominales que conseguir que un cachas de póster fuese capaz de transmitir la hilaridad necesaria amén del abanico de emociones que requería el personaje.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ANT-MAN Y LA AVISPA_Hannah John-Kamen

La perfección técnica a la hora de rodar, el montaje, el sonido, los efectos especiales, las espectaculares secuencias de acción, se le presumen a un largometraje de esta magnitud; lo difícil de conseguir es el ritmo. En las casi dos horas de metraje no encontramos tiempos muertos, la capacidad de entretener queda intacta, hallamos momentos de ternura paterno y materno filial, hay hueco para el romance y muchas y sanas risas. Como guinda, los más cinéfilos encontramos referencias diseminadas a Viaje alucinante, como no podía ser de otro modo, pero disfrutamos con una sonrisa el guiño a ese Kenneth Branangh primerizo tan Hitchcock, Morir todavía.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ANT-MAN Y LA AVISPA_Ant-man gigante

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Copyright imágenes  ©  Marvel Studios. Cortesía de Walt Disney Studios Motion Pictures Spain. Reservados todos los derechos.

 

Ant-man y la Avispa

Dirección: Peyton Reed

Guión: Chris McKenna, Erik Sommers, Paul Rudd, Andrew Barrer, Gabriel Ferrari

Intérpretes: Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michael Douglas

Música: Christophe Beck

Fotografía: Dante Spinotti

Duración: 118 min.

Estados Unidos, 2018

Relaciones que marcan para siempre – Crítica de “Casi 40” (2018)

El inicio de Casi 40, su planteamiento, su factura visual sencilla (casi más vídeo que cine), un chico y una chica hablando sin parar de la vida, del amor, de los hombres, de las mujeres, del paso del tiempo, canciones en plano fijo, secuencias en un único encuadre dejando que fluyan las palabras, ese comienzo habría cautivado sin duda al cinéfilo apenas veinteañero, enamoradizo y entusiasta que adoraba este tipo de guiones. Con las cuarenta primaveras del título más que superadas uno se vuelve cínico, aunque solo sea un poquito, y recela de todo lo que le huele a los filmes y libros que formaron parte de su educación sentimental, Antes de amanecer, Las desventuras del joven Werther, historias de pasiones no correspondidas o de romances fugaces e imposibles, y atiende expectante, con el anhelo de que la trama evolucione y sea capaz de articular cierto poder de seducción sobre este cuarentón descreído.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CASI 40_Lucía Jiménez y Fernando Ramallo

Fernando Ramallo, Lucía Jiménez, La buena vida. Después de más de dos décadas los mismos personajes se reencuentran. El de Ramallo va recordando en sus reflexiones cada vez más al Gabino Diego de Los peores años de nuestra vida, al David Trueba guionista de los desastres afectivos del inicio de la edad adulta. Aquel amor de adolescencia se transformó en amistad, aunque sus caminos se separaron. Ella fue cantante de éxito, pero dejó su banda y el mundo de las actuaciones y se casó con un futbolista, ahora tiene dos hijos. Él, que se dedica a la venta de cosméticos ecológicos, intenta relanzar la carrera musical de Lucía a través de una gira de conciertos acústicos por librerías y pequeños locales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CASI 40_Lucía Jiménez

Con estructura de película de carretera, el viaje físico va a propiciar el periplo de estos dos hacia el pasado para ajustar cuentas, para recordar qué es lo que les une y por qué un día dejaron de salir juntos y comenzaron a distanciarse. Todo va fluyendo de manera natural. Desde el tono ligero del primer tercio de metraje, que nos hace volver al Linklater ingenuo de los 90, hasta ir convenciéndonos de que aquello se parece más a Antes de atardecer, con reflexiones muy acertadas en torno al cambio de parecer que se produce con la madurez en mujeres y hombres tanto en cuestiones de pareja como en las que tienen que ver con el acontecer de las cosas.

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En una última conversación, prácticamente un monólogo, maravillosamente escrita e interpretada, queda definida con una sensibilidad a flor de piel la fragilidad, la vulnerabilidad que no se ve a simple vista porque se trata de ocultar con una máscara de indiferencia como mecanismo de auto defensa. Acertado epílogo para terminar, a nuestros cuarenta y tantos, convencidos por una cinta que nos lega un corolario que vence nuestros prejuicios, y es que no deja de ser cierto que una relación, una amistad, un amor, que surge a los 16 años puede marcarte para siempre.

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Copyright imágenes  ©  Buenavida Producciones S.L., Perdidos G.C. Cortesía de Avalon. Reservados todos los derechos.

 

Casi 40

Dirección y guion: David Trueba

Intérpretes: Fernando Ramallo, Lucía Jiménez, Vito Sanz

Fotografía: Julio César Tortuero

Montaje: Marta Velasco

Duración: 83 min.

España, 2018

Salir (o no) del armario – Crítica de “Con amor, Simon” (2018)

En plena vorágine del mundial de fútbol surge esta noticia: «La FIFA estudia sancionar a la Federación Mexicana por cánticos homófobos de sus aficionados contra el portero alemán Manuel Neuer». Y todo porque el guardameta del Bayern había contribuido a la lucha contra la homofobia en el deporte rey desde su condición de heterosexual. Una información tan sensible, de haber sido cierta, no debería ser desvelada sin el consentimiento del interesado, menos aún en un entorno tan estigmatizado como el mundo del balompié. Nadie puede arrebatar a una persona el derecho a salir del armario en el momento, de la forma y ante la gente que él o ella decida, o a seguir permaneciendo dentro, si así lo estima.

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Este largometraje ha roto moldes. Se trata de la primera película producida por uno de los grandes estudios de Hollywood que aborda el tema de la homosexualidad en la adolescencia. Aunque parezca mentira decir esto en el año 2018, así es, y abre camino para que se vea con total naturalidad e incluso se empatice tanto con la situación del protagonista como con sus problemas amorosos. El sentido del humor y la ligereza de determinadas situaciones no le quitan trascendencia al fondo de la cuestión, y es que esa potestad de poder decirles a tus padres o a tus amigos que eres gay cuando estás en el instituto, en plena era de las redes sociales, no puede apropiársela un blog de cotilleos que todo el alumnado lee.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CON AMOR, SIMON_Nick Ro9binson

Simon es un chaval como todos los de su edad, que se lleva bien con sus progenitores y su hermana pequeña, que forma pandilla con dos chicas y un chico pero que, en sus propias palabras, guarda un gran secreto: es gay y no se lo ha dicho a nadie. Cuando esa condición se ve comprometida tendrá que lidiar con el conflicto entre intentar ocultar su verdadera identidad, con todo lo que ello pueda conllevar, o afrontar los hechos ante aquellos a los que quiere.

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Greg Berlanti ha trasladado a esta cinta la atmósfera de problemática adolescente y sus vicisitudes intrínsecas de series emblemáticas por las que pasó como guionista, Dawson crece, o ya con galones de creador, Everwood. Aunque el texto provenga de la novela de Becky Albertalli los nexos en común con otro libro adaptado al cine de temática similar son más que evidentes. Con amor, Simon bebe de las fuentes de Las ventajas de ser un marginado, historia en la que la homosexualidad se trata tangencialmente a través de una trama secundaria en la que se subraya que nadie es quién para sacar a otro del armario por muy ruin que haya sido su comportamiento.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CON AMOR, SIMON_Kelynan Lonsdale

El realizador ha conseguido el tono idóneo de comedia romántica de buen rollo, lo que los anglosajones llaman feel good movie, aportando un fondo más profundo de lo habitual pero abordado de forma fresca, con aire irónico y mucho sentido del humor, lo que funciona a la perfección de cara a la audiencia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CON AMOR, SIMON_Katherine Langford y Nick Robinson

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos. 

Copyright imágenes  ©  Fox 2000 Pictures, New Leaf Literary & Media, Temple Hill Entertainment,Twisted Media. Cortesía de Twentieth Century Fox España. Reservados todos los derechos.

 

Con amor, Simon

Dirección: Greg Berlanti

Guion: Elizabeth Berger y Isaac Aptaker, a partir de la novela Yo Simon, Homo Sapiens de Becky Albertalli

Intérpretes: Nick Robinson, Jennifer Garner, Josh Duhamel

Música: Rob Simonsen

Fotografía: John Guleserian

Duración: 110 min.

Estados Unidos, 2018

Camino a ninguna parte – Crítica de “En Tránsito” (2018)

El Oso de Plata al mejor director en Berlín 2012 por la estupenda Bárbara hizo de Christian Petzhold un tipo al que seguir la pista. Su narrativa buscaba (y necesitaba) la complicidad del espectador para construir poco a poco el cuándo y el dónde, y en cuanto al cómo utilizó el suspense como arma principal para desarrollar una historia de amor en los estertores de la Guerra Fría en la República Democrática Alemana. Su siguiente trabajo, Phoenix, pasó por la sección oficial de San Sebastián 2014 de manera tibia, fuera del palmarés pero con el premio FIPRESCI de la prensa. Mismos protagonistas, similar trama con inspiraciones hitchcockianas en torno a una superviviente del holocausto, pero menor fuste y brío que su predecesora.

En tránsito supone la culminación de su trilogía «Amor en tiempos de sistemas opresivos» completada con las dos obras antes nombradas. Cuenta la peripecia de un ciudadano alemán huido que durante la Segunda Guerra Mundial trata de abandonar Francia ante la inminente ocupación nazi. Consigue, accidentalmente, la documentación de un escritor fallecido al que iba a entregar unas cartas, toma su identidad, se hace con un relato que había dejado a medio acabar y parte hacia Marsella. Allí queda bloqueado y encuentra a una fascinante mujer que busca a su marido desaparecido.

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Durante el primer tercio de metraje, desconcierto. Los diálogos nos sitúan en el país vecino en la década de los 40 pero la dirección artística nos descoloca por completo. La ambientación parece contemporánea de modo que los primeros veinte minutos los pasamos tratando de asegurarnos de que, pese a que las casas y las calles nos traigan hacía la época actual, el relato se ubica hace tres cuartos de siglo. Si la intención de Petzhold es asimilar lo acontecido con parte de sus compatriotas años atrás a la situación de indefensión de los refugiados sirios que han tenido que abandonar su país por culpa de la guerra, el tiro le sale por la culata. A pesar de sus loables intenciones lo que prevalece en el espectador, por encima de la denuncia en forma de metáfora, es la sensación de desorientación.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN TRÁNSITO_Paula Beer y Franz Rogowski

Tras sesenta minutos carentes de gancho alguno la aparición de Paula Beer como esa misteriosa mujer que atrae la atención del protagonista viene a concitar el interés de la audiencia. La actriz de Frantz introduce cierta complejidad argumental en forma de juego de muñecas rusas que coquetea con el metalenguaje que, en otras circunstancias, podría haber resultado estimulante. Pero la falta de carisma del intérprete principal y el sinsentido de todo lo que sucede, rayando en el absurdo de determinadas situaciones, acaban por desesperar a este espectador que encuentra eminentemente confusa esa forma de narrar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN TRÁNSITO_Franz Rogowski en camión

Lo mejor, el tema de Talking Heads que cierra la cinta. Compendio del devenir tanto de este largometraje como de la saga de la que forma parte. Un conjunto fílmico que, pese a su esperanzador comienzo, ha ido decreciendo paulatinamente en atractivo y poder de sugerencia. Su título habla por sí solo: Road to nowhere.

TRANSIT Regie Christian Petzold

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos. 

Copyright imágenes  ©  Schramm Film, Neon Productions, Arte France Cinéma. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

En tránsito

Dirección: Christian Petzhold

Guion: Christian Petzhold, basado en la novela Transito de Anna Seghers

Intérpretes: Franz Rogowski, Paula Beer, Rodehard Giese

Música: Stefan Will

Fotografía: Hans Fromm

Duración: 101 min.

Alemania, Francia, 2018

A la manera del cine social británico – Crítica de “Normandía al desnudo” (2018)

El Manierismo de finales del siglo XVI se entendió como un movimiento que perseguía imitar las maneras de los grandes maestros del Alto Renacimiento. Tintoretto pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear al estilo de Tiziano. Así como las corrientes pictóricas se retroalimentan de lo bueno que ha venido antes, las tendencias cinematográficas van a buscar referentes a un pasado de glorioso brillo. El Western Crepuscular recuperó a finales de los 60 y en los 70 las señas de identidad de las películas del oeste añadiendo esa visión desmitificadora que le aportaban unos protagonistas en el ocaso de su vida. El Neo Noir puso al día los códigos del Cine Negro clásico adaptándolo a la época de su filmación.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_NORMANDÍA AL DESNUDO_François Cluzet

 En la última década del siglo pasado vivió su esplendor un género que tomaba el cine social al que tanto lustre habían dado tipos como Ken Loach y le añadía un giro cómico para denunciar situaciones injustas y precarias divirtiendo. Los británicos son únicos a la hora de equilibrar sentido del humor y drama sin caer en la falta de respeto. Gran parte de la obra de Stephen Frears se puede enclavar aquí, pero hay dos títulos que dejaron huella y que han sido referentes para trabajos que han venido después, entre ellos el que nos ocupa hoy, y no son otros que Tocando el viento y Full Monty.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_NORMANDÍA AL DESNUDO_François Cluzet protestas

Hemos alimentado a este país durante siglos y ahora somos nosotros los que nos morimos de hambre. Las importaciones de carne de vacuno están asfixiando a los ganaderos de un pequeño pueblo de Normandía que a través de movilizaciones tratan de dar visibilidad a su conflicto con poco éxito. La llegada de un fotógrafo norteamericano (un sosias de Spencer Tunnick) da al alcalde la idea que convertiría su problema en portada de todos los informativos de ámbito nacional. El artista es conocido como retratista de grandes grupos de personas desnudas en localizaciones singulares.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_NORMANDÍA AL DESNUDO_Toby Jones y François Cluzet

Un concepto argumental impecable, evidentemente inspirado en esa forma de hacer cine de la que hablábamos antes, pero al que le falta un toque de sal, de cinismo y sarcasmo, de esa socarronería a la que los cineastas de las islas le tienen tan bien tomada la medida.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_NORMANDÍA AL DESNUDO_François Cluzet PP

De un intérprete solvente como François Cluzet (el esforzado edil) uno siempre espera lo mejor. Su peligro, la sobreactuación. El abuso reiterado de determinados tics termina por sobrecargar al espectador y ensombrece los destellos de calidad inherentes a un actor de su nivel.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_NORMANDÍA AL DESNUDO_François Cluzet granero

Estructuralmente hablando, la subtrama de la familia cuya hija ejerce de improvisada narradora, que no aporta nada a la progresión de la narración, es fácilmente eliminable del guión. Uno se imagina el largometraje sin esos tres personajes y la historia no se altera en absoluto. El metraje reducido a noventa minutos aportaría agilidad a la cinta, pero seguiríamos echando de menos esa osadía que resulta tan corrosiva, incisiva e irónica como para otorgarle el salto de calidad necesario, el punto de genialidad que la convirtiese en el gran filme que podría haber sido.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_NORMANDÍA AL DESNUDO_Todos desnudos

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos. 

Copyright imágenes  ©  Les Films des Tournelles, SND Films. Cortesía de Vértice Cine. Reservados todos los derechos.

 

Normandía al desnudo

Dirección: Philippe Le Guay

Guión: Philippe Le Guay, Olivier Dazat y Victoria Bedos

Intérpretes: François Cluzet, François-Xavier Demaison, Toby Jones

Música: Bruno Coulais

Fotografía: Jean-Claude Larrieu

Duración: 105 min.

Francia, 2018

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