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“La novia”, “Julieta” y “El olivo”, elegidas para luchar por el Óscar. Aquí tenéis sus críticas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL OLIVO_Alma y su abuelo con los esquejes

La Academia hizo ayer pública la preselección del trío de películas que pugnarán por el derecho a representar al cine español en la próxima ceremonia de los Óscar. El 7 de septiembre sabremos definitivamente cual de las tres se lleva el gato al agua. “Julieta” de Pedro Almodóvar parte con ventaja, por el predicamento que el manchego tiene en Hollywood, pero no se puede descartar alguna sorpresa. Tanto “La novia”, con fuerte presencia en la temporada de premios 2015-2016, como “El olivo”, estrenada más adelante, son historias intensas, perfectamente capaces de convencer en la meca del cine.

Aquí os dejamos los enlaces (no tenéis más que pinchar en cada uno de ellos) a las tres críticas que publicamos con motivo de su estreno comercial para que podáis repasar cada uno de estos imponentes trabajos.

Crítica de JULIETA

Crítica de LA NOVIA

Crítica de EL OLIVO

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Get In The Picture Productions, Rec Films, Cine Chromatix,El Deseo, Morena Films, The Match Factory. Cortesía de Entertainment One, Betta Pictures, El Deseo. Reservados todos los derechos.

Crítica de “Nerve” (2016)

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Accidentes de tráfico, infidelidades descubiertas, caídas por acantilados, cadáveres encontrados, robos a punta de pistola, arrestos por irrumpir en un cuartel de la Guardia Civil. Todos casos reales relacionados con ese videojuego gratuito que esconde los bichitos que el usuario ha de cazar en el mundo que nos rodea. La fiebre se ha extendido por medio mundo y tiene a gente de todas las edades completamente abducida. Un análisis de Nerve desde este prisma nos mostraría una ficción que camina dos pasos por detrás de la rocambolesca realidad. A pesar de ello, la pertinencia de este trabajo dirigido a espectadores que fluctúan entre la adolescencia y los 30 años, una vez completado su visionado, queda fuera de toda duda.

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El filme aborda el tema de la sobreexposición a las redes sociales de la juventud y las consecuencias perniciosas que de ello puedan derivarse por medio de un relato en el que la viralidad de una aplicación multimedia provoca que infinidad de internautas se desvivan por saber quién juega, quién gana y quién pierde. La voz en off de Vee, la protagonista, nos describe un entretenimiento del que duda en tomar parte hasta que, arrastrada por las circunstancias, se ve totalmente inmersa en una peligrosa espiral que podría deparar cualquier tipo de final.

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24 horas al día, 7 días a la semana. Como verdad o atrevimiento, pero sin verdad. Si superas los retos que se te plantean ganas cada vez más dinero, pero los desafíos se complican progresivamente. Si lo dejas, pierdes el botín acumulado. Prohibido delatarlo a la policía, la penalización sería muy severa. Si te limitas a ser observador simplemente contemplas en tu dispositivo cómo otros se arriesgan por afán crematístico, pero también de popularidad.

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Como nos mostraba hace poco Money Monster, las imágenes que nos bombardean desde todo tipo de pantallas nos están convirtiendo en una sociedad de mirones. Disfrutamos viendo lo que les pasa a los demás sin pararnos a analizar ni juzgar aquello que nos llega a través de todos estos medios. Lo que en su primera mitad parecía otra tonta película para púberes, cortada por el mismo patrón que muchas de las que la han precedido, se termina convirtiendo en una llamada de atención a esta nueva generación digital que se limita a observar el mundo que proyecta internet, dando por válido cualquier contenido que aparece y capta su interés, sin criterio moral alguno.

Nerve

A pesar de los típicos juegos malabares de guión para hilar una apoteosis lo suficientemente epatante, el relato se encuentra pergeñado de tal manera que, además de saber dirigirse a su audiencia potencial mediante un lenguaje perfectamente reconocible, consigue articular un entretenimiento con moraleja que funciona como un mecanismo de relojería sin dejar de resultar atractivo para otro tipo de espectador. Podemos dar por bien empleados los 96 minutos de duración y el importe de la entrada si esta cinta logra despertar cierto espíritu crítico entre su público objetivo en cuanto al uso y consumo que hace de la red de redes.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Alison Shearmour Productions, Keep Your Head, Lionsgate, Supermarché. Cortesía de eOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

 

Nerve 

Dirección: Henry Joost y Ariel Schulman

Guión: Jessica Sharzer, a partir de la novela de Jeanne Ryan

Intérpretes: Emma Roberts, Dave Franco, Emily Meade, Miles Heizer

Música: Rob Simonsen

Fotografía: Michael Simmonds

Duración: 96 min.

Estados Unidos, 2016

Crítica de “Regreso a casa” (2014)

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Las cenizas de Rebeca Méndez fueron esparcidas sobre las aguas del Pacífico, frente al lugar donde piensan levantar una estatua para rememorar por siempre su trágica historia de amor y fidelidad, junto a la misma playa que visitaba año tras año, con su vestido de novia, desde que, con tan solo catorce primaveras, observó cómo su prometido se hacía a la mar, apenas tres días antes de los esponsales, para desaparecer engullido por una tormenta tropical. Visiblemente trastornada, volvió una y otra vez con su atuendo nupcial y envejeció esperando el ansiado retorno, pero su enamorado nunca bajó de ninguno de los barcos que atracaban en el puerto. En el pueblo la conocían como “La Loca del Muelle de San Blas” y el grupo Maná le dedicó una sentida canción.

La protagonista de Regreso a casa, pese a ser un personaje de ficción, comparte esa misma fijación. El día cinco de cada mes elabora cuidadosamente un cartel con el nombre de su marido y se encamina hacia la estación henchida de ilusión. Cuando todos los viajeros se han apeado del tren y las enormes verjas se cierran a su espalda, dejando el andén vacío, y su esposo no hace acto de presencia, inicia, desconcertada, el camino hacia su vecindario.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_REGRESO A CASA_Gong Li cartel en mano

Pero su cónyuge sí que ha vuelto. Ha sido liberado, tras más de diez años en prisión, debido al fin de la Revolución Cultural en China. El drama surge en el momento en el que ella no puede reconocerle, pese a tenerle a su lado, por mor de una dolencia psicológica.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_REGRESO A CASA_Gong Li y su marido, ¿no me reconoces?

Bajo la piel de esta mujer se encuentra Gong Li, la más destacada de las actrices orientales, descubierta por Zhang Yimou en Sorgo Rojo, allá por 1987. Vuelve a ponerse a las órdenes del realizador, tras la ruptura sentimental de ambos, por segunda vez en los últimos veinte años para demostrar que no ha menguado ni un ápice de su talento ni de su atractivo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_REGRESO A CASA_Gong Li y su hija

El momento sublime que surge de las teclas de un piano del que emanan las melancólicas notas de una pieza interpretada por el reputado Lang Lang para la banda sonora nos recuerda al mejor Yimou, el de El camino a casa o La casa de las dagas voladoras, aquel que quedó detenido en el tiempo entre los estertores del siglo XX y los albores del XXI. Un espejismo dentro de un trabajo menor, acorde con su producción más reciente, exento de la emoción de Amor bajo el espino blanco, lastrado por una introducción excesivamente larga que ahoga la fuerza de una secuencia que, en otras circunstancias, hubiese resultado memorable.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_REGRESO A CASA_Gong Li y su marido con las cartas

Lo reiterativo de un guión que gira y gira en torno a las continuas visitas al recinto ferroviario construye un bucle que se extiende a otros elementos de la trama, acabando por matar cualquier atisbo de esperanza de recuperar el pulso que el director chino exhibió en sus impresionantes comienzos. Para nuestra desgracia, el antaño hacedor de obras maestras se ha convertido en un cineasta convencional.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_REGRESO A CASA_Gong Li y su marido, a punto de besarse

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Le Vision Pictures. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

Regreso a casa

Dirección: Zhang Yimou

Guión: Zou Jingzhi, basado en la novela de Yan Geling

Intérpretes: Gong Li, Chen Daoming, Zhang Huiwen

Música: Chen Qigang

Fotografía: Zhao Xiaoding

Duración: 109 min.

China, 2014  

Crítica de “Zipi y Zape y la isla del capitán” (2016)

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En el olimpo de la historieta española habitan dos parejas diametralmente opuestas. Los lampiños Mortadelo y Filemón siempre han ocupado la posición predominante, pero a muy corta distancia el imaginario colectivo ha colocado las pobladas melenas de los hermanos Zapatilla; Zipi, el rubio, y Zape, el moreno. Los traviesos gemelos siempre fueron a la zaga de los espías de la T.I.A. en el terreno audiovisual, aunque acaban de dar alcance a sus chapuceros colegas. Recién entrado el siglo XXI disfrutaron de una serie de televisión obra del rey midas de la animación patria, Claudio Biern, dejando su re debut en la gran pantalla (tras un fallido intento en 1982) para 2013 con una adaptación de acción real que sorprendió debido a la calidad del producto final. Una muy entretenida película destinada a público infantil y juvenil que no descuidaba a la audiencia más nostálgica.

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Zipi y Zape la han liado muy gorda. Después de reducir a cenizas una juguetería han de acompañar, como castigo, a sus progenitores a una misteriosa isla donde el paterfamilias, Don Pantuflo (inspirado Jorge Bosch), espera publicar su último libro.

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En esta segunda incursión, idéntico equipo de producción, mismo director y una intención continuista, pese al cambio de protagonistas, en cuanto a la trama y al acabado de un trabajo que ambiciona superar a su predecesor. El guión rezuma grandes dosis de fantasía, y si bien toma ideas ya existentes en la fallida traslación al cine del cómic La liga de los hombres extraordinarios, consigue voltearlas en un muy interesante giro para lograr lo que al otro lado del charco no fueron capaces: captar la atención de la concurrencia e ilusionarla, sea cual sea su edad, gracias a una mezcolanza de referentes con forma de apasionado homenaje a la literatura de aventuras, a sus inmortales criaturas y a sus imperecederos creadores.

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Por más que los diálogos busquen las más de las veces la complicidad adolescente, los más veteranos nos vemos agasajados con guiños que nos llevan de vuelta a aquellos maravillosos años, y que van desde Karate Kid a Pipi Långstrump, le piden algún elemento prestado a El show de Truman, se dan un garbeo por Regreso al futuro e incluso se atreven a parafrasear literalmente aquel infausto 23F.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ZIPI Y ZAPE Y LA ISLA DEL CAPITÁN_Todos los chicos

Si a esta historia la vestimos con los atractivos ropajes del vestuario confeccionado por Sonia Grande, agregamos una dirección artística que aúna la espectacularidad de los escenarios naturales con la desbordante imaginación de los diseñados expresamente para la cinta, los fotografiamos de manera brillante añadiendo impactantes tomas aéreas, complementamos el conjunto visual con unos efectos especiales a la altura, lo dotamos de un montaje ágil que, como único pero, deja un pequeño valle de interés mediado el filme, y ponemos la guinda al pastel a través de una banda sonora de aire sinfónico que combina épica y misterio, redondeamos una factura técnica que nada tiene que envidiar a propuestas similares que nos llegan desde allende los mares, obteniendo un entretenimiento muy recomendable y refrescante para esta inmisericorde canícula.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Mod Producciones, Kowalski Films, Atresmedia Zine, Movistar +, Zeta Cinema. Cortesía de The Walt Disney Company Spain. Reservados todos los derechos.

 

 

Zipi y Zape y la isla del capitán

Dirección: Oskar Santos

Guión: Jorge Lara y Oskar Santos, a partir de personajes creados por José Escobar

Intérpretes: Teo Panell, Toni Gómez, Elena Anaya

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Daniel Sosa Segura

Duración: 105 min.

España, 2016

Crítica de “La clase de esgrima” (2015)

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A tenor de lo que conocemos de los finlandeses a raíz de las películas de su director más internacional, Aki Kaurismäki, podríamos deducir que son fríos, callados y peculiares, a la manera un tanto extravagante que tiene de retratarlos el realizador nórdico. Una quinta parte de los largometrajes producidos en la nación escandinava desde los años 80 lleva la firma de este curioso fulano y la de su hermano Mika. Pero lo cierto es que en el país de los mil lagos hay cine más allá de los Kaurismäki.

La clase de esgrima, obra de Klaus Härö, estética y narrativamente bebe del clasicismo, distanciándose del estilo de sus singulares compatriotas, pero no puede esconder un intimismo acentuado por el laconismo, parece ser endémico, de la forma de ser finesa, pese a no renunciar en ningún momento a un sentido de la emoción y el espectáculo más cercano a lo comercial que al arte y ensayo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CLASE DE ESGRIMA_Protagonista

Tras representar a Finlandia en los pasados Globos de Oro, este filme se coló en la penúltima criba que seleccionaba a las nueve cintas que podrían optar a la candidatura al Óscar a la película de habla no inglesa a pesar de basarse en una historia real sucedida, curiosamente, en la vecina Estonia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CLASE DE ESGRIMA_La niña protagonista

Endel Nelis es un joven que se refugia en el pueblecito de Haapsalu en 1952, cuando la república báltica formaba parte de la Unión Soviética. Ha salido de Leningrado huyendo de la policía secreta del régimen de Stalin y encuentra un trabajo como profesor de educación física. Allí comienza a enseñar a sus alumnos su gran pasión, el esgrima, pero las circunstancias le obligarán a optar entre su propia seguridad y los anhelos de unos estudiantes que terminan por verlo como un padre.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CLASE DE ESGRIMA_Varios niñois protagonistas

La cámara ubicada a espaladas del protagonista lo persigue insistentemente desde la primera secuencia para mostrarnos de manera elegante y discreta cómo se ve constantemente acechado. De un modo tan sencillo como efectivo, este recurso que se repite a lo largo del metraje subraya el subtexto que activa en nuestro subconsciente la sensación de peligro real al que queda expuesto este tipo. Sutil detalle de economía narrativa que forma parte del ejemplar estilo conciso y directo, que evita cualquier detalle superfluo, mediante el que se transmite esta historia, consiguiendo que cada uno de sus 93 minutos valga su peso en oro.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CLASE DE ESGRIMA_Los dos protagonistas

Habrá quien, para rebajar las cualidades y valores de este trabajo, se agarre al clavo ardiendo de las conexiones que pueden surgir con aquella maravillosa parábola sobre la enseñanza que fue El club de los poetas muertos o con epopeyas sobre hitos deportivos al estilo de Hoosiers y lo tache de convencional. Pero lo cierto es que el hemisferio racional de nuestro cerebro nos indica que nos encontramos ante un imponente trabajo de dirección fílmica que se completa a través de lo emocional gracias a una emotividad a flor de piel que nos arranca conmovedoras lágrimas de sincera satisfacción.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CLASE DE ESGRIMA_despedida en la estación

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright de las imágenes © Making Movies Oy, Allfilm, Kick Film. Cortesía de Karma Films. Reservados todos los derechos

 

La clase de esgrima

Dirección: Klaus Härö

Guión: Anna Heinämaa

Intérpretes: Märt Avandi, Liisa Koppel, Lembit Ulfsak

Música: Gert Wilden Jr.

Fotografía: Tuomo Hutri

Duración: 93 min.

Finlandia, Estonia, Alemania 2015

Crítica de “Ahora me ves 2” (2016)

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Julio de 2013, Ahora me ves… rompió taquillas convirtiéndose en el gran éxito del verano. Se centraba en el mundo del ilusionismo a gran escala, aquel con el que David Copperfield sobrecogía a propios y extraños en los años 80 (no en vano se le reconoce con un curioso crédito: “Magia inspirada por… ”). A la hora de intentar reeditar la fructífera cosecha con esta segunda entrega se ha contado con el showman como co productor, con lo que parece más que probable que su supervisión haya ayudado a perfeccionar los números que aparecen en el filme.

Un año después de burlar al FBI ganándose el cariño del público con sus espectáculos de magia robinhoodescos, los Cuatro Jinetes regresan para destapar las poco éticas prácticas de un magnate de la tecnología. Algo falla, un misterioso niño prodigio de la ciencia secuestra a los prestidigitadores y les chantajea obligándoles a robar un chip en Macao. Han perdido la mano, ahora son ellos los que tienen que intentar darle la vuelta al calcetín.

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No cabía mucho que esperar del californiano de origen chino Jon M. Chu, cuyo currículum incluye documentales musicales sobre Justin Bieber y cintas de acción de segunda como G.I. Joe: la venganza. En su labor se ha ceñido a trasladar (de forma epatante, todo sea dicho) a imágenes el libreto de Ed Solomon que calca la estructura del filme original: un prólogo que nos lleva a la niñez de uno de los personajes que enlaza con un presente en el que una serie de acontecimientos provocará el regreso de esos fantasmas del pasado a las ajetreadas vidas de los protagonistas. Eso sí, la presencia de pesos pesados de la interpretación como Morgan Freeman y Michael Caine supone siempre un aliciente, sin olvidar a los ya consagrados Mark Ruffalo y Jesse Eisenberg, y la aparición de un Daniel Radcliffe aprovechado para ironizar sobre su paso por Hogwarts.

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Ante esta cinta lo suyo sería dejarse llevar y saborear los trucos sin prestar demasiada atención a la trama; si intentamos entenderla nos vamos a perder en la maraña de explicaciones pergeñadas para establecer la sofisticación de una narración que no deja de jugar en ningún momento con el espectador, hasta el punto de utilizar trampas de guión que, de ser detectadas, nos podrían chafar el festín. Y es que los fuegos de artificio visuales que combinan efectos especiales, sonido, música (la envolvente banda sonora de Brian Tyler viste de una atmósfera sobrenatural las impactantes imágenes) y montaje merecen tanto la pena que resulta preferible sumergirse en el espectáculo sin racionalizar, sin mayor pretensión que abandonarse al disfrute, y deleitarse con el divertimento de poco más de dos horas que se nos presenta.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_AHORA ME VES 2_Dave Franco Woody Harrelson

Parecería excesivo citar a un premio Nobel de literatura para glosar esta película, pero la mítica frase de Sir Winston Churchill hablando de Rusia, “es un acertijo envuelto en un misterio dentro de un enigma“, se ajusta como un guante a la hora de describir lo que acabamos de ver.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright de las imágenes © Summit Entertainment, Lionsgate. Cortesía de eOne Films Spain. Reservados todos los derechos

 

Ahora me ves 2 

Dirección: Jon M. Chu

Guión: Ed Solomon 

Intérpretes: Jesse Eisenberg, Mark Ruffalo, Woody Harrelson 

Música: Brian Tyler

Fotografía: Peter Deming

Duración: 129 min. 

Estados Unidos, 2016

Crítica de “Infierno azul” (2016)

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El catalán Jaume Collet-Serra se ha colgado la nada desdeñable etiqueta de director por encargo capaz de sacar adelante proyectos arriesgados. Y lo hace añadiendo un toque personal que diferencia y enriquece las cintas que pasan por sus manos, una impronta que han sabido reconocer en el competitivo mercado hollywoodiense otorgándole superproducciones de peso. Un mérito labrado gracias al trabajo duro y a la habilidad para parir largometrajes que conectan con el público hasta el punto de haber colocado uno de ellos, Sin identidad, en el número uno de la taquilla estadounidense.

Infierno azul formaba parte de la lista negra de guiones no producidos más deseados de 2014. Estas relaciones contienen títulos caídos en desgracia debido a determinadas características que dificultan su rodaje. El malditismo de esta historia siguió creciendo en el momento en que el director llamado a ponerlo en imágenes, Louis Letterrier, abandonó el barco debido a desavenencias derivadas de una bajada en el presupuesto inicialmente previsto. En este punto Collet-Serra toma las riendas de la película demostrando una vez más su capacidad para conseguir un resultado óptimo más allá de las limitaciones que le sean impuestas, volviendo por sus fueros, tras un par de cintas interesantes pero faltas de punch, con este trepidante thriller marino.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_INFIERNO AZUL_Blake Lively y Óscar Jaenada

Nancy, una estudiante de medicina que sufre una crisis vocacional, decide dejarlo todo y perderse en una paradisiaca y solitaria playa mexicana que le retrotrae a su niñez para hacer surf y poner en orden sus ideas. El ataque de un tiburón a escasos metros de la orilla la deja aislada en un islote donde se verá obligada a echar mano de su ingenio para sortear el acoso del temible escualo.

Blake Lively

Los últimos trabajos del director barcelonés evidencian el desarrollo de un abanico de recursos que lo convierten en discípulo aventajado de un maestro como Alfred Hitchcock. Domina con soltura el tempo y los resortes necesarios para crear una atmósfera de tensión en la que el suspense crece a medida que pasan los minutos. Y lo hace con herramientas sencillas, controlando los escasos elementos narrativos a su alcance en el reducido espacio de un islote y la porción de agua que lo rodea, aprovechando todo el juego que proporciona la subida y bajada de las mareas, emulando Náufragos, del genio británico, pero circunscribiendo la película al tour de force entre presa y depredador que nos trae a la memoria instantes del mítico filme de Spielberg de 1977.

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El marino resabiado de aquella, interpretando por Robert Shaw, se transmuta en esta bella que se encara con la bestia propiciando así un vibrante enfrentamiento que nos clava literalmente en la butaca; el que se produce entre una rocosa Blake Lively y el enorme tiburón blanco que la acecha. Sin un momento de pausa, la realización y el montaje consiguen que el ritmo no nos permita apenas respirar, algo nada desdeñable para un largometraje que a priori podría dejarnos fríos pero que sabe explotar los tópicos del género de manera astuta para atrapar la atención del espectador.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Columbia Pictures, Ombra Films, Weimarner Republic Pictures . Cortesía de Sony Pictures Releasing. Reservados todos los derechos.

 

Infierno Azul

Dirección: Jaume Collet-Serra

Guión: Anthony Jaswinski

Intérpretes: Blake Lively, Óscar Jaenada, Brett Cullen

Fotografía: Flavio Martínez Labiano

Música: Marco Beltrami

Duración: 86 min.

Estados Unidos, 2016

Crítica de “Money Monster” (2016)

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Como en El show de Truman, todos en el bar observan, boquiabiertos, el televisor. Diez segundos más tarde, un tipo rubio de no más de treinta baja la cabeza, lanza la bola sobre el futbolín y sigue jugando. Todo vuelve a la normalidad. Nada nos afecta, nada nos conmueve. Nos hemos vuelto inmunes al padecimiento ajeno, a sus dramas y tragedias. En cuanto se deja de hablar de ello, desaparece, como si ya no existiera, como si nunca hubiese existido. Elegimos olvidarlo y no hacemos nada al respecto. ¿Sigue en nuestra memoria Aylan, el niño sirio refugiado, inerte en aquella playa turca, que nos destrozó el alma y nos hizo avergonzarnos de la condición humana? La película que nos ocupa, más allá de la excusa argumental, habla de la insensibilidad ante lo que sucede a nuestro alrededor, mostrada sucintamente en esta elocuente secuencia tabernaria.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MONEY MONSTER_George Clooney haciendo el payaso 3

En cuanto a la trama, en el rincón derecho del cuadrilátero, Lee Gates (George Clooney), el apóstol de las finanzas, un bufonesco telepredicador que hace telebasura con la inversión bursátil embutido en un albornoz de boxeador que luce el ridículo nombre de su programa: Money Monster. Su oponente surgirá de manera inesperada. Un repartidor arruinado debido a un fallido consejo del presentador (Jack O´Connell) irrumpe en el plató para tomar a punta de pistola la emisión.

Jack O Connell;George Clooney

La Jodie Foster realizadora deja traslucir influencias de thrillers con secuestro a mano armada del estilo de Plan oculto, amén de relatos que añadían un importante trasfondo social como John Q, cuyas reivindicaciones sobre la sanidad quedan sustituidas aquí por la denuncia de la dictadura de los mercados de colectivos como Occupy Wall Street. La directora consigue mantener la tensión y el interés de una narración que parte de una premisa argumental un tanto endeble, dejando el Macguffin de la historia a merced de las improbables consecuencias de un error informático, y cuyo desenlace evoluciona de una manera ciertamente inverosímil. A pesar de todo quedémonos con la lectura de fondo y desechemos lo anecdótico.

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Junto a nuestra propia indolencia encontramos un segundo protagonista: la indecente adoración al dios dinero que desgraciadamente produce diferencias cada vez más insalvables en Estados Unidos, pero también a la vuelta de la esquina. La corrupción, el latrocinio de cuello blanco, la estafa y, como consecuencia, la indefensión y la desesperación que provocan el acto irracional de quien acaba de perderlo todo. Rousseau describió la situación con suma clarividencia cuando escribió que: “La igualdad no significa que todos tengamos la misma riqueza, sino que nadie sea tan rico como para poder comprar a otro ni que nadie sea tan pobre como para verse forzado a venderse”. En el llamado primer mundo cada vez crece más la brecha entre la gente adinerada y el ciudadano de a pie a consecuencia de los efectos derivados de una crisis económica que no termina de desaparecer. Los vemos, sabemos que están ahí, pero no movemos un dedo para paliarlos. Desviamos la mirada exactamente igual que aquel espigado jugador de futbolín y continuamos la partida.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MONEY MONSTER_George Clooney y Jack O´ConnellCopyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Tri Star Pictures, LStar Capital, Smokehouse Pictures, Allegiance Theater, Village Roadshow Pictures . Cortesía de Sony Pictures Releasing. Reservados todos los derechos.

 

Money Monster 

Dirección: Jodie Foster

Guión: Jamie Linden, Alan DiFiore y Jim Kouf

Intérpretes: George Clooney, Julia Roberts, Jack O´Connell

Música: Dominic Lewis

Duración: 98 min. 

Estados Unidos, 2016

Crítica de “Esperando al rey” (2016)

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El alemán Tom Tykwer irrumpió en la escena internacional en 1998 con la impactante Corre, Lola, corre en la que desplegaba todo su talento a través de un estilo ágil que mezclaba distintas técnicas cinematográficas con un montaje vertiginoso. El éxito de crítica y público propició su salto al exclusivo círculo de las majors hollywoodienses para las que ha realizado varios trabajos con resultados desiguales. El desastre comercial de su última cinta, la pretenciosa y fallida El atlas de las nubes, co dirigida junto a las (hoy) hermanas Wachowski, ha provocado este viraje del cineasta al clasicismo.

A pesar de ello, el inicio de Esperando al rey auguraba un regreso a los inicios. Mezclando efectos de animación con imagen real, un cómico Tom Hanks en la piel de Alan Clay, un hombre de negocios venido a menos, parodia el proceso de destrucción que han seguido paralelamente su carrera y sus relaciones afectivas parafraseando el tema de los Talking Heads Once in a lifetime, para acabar mirando al cielo mientras exclama: “¿Cómo he llegado aquí?”.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ESPERANDO AL REY_Tom Hanks pregunta por el rey

Los fuegos de artificio desaparecen pronto, cuando vemos que se trata de una pesadilla, una de las muchas que sufre de forma recurrente un hombre perseguido por el fantasma de su mala conciencia. Clay ha sido enviado por su compañía a Arabia Saudí para cerrar una importante y lucrativa concesión con el mismísimo rey, pero se encuentra en una tienda en mitad del desierto, aguardando una visita que nunca se produce, acuciado, psicológicamente, por sus propios demonios, pero también por una dolencia física, una bola de grasa que crece en la parte superior de su columna vertebral.

 Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ESPERANDO AL REY_Tom Hanks telefonea desde el hotel

El guión se sirve de flashbacks para ayudar a dibujar la personalidad y el origen de las cuitas del protagonista, consiguiendo un retrato nítido de este tipo desorientado en su recorrido vital. La sensación de fracaso personal y profesional le abruma hasta el punto de sentirse vacío, además de producirle un decaimiento que le impide afrontar lo que se le viene encima. La pesada mochila que soporta, cargada de remordimientos fruto de controvertidas decisiones empresariales y fallidas elecciones familiares, queda reflejada en ese vagar por un territorio extraño y en el voluminoso quiste que cada vez que se mira en el espejo le recuerda en qué se ha convertido. Los continuos ataques de ansiedad no son sino gritos de socorro del subconsciente de alguien que necesita redimirse y encontrar esa roca a la que asirse para poder encauzar el rumbo, que le proyecte y le devuelva esa energía que le haga afrontar su existencia de manera diametralmente opuesta.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ESPERANDO AL REY_Tom Hanks y su amigo saudí

Mientras el filme se ciñe a este planteamiento se antoja absorbente y cautivador, y las reminiscencias de La pesca del salmón en Yemen extraídas de la relación de Clay con los nativos saudíes añaden una dosis de atractivo a la historia. La deriva de estas expectativas, no obstante, nos llevará a observar cómo se va diluyendo ese interés a medida que este fulano comienza a equilibrar sus desajustes emocionales según avanza la narración.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ESPERANDO AL REY_Tom Hanks y la doctora

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © X- Filme Creative Pool, Fábrica de Cine, 22h22, Playtone, Primeridian Entertainment, Kasbah Film-Tanger. Cortesía de DeA Planeta Home Entertainment. Reservados todos los derechos.

 

Esperando al rey

Director: Tom Twyker

Guión: Tom Twyker basado en la novela de Dave Eggers

Intérpretes: Tom Hanks, Alexander Black, Sarita Choudhury 

Música: Johnny Klimek y Tom Twyker

Duración: 98 min. 

Reino Unido, Francia, Alemania, Estados Unidos, México, 2016

Crítica de “Buscando a Dory” (2016)

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Dentro de las patologías cerebrales que influyen en el olvido observamos una doble vertiente: una terrible, que nos atenaza solo de pensar que pueda afectarnos, la enfermedad de Alzheimer, el fantasma capaz de robarnos el alma para siempre; la otra, inquietante, como le sucedía al personaje de Guy Pearce en Memento, que necesitaba de sus propios tatuajes para acceder a los recuerdos más recientes que se volatilizaban día tras día, pero no exenta de emotividad, con ese padre reconstruyendo continuamente para su hija, Drew Barrymore, las mismas 24 horas, para no hacerla sufrir, en 50 primeras citas.

 

Este aspecto más jovial, aprovechando la comicidad que se pueda extraer del tema, es el que explota Pixar en esta película, que supone al mismo tiempo una segunda parte de Buscando a Nemo pero también un spin-off, ya que el protagonismo se centra en uno de los personajes secundarios de aquella, la tercera fémina que lleva el peso de un largometraje del estudio del flexo tras Mérida, la pelirroja princesa escocesa de Indomable, y Riley, la joven estudiante cuya cabecita se encontraba Del revés. Ella misma se presenta con un escueto y directo: “Me llamo Dory y sufro pérdidas de memoria a corto plazo”. Más adelante, su compañero de fatigas, el gruñón pulpo Hank le espetará: “Eres afortunada, sin recuerdos no hay problemas”, aludiendo a las eventuales ventajas que podría conllevar su curiosa condición, obviando así rencillas, rencores o malos tragos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BUSCANDO A DORY_Dory y Hank

Durante su niñez, y debido a sus problemas, nuestra pececita amnésica, de forma dramática, pierde el contacto con sus padres. Terminará topándose con Nemo y Marlin, con los que vivirá la odisea de la que disfrutamos hace ya 13 años. La trama de este filme continúa 6 meses después de aquella búsqueda con otra singladura, la que se propicia cuando los peces payaso, intentando ayudar a Dory a encontrar a sus progenitores, extravían a su amiga viéndose obligados a remover cada piedrecita del fondo del mar hasta dar con ella.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BUSCANDO A DORY_Dory, Nemo y Marlin

Explotando el ingenio, el guión se encuentra repleto de réplicas mordaces e hilarantes que, jugando continuamente con el doble sentido, sacan todo el partido posible a la dolencia de este bello ejemplar de pez cirujano azul. Sus accesos repentinos de memoria hacen aflorar un lenguaje visual certero que los presenta en forma de flashbacks a los que accedemos a través de una puerta giratoria. El carrusel de variopintos escenarios y las espectaculares secuencias de acción no hacen sino potenciar la atracción de una cinta que aúna gran cantidad de virtudes.

FINDING DORY

Andrew Stanton capitanea un equipo que, como de costumbre, ha querido reflexionar y hacernos cavilar, apelando a la naturaleza inquieta del espectador, acerca del olvido y de los curiosos mecanismos que utiliza nuestro cerebro para mantener vivos esos trocitos de información que nos conectan a los nuestros. Detrás de toda la diversión, de las risas, de las aventuras, de las persecuciones, subyace algo más profundo, ese hilo invisible que nos une a la familia que tenemos, pero también a la que elegimos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BUSCANDO A DORY_Dory y Nemo

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures. Cortesía de The Walt Disney Company Spain. Reservados todos los derechos.

 

Buscando a Dory

Dirección: Andrew Stanton y Angus MacLane

Guión: Andrew Stanton y Victoria Strouse

Intérpretes (voces en español): Anabel Alonso, José Luis Gil, Javier Gurruchaga 

Música: Thomas Newman

Fotografía: Jeremy Lasky 

Duración: 103 min. 

Estados Unidos, 2016

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