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¿Dónde está Agatha Christie? – Crítica de “La casa torcida” (2017)

Según el Guinness de los Récords Agatha Christie es la escritora que más libros ha vendido de la historia, solo las obras de William Shakespeare y la Biblia se sitúan por encima. Se trata, además, de la literata más versionada. Sus 154 adaptaciones al cine y la televisión, sin llegar a las más de mil del autor de Hamlet, el más prolífico en este apartado, suponen una cifra considerable.

La industria cinematográfica estadounidense y británica es muy dada a producir según modas o en aras de rentabilizar el éxito de un trabajo concreto en cintas similares. Ahora parece tocarle el turno a la reina del misterio. La buena acogida en taquilla de la (fallida) revisión de Kenneth Branagh de Asesinato en el Orient Express ha provocado que se prepare una nueva entrega de Muerte en el Nilo, a lo que hay que sumar un proyecto en torno a Testigo de cargo con Ben Affleck al mando.

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La llegada de La casa torcida a las carteleras españolas responde tanto a las notables recaudaciones del largometraje de Branagh como a la fama de la fuente de la que bebe el guión. No hay más que echar un vistazo a las campañas publicitarias. ¿Cuál es el nombre que figura encima del título?

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CASA TORCIDA_Glenn Close, Max Irons y Stefani Martini

La trama se centra en un joven sabueso implicado en la investigación del envenenamiento de un magnate. Tendrá que interrogar a la numerosa y variopinta parentela del finado que habita una mansión victoriana llena de recovecos y oscuros rincones. Un cluedo desarrollado en un único escenario requeriría grandes dosis de ingenio para aportar dinamismo a la realización y atrapar así la atención del espectador durante las casi dos horas de duración, algo solo a la altura de un genio como Joseph Leo Mankiewicz y su absolutamente epatante La Huella o de la descacharrante cima de la parodia detectivesca que es Un cadáver a los postres.

 Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CASA TORCIDA_Gillian Anderson

Desgraciadamente nos encontramos ante un filme que aunque no llega a aburrir no termina de enganchar. Por más que cuente con un ganador del Óscar en las tareas de escritura se echa de menos mayor agilidad en el desarrollo de la acción y más valentía en el uso de las tijeras por parte de un director cuya labor en lo visual se reduce a una planificación funcional que no consigue conectar con la audiencia. De haber concretado el metraje en los canónicos noventa minutos el resultado final habría sido algo más aseado que con los excesivos ciento quince actuales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CASA TORCIDA_Amanda Abington, Christian McKay y Preston Nyman

Un cineasta con el colmillo retorcido como el inicialmente previsto Neil LaBute podría haber aprovechado mejor el material de partida para darle una vuelta de tuerca al guión y hurgar con bastante más mala baba en la sordidez de esta tenebrosa familia. La ausencia de carisma de su protagonista, Max Irons, con un bisoño personaje en las antípodas del mítico Poirot, tampoco ayuda, hasta el punto en que todo esto degenera en una alarmante falta de tensión, seña de identidad del género, que nos deja una película tan correcta como insípida.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Brilliant Films, Fred Films, Head Gear Films, Metrol Technology. Cortesía de DeAPlaneta. Reservados todos los derechos.

 

La casa torcida

Dirección: Gilles Paquet-Brenner

Guión: Julian Fellowes, Gilles Paquet-Brenner y Tim Rose Price según la novela homónima de Agatha Christie

Intérpretes: Max Irons, Stephanie Martini, Glenn Close

Música: Hugo de Chaire

Fotografía: Sebastian Winterø

Duración: 115 min.

Reino Unido, 2017

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Ahogada en un mar de interminables diálogos – Crítica de “Un sol interior” (2017)

Después de muchos dimes y diretes, de tantos síes que terminan convertidos en noes, Isabelle, la cuarentona protagonista y el actor casado con el que ha salido esa noche terminan juntos e intensamente revueltos. La estimulante escena de cama ha sido sustituida por una elipsis. Con un esbozo de los prolegómenos y el momento de calma inmediatamente posterior a la tempestad, con los restos todavía humeantes del campo de batalla, Claire Denis deja que deduzcamos el ardor de lo que allí acaba de suceder. ¿Maldición por que se nos haya escamoteado un momento de sublime éxtasis carnal? En otra película, tal vez. ¡Albricias! Un soplo de aire fresco en forma de buena gramática cinematográfica después de interminables escenas dialogadas sin un propósito claro y mediocremente dotadas visualmente. Cine, por fin, en lugar de teatro filmado. Pero también un oasis, un espejismo en medio de un desierto de palabras faltas de lustre.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN SOL INTERIOR_Juliette Binoche cama

El guión busca indagar en el tortuoso camino de esta artista plástica parisina y madre divorciada en busca del amor verdadero que nunca ha podido encontrar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN SOL INTERIOR_Juliette Bicoche y Nocolas Duvauchelle

La premisa, bien desarrollada, prometía un resultado interesante. Presentada como un melodrama con toques de comedia romántica a la francesa aparecía atractiva a priori. Y más contando con la presencia de la fantástica y admirada Juliette Binoche en el papel principal y el anunciado acompañamiento de dos pesos pesados del celuloide europeo como Valeria Bruni-Tedeschi y Gérard Depardieu. El premio a la mejor dirección en la Quincena de los Realizadores de Cannes 2017 añadía expectación. Aunque la coletilla «a la francesa» nos dejaba a expensas de lo mejor… o de lo peor. Ante las peculiaridades del cine galo (del que tanto disfrutamos) nunca se sabe.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN SOL INTERIOR_Juliette Binoche abrazada

Este largometraje nace lastrado por un problema estructural. El conflicto en torno al personaje alrededor del que gira el argumento carece de interés desde el momento en que somos conscientes de que es ella misma quien sabotea sus propias relaciones debido a su caótica personalidad. Lo más sangrante, más allá de la falta de empatía, es que deploramos muchas de sus actitudes hacia hombres que la pisotean emocionalmente y se aprovechan de ella.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN SOL INTERIOR_Gérard Depardieu

La forma de sacar a flote un barco tan seriamente dañado hubiese sido intentar dar agilidad a un texto que adolece de extensísimas conversaciones redundantes, que confieren un carácter teatral a la cinta, mediante recursos estilísticos que lo emparentasen más con la imagen en movimiento que con los escenarios. Pero el mal se venía arrastrando desde la escritura. En un largometraje sustentado en las palabras hace falta ser tremendamente ingenioso e incluso divertir; un Richard Linklater de la época de Antes de amanecer. Aquí, desgraciadamente, por muy anunciada que se encontrase de antemano, la comedia brilla por su ausencia. Por no hablar de la microscópica y absurda presencia de Bruni-Tedeschi y la sorpresiva aparición, cuando ya nadie lo esperaba, de Depardieu. Ni siquiera el talento por arrobas de Juliette Binoche y su incontestable atractivo es capaz de salvar este trabajo del naufragio.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN SOL INTERIOR_Juliette Binoche bailando

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Curiosa Films, Cinémage 10, FD Production, Versus Production. Cortesía de Avalon. Reservados todos los derechos.

 

Un sol interior

Dirección: Claire Denis

Guión: Christine Angot y Claire Denis

Intérpretes: Juliette Binoche, Xavier Beauvois, Philippe Katerine

Música: Stuart A. Staples

Fotografía: Agnès Godard

Duración: 94 min.

Francia, Bélgica, 2017

Lo que cuenta es tener razón, la verdad da igual – Crítica de “Una razón brillante” (2017)

«La idea no articula las palabras, las palabras articulan la idea». Serge Gainsbourg. «La idiotez es un tipo que dice: “Me va bien, me conformo”, en lugar de motivarse pensando: “No sé lo suficiente, no veo lo suficiente, no hago lo suficiente”. La pereza está en el fondo de la idiotez como una capa de grasa alrededor del cerebro». Jaques Brel.

El poder del lenguaje que plantea el autor de Je t´aime… moi non plus y el inconformismo, la curiosidad y la capacidad de trabajo a los que alude el creador de Ne me quitte pas. Conceptos base de la tesis de esta película que aparecen en su prólogo y que aplicados a la dialéctica, elemento central de la trama, dan como resultado su título original, Le brio, que significa el ingenio.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Camélia Jordana cascos

Neila es la única a la que el portero exige el carnet de estudiante. En una universidad con alumnado de clase alta, una chica de los suburbios, de rasgos magrebíes, con vaqueros y sudadera no pasa desapercibida. El clasismo de esta primera escena termina por explotar cuando el profesor de derecho la toma con ella por llegar tarde y saca a relucir todo su cinismo para, de forma despreciable, dar rienda suelta a un discurso racista y xenófobo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Daniel Auteuil dando clase

Tras las airadas quejas, el director le encomienda preparar a la vilipendiada, francesa de padres argelinos, para el concurso estatal de debate con el fin de redimirse, pero sobre todo para camuflar la imagen reaccionaria de la facultad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Camélia Jordana en clase

El interesante guión aborda toda esa variedad temática a la que podemos añadir el machismo, no solo el de la sociedad, también el que todavía conservan la madre y abuela de la protagonista. El cóctel, en el que los dos ingredientes principales son esta alumna rebelde y su, aunque brillante, descreído y desagradable maestro, resulta verdaderamente explosivo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Camélia Jordana y Daniel Auteuil frente a frente

De ese choque de trenes entre el veterano Daniel Auteuil y la ganadora del César a la actriz revelación, Camélia Jordana, sale lo mejor de este trabajo. La química entre ambos, ese aire de naturalidad y la manera en que evolucionan sus personajes constituyen una fuerza irresistible capaz de fijar nuestra atención.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Daniel Auteuil y Camélia Jordana cafetería

El docente utiliza las 38 estratagemas que plantea Schopenhauer en El arte de tener razón para transmitir a su pupila, no solo los trucos para salir airosa en la contienda verbal, sino las armas para lograr y defender su propia independencia como futura abogada. El único pero achacable al texto, que en una cinta donde se defiende la emancipación y la capacidad de la mujer prácticamente todas las referencias cultas que aparecen pertenecen a hombres.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Camélia Jordana presentación

Aún así, qué estimulante este cine que apela a nuestra capacidad para pensar y actuar, que nos exhorta a desperezarnos y a dar un paso adelante y que nos deja como corolario la base de la abogacía (y de la política): para ganar el campeonato nacional de oratoria no hay por qué decir la verdad, basta con haber leído a Schopenhauer para retorcerla hasta hacer parecer que se está en posesión de la razón.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Camélia Jordana y Daniel auteuil Imagen del cartel

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Chapter 2, Moonshaker, Pathé, France 2 Cinèma, CN6 Productions. Cortesía de BTeam Pictures. Reservados todos los derechos.

 

Una razón brillante

Dirección: Yvan Attal

Guión: Victor Saint Macary, Yäel Langmann, Yvan Attal, Noé Debré

Intérpretes: Camélia Jordana, Daniel Auteuil, Yasin Houicha

Música: Michael Brook

Fotografía: Rémy Chevrin

Duración, 95 min.

Francia, Bélgica, 2018

La inquietante elegancia narrativa del cine de terror escandinavo – Crítica de “Thelma” (2017)

La inquietante, imponente y sinfónica banda sonora sobre los créditos crea la atmósfera adecuada. Las notas se desvanecen. Emerge la ventisca. Frío. Pasos sobre el hielo. Una niña vestida de rojo. Un hombre de oscuro. La niña observa a los peces nadando bajo sus pies. Ellos otean despreocupados desde su prisión. Caminan hasta el bosque. Entre los árboles nevados, el hombre carga su rifle ante la atenta mirada de la niña. Unos pasos más y se detienen. Una cría de ciervo inocente e indefensa. El hombre levanta su rifle. Vuelve la música, esta vez mucho más cruda, introduciendo un elemento de tensión. El hombre gira el cañón hacia la niña, que no es consciente de lo que pasa porque sigue mirando al cervatillo. Eternos segundos. El hombre levanta el arma. Respira. No ha podido disparar. El animal escapa. Thelma, ignorante de cuanto acaba de ocurrir, vuelve la cabeza para mirar a su padre. Corta a negro. El título de la película aparece entre cegadores flashes blancos de luces estroboscópicas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THELMA_Padre en el hielo

¿Quién puede matar a un niño? ¿Por qué alguien podría querer acabar con su propia hija? Escalofriante planteamiento que despierta nuestros miedos más ancestrales pero también la curiosidad por saber qué se esconde detrás de aquella atrocidad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THELMA_Eili Harboe

Un precioso y lejano plano cenital. Un campus universitario. Los estudiantes pululan como hormigas caminando de un lado a otro hasta que la cámara señala a alguien especial entre toda esa marabunta. Han pasado varios años. La niña, que ya ha crecido, recibe una llamada de sus progenitores. Ahí tenemos la cara del tipo que instantes antes tenía su dedo en el gatillo y la de la madre, que le habla desde una silla de ruedas y de cuyas palabras se deduce la naturaleza controladora motivo del telefonazo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THELMA_Eili Harboe pasillo

En apenas siete minutos, Joachim Trier consigue, además de dejarnos tocados y pegados al asiento, armar todo un prodigio de concisión narrativa construido con la precisión y la minuciosidad con la que un neurocirujano intervendría en nuestro cerebro. A través de los encuadres, del movimiento de los personajes dentro de cada plano, de la música, del montaje, utilizando todo el poder de la imagen y el sonido, introduce tal cantidad de información y de emociones en tan exiguo lapso de tiempo, y lo hace de manera tan sutil y brillante, que este fragmento debería ser objeto de estudio en todas las escuelas de cine.

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Esa elegancia narrativa se encuentra presente a lo largo de todo el metraje y confiere a esta película un aura de misterio y turbadora frialdad que acentúa su carácter nórdico aplicado al terror psicológico para, en cuanto al tono, emparentarla con la magnífica Déjame entrar (la original sueca) que tanto nos hizo disfrutar sufriendo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THELMA_Eili Harboe atrapada en piscina

Cine de género que Noruega mandó como representación patria a los Óscar. La escalofriante historia de Thelma, cuya forma de entender la religión le lleva a tratar de negar lo que siente por una compañera, hecho que desata la aparición de unas habilidades, probablemente conectadas con lo sobrenatural, que ella misma desconocía.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THELMA_Eili Harboe y Kaya Wilkins beso

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Motlys, Eurimages, Le Pacte, Nordisk Film, Norwegian Film Institute, Snowglove Film, Film i Vast. Cortesía de Surtsey Films. Reservados todos los derechos.

 

Thelma

Dirección: Joachim Trier

Guión: Eskil Vogt y Joachim Trier

Intérpretes: Eili Harboe, Kaya Wilkins, Henrik Rafaelsen

Música: Ola Fløttum

Fotografía: Jakob Ihre

Montaje: Olivier Bugge Couté

Duración: 116 min.

Noruega, Francia, Dinamarca, Suecia, 2017

Guapas, orgullosas y luchadoras – Crítica de “La tribu” (2018)

En marzo de 2016 se convirtieron en todo un fenómeno. Las conocidas como Mamis de Badalona dejaron boquiabierta a la audiencia de un concurso de talentos televisivo con una ecléctica actuación que mezclaba diversos estilos de danza urbana. Estas mujeres en la cuarentena y la cincuentena, que se cansaron de esperar a que sus hijas saliesen de clase de street dance y decidieron apuntarse ellas mismas, son las que han inspirado esta cinta.

Fernando Colomo, tras el éxito y la frescura de Isla bonita, se ha unido a Yolanda García Serrano y a Joaquín Oristrell, copartícipe en sus éxitos Bajarse al moro y Alegre ma non troppo, para escribir esta película que parte de la peripecia vital de estas madres del extrarradio barcelonés que, debidamente aderezada y ficcionada, converge con una historia pegada a los tiempos de crisis que vivimos observados desde la perspectiva del amor, la unión y el feminismo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA TRIBU_Paco León camiseta Baloncesto y Carmen Machi

Fidel (Paco León), jefe de recursos humanos de una importante empresa que acaba de dejar en la calle a más de trescientos trabajadores, cae en desgracia y es despedido a raíz de un incidente que no tarda en hacerse viral por internet. Intenta pasar desapercibido pero una cita con la que dice ser su madre biológica (Carmen Machi) lo cambia todo. Cuando el ejecutivo sufre una pérdida de memoria debido a un accidente ella, que trabaja como limpiadora y en sus ratos libres comparte escuela de baile con sus amigas, decide hacerse cargo de él.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA TRIBU_Bailando en la disco, Carmen Machi

Qué gran acierto utilizar la comedia como vehículo para la denuncia de situaciones de explotación laboral y de tantos micromachismos con los que convivimos día a día. Sin perder la sonrisa, el filme sabe poner el dedo en la llaga, pero deja un hálito de esperanza, una oportunidad de redención; reivindica la fuerza del grupo para sobreponerse a las desgracias que han hermanado a este ramillete de gladiadoras de la vida que en el proceso de tirar para adelante arrastran y ayudan a este tipo sin escrúpulos a encontrar algo dentro de él que le recuerde que todavía es persona.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA TRIBU_Paco León

Colomo se transforma en un Frank Capra costumbrista en una Badalona obrera y solidaria y habla, por encima de todo, del orgullo de ser madre a través de una Carmen Machi que rezuma naturalidad y sinceridad, y que hay que ver lo bien que se mueve a ritmo de hip hop. Tanto ella como Paco León; viejos conocidos con mucha, mucha química; sorprenden en su faceta danzarina en un trabajo en el que las carcajadas conviven con brillantes números musicales; magníficamente coreografiados por Maribel del Pino, debutante en las lides interpretativas y agradable sorpresa del largometraje; que dejan momentos para la emoción y la lágrima.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA TRIBU_Paco León y Maribel del Pino

Un cóctel de elementos efectivo que funciona y en el que se han colado como secundarias de lujo algunas de las genuinas Mamis badalonesas junto a su estupenda profesora para transmitir ese optimismo y la alegría de vivir que estas luchadoras infatigables llevan dentro.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA TRIBU_Paco León, Carmen Machi y las Mamis de Badalona en TV

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Mod Producciones, Atresmedia Cine, Movistar +. Cortesía de 20th Century Fox España, Hispano Foxfilms S.A.E.. Reservados todos los derechos.

 

La tribu

Dirección: Fernando Colomo

Guión: Fernando Colomo, Yolanda García Serrano y Joaquín Oristrell

Intérpretes: Paco León, Carmen Machi, Arlette Torres

Música: Vicente Ortiz Gimeno

Fotografía: Ángel Iguácel

Duración: 90 min.

España, 2018

Perdidos en el exceso y las prisas – Crítica de “Loving Pablo” (2017)

Una simple invitación para presentar uno de los premios importantes de la noche le habría bastado a la Academia del cine español para tener a Javier Bardem y a Penélope Cruz en la ceremonia de entrega de los premios Goya. Sus forzadas nominaciones, además de dejar fuera del póquer de elegidos a candidatos que realmente lo merecían, resultaron tan innecesarias como extemporáneas.

Cuentan que tras rodar juntos Los lunes al sol en 2002, Fernando León de Aranoa y Javier Bardem comenzaron a desarrollar el proyecto de un filme biográfico en torno a Pablo Escobar, fundador del Cártel de Medellín. Al no encontrar el material adecuado ni el momento preciso, la empresa fue retrasándose en el tiempo apareciendo entre tanto en torno al personaje series de televisión, la más renombrada, Narcos, con el brasileño Wagner Moura en la piel del Patrón del Mal; varios documentales y una película, Escobar: Paraíso perdido, donde, a pesar de su papel secundario, Benicio del Toro helaba la sangre con la encarnación del capo colombiano.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOVING PABLO_Penélope Cruz y Javier Bardem

En 2007 se publicó un libro que suscitó el interés de ambos; Amando a Pablo, odiando a Escobar; en el que la periodista Virginia Vallejo contaba su relación romántica con el narcotraficante y que ha acabado siendo la base de lo que aquí se cuenta. Aún así, distintas circunstancias fueron retrasando el momento de una filmación que, en las condiciones en las que se ha realizado, probablemente habría sido mejor no llevar a cabo.

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Todo huele a precipitación al comprobar el decepcionante resultado final de una cinta que despertaba gran interés y enormes expectativas, tanto por la entidad de sus protagonistas como por el prestigio del realizador. A uno se le empiezan a caer los palos del sombrajo cuando escucha los primeros diálogos, no en la lengua de Cervantes, sino en la de Shakespeare; algo extraño, forzado, contra natura, acabamos de empezar y ya nos estamos desenganchando. Por mucho que el carácter de Escobar fluctuase entre lo monstruoso y lo vodevilesco, no resulta verosímil en ningún momento el barroquismo del que Bardem viste a su personaje; tan excesivo él como Penélope Cruz, terminan pasados de vueltas en unas sobreactuaciones que no funcionan ni convencen. Como tampoco lo hace el tono seudocómico, en contraste con las brutalidades que narra, de un guión fallido a todas luces con ese macarrónico inglés plagado de juramentos en español. En este caso la versión doblada le va a hacer un gran favor al largometraje.

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Parece evidente que se ha rodado (y montado) a matacaballo. Da la sensación de prisa, de «lo hacemos ahora o lo dejamos pasar de largo», de que habría sido necesario más y mejor trabajo de preproducción. El resultado: dos de las peores interpretaciones de Bardem y Cruz y ni rastro de la personalidad de León de Aranoa. Algo aséptico, alimenticio y cercano a lo chapucero, nada que ver con lo anterior del director, la mucho más sencilla, mejor preparada, realizada e interpretada Un día perfecto. Un patinazo en toda regla para estos tres ilustres del cine español.

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Copyright imágenes  ©  Amazon Studios, Big Indie Pictures, Cinetic Media, Detour Filmproduction. Cortesía de Vértigo Films. Reservados todos los derechos.

 

Loving Pablo

Dirección: Fernando León de Aranoa

Guión: Fernando León de Aranoa, basado en el libro autobiográfico Amando a Pablo, odiando a Escobar de Virginia Vallejo

Intérpretes: Javier Bardem, Penélope Cruz, Peter Sarsgaard

Música: Federico Jusid

Fotografía: Alex Catalán

Duración: 123 min.

España, Bulgaria, 2017

Lección de vida – Crítica de “La última bandera” (2017)

Somos un gran país, pero si descubres que el gobierno te miente, eso cambia todo ¿no? El tipo barbado, cincuenta-y-muchos, inquiere al joven soldado. Chico, ¿cómo se vive allí? Bastante bien, pero nos odian a muerte. Eso me suena familiar, replica el veterano. Debemos de ser las únicas fuerzas invasoras de la historia que esperan caer bien.

La administración que le mentía al más talludito era la de Lyndon Johnson y la que lo hace a su interlocutor, la de George W. Bush. Vietnam e Irak, dos caras de la misma moneda. Estados Unidos y sus contiendas bélicas iniciadas con peregrinas excusas que dejaron un reguero de muchachos muertos, y de familias destrozadas, que defendían algo basado en mentiras.

Steve Carell as "Doc" and Bryan Cranston as "Sal" in LAST FLAG FLYING.

2003, Norfolk, Virginia. «Doc» Shepherd, ex médico militar, entra en un bar. Han pasado treinta años y Sal Nealon, el trasnochado camarero, apenas le reconoce. Emprenden camino juntos y hacen un alto en una parroquia. Al reverendo Richard Mueller le sorprende tanto la visita como a ellos el radical vuelco que su viejo colega ha dado a su existencia. Doc ha reunido a sus antiguos compañeros de armas para que le ayuden a enterrar a su hijo, un joven marine muerto en la guerra de Irak.

Bryan Cranston as "Sal" and Steve Carell as "Doc" in LAST FLAG FLYING.

El guión, repleto de frases memorables, obra de Darryl Ponicsan, autor de la novela original, y Richard Linklater, director, repasa cualquier tema, de lo cotidiano a lo trascendental, susceptible de pasar por la cabeza del estadounidense medio, buscando, desde la sinceridad, la perspectiva menos políticamente correcta.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA ÚLTIMA BANDERA_Laurence Fishburne, Steve Carell y Bryan Cranston

Linklater se mueve como pez en el agua en un filme cosido de arriba a abajo por ingeniosos diálogos. Ha articulado éste como una película de carretera en la que el viaje físico comienza en coche, prosigue a bordo de un camión y concluye apeándose de un tren, y el interior reflexiona en torno a la sinrazón de la guerra, al ejército, a la política y los políticos, a la patria, a la fobia irracional (y ridícula) a todo lo que suene a musulmán, a la religión, al amor, a la necesidad de redención, a la sinceridad, a que a veces es mejor una mentira piadosa, a las adicciones, a la amistad, al paso del tiempo, a la muerte y, a través de ella, a la vida.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA ÚLTIMA BANDERA_Laurence Fischburne, Steve Carell y Bryan Cranston en un bar

Lo que llama la atención es que algo que pudiese parecer de un primer vistazo teatral y aburrido, una concatenación de largas secuencias en las que los personajes hablan y hablan, nos enganche y consiga momentos realmente sublimes. El mérito reside, además de en haber escogido las palabras adecuadas, en tres fantásticos actores sin los cuales este trabajo podría haberse convertido en algo insoportable. La socarronería de Bryan Cranston, la piadosa mala uva de Laurence Fishburne, la contención de Steve Carell y la humanidad que este trío de lujo transmite por cada uno de sus poros son razón más que suficiente para acercarse a esta historia. Y, como guinda, la maravillosa ternura de Cicely Tyson. Cinco excelsos minutos que valen por todo un largometraje.

 

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA ÚLTIMA BANDERA_Laurence Fishburne y Bryan Cranston

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Copyright imágenes  ©  Amazon Studios, Big Indie Pictures, Cinetic Media, Detour Filmproduction. Cortesía de Vértigo Films. Reservados todos los derechos.

 

La última bandera

Dirección: Richard Linklater

Guión: Richard Linklater y Darryl Ponicsan

Intérpretes: Bryan Cranston, Laurence Fishburne, Steve Carell

Música: Graham Reynolds

Fotografía: Shane F. Kelly

Duración: 125 min.

Estados Unidos, 2017

Cine Fórum “Robin y Marian” (1976) presentado por Manu Zapata – Sábado, 3 de marzo, 19h, Salón de Actos, Castillo de Marcilla

Mañana 3 de marzo, a partir de las 19 horas podremos disfrutar en el incomparable marco del Salón de Actos del Castillo de Marcilla de una de las películas más románticas de la historia del cine, si no la que más, Robin y Marian. Este cine fórum realizado por el área de cultura del Ayuntamiento de Marcilla en colaboración con la biblioteca de la localidad se encuadra en el proyecto Leyendas de Ayer, Bibliotecas de Mañana llevado a cabo por las bibliotecas de la zona media, basado en la literatura y las leyendas en torno a los castillos, monasterios, torres y palacios de esta importante área de Navarra donde vivimos y que históricamente fue zona fronteriza.

Hemos escogido Robin y Marian precísamente porque está rodada en su mayor parte en Navarra y, más en concreto, en el impresionante Cerco de Artajona, de modo que se adecuaba perfectamente al lema de este proyecto.

Audrey Hepburn, Robin and Marian (1976) starring Sean Connery

Este es el relato del reencuentro, de un amor que sobrevive después de veinte años. Volveremos a encontrarnos con todos los personajes míticos de la leyenda de Robin Hood dos décadas más tarde de las aventuras originales y disfrutaremos con la ironía, el sentido del humor y la aventura de un guión fantástico. Y después comentaremos todo lo que nos haya sugerido la película en un animado coloquio.

Quien quiera acercarse disfrutará de un clásico del cine. La entrada es gratuita.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ROBIN Y MARIAN_Nicol Williamson, Sean Connery y Audrey Hepburn

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Copyright imágenes  ©  Columbia Pictures, Rastar Pcitures. Cortesía de Sony Pictures España Home Vídeo. Reservados todos los derechos.

Quiero ser medallista olímpica – Crítica de “Yo, Tonya” (2017)

Al ver la cara de felicidad de un número uno como Javier Fernández al colgarse el bronce en los Juegos de Invierno de Pyeongchang uno es consciente de que, a pesar de que seas dos veces campeón del mundo y seis de Europa, no hay emoción descriptible capaz de equipararse a la que se siente al ganar una medalla olímpica representando a tu país.

Para una chica de los arrabales, curtida por una vida dura, salida de una familia desestructurada y con una madre, más que dominante, maltratadora física y psicológicamente, ése era su máximo sueño, la única manera de realizarse, de trascender a los prejuicios de sus conciudadanos y a los de los jueces que habían de seleccionarla en el equipo de patinaje artístico de Estados Unidos para Albertville 1992.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YO, TONYA_MArgot Robbie patín jueces

Tonya Harding llegó a decir que fue la segunda persona más conocida del mundo tras Bill Clinton, y no se equivocaba. Los ecos del incidente con esa otra patinadora… ¿cómo se llamaba? Exacto. Nadie recuerda a Nancy Kerrigan, pero el nombre de la protagonista del infausto suceso ha permanecido indeleble en nuestra memoria todos estos años.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YO, TONYA_Sebastian Stan y Margot Robbie

Pero, ¿quién es/fue Tonya Harding? ¿Realimente tuvo algo que ver con aquello con lo que todavía se le relaciona? Este guión se basa en distintas entrevistas a cuantos se vieron envueltos en el desgraciado episodio que le hizo pasar a la posteridad y nos recuerda que lo que vamos a escuchar es, a pesar de lo contradictorio de su naturaleza, absolutamente real y nada irónico.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YO, TONYA_Margot Robbie seria

Se estructura en dos mitades perfectamente diferenciadas. La primera, al estilo del mejor Scorsese, narra la intrincada trayectoria vital de esta mujer desde su niñez. Avasalladora visualmente, juega con movimientos de steady-cam, con un montaje ágil, vertiginoso, digno de un Óscar (ojalá), que se apoya en una magnífica selección musical acorde a la época retratada, y rompe, con descaro e irreverencia, la cuarta pared para hacer que los personajes hablen directamente al espectador. En la segunda hora el genio neoyorkino comparte influencias con el delirio de la chapuza al borde del absurdo del Fargo de los hermanos Coen.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YO, TONYA_Margot Robbie emocionada

Al frente de este proyecto, con una gran valentía y el olfato para detectar que detrás de esta historia había una gran película, la australiana Margot Robbie. Ella produce y, más que encarnar, se mimetiza completamente con la polémica deportista en una interpretación que, de no ser por la gran Frances McDormand, le habría reportado la dorada estatuilla. La que sí se la va a llevar a casa es la fantástica Allison Janney, una actriz todoterreno a la que descubrimos en El ala oeste de la Casa Blanca. Perfecta, impecable y absolutamente despreciable como progenitora manipuladora y egoísta.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YO, TONYA_Allison Janney

Sería imperdonable dejar de ver un largometraje que se encuentra entre lo mejor que concurre este año en la temporada de grandes premios. Un filme que hubiera merecido mayor reconocimiento por parte de la Academia. Una reivindicación del ídolo caído, de esta eterna luchadora contra el infausto destino que le tenía reservado la vida, Tonya Harding.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YO, TONYA_Margot Robbie llorosa

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Copyright imágenes  ©  ClubHouse Pictures, LuckyChap Entertainment. Cortesía de Entertainment One Spain. Reservados todos los derechos.

 

 

Yo, Tonya

Director: Craig Gillespie

Guión: Steven Rogers

Intérpretes: Margot Robbie, Allison Janney, Sebastian Stan

Montaje: Tatiana S. Riegel

Música: Peter Nashel

Fotografía: Nicolas Karakatsanis

Duración: 120 min.

Estados Unidos, 2017

Poesía sin palabras – Crítica de “La forma del agua” (2017)

Elisa está sentada en el autobús. Llueve pero ella sonríe. Su mirada se queda ensimismada con la tormenta que golpea el cristal. Dos de las gotas inician una vertiginosa carrera por la superficie pulida, jugueteando al ritmo de la evocadora música que acompaña el acrobático ballet. Se sortean con gracia y destreza. Si una sube, la otra baja, si una quiebra, la otra requiebra. Hasta que lo inevitable acaba por suceder. Chocan. Terminan fundidas en una única porción de agua.

De tan sutil y precisa manera Guillermo del Toro sintetiza, a través de imágenes (nada de palabras, como su protagonista, que se expresa mediante lengua de signos), el significado más profundo de todo lo que nos cuenta esta película.

La Forma del Agua

Esa poesía visual convive con la textual (y enriquece lo escrito) desde el inicio de un guión que arranca con la voz profunda de Richard Jenkins que esboza un cuento que comienza en una casa sumergida en las profundidades marinas. La inigualable partitura de Alexandre Desplat extiende un halo de magia como una alfombra bajo cada una de las frases.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA FORMA DEL AGUA_Michael Shannon y Michael Stuhlbarg

Ocurrió hace mucho tiempo, en los últimos días del reinado de un príncipe justo. En una pequeña ciudad costera. No sé si hablarles de Ella, la princesa sin voz. O tal vez quiera advertirles de la verdad de estos hechos, de la historia de amor y pérdida, y del monstruo que trató de destruirlo todo.

La Forma del Agua

El Camelot de JFK marca la época. Estados Unidos, algún momento entre 1962 y 1963; un periodo convulso pero real en el que del Toro ubica esta fábula con la Guerra Fría al fondo. Una preciosa historia de amistad y amor entre seres marginados, desechados, incompletos, apartados por sus taras físicas o por su condición social, que se encuentran, se entienden y se complementan.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA FORMA DEL AGUA_Richard Jenkins y Sally Hawkins

Amelie, Delicatessen, La ciudad de los niños perdidos. La estética y la banda sonora nos traen a Jeunet y Caro en un principio. Pero la propuesta se nutre de multitud de referencias y homenajes totalmente devotos y confesos por parte del director. La mujer y el monstruo principalmente, y con ella todas las reminiscencias a King Kong o La bella y la bestia (la de Cocteau). Pero en este caleidoscopio de cinefilia galopante se cuelan los musicales que alegran la vida de Elisa y su amigo Giles. La elegancia de Fred Astaire y Ginger Rogers, pero también el desparpajo de Carmen Miranda. El Peplum bíblico, el western mítico, con Duelo al sol, o guiños a Criadas y señoras en honor de la oscarizada Octavia Spencer. Tanto ella como Richard Jenkins repiten candidatura, al igual que la maravillosa Sally Hawkins, cuyo personaje, mezcla de dulzura y determinación, cautiva gracias a una luminosidad que hace de ella una mujer hermosa y etérea.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA FORMA DEL AGUA_Sally Hawkins y Doug Jones

La perfección técnica de cada elemento que conforma este trabajo se ha puesto al servicio de una gran historia para parir un largometraje de inusual belleza, narrativa y plástica, solo comparable a la de los románticos versos que lo cierran.

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La forma del agua

Dirección: Guillermo del Toro

Guión: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor

Intérpretes: Sally Hawkins, Richard Jenkins, Michael Shannon, Octavia Spencer

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Dan Lautsen

Montaje: Sidney Wolinsky

Duración: 123 min.

Estados Unidos, 2017 

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