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Poesía sin palabras – Crítica de “La forma del agua” (2017)

Elisa está sentada en el autobús. Llueve pero ella sonríe. Su mirada se queda ensimismada con la tormenta que golpea el cristal. Dos de las gotas inician una vertiginosa carrera por la superficie pulida, jugueteando al ritmo de la evocadora música que acompaña el acrobático ballet. Se sortean con gracia y destreza. Si una sube, la otra baja, si una quiebra, la otra requiebra. Hasta que lo inevitable acaba por suceder. Chocan. Terminan fundidas en una única porción de agua.

De tan sutil y precisa manera Guillermo del Toro sintetiza, a través de imágenes (nada de palabras, como su protagonista, que se expresa mediante lengua de signos), el significado más profundo de todo lo que nos cuenta esta película.

La Forma del Agua

Esa poesía visual convive con la textual (y enriquece lo escrito) desde el inicio de un guión que arranca con la voz profunda de Richard Jenkins que esboza un cuento que comienza en una casa sumergida en las profundidades marinas. La inigualable partitura de Alexandre Desplat extiende un halo de magia como una alfombra bajo cada una de las frases.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA FORMA DEL AGUA_Michael Shannon y Michael Stuhlbarg

Ocurrió hace mucho tiempo, en los últimos días del reinado de un príncipe justo. En una pequeña ciudad costera. No sé si hablarles de Ella, la princesa sin voz. O tal vez quiera advertirles de la verdad de estos hechos, de la historia de amor y pérdida, y del monstruo que trató de destruirlo todo.

La Forma del Agua

El Camelot de JFK marca la época. Estados Unidos, algún momento entre 1962 y 1963; un periodo convulso pero real en el que del Toro ubica esta fábula con la Guerra Fría al fondo. Una preciosa historia de amistad y amor entre seres marginados, desechados, incompletos, apartados por sus taras físicas o por su condición social, que se encuentran, se entienden y se complementan.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA FORMA DEL AGUA_Richard Jenkins y Sally Hawkins

Amelie, Delicatessen, La ciudad de los niños perdidos. La estética y la banda sonora nos traen a Jeunet y Caro en un principio. Pero la propuesta se nutre de multitud de referencias y homenajes totalmente devotos y confesos por parte del director. La mujer y el monstruo principalmente, y con ella todas las reminiscencias a King Kong o La bella y la bestia (la de Cocteau). Pero en este caleidoscopio de cinefilia galopante se cuelan los musicales que alegran la vida de Elisa y su amigo Giles. La elegancia de Fred Astaire y Ginger Rogers, pero también el desparpajo de Carmen Miranda. El Peplum bíblico, el western mítico, con Duelo al sol, o guiños a Criadas y señoras en honor de la oscarizada Octavia Spencer. Tanto ella como Richard Jenkins repiten candidatura, al igual que la maravillosa Sally Hawkins, cuyo personaje, mezcla de dulzura y determinación, cautiva gracias a una luminosidad que hace de ella una mujer hermosa y etérea.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA FORMA DEL AGUA_Sally Hawkins y Doug Jones

La perfección técnica de cada elemento que conforma este trabajo se ha puesto al servicio de una gran historia para parir un largometraje de inusual belleza, narrativa y plástica, solo comparable a la de los románticos versos que lo cierran.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA FORMA DEL AGUA_Sally Hawkins yt Doug Jones huevo

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Bull Productions, Double Dare You, Fox Searchlight Pictures. Cortesía de 20th Century Fox España, Hispano Foxfilms S.A.E.. Reservados todos los derechos.

 

La forma del agua

Dirección: Guillermo del Toro

Guión: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor

Intérpretes: Sally Hawkins, Richard Jenkins, Michael Shannon, Octavia Spencer

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Dan Lautsen

Montaje: Sidney Wolinsky

Duración: 123 min.

Estados Unidos, 2017 

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Cine Fórum “Muchos hijos, un mono y un castillo” – Tafalla – Asociación Minertea – 15 febrero 2018 – con Manu Zapata

Ayer jueves 15 de febrero este que escribe tuvo el inmenso placer de conducir un cine fórum en Tafalla por primera vez en mucho tiempo. Estos eventos que tanto auge adquirieron en los años 80 desaparecieron por completo y la Asociación Minertea, de la mano de Felisa Sola, ha tenido a bien recuperarlos. Ha sido un verdadero honor que hayan confiado en mí para llevar adelante esta actividad.

En el salón de reuniones del Hotel Beratxa de Tafalla, con un ambiente muy acogedor, en torno a las coquetas mesas redondas adornadas con pastas, cafés, infusiones y algo para picar, se dieron cita 58 personas que de forma muy disciplinada guardaron un exquisito silencio para que el ponente abriese el fuego y diese paso, posteriormente, al entretenido y enriquecedor debate que un documental como Muchos hijos, un mono y un castillo propició.

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Tras contar el proceso que sigue un documental desde la idea que lo genera hasta su estreno en cines, que es diametralmente opuesto al de un largometraje de ficción, nos centramos en la todavía más peculiar odisea que dio lugar a tan singular trabajo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Antonio García, el mono y Julita Salmerón

Gustavo Salmerón invirtió 14 años de su vida, 12 de rodaje, de 2003 a 2015, y 2 de montaje, de 2015 a 2017, en dar forma a las 400 horas que tenía entre manos y sacar de ahí, de manera valiente, un canto de amor a su familia, unida a las duras y a las maduras, y un monumento a la grandiosidad y la espontaneidad de Julita, su madre, un torbellino, un personaje en sí misma. 88 minutos que hablan de la vida, o eso nos pareció  tras la charla. Una reflexión sobre la vida a través de la muerte. Y más en concreto, a través de las distintas y extrañas ideas sobre la muerte que tiene su progenitora, que en el fondo nunca ha dejado de disfrutar y divertirse por muy complicadas que se le hayan puesto las cosas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Julita Salmerón y su mardio Antonio García

La concurrencia se identificaba con distintos aspectos de Julita y con la manera tan llana y natural que tenía de referirse a trágicos acontecimientos de su familia, el modo en cómo habían vivido la Guerra Civil y el franquismo. Una reflexión que bien se puede aplicar a cualquier persona que sufre las circunstancias de una guerra. Sentido común, al fin y al cabo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Julita y Gustavo Salmerón en los años 70

Cada foto antigua, cada recuerdo, deparaba un paralelismo en alguna de las intervinientes que no dudaba en ponerlo en común. Y es que, por muy extravagante que parezca la vida de la familia García-Salmerón, muchos de los que allí compartimos conversación nos podíamos ver reflejados en unos u otros aspectos. En ese Síndrome de Diógenes que de Julita heredaron todos sus hijos, en esa organización caótica de los trasteros o en ese deseo de tener la felicidad que le producía la Navidad a esta madre durante todo el año. Y, cómo no, un secundario de lujo, su marido Antonio. El ying que complementa el Yang. La sensatez, la racionalidad y la paciencia, contrapuesta a la creatividad, el caos y la explosividad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Gustavo y Julita Salmerón

Como conclusión, que ha merecido la pena que Gustavo Salmerón sacrificase el pudor de contar las interioridades familiares para transmitir una lección de vida a través de lo bueno y lo malo que han sufrido los suyos y nos descubriese a la actriz definitiva, que no es otra que Julita Salmerón.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Julita salmerón rodeada de excentricidades

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Pili Irigalba, Sueños Despiertos. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

El cuento de hadas de los desheredados – Crítica de “The Florida Project” (2017)

Moonee vive en el Castillo Mágico. Inquieta y traviesa, a sus precoces seis años alterna aventuras y travesuras con sus amigos y echa una mano a su madre cuando lo necesita. Bobby, cascarrabias pero con un corazón de oro, ejercerá como improvisado ángel de la guarda de ambas.

El fondo violeta; la tipografía blanca que imita una caligrafía pulcra, cuidadosa y elegante; incluso el tema musical, Celebration de Kool and the gang, que acompaña a los créditos iniciales; todo parece indicar que se nos va a narrar un cuento de hadas. De algún modo así es, pero no se trata de uno al uso. Este es el cuento de hadas de los desheredados.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE FLORIDA PROJECT_Brooklynn Prince y sus dos amigos

El Magic Castle es real, aunque se trata de un modesto motel pintado y decorado como un palacio. En la Avenida de los Siete Enanitos, Halley, madre soltera de la protagonista, se busca la vida para poder costearse el alquiler. Bobby, el gerente, ejerce de gruñón, como el mítico acompañante de Blancanieves, aunque no duda en jugarse su empleo por echar una mano a esta mujer y a su hija que se encuentran en la más absoluta precariedad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE FLORIDA PROJECT_Willem Dafoe

La temática de fondo y el hecho de que se trate de un filme rodado fuera de la industria nos traen a la memoria la encomiable Techo y comida. Este paralelismo nos viene a decir que, al igual que en España, en Estados Unidos también hay mucha gente que se encuentra en riesgo de exclusión social. La diferencia, que el feísmo estético que la película andaluza utilizaba para transmitir el argumento aquí se transforma en belleza que no deja de subrayar, por contraste, la misma poderosa idea.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE FLORIDA PROJECT_Bria Vinaite y Brooklynn Prince corriendo

En lo formal, los cuidados encuadres, la elección consciente de una fotografía preciosista, muy luminosa y colorida, y ese arranque del que hablábamos antes, con una canción repleta de positivismo, suponen una acertada elección para hacer llegar el mensaje del guión al espectador. Utiliza el choque de ideas, que Eisenstein teorizó para el montaje en los años 20, para que sea la audiencia la que elabore sus propias conclusiones.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE FLORIDA PROJECT_Willem Dafoe y Brooklynn Prince

Sean Baker trata de captar la atención del público a través del desparpajo de la actriz infantil Brooklynn Prince y de la experiencia de Willem Dafoe, ya que el ritmo y la forma de contar de un largometraje independiente posee una cadencia tan particular que requiere de mayores dosis de paciencia que uno comercial. La magia brota en el momento en que de algo en apariencia deslavazado va surgiendo, muy poco a poco, una historia que tarda en conectar con la platea, pero que, en cuanto lo hace, atrapa. Merece la pena llegar a ese momento metido en el argumento para que se nos encoja el alma en un final en el que aparece por primera vez la partitura instrumental para recordarnos que nos encontramos ante una fábula del mundo real, ése que existe justo al lado del reino de fantasía que antes de construirse y llamarse Disney World era conocido como The Florida Project.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE FLORIDA PROJECT_Las dos niñas, el hotel y el arcoiris

 

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Cre film, Freestyle Picture Company, June Pictures, Sweet Tomato Films. Cortesía de Diamond Films. Reservados todos los derechos.

 

The Florida Project

Dirección: Sean Baker

Guión: Sean Baker y Chris Bergoch

Intérpretes: Brooklynn Prince, Bria Vinaite, Willem Dafoe

Música: Lorne Balfe

Fotografía: Alexis Zabe

Montaje: Sean Baker

Duración: 111 min.

Estados Unidos, 2017  

La horma de su zapato – Crítica de “El hilo invisible” (2017)

Daniel Day-Lewis lleva años despidiéndose del cine. Celoso de su intimidad, siempre huidizo de la vorágine de Hollywood, pocos directores pueden conseguir que deje su refugio para volver ante las cámaras. Uno de esos privilegiados es Paul Thomas Anderson, que le llevó a ganar un Óscar al mejor actor con Pozos de ambición, en 2007, y ha vuelto a convencerle (y a proporcionarle una nueva candidatura a la dorada estatuilla) para realizar su enésimo canto del cisne gracias a un papel expresamente escrito para él: Reynolds Woodcock, el excéntrico modisto protagonista de El hilo invisible.

Tanto es así que el propio Day-Lewis ha colaborado estrechamente en la elaboración del guión y en la construcción de un personaje basado en el diseñador de moda español Cristóbal Balenciaga; en la monacal manera de llevar su vida privada pero sobre todo en la especial relación que tenía con su trabajo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL HILO INVISIBLE_Daniel Day-Lewis y Vicky Krieps cortando tela

Woodcock se encuentra en su taller, concentrado en un nuevo diseño. Alma, su pareja, entra con una infusión que alivie su faena. Este la echa con cajas destempladas. El té se va, pero la distracción se queda aquí, conmigo. El proceso creador (que no puede ni debe ser interrumpido bajo ninguna circunstancia), la genialidad caprichosa, el peculiar carácter de un maestro definido en una certera sentencia. Cómo la ordenada vida de Reynolds Woodcock da un vuelco cuando esta joven y determinada mujer entra en su vida para convertirse en su inspiración y amante. Una musa con la necesidad de sentirse útil, de estar más que de ser, de hacer, de formar parte del arte y la vida del tipo del que está enamorada.

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La tercera pata de la mesa la compone Cyril (inquietante Lesley Manville). Un reflejo de la rebequiana señora Danvers, hermana y guardiana del virtuoso pero también consejera y, cuando la ocasión lo requiere, crítica. Un trío de personalidades a las que Buñuel habría puesto en torno a una mesa a jugar a las cartas. Y es que el espíritu del de Calanda envuelve esta crónica de una relación enfermiza, con tintes sadomasoquistas, con una posición de poder cambiante donde la sumisión y la dominación se alternan por momentos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL HILO INVISIBLE_Daniel Day-Lewis y Vicky Krieps escalera

La terna formada por Day-Lewis, Manville y la luxemburguesa Vicky Krieps resplandece bajo la sabia batuta de un Paul Thomas Anderson que remata el exquisito vestuario y la estupenda banda sonora con una impecable realización de corte clásico que raya la perfección técnica, y que se apoya en detalles de absoluta brillantez como el uso narrativo del sonido en los desayunos para subrayar el irascible carácter del protagonista.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL HILO INVISIBLE_Daniel Day-Lewis en taller

Al igual que en The Master, la frialdad y la distancia que impone una dirección sin tacha separan a esta gran película de la obra maestra. No obstante, la fascinación que produce esa puntada invisible que esconde secretos en los dobladillos de los vestidos y esa hebra imperceptible que une a los dos, e incluso a los tres, hilos conductores de esta historia provoca esa sensación de desazón que deja una huella indeleble en nuestra memoria.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL HILO INVISIBLE_Daniel Day-Lewis y Vicky Krieps

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Annapurna Pictures, Focus Features, Ghoulardi Film Company, Perfect Pictures. Cortesía de A UPI Spain. Reservados todos los derechos.

 

El hilo invisible

Dirección y guión: Paul Thomas Anderson

Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville

Música: Johnny Greenwood

Fotografía: Paul Thomas Anderson (sin acreditar)

Montaje: Dylan Tichenor

Duración: 130 min.

Estados Unidos, 2017 

Hojaldre y agua con gas – Crítica de “C´est la vie” (2017)

Que se estropee la materia prima del plato estrella del menú cuando celebras una boda de campanillas en un château de la campiña parisina supone un importante contratiempo. Preparad el hojaldre, ¡rápido! Y el agua con gas. Un vaso por cada ración individual. Un camarero veterano explica a uno recién llegado, y de paso al público, que en situaciones límite como aquella se utiliza el salvavidas que proporciona la simbiosis de un alimento contundente y el anhídrido carbónico de la bebida porque mantiene la sensación de saciedad del comensal durante unas dos horas, ganando ese tiempo para encontrar una alternativa idónea.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_C´EST LA VIE_Jean-Pierre Bacri y Eye Hadaira

En tono de comedia desenfrenada, pero sin obviar cierta hondura y un toque reflexivo, Oliver Nakache y Eric Toledano regresan a la grandeza de Intocable a través de una historia que en apenas veinticuatro horas, y en medio del frenesí que supone la organización de un banquete nupcial, narra el debate interno de Max Angély, el jefe de todo el operativo, en torno a su futuro personal y profesional.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_C´EST LA VIE_Jean-Pierre Bacri

Este es un trabajo en el que sabemos que van a surgir problemas, ¿qué haremos cuando eso suceda? Pregunta retórica de Max a su ayudante. Nos adaptamos, recita ella como un mantra. Dos palabras que transmiten otro par de conceptos esenciales, flexibilidad y capacidad de reacción, que resumen la filosofía y la manera de entender su negocio de este hombre entregado en cuerpo y alma a un oficio que, en sus propias palabras, proporciona la satisfacción de transmitir felicidad a tantas y tantas personas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_C´EST LA VIE_Gilles Lelouche

Desde el punto de vista de alguien que siempre se ha sentado en la silla del invitado resulta completamente fascinante conocer la trastienda, todo lo que se cuece entre bambalinas, el contingente técnico y humano que consigue hacerte pasar uno de los mejores días de tu vida. La concepción dinámica de la realización y la dirección de actores envuelven a la audiencia y la introducen en esta montaña rusa que no se detiene nunca y que nos deja momentos antológicos que provocan nuestras más sonoras carcajadas. Una combinación de esos planos secuencia a bordo de una steady-cam del estilo de Martin Scorsese unidos a las historias cruzadas típicas de Robert Altman.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_C´EST LA VIE_Camareros del siglo XVII

Lo que nos lleva a un referente mucho más cercano, otro genio que unía en su misma persona el gusto por esas tomas interminables en las que entraban y salían los personajes más singulares, repletos de desternillantes diálogos e ingeniosas réplicas, en esa maravillosa coralidad en la que cada secundario poseía identidad propia y enriquecía el resultado final. Realizar un paralelismo de C´est la vie con el legado de Luis García Berlanga, y más en concreto con una obra maestra como Plácido, tal vez parezca un sacrilegio por parte de este cronista, pero ese repaso a la realidad social francesa en clave humorística e incluso melancólica, con el gran Jean-Pierre Bacri como una fusión de los roles de López-Vázquez y Cassen, va mucho más allá de una simple comedia al uso.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_C´EST LA VIE_Jean-Paul Rouve y Jean-Pierre Bacri

 

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Copyright imágenes  ©  Quad Productions, Ten Films, Gaumont, Main Journey, Panache Productions. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

C´est la vie

Dirección y guión: Olivier Nakache y Eric Toledano

Intérpretes: Jean-Pierre Bacri, Eye Adaira, Gilles Lellouche

Música: Avishai Cohen

Fotografía: David Chizallet

Duración: 117 min.

Francia, Canadá, Bélgica, 2017  

El primer borrador de la historia – Crítica de “Los archivos del Pentágono”

Todo el mundo creyó que la estupenda El dilema (Michael Mann, 1999) abordaba la polémica en torno a las grandes tabacaleras en Estados Unidos. Su visionado dejaba a las claras que el verdadero fondo del filme buceaba en las corporaciones audiovisuales y sus noticiarios estrella. Con este trabajo nos encontramos ante un caso similar. El título para su distribución en España nos remite a una trama política de suspense, excusa argumental para trasladar al espectador el verdadero meollo tras el guión: los límites de la información, el conflicto de ésta con asuntos de seguridad nacional y, en última instancia, el salto de calidad de un diario, capitalino aunque local, para convertirse en cabecera de referencia en el periodismo de investigación no solo en Estados Unidos sino a nivel mundial.

The Post

El original, The Post, hace referencia a la denominación popular del The Washington Post, una clara pista del camino elegido por el largometraje. El contexto no puede ser más atractivo: la toma del control del consejo de administración del rotativo por parte de la viuda del anterior rector en un periodo convulso en el que coinciden simultáneamente la obligada salida a bolsa de la compañía y las reticencias que puedan causar en los posibles inversores la publicación de documentos filtrados de alto secreto que dejan al descubierto treinta años de mentiras de las distintas administraciones de la Casa Blanca concernientes a su relación con Vietnam.

THE POST

Con la libertad de prensa como telón de fondo, el foco queda fijado en el desencuentro entre la propiedad de esta empresa familiar (y los intereses de los socios capitalistas que la sostienen) y la profesionalidad de los periodistas que tratan de conseguir las mejores noticias para sus lectores. Las dos vertientes del negocio están personificadas en Kay Graham (Meryl Streep), esa mujer que se ha encontrado con este caramelo envenenado y a la que ningunean como gestora eficiente, en una muestra del machismo imperante en los años 70 que por desgracia todavía sigue coleando en pleno siglo XXI, y Ben Bradlee (Tom Hanks), el responsable de que el Post mantenga su independencia sobre intereses políticos y económicos y encargado de insuflar el virus del inconformismo en sus redactores.

THE POST

Spielberg continúa por la senda abierta con Lincoln desarrollando temas complejos que apelan al espíritu crítico del público. Los periódicos son el primer borrador de la historia, dice uno de los personajes, una declaración de intenciones del director, que en esta etapa de su carrera busca profundidad apelando a argumentos ya planteados por la pequeña pantalla, The Newsroom, y en los que también ha hincado el diente el cine, La sombra del poder o Spotlight.

THE POST

Esta imponente obra, que libreto y realizador sitúan con sus guiños como el prólogo canónico a la magnífica Todos los hombres del presidente, nos lega una sentencia que a muchos nos gustaría ver enmarcada en letras doradas (por muy utópico que parezca) en todas las redacciones de los medios de comunicación que nos rodean: «La prensa debe servir a los gobernados, no a los gobernantes».

THE POST

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Copyright imágenes  ©  Amblin Entertainment, Dreamworks, Participant Media, Pascal Pictures. Cortesía de Entertainment One Spain. Reservados todos los derechos.

 

Los archivos del Pentágono

Dirección: Steven Spielberg

Guión: Liz Hannah y Josh Singer

Intérpretes: Maryl Streep, Tom Hanks, Bob Odenkirk

Música: John Williams

Fotografía: Janusz Kaminski

Montaje: Sarah Broshar

Duración: 116 min.

Estados Unidos, 2017 

El genio de un tipo subversivo – Crítica de “Tres anuncios en las afueras” (2017)

El comienzo del final del caso Diana Quer ha vuelto a abrir un debate que con mucho dolor surge cada vez que una joven es violada y/o asesinada de manera vil y cobarde. A uno se le encoge el alma cuando recuerda a Sandra Palo, a Marta del Castillo o a la mencionada Diana Quer. ¿Se debe cambiar el código penal para casos del cariz de los mencionados? Y en caso afirmativo, ¿cómo habría que hacerlo?

Esa misma controversia entre el punto de vista de la familia afectada, la labor de la autoridad competente y las armas jurídicas que tiene ésta para luchar contra esta lacra se exponen de manera brillante, irónica e ingeniosa en este drama vestido de comedia negra narrada con ese aire inclasificable aunque perfectamente reconocible que el británico Martin McDonagh aporta a todos sus trabajos. Este aficionado a subvertir los géneros para ofrecer una visión sorprendente de los mismos ha ido depurando su estilo, primero con Escondidos en Brujas, más tarde a través de 7 psicópatas, hasta alcanzar su cénit creativo en esta obra absolutamente redonda.

THREE BILLBOARDS OUTSIDE OF EBBING, MISSOURI

Mildred decide alquilar tres vallas publicitarias de gran tamaño que llevan tiempo sin ser utilizadas para colocar en cada una de ellas una frase en enormes letras mayúsculas negras sobre fondo rojo. 1ª VIOLADA MIENTRAS MORÍA. 2ª ¿TODAVÍA NO HAY ARRESTOS? 3ª ¿POR QUÉ SHERIFF WILLOUGHBY? Su objetivo, que el caso del cruel asesinato de su hija no caiga en el olvido. La contrapartida, la animadversión de todo un pueblo que quiere y respeta a la cabeza visible de la policía local.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS_Sam Rockwell y Frances McDormand

Se produce una curiosa relación amor odio entre esta madre coraje, que puede proporcionarle a Frances McDormand su segundo Premio de la Academia, y los dos funcionarios armados encarnados por Sam Rockwell y Woody Harrelson. En el caso del primero, su retrato del alcohólico, racista y homófobo oficial se ciñe de manera canónica al arquetipo que todos tenemos en mente. En cambio Harrelson construye un sheriff Willoughby memorable que empatiza con el pesar de esa mujer a pesar de sus discrepancias, un rol primorosamente escrito e interpretado cuya percepción va cambiando a ojos del espectador y que debería ser reconocido con un merecidísimo Óscar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS_Woody Harrelson y Frances McDormand

El magnífico guión, obra del propio realizador, escudriña dentro de cada una de las zonas grises de tan funesto acontecimiento sabiendo encontrar el tono adecuado para no resultar en absoluto irrespetuoso con el delicado asunto que se trae entre manos, presentando a cada personaje con sus virtudes y sus miserias, siendo capaz de no tomar partido por ninguno de ellos y planteando a la audiencia un puñado de interesantes cuestiones. ¿Han hecho los cuerpos de seguridad todo lo que estaba en su mano para intentar identificar y detener al culpable o culpables? ¿Están en su derecho a ejercer una presión de este tipo los seres queridos de la víctima? ¿Sería lícito intentar tomarse la justicia por su mano? ¿Podrían la implicación, el dolor y el sufrimiento equivocar a quien lo hiciese?

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS_Frances McDormand

 

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Blueprint Pictures. Cortesía de 20th Century Fox España. Reservados todos los derechos.

 

Tres anuncios en las afueras

Dirección y guión: Martin McDonagh

Intérpretes: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell

Música: Carter Burwell

Fotografía: Ben Davis

Montaje: John Gregory

Duración: 115 min.

Reino Unido, Estados Unidos, 2017

Instinto de supervivencia – Crítica de “Molly´s game” (2017)

A Miguel Urabayen, maestro en la divulgación del cine.

El éxito es la capacidad de ir de fracaso en fracaso sin perder el entusiasmo. La cita de Winston Churchill que cierra esta película encierra una filosofía de vida que encaja, no solo con las circunstancias de la protagonista, sino con las de tantas personas que se han visto en la necesidad de empezar de cero una y mil veces. Porque, no nos engañemos, si buceamos tras la azarosa trayectoria de Molly Bloom llegamos a la conclusión de que este filme nos está hablando realmente del instinto de supervivencia y de la facultad de reinventarse del ser humano.

MOLLY'S GAME

El prestigioso guionista Aaron Sorkin debuta en la realización con la adaptación de su puño y letra de Molly´s game, el libro autobiográfico que levantó ampollas en Hollywood. En el centro del relato, la bautizada por la prensa como Princesa del Póker por las ostentosas timbas que organizaba para millonarios de todo tipo clase y condición. Con ella, Sorkin ha seguido un proceso similar al desarrollado para diseccionar en carne viva el cuerpo y alma de figuras tan controvertidas como las de Mark Zukerberg o Steve Jobs, sin temor a que afloren los recovecos más ocultos de su psique.

MOLLY'S GAME

Los consejos de su amigo David Fincher han derivado en una puesta en escena agresiva y sin complejos, que basa su efectividad tanto en la habilidad del creador de El ala oeste para escribir diálogos trepidantes repletos de contenido narrativo, como en un montaje avasalladoramente brillante que refuerza la ingeniosa estructura en flashbacks sucesivos, marca de la casa, que va completando el dibujo de un personaje tan complejo como Molly Bloom.

MOLLY'S GAME

La elegida para recrear la vida de esta mujer es, probablemente, la mejor actriz del momento. Jessica Chastain desarrolla un rol que conoce perfectamente, ya que comparte su perseverancia, inteligencia y su dureza con trazas de vulnerabilidad con viejas conocidas de la interprete como Maya, la militar de La noche más oscura, o la abogada Elizabeth Sloane de El Caso Sloane. Una candidatura al Óscar puede esperarle a la vuelta de la esquina, la misma que al libreto de su director. El tercer nombre propio del filme, Kevin Costner, que en una segunda juventud se ha convertido en todo un robaescenas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MOLLY´S GAME_Kevin Costner y Jessica Chastain

Sorkin, tan demoledor como acostumbra en los instantes iniciales, vuelve a epatar. Un tipo con multitud de recursos cuando se sienta frente a un teclado, capaz de definir al creador de Facebook en cinco minutos de vértigo convertidos en conversación o de sacarse de la chistera un brutal monólogo mordazmente crítico con su propio país, posee el genio suficiente para montar desde el minuto cero al espectador en su particular montaña rusa. La voz en off de Molly Bloom interpela a la audiencia entre espectaculares imágenes de un descenso de esquí acrobático en la modalidad de mogul. ¿Qué es lo peor que te puede pasar en el deporte? ¿Perder? Alguien aseguró que quedar cuarta en unos Juegos Olímpicos. Solo puedo decirle a esa persona, ¿en serio? ¡Que te jodan!

MOLLY'S GAME

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  STX Entertainment, Huayi Brothers Pictures, The Mark Gordon Company, Pascal Pictures, Entertainment One. Cortesía de Entertainment One Spain. Reservados todos los derechos.

 

Molly´s game

Dirección: Aaron Sorkin

Guión: Aaron Sorkin, basado en la novela homónima escrita por Molly Bloom

Intérpretes: Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner

Música: Daniel Pemberton

Fotografía: Charlotte Bruus Christensen

Montaje: Alan Baumgarten, Elliot Graham, Josh Schaeffer

Duración: 140 min.

Estados Unidos, China, 2017

En nombre de mi padre – Crítica de “Una bolsa de canicas” (2017)

Apenas cinco segundos después de entregar a cada uno de sus vástagos 10000 francos para que huyan de París camino de la Francia libre, Roman Joffo les hace jurar que bajo ningún concepto le dirán a nadie que son judíos. Jo, ¿eres judío? No. El tortazo resuena como un látigo sobre la mejilla izquierda del más joven, que le mira atónito. Se lo pregunta en su lengua materna. No, exclama, y recibe otra bofetada. Nunca contestes cuando te hablen en yiddish. Continúa el interrogatorio. Sé que lo eres. Su gesto permanece serio, crispado. Vamos, dímelo, ¿eres judío? El pequeño rompe a llorar. Su padre lo abraza, le acaricia el pelo y le pide perdón. Más vale encajar un golpe doloroso que perder la vida por miedo a recibirlo.

Un Saco de Canicas

La novela Un saco de canicas fue llevada al cine por primera vez en 1975, dos años después de su publicación. Esta segunda adaptación vuelve a narrar en primera persona las traumáticas experiencias de Joseph Joffo en el marco de la Segunda Guerra Mundial, durante la ocupación nazi del país vecino, y su huida al sur junto a su hermano mayor Maurice.

Tournage Un sac de Billes

La esperanza y las emociones no le son ajenas a una historia que afronta los horrores del conflicto armado lanzando una mirada luminosa y positiva sobre el género humano que intenta sobreponerse a la barbarie cometida por las tropas germanas, sin dejar de subrayar el deleznable trato al que parte de la población sometió a sus propios compatriotas.

Tournage Un sac de Billes

El colaboracionismo del gobierno del Mariscal Pétain y de buena parte de la ciudadanía con el nazismo se ha convertido en un tema recurrente en el cine francés en un intento de que nadie olvide unos hechos que forman parte del muro de la vergüenza de la cuna de la Revolución. Precisamente su lema, «Libertad, igualdad, fraternidad», fue subvertido por el régimen de Vichy para convertirlo en «Trabajo, familia y patria», como bien refleja en clave contemporánea La maestra de historia, o en un acercamiento similar al de este largometraje, La llave de Sarah, haciendo patente que la herida todavía supura como ya lo hacía en la época de la mismísima Casablanca.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA BOLSA DE CANICAS_Frente al Mediterráneo

Más allá de la temática bélica y de la irrespirable atmósfera entre paisanos, lo más conmovedor de la cinta lo recoge esa mirada tierna y llena de admiración de un chaval de diez años que, en unas circunstancias excepcionales, ensalza la figura de su progenitor. La película se convierte en una conversación, un homenaje, una carta de amor al padre y a sus enseñanzas en un periodo convulso y complicado en el que dar ejemplo a tus hijos podía costarte la vida. El cantante y actor Patrick Bruel transmite esa mezcla de firmeza, determinación y protección utilizando la crudeza cuando la situación lo requiere o inspirando a su benjamín con un manual de supervivencia tan sabio como sencillo. No hay que mirar hacia atrás cuando se camina, si lo haces, te vas a caer.

Tournage Un sac de Billes

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Quad Productions, Main Journey. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

Una bolsa de canicas

Director: Christian Duguay

Guión: Jonathan Allouche, Alexandra Geismar, Chritstian Duguay y Benoit Guichard, basado en la novela Un saco de canicas de Joseph Joffo

Intérpretes: Dorian Le Clech, Batyste Fleurial, Patrick Bruel

Música: Armand Amar

Fotografía: Christophe Gralliot

Duración: 110 min.

Francia, Canadá, República Checa, 2017

Nostalgia por los videojuegos – Crítica de “Jumanji: Bienvenidos a la jungla” (2017)

La gran expectación que despertó Jumanji en 1995 debido a su deslumbrante despliegue visual resultó directamente proporcional a la decepción provocada después. Una gran idea malograda por haber equivocado el camino del libro a la película. Enésimo caso en que el largometraje en cuestión es fagocitado por espectaculares efectos especiales en lugar de que estos funcionen al servicio de un buen guión.

Con esta percepción como única referencia, la perspectiva ante este remake no invitaba precisamente al optimismo. Lo maravilloso de acudir a una sala de cine dispuesto a dejarse sorprender es que el lienzo en blanco que se extiende delante puede emborronarse con garabatos y manchas informes o terminar poblado de audaces trazos y colores. Por fortuna la combinación de formas y pigmentos que ha esbozado el inspirado pintor nos ha deparado una más que agradable sorpresa.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JUMANJI-BIENVENIDOS A LA JUNGLA_Jack Black, Nick Jonas, Karen Gillian, Dwayne Johnson y Kevin Hart

Cuatro estudiantes con diferentes y arquetípicos perfiles son castigados y obligados a realizar una tarea conjunta en el instituto para expiar sus diversas trastadas. En el transcurso de su “reclusión” encontrarán una vieja consola de los años 90 que al encenderla los arrastrará al interior del videojuego “Jumanji”, transformando a cada uno de ellos en el personaje escogido para iniciar la partida.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JUMANJI-BIENVENIDOS A LA JUNGLA_Kevin Hart, Dwayne Johnson, Karen Gillian y Jack Black

Magníficas ideas como la transmutación de la versión clásica de tablero en una aventura conversacional permiten al libreto dar rienda suelta a su vena cómica de modo que cada carácter encuentre prácticamente su opuesto en su alter ego cibernético. Así el típico empollón retraído se transforma en el osado y cachas Dwayne Johnson (su personalidad y su capacidad para la autoparodia, impagables); la rebelde, inteligente, pero inadaptada en guerra con todo el mundo, pasa a ser un despampanante y atlético clon de Lara Croft; el jugador estrella del equipo de baloncesto aparece convertido en el retaco e hilarante contrapunto del héroe y la rubia cañón encantada de conocerse a sí misma…

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JUMANJI-BIENVENIDOS A LA JUNGLA_Dwayne Johnson, Karen Gillian y Jack Black

Las referencias, inagotables. El club de los cinco constantemente por aquí y por allí, las Ray Ban de Top gun, el Baby I love your way que escuchamos en Reality Bites como tronchante y recurrente acompañamiento y todos los convencionalismos de los arcades en los que hemos dejado cientos de monedas o que hemos cargado con una cinta de casette en nuestros ordenadores, con un recuerdo muy personal a la irrepetible versión para máquinas recreativas del Trivial Pursuit y sus extravagantes avatares.

Jumanji: En La Selva

La tecnología digital, el montaje, la fotografía, los efectos de sonido, la excelente banda sonora y un reparto equilibrado subordinados a un magnífico texto. Una cinta de aventuras excelentemente escrita que ha sabido superar a su predecesora poniéndola al día y en la que no falta un punzante y acertado sentido del humor sin dejar de lado otros aspectos, que aprendimos aporreando teclas o descoyuntando joysticks, como la importancia del trabajo en equipo y de las habilidades que pueda aportar cada miembro del grupo para superar adversidades. Ah, y como no podía ser de otra manera, con la guinda final de los Guns N´ Roses.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JUMANJI-BIENVENIDOS A LA JUNGLA_Con la selva de fondo

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Matt Tolmach Productions, Radar Pcitures, Seven Bucks Productions, Sony Pictures Entertainment. Cortesía de Sony Pcitures España. Reservados todos los derechos.

 

Jumanji: Bienvenidos a la jungla

Director: Jake Kasdan

Guión: Chris McKenna, Erik Sommers, Scott Rosemberg y Jeff Pinkner, basado en el libro Jumanji de Chris Van Allsburgh

Intérpretes: Dwayne Johnson, Karen Gillan, Kevin Hart

Música: Henry Jackman

Fotografía: Gyula Pados

Duración: 119 min.

Estados Unidos, 2017

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