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El tenis, metáfora de la vida – Crítica de “Borg/McEnroe” (2017)

Borg, el caballero de la raqueta, la elegancia personificada, el hombre de hielo, la ausencia de sentimientos, la técnica depurada, la perfección hecha tenis. McEnroe, el enfant terrible, el bocazas irredento, el talento insolente, la improvisación, el atrevimiento, la creatividad, los puntos imposibles, la efectividad a partir del caos. Nadie podría haber imaginado un par de carácteres tan antagónicos ni dos estilos de entender el juego así de contrapuestos, sin embargo, ambos estaban ungidos de genialidad y tenían mucho más en común de lo que pudiéramos imaginar.

1980. El apabullante prólogo nos sitúa en la pista central del All England Tennis Club. La final más esperada del torneo sobre hierba más prestigioso del mundo. En la catedral, el señor de Wimbledon, el número uno, ganador de las cuatro últimas ediciones, frente al advenedizo, la estrella emergente, el llamado a sustituirle al frente del ranking de la ATP. Todo se detiene. A partir de ahí, a través de flashbacks, la cinta realiza una introspección en las controvertidas personalidades detrás de los mitos, con revelaciones especialmente sorprendentes en el caso de Borg, del que apenas conocíamos nada y sobre el que pivota en mayor medida el guión.

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Una radiografía del peso de la responsabilidad y de la fama y la constatación de que lo realmente complicado no es llegar a la cima sino mantenerse en ella. Un tratado de psicología del deporte no exento de la emoción y espectacularidad que ofrece la recreación de uno de los partidos míticos de la historia del tenis, rodado y montado como un thriller de suspense para ser disfrutado exactamente igual que si hubiésemos asistido al evento en directo. Si no lo vieron en su día o no lo recuerdan, no busquen información, lo agradecerán.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BORG:McENROE_Sverrir Gudnason y Shia Labeouf

Borg/McEnroe trata, indirectamente, de la dificultad de regresar a lo más alto después de haber caído. Alude, por comparación, a un tipo como Rafael Nadal cuya capacidad, pundonor, voluntad, concentración, fuerza mental y confianza en sí mismo hacen de él un tipo que nunca se rinde a pesar de que, aparentemente, tenga todo perdido. Un fulano capaz de volver a ser el mejor cuando ya nadie daba un duro por él.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BORG:McENROE_Shia Labeouf

El largometraje que mejor ha sabido abordar el universo tenístico habría de estar, por fuerza, entre los más destacados filmes deportivos ya que trasciende su ámbito para hablar de competición pero también de amistad, de presión psicológica, de estrés, de autocontrol, de brillantez y excelencia, de controlar situaciones límite, de superarse a uno mismo, de ser perfecto por mandato, de estar obligado a ganar, de la dificultad de mantenerse en la cúspide, de la gestión de la popularidad, de perder el oremus, de bajarse del caballo del propio ego para dejarse aconsejar, de la rivalidad mal entendida y del respeto profesional, de fastidiarla y arrepentirse, de no saber pedir perdón a tiempo, de rectificar, de apreciar y elegir lo auténtico y desechar el oropel. Habla de que lo que sucede entre esas cuatro líneas de cal tiene mucho que ver con la vida.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos. 

Copyright imágenes  ©  SF Studios Production AB, Danish Film Institute, Nordisk Film, SVT. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

Borg/McEnroe

Dirección: Janus Metz

Guion: Ronnie Sandahl

Intérpretes: Sverrir Gudnason, Shia Laboeuf, Stellan Skarsgård

Fotografía: Niels Thastum

Montaje: Per K. Kirkegaard, Per Sandholt

Duración: 107 min.

Suecia, Dinamarca, Finlandia, 2017

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En el punto de mira – Crítica de “The Wall” (2017)

A Doug Liman lo conocimos y comenzamos a respetar, más que con Swingers, que supuso un hito en el cine independiente estadounidense, a través de su siguiente trabajo, Viviendo sin límites, un filme tan divertido como transgresor en torno a un trapicheo con drogas en el que una realización sorprendente y un montaje audaz nos brindaba un Rashomon para público adolescente de lo más entretenido. Esta película le abrió las puertas del cine de acción, en el que, tras inaugurar la saga Bourne, se convirtió en director de guardia del género; correcto, sin estridencias, aunque renunciando a la osadía que le había llevado hasta allí, con algún agradable amago de retorno a sus inicios como Al filo del mañana. 

Con The Wall, un largometraje de muy bajo presupuesto, se enfrenta a otro tipo de reto que le ha permitido salirse de los esquemas del entretenimiento lleno explosiones y persecuciones al que parece abonado. Con apenas tres actores, uno de ellos tan solo presente mediante su voz, una única localización y en el espacio de unas horas ha de narrar, durante noventa minutos, las vicisitudes de dos soldados estadounidenses atrapados en el desierto por un letal francotirador iraquí, con el que mantienen contacto a través de la radio, del que simplemente les separa un frágil muro de piedra semiderruido, el del título.

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Respetando escrupulosamente las tres reglas aristotélicas; unidad de acción, unidad de tiempo, unidad de lugar; asume la complicada misión de convertir en lenguaje cinematográfico atrayente lo que bien pudiera haber sido una obra de teatro. Algo solo al alcance de genios como Joseph L. Mankievicz (La huella) o de artesanos con mucho oficio de la talla de Joel Schumacher (Última llamada) o John Badham (A la hora señalada). Si unimos lo formal a lo argumental nos encontramos que estos tres precedentes convergen en un ejercicio narrativo tan interesante como Buried, pirueta con cuádruple mortal del visionario Rodrigo Cortés de Concursante.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE WALL_John Cena Primer Plano

Un bombón, en cuanto al desafío fílmico, aunque también un caramelo envenenado por la dificultad de mantener la tensión durante el total del metraje con tan escasos elementos de los que echar mano. Por más que el tramo final aparezca impactante y consiga cerrar satisfactoriamente la historia, el lastre que deja un inicio falto de gancho y un desarrollo reiterativo y monótono hiere de muerte un proyecto que podría haber resultado atractivo.

The Wall

Para que una cinta de este tipo funcione y mantenga a la audiencia pegada a la butaca de principio a fin se hace absolutamente necesario un guión ingenioso, con unos diálogos más incisivos y brillantes, y una realización que consiga que olvidemos el origen cuasi teatral del texto y aproveche todas las posibilidades que le brinda el medio audiovisual, algo perfectamente al alcance del primer Doug Liman pero que parece olvidado por el actual, que ha perdido la chispa, la frescura y la improvisación de la que aquel joven cineasta sin complejos hacía gala.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos. 

Copyright imágenes  ©  Amazon Studios, Big Indie Pictures, Picrow. Cortesía A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

The Wall

Director: Doug Liman

Guion: Dwain Worrell

Intérpretes: Aaron Taylor-Johnson, John Cena, Laith Nakli

Fotografía: Roman Vasyanov

Montaje: Julia Bloch

Duración: 88 min.

Estados Unidos, 2017

En el nido de los talibanes – Crítica de “12 Valientes” (2017)

Un soldado que va al campo de batalla a quitar vidas y a jugarse la suya propia necesita un motivo por el que luchar. El jefe del equipo de doce hombres que se van a embarcar en la temeraria misión que narra esta película recibe de su superior una piedra de color negro: «esta es su razón Nelson». Se trata de un cascote recogido unas semanas antes de entre los restos del ataque a las Torres Gemelas. Estamos en el otoño de 2001, en un campamento del ejército estadounidense en Uzbekistán, cerca de la frontera con Afganistán, y lo que a continuación se va a contar traslada a la pantalla el operativo militar real descrito en el libro Soldados a caballo de Doug Stanton.

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La televisión habla del crecimiento exponencial de las acciones terroristas de Al Qaeda al mando de Osama Bin Laden en distintos lugares del mundo. Ubica su centro de operaciones en territorio afgano. Un pelotón de ejercicios cerca Fort Campbell, Kentucky, observa cuatro cazas que pasan rasantes sobre sus cabezas. El mando que va a dejar de liderarlos para ocupar un cargo de despacho (Chris Hemsworth) se despide de su esposa camino de la oficina. Los acontecimientos dan un giro radical cuando a las 9 de la mañana de ese fatídico 11 de septiembre los relojes se paran. El grupo entero tendrá que viajar hacia Asia mientras sus familias, aspecto cuidadosamente reflejado en el filme, se despiden de ellos de diferentes maneras pero con una misma preocupación.

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En una primera hora modélica el ritmo no nos deja apenas respirar. El planteamiento de la historia, ese equipo de las Fuerzas Especiales liderado por un capitán novato en combate que es trasladado a Afganistán para unirse a un señor de la guerra con el fin de derrocar a los talibanes, resulta tan atrayente como la presentación de quienes van a tomar parte en tan arriesgado cometido.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_12 VALIENTES_Chris Hemsworth y Navid Negahban

La relación entre Dostum, ese caudillo uzbeko de la Alianza del Norte, y Nelson, el capitán estadounidense, nos va a ofrecer lo más vistoso de este trabajo. Todo su discurso desactiva y contrapesa ese típico «somos la policía del mundo» que con tanta prepotencia y paternalismo arguye inicialmente el yanqui: «te encuentras en mi país, yo lucho por mi tierra, vosotros os iréis cuando esto termine pero nosotros nos quedaremos aquí». El guión pone en su sitio y hace reflexionar tanto al personaje de Hemsworth como al público con un tono que se aleja bastante del panfleto patriotero del tipo de El último superviviente aportando más realismo y menos épica.

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De no ser por una flagrante falta de celo en el montaje estaríamos hablando de una obra notable en lugar de una simplemente interesante. Qué lástima que esa agilidad y tensión iniciales desaparezcan cuando el largometraje se estanca en el asalto al feudo talibán. Minutos redundantes que llevan el metraje hasta más allá de las dos horas cuando de haberse quedado en 90 o 100 minutos habría superado con creces las expectativas suscitadas.

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Copyright imágenes  ©  Alcon Entertainment, Jerry Bruckheimer Films, Black Label Media, Lionsgate, Torridon Films. Cortesía Entertainment One España. Reservados todos los derechos.

 

12 Valientes

Dirección: Nicolai Fuglsig

Guion: Ted Tally y Peter Craig, basado en el libro Soldados a caballo de Doug Stanton

Intérpretes: Chris Hemsworth, Michael Shannon, Navid Negahban

Música: Lorne Balfe

Fotografía: Rasmus Videbaek

Duración: 130 min.

Estados Unidos, 2018  

Radiografía del conflicto palestino-israelí – Crítica de “7 días en Entebbe” (2018)

La acción se detiene, cuando más tensión se respira y se ignora qué rumbo pueden tomar los acontecimientos, para dar paso a un montaje de primeros planos de todos los implicados en los sucesos reales que aquí se narran. El secuestro del vuelo de Air France entre Tel Aviv y París del 27 de junio de 1976 y su desvío al aeropuerto de Entebbe, Uganda, por parte de miembros de Células Revolucionarias de Alemania y del Frente Popular para la Liberación de Palestina que amenazaron con matar a los pasajeros de no cumplirse sus exigencias de liberación de presos. En esa secuencia, acompañada de música dramática, podemos ver a Isaac Rabin, Primer Ministro de Israel, a Simón Peres, ministro de defensa, a un secuestrador palestino, a dos germanos, a un soldado hebreo, al dictador ugandés Idi Amín, a la tripulación francesa, a los viajeros judíos y a la novia bailarina del soldado.

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Este instante plasma la vocación del complejo guión de reflejar cada uno de los puntos de vista de cuantos estuvieron implicados en este terrible suceso de la forma más objetiva posible para que el espectador extraiga sus propias conclusiones con la intención, en última instancia, de que este acontecimiento puntual sirva para reflexionar sobre el proceso de paz entre Israel y Palestina, actualmente en punto muerto.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_7 DÍAS EN ENTEBBE_Plano general con los rehenes

El brasileño José Padilha, que debutó en 2007 con la magnífica Tropa de élite, sigue la misma metodología que utilizó en su ópera prima. Analizar el conflicto como alguien que lo mira desde fuera. Abarcar cada una de sus partes y desarrollar las certezas y las dudas que pueden asaltar a los interfectos, pero sobre todo, y esto es lo más interesante, la disparidad de pareceres entre unos y otros dentro de sus respectivas organizaciones.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_7 DÍAS EN ENTEBBE_Ben Schnetzer y Ángel Bonanni como Yonatan Netanyahu

El revolucionario alemán encarnado por Daniel Brühl, que proviene de una familia acomodada, ha optado por apoyar la causa palestina para, según sus propias palabras, sacudir conciencias. Uno de los secuestradores palestinos le argumenta que para él aquello parece un juego de niño rico, que si él tuviese elección no dudaría en quedarse en la seguridad de su confortable casa teutona, pero que su mujer y sus hijos han sido asesinados en un campo de refugiados y no tiene otra opción que estar allí, que privar de libertad a todas esas personas para presionar al gobierno de Israel y obligarles a negociar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_7 DÍAS EN ENTEBBE_Lior Ashkenazi como Yitzak Rabin

En el otro lado de la ecuación se dirime lo más atrayente de este largometraje. La relación entre Rabin, premier israelí, deseoso de que en algún momento se diese la coyuntura para llegar a un acuerdo con los palestinos con el fin de lograr la paz en la región, y abierto, en este caso, a hablar con los secuestradores, y su Ministro de Defensa, Peres, cerrado en banda a ningún tipo de negociación y proponiendo una respuesta armada como solución. Asistimos a lo que nunca trasciende. La difícil gestión de una crisis con rehenes en la que se encuentran en juego muchas vidas inocentes.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_7 DÍAS EN ENTEBBE_Eddie Marsan como Shimon Peres

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Participant Media, Pellikola, Working Title Films. Cortesía Entertainment One España. Reservados todos los derechos.

 

7 días en Entebbe

Dirección: José Padilha

Guión: Gregory Burke

Intérpretes: Rosamund Pike, Daniel Brühl, Eddie Marsan

Música: Rodrigo Amarante

Fotografía: Lula Carvalho

Montaje: Daniel Rezende

Duración: 107 min.

Reino Unido, Estados Unidos, 2018

Directo al estómago – Crítica de “Custodia compartida” (2017)

Ajetreo, trasiego. Una mesa repleta de papeles y carpetas distribuidos en columnas. Xavier Legrand nos pone en los zapatos de la dueña de ese despacho. La jueza se dirige a la sala donde se va a producir una vista en la que una pareja divorciada dirime la custodia de sus hijos, una adolescente a punto de cumplir los dieciocho y un chaval de once. El plano, inspiración del cartel, recoge, en el centro geométrico, la figura de espaldas de esta mujer de leyes partiendo en dos mitades el cuadro y separando a la madre, a la izquierda, del padre, a la derecha. Sencilla y brillante introducción visual del tema principal haciéndonos partícipes de lo que allí se nos va a contar. Recuerda, en ese inicio tan poco pretencioso como efectivo, a otra obra maestra, Nader y Simin: una separación.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CUSTODIA COMPARTIDA_La vista, Léa Drucker y Denis Ménochet

En una fantástica y absorbente secuencia de dieciocho minutos se nos expone el caso. La magistrada pregunta. Las respectivas abogadas responden. Los implicados intervienen brevemente. La mujer solicita la custodia completa de sus retoños alegando que tienen miedo de estar con su ex marido. Él lo niega completamente, alude a que no se les puede negar el cariño de su padre. Ambas partes se contradicen en sus testimonios. Quien tiene que tomar una decisión no es capaz de dirimir a ciencia cierta cuál de los dos miente y cuál dice la verdad, o si ambos faltan a la realidad, y así lo hace saber. ¿Quién tiene razón? Como audiencia objetiva no somos capaces de determinarlo tampoco. Esa dificultad es el reflejo de una realidad que se produce día a día en multitud de situaciones similares y que convierte a esta película en una crónica más que en una obra de ficción. Finalmente la presidenta del tribunal decreta la custodia compartida pero el niño no quiere ir con su progenitor, que amenaza con poner una denuncia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CUSTODIA COMPARTIDA_Denis Ménochet y Thomas Gloria coche

Qué exquisito cuidado por los detalles y qué destreza para narrar gracias a las imágenes y el sonido, sin necesidad de diálogos, determinadas situaciones (atención al plano de los pies de la joven en el baño del colegio). Legrand compone sus encuadres de manera sobria pero elegante, llena de gusto y, sobre todo, de significado, sin influir en lo que está contando. Conscientemente (gran acierto) renuncia a la música. No hay banda sonora instrumental, ni una nota, precisamente, al igual que en el terreno visual, para no sobredramatizar ni dulcificar lo que se nos muestra. Para reflejar la vida tal cual, como si se tratase de un documental, y que, como público, la encajemos de esa manera. Tan solo una canción interpretada por la hija mayor en su fiesta de cumpleaños. No es ninguna casualidad que Proud Mary en versión de Ike y Tina Turner sea el tema escogido.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CUSTODIA COMPARTIDA_Thomas Gloria y su hermana

Simplemente advertir, sin dar más detalles, que se trata de una obra realista, durísima y escalofriante. El puñetazo en el estómago que vamos a recibir va a resultar doloroso pero tan pertinente como esta película.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  K.G. Productions, Canal +, France 3 Cinéma, CNC, Ciné+. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

 

Custodia Compartida

Dirección y guión: Xavier Legrand

Intérpretes: Léa Drucker, Denis Ménochet, Thomas Gloria

Fotografía: Nathalie Durand

Montaje: Yorgos Lamprinos

Duración: 93 min.

Francia, 2017

¿Dónde está Agatha Christie? – Crítica de “La casa torcida” (2017)

Según el Guinness de los Récords Agatha Christie es la escritora que más libros ha vendido de la historia, solo las obras de William Shakespeare y la Biblia se sitúan por encima. Se trata, además, de la literata más versionada. Sus 154 adaptaciones al cine y la televisión, sin llegar a las más de mil del autor de Hamlet, el más prolífico en este apartado, suponen una cifra considerable.

La industria cinematográfica estadounidense y británica es muy dada a producir según modas o en aras de rentabilizar el éxito de un trabajo concreto en cintas similares. Ahora parece tocarle el turno a la reina del misterio. La buena acogida en taquilla de la (fallida) revisión de Kenneth Branagh de Asesinato en el Orient Express ha provocado que se prepare una nueva entrega de Muerte en el Nilo, a lo que hay que sumar un proyecto en torno a Testigo de cargo con Ben Affleck al mando.

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La llegada de La casa torcida a las carteleras españolas responde tanto a las notables recaudaciones del largometraje de Branagh como a la fama de la fuente de la que bebe el guión. No hay más que echar un vistazo a las campañas publicitarias. ¿Cuál es el nombre que figura encima del título?

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CASA TORCIDA_Glenn Close, Max Irons y Stefani Martini

La trama se centra en un joven sabueso implicado en la investigación del envenenamiento de un magnate. Tendrá que interrogar a la numerosa y variopinta parentela del finado que habita una mansión victoriana llena de recovecos y oscuros rincones. Un cluedo desarrollado en un único escenario requeriría grandes dosis de ingenio para aportar dinamismo a la realización y atrapar así la atención del espectador durante las casi dos horas de duración, algo solo a la altura de un genio como Joseph Leo Mankiewicz y su absolutamente epatante La Huella o de la descacharrante cima de la parodia detectivesca que es Un cadáver a los postres.

 Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CASA TORCIDA_Gillian Anderson

Desgraciadamente nos encontramos ante un filme que aunque no llega a aburrir no termina de enganchar. Por más que cuente con un ganador del Óscar en las tareas de escritura se echa de menos mayor agilidad en el desarrollo de la acción y más valentía en el uso de las tijeras por parte de un director cuya labor en lo visual se reduce a una planificación funcional que no consigue conectar con la audiencia. De haber concretado el metraje en los canónicos noventa minutos el resultado final habría sido algo más aseado que con los excesivos ciento quince actuales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CASA TORCIDA_Amanda Abington, Christian McKay y Preston Nyman

Un cineasta con el colmillo retorcido como el inicialmente previsto Neil LaBute podría haber aprovechado mejor el material de partida para darle una vuelta de tuerca al guión y hurgar con bastante más mala baba en la sordidez de esta tenebrosa familia. La ausencia de carisma de su protagonista, Max Irons, con un bisoño personaje en las antípodas del mítico Poirot, tampoco ayuda, hasta el punto en que todo esto degenera en una alarmante falta de tensión, seña de identidad del género, que nos deja una película tan correcta como insípida.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Brilliant Films, Fred Films, Head Gear Films, Metrol Technology. Cortesía de DeAPlaneta. Reservados todos los derechos.

 

La casa torcida

Dirección: Gilles Paquet-Brenner

Guión: Julian Fellowes, Gilles Paquet-Brenner y Tim Rose Price según la novela homónima de Agatha Christie

Intérpretes: Max Irons, Stephanie Martini, Glenn Close

Música: Hugo de Chaire

Fotografía: Sebastian Winterø

Duración: 115 min.

Reino Unido, 2017

Ahogada en un mar de interminables diálogos – Crítica de “Un sol interior” (2017)

Después de muchos dimes y diretes, de tantos síes que terminan convertidos en noes, Isabelle, la cuarentona protagonista y el actor casado con el que ha salido esa noche terminan juntos e intensamente revueltos. La estimulante escena de cama ha sido sustituida por una elipsis. Con un esbozo de los prolegómenos y el momento de calma inmediatamente posterior a la tempestad, con los restos todavía humeantes del campo de batalla, Claire Denis deja que deduzcamos el ardor de lo que allí acaba de suceder. ¿Maldición por que se nos haya escamoteado un momento de sublime éxtasis carnal? En otra película, tal vez. ¡Albricias! Un soplo de aire fresco en forma de buena gramática cinematográfica después de interminables escenas dialogadas sin un propósito claro y mediocremente dotadas visualmente. Cine, por fin, en lugar de teatro filmado. Pero también un oasis, un espejismo en medio de un desierto de palabras faltas de lustre.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN SOL INTERIOR_Juliette Binoche cama

El guión busca indagar en el tortuoso camino de esta artista plástica parisina y madre divorciada en busca del amor verdadero que nunca ha podido encontrar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN SOL INTERIOR_Juliette Bicoche y Nocolas Duvauchelle

La premisa, bien desarrollada, prometía un resultado interesante. Presentada como un melodrama con toques de comedia romántica a la francesa aparecía atractiva a priori. Y más contando con la presencia de la fantástica y admirada Juliette Binoche en el papel principal y el anunciado acompañamiento de dos pesos pesados del celuloide europeo como Valeria Bruni-Tedeschi y Gérard Depardieu. El premio a la mejor dirección en la Quincena de los Realizadores de Cannes 2017 añadía expectación. Aunque la coletilla «a la francesa» nos dejaba a expensas de lo mejor… o de lo peor. Ante las peculiaridades del cine galo (del que tanto disfrutamos) nunca se sabe.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN SOL INTERIOR_Juliette Binoche abrazada

Este largometraje nace lastrado por un problema estructural. El conflicto en torno al personaje alrededor del que gira el argumento carece de interés desde el momento en que somos conscientes de que es ella misma quien sabotea sus propias relaciones debido a su caótica personalidad. Lo más sangrante, más allá de la falta de empatía, es que deploramos muchas de sus actitudes hacia hombres que la pisotean emocionalmente y se aprovechan de ella.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN SOL INTERIOR_Gérard Depardieu

La forma de sacar a flote un barco tan seriamente dañado hubiese sido intentar dar agilidad a un texto que adolece de extensísimas conversaciones redundantes, que confieren un carácter teatral a la cinta, mediante recursos estilísticos que lo emparentasen más con la imagen en movimiento que con los escenarios. Pero el mal se venía arrastrando desde la escritura. En un largometraje sustentado en las palabras hace falta ser tremendamente ingenioso e incluso divertir; un Richard Linklater de la época de Antes de amanecer. Aquí, desgraciadamente, por muy anunciada que se encontrase de antemano, la comedia brilla por su ausencia. Por no hablar de la microscópica y absurda presencia de Bruni-Tedeschi y la sorpresiva aparición, cuando ya nadie lo esperaba, de Depardieu. Ni siquiera el talento por arrobas de Juliette Binoche y su incontestable atractivo es capaz de salvar este trabajo del naufragio.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN SOL INTERIOR_Juliette Binoche bailando

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Curiosa Films, Cinémage 10, FD Production, Versus Production. Cortesía de Avalon. Reservados todos los derechos.

 

Un sol interior

Dirección: Claire Denis

Guión: Christine Angot y Claire Denis

Intérpretes: Juliette Binoche, Xavier Beauvois, Philippe Katerine

Música: Stuart A. Staples

Fotografía: Agnès Godard

Duración: 94 min.

Francia, Bélgica, 2017

Lo que cuenta es tener razón, la verdad da igual – Crítica de “Una razón brillante” (2017)

«La idea no articula las palabras, las palabras articulan la idea». Serge Gainsbourg. «La idiotez es un tipo que dice: “Me va bien, me conformo”, en lugar de motivarse pensando: “No sé lo suficiente, no veo lo suficiente, no hago lo suficiente”. La pereza está en el fondo de la idiotez como una capa de grasa alrededor del cerebro». Jaques Brel.

El poder del lenguaje que plantea el autor de Je t´aime… moi non plus y el inconformismo, la curiosidad y la capacidad de trabajo a los que alude el creador de Ne me quitte pas. Conceptos base de la tesis de esta película que aparecen en su prólogo y que aplicados a la dialéctica, elemento central de la trama, dan como resultado su título original, Le brio, que significa el ingenio.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Camélia Jordana cascos

Neila es la única a la que el portero exige el carnet de estudiante. En una universidad con alumnado de clase alta, una chica de los suburbios, de rasgos magrebíes, con vaqueros y sudadera no pasa desapercibida. El clasismo de esta primera escena termina por explotar cuando el profesor de derecho la toma con ella por llegar tarde y saca a relucir todo su cinismo para, de forma despreciable, dar rienda suelta a un discurso racista y xenófobo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Daniel Auteuil dando clase

Tras las airadas quejas, el director le encomienda preparar a la vilipendiada, francesa de padres argelinos, para el concurso estatal de debate con el fin de redimirse, pero sobre todo para camuflar la imagen reaccionaria de la facultad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Camélia Jordana en clase

El interesante guión aborda toda esa variedad temática a la que podemos añadir el machismo, no solo el de la sociedad, también el que todavía conservan la madre y abuela de la protagonista. El cóctel, en el que los dos ingredientes principales son esta alumna rebelde y su, aunque brillante, descreído y desagradable maestro, resulta verdaderamente explosivo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Camélia Jordana y Daniel Auteuil frente a frente

De ese choque de trenes entre el veterano Daniel Auteuil y la ganadora del César a la actriz revelación, Camélia Jordana, sale lo mejor de este trabajo. La química entre ambos, ese aire de naturalidad y la manera en que evolucionan sus personajes constituyen una fuerza irresistible capaz de fijar nuestra atención.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Daniel Auteuil y Camélia Jordana cafetería

El docente utiliza las 38 estratagemas que plantea Schopenhauer en El arte de tener razón para transmitir a su pupila, no solo los trucos para salir airosa en la contienda verbal, sino las armas para lograr y defender su propia independencia como futura abogada. El único pero achacable al texto, que en una cinta donde se defiende la emancipación y la capacidad de la mujer prácticamente todas las referencias cultas que aparecen pertenecen a hombres.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Camélia Jordana presentación

Aún así, qué estimulante este cine que apela a nuestra capacidad para pensar y actuar, que nos exhorta a desperezarnos y a dar un paso adelante y que nos deja como corolario la base de la abogacía (y de la política): para ganar el campeonato nacional de oratoria no hay por qué decir la verdad, basta con haber leído a Schopenhauer para retorcerla hasta hacer parecer que se está en posesión de la razón.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA RAZÓN BRILLANTE_Camélia Jordana y Daniel auteuil Imagen del cartel

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Chapter 2, Moonshaker, Pathé, France 2 Cinèma, CN6 Productions. Cortesía de BTeam Pictures. Reservados todos los derechos.

 

Una razón brillante

Dirección: Yvan Attal

Guión: Victor Saint Macary, Yäel Langmann, Yvan Attal, Noé Debré

Intérpretes: Camélia Jordana, Daniel Auteuil, Yasin Houicha

Música: Michael Brook

Fotografía: Rémy Chevrin

Duración, 95 min.

Francia, Bélgica, 2018

La inquietante elegancia narrativa del cine de terror escandinavo – Crítica de “Thelma” (2017)

La inquietante, imponente y sinfónica banda sonora sobre los créditos crea la atmósfera adecuada. Las notas se desvanecen. Emerge la ventisca. Frío. Pasos sobre el hielo. Una niña vestida de rojo. Un hombre de oscuro. La niña observa a los peces nadando bajo sus pies. Ellos otean despreocupados desde su prisión. Caminan hasta el bosque. Entre los árboles nevados, el hombre carga su rifle ante la atenta mirada de la niña. Unos pasos más y se detienen. Una cría de ciervo inocente e indefensa. El hombre levanta su rifle. Vuelve la música, esta vez mucho más cruda, introduciendo un elemento de tensión. El hombre gira el cañón hacia la niña, que no es consciente de lo que pasa porque sigue mirando al cervatillo. Eternos segundos. El hombre levanta el arma. Respira. No ha podido disparar. El animal escapa. Thelma, ignorante de cuanto acaba de ocurrir, vuelve la cabeza para mirar a su padre. Corta a negro. El título de la película aparece entre cegadores flashes blancos de luces estroboscópicas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THELMA_Padre en el hielo

¿Quién puede matar a un niño? ¿Por qué alguien podría querer acabar con su propia hija? Escalofriante planteamiento que despierta nuestros miedos más ancestrales pero también la curiosidad por saber qué se esconde detrás de aquella atrocidad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THELMA_Eili Harboe

Un precioso y lejano plano cenital. Un campus universitario. Los estudiantes pululan como hormigas caminando de un lado a otro hasta que la cámara señala a alguien especial entre toda esa marabunta. Han pasado varios años. La niña, que ya ha crecido, recibe una llamada de sus progenitores. Ahí tenemos la cara del tipo que instantes antes tenía su dedo en el gatillo y la de la madre, que le habla desde una silla de ruedas y de cuyas palabras se deduce la naturaleza controladora motivo del telefonazo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THELMA_Eili Harboe pasillo

En apenas siete minutos, Joachim Trier consigue, además de dejarnos tocados y pegados al asiento, armar todo un prodigio de concisión narrativa construido con la precisión y la minuciosidad con la que un neurocirujano intervendría en nuestro cerebro. A través de los encuadres, del movimiento de los personajes dentro de cada plano, de la música, del montaje, utilizando todo el poder de la imagen y el sonido, introduce tal cantidad de información y de emociones en tan exiguo lapso de tiempo, y lo hace de manera tan sutil y brillante, que este fragmento debería ser objeto de estudio en todas las escuelas de cine.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THELMA_Eili Harboe cables

Esa elegancia narrativa se encuentra presente a lo largo de todo el metraje y confiere a esta película un aura de misterio y turbadora frialdad que acentúa su carácter nórdico aplicado al terror psicológico para, en cuanto al tono, emparentarla con la magnífica Déjame entrar (la original sueca) que tanto nos hizo disfrutar sufriendo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THELMA_Eili Harboe atrapada en piscina

Cine de género que Noruega mandó como representación patria a los Óscar. La escalofriante historia de Thelma, cuya forma de entender la religión le lleva a tratar de negar lo que siente por una compañera, hecho que desata la aparición de unas habilidades, probablemente conectadas con lo sobrenatural, que ella misma desconocía.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THELMA_Eili Harboe y Kaya Wilkins beso

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Motlys, Eurimages, Le Pacte, Nordisk Film, Norwegian Film Institute, Snowglove Film, Film i Vast. Cortesía de Surtsey Films. Reservados todos los derechos.

 

Thelma

Dirección: Joachim Trier

Guión: Eskil Vogt y Joachim Trier

Intérpretes: Eili Harboe, Kaya Wilkins, Henrik Rafaelsen

Música: Ola Fløttum

Fotografía: Jakob Ihre

Montaje: Olivier Bugge Couté

Duración: 116 min.

Noruega, Francia, Dinamarca, Suecia, 2017

Guapas, orgullosas y luchadoras – Crítica de “La tribu” (2018)

En marzo de 2016 se convirtieron en todo un fenómeno. Las conocidas como Mamis de Badalona dejaron boquiabierta a la audiencia de un concurso de talentos televisivo con una ecléctica actuación que mezclaba diversos estilos de danza urbana. Estas mujeres en la cuarentena y la cincuentena, que se cansaron de esperar a que sus hijas saliesen de clase de street dance y decidieron apuntarse ellas mismas, son las que han inspirado esta cinta.

Fernando Colomo, tras el éxito y la frescura de Isla bonita, se ha unido a Yolanda García Serrano y a Joaquín Oristrell, copartícipe en sus éxitos Bajarse al moro y Alegre ma non troppo, para escribir esta película que parte de la peripecia vital de estas madres del extrarradio barcelonés que, debidamente aderezada y ficcionada, converge con una historia pegada a los tiempos de crisis que vivimos observados desde la perspectiva del amor, la unión y el feminismo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA TRIBU_Paco León camiseta Baloncesto y Carmen Machi

Fidel (Paco León), jefe de recursos humanos de una importante empresa que acaba de dejar en la calle a más de trescientos trabajadores, cae en desgracia y es despedido a raíz de un incidente que no tarda en hacerse viral por internet. Intenta pasar desapercibido pero una cita con la que dice ser su madre biológica (Carmen Machi) lo cambia todo. Cuando el ejecutivo sufre una pérdida de memoria debido a un accidente ella, que trabaja como limpiadora y en sus ratos libres comparte escuela de baile con sus amigas, decide hacerse cargo de él.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA TRIBU_Bailando en la disco, Carmen Machi

Qué gran acierto utilizar la comedia como vehículo para la denuncia de situaciones de explotación laboral y de tantos micromachismos con los que convivimos día a día. Sin perder la sonrisa, el filme sabe poner el dedo en la llaga, pero deja un hálito de esperanza, una oportunidad de redención; reivindica la fuerza del grupo para sobreponerse a las desgracias que han hermanado a este ramillete de gladiadoras de la vida que en el proceso de tirar para adelante arrastran y ayudan a este tipo sin escrúpulos a encontrar algo dentro de él que le recuerde que todavía es persona.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA TRIBU_Paco León

Colomo se transforma en un Frank Capra costumbrista en una Badalona obrera y solidaria y habla, por encima de todo, del orgullo de ser madre a través de una Carmen Machi que rezuma naturalidad y sinceridad, y que hay que ver lo bien que se mueve a ritmo de hip hop. Tanto ella como Paco León; viejos conocidos con mucha, mucha química; sorprenden en su faceta danzarina en un trabajo en el que las carcajadas conviven con brillantes números musicales; magníficamente coreografiados por Maribel del Pino, debutante en las lides interpretativas y agradable sorpresa del largometraje; que dejan momentos para la emoción y la lágrima.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA TRIBU_Paco León y Maribel del Pino

Un cóctel de elementos efectivo que funciona y en el que se han colado como secundarias de lujo algunas de las genuinas Mamis badalonesas junto a su estupenda profesora para transmitir ese optimismo y la alegría de vivir que estas luchadoras infatigables llevan dentro.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA TRIBU_Paco León, Carmen Machi y las Mamis de Badalona en TV

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La tribu

Dirección: Fernando Colomo

Guión: Fernando Colomo, Yolanda García Serrano y Joaquín Oristrell

Intérpretes: Paco León, Carmen Machi, Arlette Torres

Música: Vicente Ortiz Gimeno

Fotografía: Ángel Iguácel

Duración: 90 min.

España, 2018

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