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Como en los años 80 – Crítica de “Bumblebee” (2018)

Desde su primer episodio la saga Transformers no ha despertado ningún interés en esta alma cinéfila. Cinco largometrajes, dirigidos todos ellos por uno de los iconos del cine de acción con aspecto de videoclip, Michael Bay, cuyo interés dramático menguaba a medida que el ordinal aumentaba. En cuanto a Bumblebee, precuela de todas ellas, ¿qué podría sacarnos de la monotonía de sus predecesoras? Sentido del humor, aventura, pero, más que nada, una trama de personajes, de sentimientos, con un peso en el guión mucho más determinante que los segmentos de efectos especiales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BUMBLEBEE_Hailee Steinfeld en el garaje con el escarabajo

1987. El joven Autobot del título es enviado a la Tierra para esconderse de los malvados Decepticons. Una chica, huérfana de padre y aficionada a la mecánica, en las vísperas de su decimo octavo cumpleaños se topa con el tímido androide que se ha ocultado transformándose en un Volkswagen escarabajo de color amarillo. Maltrecho por los combates, ha perdido su módulo de voz y su única manera de comunicarse con ella es a través de las canciones que suenan en el radiocasete del vehículo. La joven se siente desamparada, la máquina, sola y desvalida. Un vínculo fraternal entre ambos llena ese vacío. Son dos orfandades que se encuentran.

BUMBLEBEE

Steven Spielberg aparece entre los productores, evidencia clara de este positivo cambio de tendencia que ha venido acompañado de un relevo en la realización. Se ha elegido a Travis Knight, que triunfó con Kubo y las cuerdas mágicas, para potenciar y otorgar toda la preponderancia requerida a las relaciones humanas sin dejar de lado un pulso resolutivo para las secuencias de acción pura. Que una de las mejores actrices jóvenes del Hollywood actual encabece el reparto supone toda una declaración de intenciones. Hailee Steinfeld se erige en pieza clave para transmitir esa ternura y complicidad que surge entre su Charlie y el grandullón amarillo con el que comparte pantalla.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BUMBLEBEE_Hailee Steinfeld y Bumblebee

El paso de un cabeza de cartel masculino a uno femenino, la duración por debajo de las dos horas y la renovación en la dirección se unen a una concepción por parte del artífice de E.T. de un filme al estilo de los que se estrenaban en la década de los 80, repleto de referencias musicales, televisivas y cinematográficas que no pasarán desapercibidas para la parte de la platea que supere la cuarentena. Los ecos a Juegos de guerra y a todos aquellos éxitos ochenteros producidos por el propio Spielberg, como Regreso al futuro, Los Goonies o El chip prodigioso, cuya fórmula reproduce con excelente criterio y resultado, no son óbice para que los niños y adolescentes queden seducidos por el relato sin apartar la mirada de la parte robótica.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BUMBLEBEE_Bumblebee salta por encima de un coche

Muchos de los que os vais a acercar al cine no habíais nacido por aquel entonces. Desde aquí, un reto: averiguad (y no os perdáis) la película que ve la pareja protagonista en el garaje, aquella que culmina con ese puño en alto y una canción que firma también los minutos finales de este trabajo, Don´t you (forget about me).

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BUMBLEBEE_Hailee Steinfeld y Bumblebee sombra

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Alspark Pictures, Bay Films, Paramount Pictures, Di Bonaventura Pcitures, Hasbro. Cortesía de Paramount Pictures Spain. Reservados todos los derechos.

 

Bumblebee

Dirección: Travis Knight

Guion: Christina Hodson

Intérpretes: Hailee Steinfeld, Jorge Lendeborg Jr., John Cena

Música: Dario Marianelli

Fotografía: Enrique Chediak

Montaje: Paul Rubell

Duración: 114 min.

Estados Unidos, 2018

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No apta para adultos – Crítica de “El regreso de Mary Poppins” (2018)

Travers Goff. Él tuvo la culpa de todo. La mala vida que dio a su hija Helen generó primero un seudónimo, P.L. Travers (ella quiso utilizar el nombre de pila de su padre), y, más tarde, un personaje que quedó para siempre en la literatura y el cine, Mary Poppins. Parecerá un sacrilegio, pero resulta mucho más interesante la escritora y la película que la retrata y habla de cómo se terminó filmando la adaptación de Disney de las aventuras de su creación más emblemática, Al encuentro de Mr. Banks, que las propias traslaciones a la pantalla grande de sus libros.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL REGRESO DE MARY POPPINS_Emily Blunt de pie

Han pasado 54 años desde que se rodó la Mary Poppins de Julie Andrews, el periodo más largo entre un largometraje y su secuela. La acción en El regreso de Mary Poppins pasa de principios de siglo a los años 30, en plena depresión económica. Nos seguimos encontrando en Londres, en el número 17 de la calle del Cerezo. Michael y Jane han crecido. Él es viudo y tiene dos hijos. De nuevo, las garras del banco se alzan contra ellos amenazando con quitarles su casa si no devuelven el préstamo de la hipoteca en cinco días. Entre ese mar de negros nubarrones surge una silueta conocida que baja del cielo paraguas en mano. Mary Poppins ha vuelto.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL REGRESO DE MARY POPPINS_Emily Mortimer, Emily Blunt y Ben Wishaw

El crédito del director de Chicago, Rob Marshall, tras su éxito inicial en el musical, ha ido menguando en sus siguientes incursiones dentro del género. Nine e Into the Woods no brillaron a la altura de lo esperado. Aquí ha optado por la fidelidad al original, tanto en lo argumental como en lo formal. Si bien el rodaje en exteriores londinenses aporta una dosis de realismo que supera los decorados de estudio de la versión de los sesenta y las secuencias que mezclan imagen real y animación se han realizado utilizando la técnica tradicional, a mano, otorgando una pátina nostálgica que lo digital no hubiese conseguido, el tono del guión, excesivamente infantil rayando en lo empalagoso, va dejando fuera de juego, minuto a minuto, a cada espectador adulto que se haya acercado a la sala bien en solitario, bien acompañando a hijas, sobrinos o nietas.

Film Review - Mary Poppins Returns

Los pequeños disfrutarán de su primer encuentro con la niñera de cabo a rabo, el resto hemos de esperar hasta el tramo final para que la película sea capaz de captar nuestro interés a través de destellos intermitentes en la resolución de la trama, gracias a guiños a su clásica hermana mayor en forma de apariciones sorpresa y referencias a canciones como Feed the birds o Let´s go fly a kite, y secuencias cuya iluminación y coreografía nos traen recuerdos de Un americano en París. Muy a nuestro pesar, el libreto vuelve a las andadas en un epílogo que incrementa una excesiva duración, lastrada por momentos prescindibles como la aparición episódica de Meryl Streep, que sumada a la errónea elección en el casting de Lin-Manuel Miranda nos deja un amargo sabor a decepción.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL REGRESO DE MARY POPPINS_Lin-Manuel Miranda, Emily Blunt y los niños en el carruaje

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Copyright imágenes  ©  Lucamar Productions, Marc Platt Productions, Walt Disney Pictures. Cortesía de Walt Disney Studios España. Reservados todos los derechos.

 

El regreso de Mary Poppins

Dirección: Rob Marshall

Guión: David Magee, basado en las historias de “Mary Poppins” de P.L. Travers

Intérpretes: Emily Blunt, Lin-Manuel Miranda, Ben Whishaw

Música: Mark Shaiman y Scott Whitman

Fotografía: Dion Beebe

Duración: 130 min.

Estados Unidos, 2018

La sensación del miércoles – Crítica de “Yuli” (2018)

El bailarín evoluciona por la pista al son de una música lúgubre encerrado en el círculo de luz que desprende un foco que proyecta varias sombras que lo cruzan simulando los barrotes de una celda. Cuando termina la rutina, Carlos Acosta se acerca a su alter ego en el escenario y le interpela golpeándole con fuerza en el pecho. Quiero que me des más. Quiero que te afecte, que te duela. Es el dolor de la vida. A eso lo llamaba yo la sensación del miércoles. Es la soledad que he sentido toda mi vida y que todavía siento de adulto. El miércoles era el día de visitas. Todos los niños estaban acompañados. Ni mi padre, que trabajaba con el camión, ni mi madre, enferma, podían venir a verme, y yo sufría una soledad inmensa.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YULI_Carlos Acosta ensayo

Esta secuencia surge como eco a las imágenes que muestra la llegada de un Carlos Acosta adolescente a la escuela de danza de Pinar del Río. Solo y desvalido. Una prisión para él. Se encuentra en mitad de un largometraje que contiene una película y un ballet que narran la vida del bailarín cubano y discurren en paralelo, pasado y presente. A raíz del montaje de esa pieza que recrea su existencia, Acosta rememora cómo se inició en el mundo del baile y la peculiar relación que siempre tuvo con su progenitor.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YULI_Keyvin Martínez y Santiago Alfonso

La filmografía de Icíar Bollaín ha ido oscilando entre lo sublime y lo meramente interesante. Entre lo más granado, Te doy mis ojos y El olivo, su último trabajo. Yuli mantiene ese nivel de excelencia durante los primeros cuarenta minutos. A partir de ahí el argumento comienza a plegarse sobre sí mismo, a hacerse reiterativo. La indudable belleza de las coreografías que impregna las secuencias musicales conlleva un problema, su redundancia. Cuentan algo que ya hemos visto a través de flashbacks de modo que, en lugar de actuar como recurso narrativo para que avance la trama, se limitan a repetir información. Así, la cinta se ve lastrada en cuanto a duración. Esto se podría haber solucionado, de manera creativa, optando por mostrar ciertos pasajes de forma clásica y otros a través de la danza o, incluso, alternándose, algo que se llega a insinuar en ciertos momentos y que aporta agilidad y ritmo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YULI_Carlos Acosta niño asombra bailando

En el fondo quedan los temas del sentimiento de pertenencia, la identidad, el origen. Qué significa ser negro y nieto de esclavos, no ya en la sociedad cubana, sino dentro de tu propia familia. El baile como camino hacia la libertad pero sin olvidar las raíces, a pesar de los consejos y unas relaciones paterno filiales un tanto borrascosas. Todo, lamentablemente, en un filme irregular, con más altos que bajos, pero que no deja de ser una montaña rusa cuando podría aspirar a lo máximo de haber sido capaz de condensar el relato a través del montaje, evitando circunloquios innecesarios y utilizando los segmentos balletísticos a modo de metáfora y de forma complementaria a las secuencias que relatan el azaroso periplo vital de Carlos Acosta.

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Copyright imágenes  ©  Morena Films, Potboiler Productions, Match Factory Productions, BBC Films, Galápagos Media. Cortesía de EOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

 

Yuli

Dirección: Icíar Bollaín

Guión: Paul Laverty y Carlos Acosta, basado en la autobiografía de este último “No way home”

Intérpretes: Carlos Acosta, Santiago Alfonso, Laura de la Uz

Música: Alberto Iglesias

Fotografía: Alex Catalán

Duración: 115 min.

España, Cuba, Reino Unido, Alemania, 2018

De cómo Donald Trump llegó a la Casa Blanca – Crítica de “Robin Hood. Forajido, héroe, leyenda” (2018)

La última campaña a las presidenciales en Estados Unidos trajo acontecimientos nunca antes vistos en unas elecciones, eventos que han suscitado gran cantidad de análisis. Las primarias del partido demócrata en las que el proyecto más beligerante y revolucionario de Bernie Sanders se vio sobrepasado por la propuesta moderada del establishment, Hilary Clinton. Frente a ella, Trump, sorprendentemente victorioso en el bando republicano. Sus arengas a las masas con un discurso xenófobo, nacionalista y populista. La intervención de un enemigo tradicional, Rusia, a través de las redes sociales, para, por medio de noticias falsas, minar la imagen de la candidata y favorecer los intereses del magnate para llevarlo al poder. El extraño vínculo del ahora presidente con Putin.

¿Qué relación guarda esto con Robin Hood? Una segunda lectura del argumento de esta adaptación libre de las aventuras del arquero de Sherwood aporta un subtexto que funciona como metáfora de los últimos dos años de política en el país de las barras y estrellas. Además, lanza otro mensaje meridianamente claro y pegado a la actualidad acerca de la redistribución de la riqueza: los ricos han aprovechado la crisis para acumular más dinero a costa de empobrecer a la población haciendo desaparecer la clase media.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ROBIN HOOD_Ben Mendelsohn

Este es uno de los alicientes que puede encontrar el cinéfilo escéptico en una cinta que narra el regreso de las cruzadas de un Robin de Loxley que, aliado con ex combatiente árabe, planea una ambiciosa revuelta contra el corrupto Sheriff de Nottingham, que pretende hacerse con el trono de Inglaterra con ayuda de la iglesia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ROBIN HOOD_Jamie Foxx y Taron Egerton

Pronto vamos a comprobar que no nos encontramos ante una versión al uso del mito y por lo tanto no apta para todos los paladares. Nos recuerda en su planteamiento al proyecto de Guy Pierce para modernizar el personaje del rey Arturo. Observamos en los primeros minutos que la magnífica dirección artística se toma ciertas libertades en las que encontramos anacronismos que van mucho más lejos en el aspecto de un vestuario tan atractivo como atemporal.

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Persigue ganar para el cine a los espectadores de las últimas generaciones que han crecido al abrigo de las nuevas tecnologías pero también del cómic, optando por una visión contemporánea que acerca la plasmación audiovisual de la historia al noveno arte, cuidando los aspectos técnicos a la hora de rodar y montar secuencias de acción tanto como los fastuosos decorados y el variopinto fondo de armario, y jugando en los créditos iniciales y finales con esas viñetas que suponen un claro guiño a su público objetivo.

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Habrá a quien esta propuesta, que se aparta de lo tradicional para convertir a Robin Hood en un héroe de acción del siglo XXI, le saque del canon de lo que esperaba ver provocándole un rechazo inmediato. Por el contrario, si se aceptan los presupuestos de la película y entramos en el juego que nos plantea, sin más pretensiones que las de gozar de dos horas de entretenimiento, se disfrutará de un producto que sabe lo que busca.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Summit Entertainment, Appian Way, Safehouse Pictures, Thunder Road Pictures. Cortesía de EOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

 

Robin Hood. Forajido, héroe, leyenda.

Dirección: Otto Bathurst

Guión: Ben Chandler, David James Kelly

Intérpretes: Taron Egerton, Jamie Foxx, Eve Hewson, Ben Mendelsohn

Música: Joseph Trapanese

Fotografía: George Steel

Montaje: Chris Barwell y Joe Hutshing

Duración: 116 min.

Estados Unidos, 2018

Arrastradas por las circunstancias – Crítica de “Viudas” (2018)

Durante el visionado de la película un punto de inflexión en la trama nos hace albergar esperanzas de cara a los minutos restantes. El déjà vu es muy intenso y nos evoca inmediatamente a Perdida, el magnífico thriller que David Fincher extrajo de la novela homónima de Gillian Flynn. Cuando un filme guarda sus créditos principales para el final propone un juego al espectador atento y con inquietudes cinéfilas. Ir descubriendo al reparto intérprete a intérprete, a medida que se van asomando a la pantalla, o tratar de adivinar a oído quién se esconde tras la partitura de la banda sonora son algunos de los divertimentos que nos procura esta práctica. Unas veces surge la sorpresa, otras, la confirmación de que nos encontrábamos en lo cierto. No fue nada disparatado encontrar el nombre de Gillian Flynn junto al de Steve McQueen en el apartado dedicado al guión.

La constancia de que el germen de esta historia se halla en una miniserie que la BBC estrenó a principios de los 80 (y que marcó a un McQueen adolescente) nos lleva a pensar en una puesta al día de un mito del fervor televisivo de un chaval londinense amante del arte de las imágenes en movimiento.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VIUDAS_Vila Davis y Liam Neeson cama

Viudas cuenta cómo tres mujeres que han perdido a sus parejas en un atraco frustrado se ven obligadas a conocerse y a colaborar para hacer frente a la deuda que han “heredado” de manera involuntaria.

WIDOWS

Diversos planos temáticos se entrecruzan en esta cinta que, amén de la acción que conlleva la organización y ejecución de un golpe, entra a fondo en los aspectos psicológicos de personajes en situaciones límite, proponiendo una estructura a partir de un montaje paralelo en el que vamos pasando de manera coral por toda la fauna de tipos, tipas y tipejos que forman parte de una tela de araña en la que todos se encuentran interconectados. El peso de los flashbacks, elemento imprescindible en una trama de cine negro, resulta crucial. La alusión a Perdida, que veíamos más arriba, se antoja inevitable, pero los aspectos recién comentados nos remiten además a Heat, de Michael Mann, donde se desdibujaban brillantemente los conceptos de héroe y villano.

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En el haber de McQueen y Flynn, su mala baba a la hora de retratar sin tapujos ni sordina las miserias de la política o la violencia policial y racista en Estados Unidos. Los roles de unos inspirados Colin Farrell y Robert Duvall aportan las reflexiones más certeras. El peso femenino del reparto cobra más interés, al igual que el propio relato, a partir del giro crucial de la narrativa del que hablábamos inicialmente. Hasta entonces, y esto lo apuntamos en el debe de dirección y guión, dudas generadas por una indefinición que no hace avanzar la trama ni nos permite aventurar la solvencia y agilidad postreras; una primera mitad a la que le sobran numerosos circunloquios y cierta condescendencia con la audiencia, subrayando innecesariamente detalles que de forma sutil ya habían sido captados.

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Copyright imágenes  ©  See-Saw Films, Film4, New Regency Pictures, Regency Enterprises. Cortesía de 20th Century Fox Spain. Reservados todos los derechos.

 

Viudas

Dirección: Steve McQueen

Guión: Steve McQueem y Gillian Flynn, a partir del guión televisivo de Lynda La Plante

Intérpretes: Viola Davis, Michelle Rodríguez, Elizabeth Debicki

Música: Hans Zimmer

Fotografía: Sean Bobbitt

Montaje: Joe Walker

Duración: 129 min.

Reino Unido, Estados Unidos, 2018

La mano que sostiene la pluma – Crítica de “Colette” (2018)

Según cómo se hubiesen desarrollado los acontecimientos ahora mismo no tendríamos películas como Gigi o Te querré siempre. La magia del cine que llevó a Leslie Caron a la Francia de principios de siglo XX o nos hizo viajar hacia Nápoles en coche no se habría producido de no haber brotado sendos relatos de la pluma de Colette. Eso estuvo a punto de no suceder, de desvanecerse bajo el nombre del hombre que se casó con ella y explotó su ingenio. Un tipo brillante en cuanto a su visión del marketing y de los negocios pero que dejaba mucho que desear cuando se trataba de reconocer el verdadero talento que se escondía en las páginas de sus libros y reseñas teatrales.

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Por aquel entonces se llamaba Sidonie-Gabrielle y apenas contaba 19 primaveras. El que más tarde se convertiría en su seudónimo era su apellido. De extracción humilde, su matrimonio con Willy, un escritor parisino de éxito, le lleva a la capital desde su pequeño pueblo de la campiña gala. Pronto se da cuenta de que su marido tan solo firma los artículos que realizan periodistas a sueldo siguiendo fielmente las instrucciones de su jefe. El afán dilapidador de éste le lleva a pedir a su esposa que escriba una novela para él. El texto semi-autobiográfico sobre una niña llamada Claudine se convierte en todo un fenómeno en el París de 1900.

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De esa premisa surge un abanico de temas atrayentes en los que profundiza un guión sin tabúes basado en la vida de esta artista multidisciplinar pionera en la sociedad de su época. Por un lado destaca la personalidad de la protagonista para no dejar enterrar su genio y su duro trabajo bajo el alias y la fama de quien no merecía tales honores. En ese sentido supone ir un paso más allá de lo que proponía hace no muchas fechas La buena esposa; reclamar ese crédito artístico en un mundillo, el editorial, vetado para las féminas. El público lector de sus obras fue quien sacó de su obcecación a quienes no veían potencial comercial y calidad literaria en aquel punto de vista singular.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_COLETTE_Keira Knightley conversación a tres

Su sexualidad, la relación con su esposo, su interés por otras mujeres, no deja de estar presente y conforma parte de lo que quedaría plasmado en sus creaciones. Sin ningún tipo de prejuicio y en un entorno nada abierto a un comportamiento eminentemente transgresor para los tiempos que corrían, se mantuvo firme en una máxima que le inculcó su propia madre: «Nunca dejes de ser tú misma».

COLETTE

Esa fuerza interior en el personaje surge a medida que avanza el metraje y, por desgracia, se va deslavazando la historia. Una Keira Knightley resplandeciente como pocas veces, cautiva a la cámara transmitiendo la arrebatadora personalidad que caracterizaba a Colette, un atractivo intelectual capaz de seducir a miembros de ambos sexos por igual. Si confiamos en el tino de la Academia de Hollywood debería ser importante competencia para Glenn Close el próximo 24 de febrero.

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Copyright imágenes  ©  Number 9 Films, Killer Films, Bold Films, BFI Film Fund. Cortesía de DeAPlaneta. Reservados todos los derechos.

 

Colette

Dirección: Wash Westmorland

Guión: Richard Glazer, Wash Westmorland y Rebecca Lienkiewicz

Intérpretes: Keira Knightley, Dominic West, Fiona Shaw

Música: Thomas Adés

Fotografía: Giles Nuttgens

Duración: 111 min.

Reino Unido, Estados Unidos, 2018

El día D: guerra, sangre y casquería sin complejos – Crítica de “Overlord” (2018)

Uno de los peligros que tiene acudir a ver una película conociendo poco más que su título es que puedes encontrarte con literalmente cualquier cosa. Pero para los que amamos el riesgo, al menos ese tipo de riesgo, supone un aliciente y un estímulo. Overlord es el nombre en clave que recibió la operación de las fuerzas aliadas en la Segunda Guerra Mundial cuyo punto culminante era el Desembarco de Normandía. En lo referente a la época no hay duda; así lo corrobora el rótulo que aparece sobre el avión estadounidense donde viaja el cuerpo de paracaidistas protagonista que se va a lanzar sobre suelo francés ocupado por el ejército alemán: 5 de junio de 1944. En cuanto al género, bélico, al menos aparentemente, aunque otro dato conocido siembra cierta inquietud que puede depararnos alguna sorpresa: produce J.J. Abrams.

Los soldados saltan sobre un bosque cercano a una población gala clave en el dispositivo con la misión de derribar la torre de la iglesia donde los nazis tienen su centro de comunicaciones. Es de noche. Algunos son sorprendidos y eliminados por una patrulla teutona, otros corren mejor suerte y con la ayuda de una joven de la zona llegan a una casa desde donde poder organizar su acometida. Pero los extraños sonidos guturales que llegan desde una de las habitaciones siembran gran inquietud entre los militares.

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El guión ya ha ido acotando la trama a una escaramuza anecdótica dentro del gran operativo, abordado desde distintos ángulos por Steven Spielberg en Salvar al soldado Ryan o Jonathan Teplitzky en Churchill. En ese sentido éste empieza a parecerse a otros trabajos que, como La chaqueta metálica, buscaban la parte por el todo dentro del conflicto, con Vietnam en mente en el caso del filme de Kubrick. Aunque la evolución no acaba ahí.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_OVERLORD_Jovan Adepo

De manera natural, todo hay que decirlo, aparecen en la narración elementos que viran de lo marcial hacia derroteros que tienen que ver más con lo fantástico y la ciencia ficción, aunque cargando las tintas con grandes dosis de sangre y vísceras. Casquería sin ningún tipo de complejos y con una vena sardónica que recuerda al Sam Raimi de la trilogía de Posesión infernal. Humor negro al que no nos cuesta adaptarnos y que nos sorprende en positivo, tras un momento de indefinición y parón rítmico.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_OVERLORD_Mathilde Olivier y Jovan Adepo

En la alineación titular no se echa en falta la ausencia de prima donnas. Un reparto compacto, en el que únicamente reconocemos al danés Pilou Asbaek, consigue que nos sea más fácil ver personajes dentro de una historia que intérpretes y así poder entrar en el relato de modo más fluido para pasar un buen rato gracias a esta muestra de cine de acción y palomitas dirigido a un nicho de cinéfagos muy concreto; un entretenimiento de subgénero que nos provoca una sonrisa que nos augura que quien sepa qué es lo que va a ver pasará un buen rato. Menores, aprensivos y no amantes del gore, abstenerse.

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Copyright imágenes  ©  Bad Robot, Paramount Pictures. Cortesía de Paramount Pictures Spain. Reservados todos los derechos.

 

Overlord

Dirección: Julius Avery

Guión: Billy Ray y Mark L. Smith

Intérpretes: Jovan Adepo, Wyatt Russell, Mathilde Olivier, Pilou Asbaek

Música: Jed Kurzel

Fotografía: Laurie Rose, Fabian Wagner

Duración: 109 min.

Estados Unidos, 2018

Cine Fórum “La Librería” – Marcilla – 16 de noviembre de 2018

Hace ya un tiempo que no he podido hacer publicaciones en el blog, por los que os pido disculpas, y tenía pendiente una pequeña reseña del cine fórum del que disfrutamos el pasado 16 de noviembre en el salón de actos del Castillo de Marcilla.

Se trataba de una ocasión muy especial ya que el encuentro formaba parte del 60 aniversario de la biblioteca de la localidad, parte indispensable de estos debates con el cine como elemento principal. Allí estuvimos convocados por la concejalía del cultura del ayuntamiento, con Vicente Navarro a la cabeza, con el magnífico trabajo de Merche Boneta, técnica de cultura, y bajo el auspicio de Gloria Perales, bibliotecaria que a través de multitud de actividades, entre las que se encuentran estos cine fórums, mantiene vivo y fomenta el interés por la lectura en una población que se vuelca con la cultura.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA LIBRERÍA_Bill Nighy

Lo cierto es que disfrutamos de una película que, si bien no llega a la maestría de otras como Mi vida sin mí que marcaron nuestro interés por Isabel Coixet, suscita gran interés por la galería de personajes que despliega. Multitud de aristas en todos ellos. Sobre todo en la parte antagonista, con actitudes y personalidades que nos pueden traer a la memoria a personas que conocemos, con la Violet Gamart que tan bien refleja Patricia Clarkson y el Milo North de James Lance.

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Hablamos de la amistad y afinidad que surge entre Florence Green y Edmund Brundish, con un Bill Nighy que se rebela ante las cerrazón de ese pueblecito, manipulado por las clases pudientes encarnadas en el matrimonio Gamart, ante el entusiasmo del personaje de Emily Mortimer por montar su librería. Y de la importancia en el relato de la niña que ayuda a Florence Green en su pequeño comercio.

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Comenzamos a hablar del largometraje con algo muy especial. Analizamos la primera secuencia. Un minuto y medio en el que Isabel Coixet demuestra su maestría como narradora. En apenas noventa segundos se nos presentan dos de los principales personajes, se nos pone al día de la situación en la que la protagonista llega a ese momento y nos deja elementos que van a ser importantes en el transcurso de la historia. Todo a través de un cuidado lenguaje audiovisual. Concisión y precisión. Una maravilla que da inicio a esta cinta que fue la ganadora del último premio Goya a la mejor película.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Diagonal TV, A Contracorriente Films, Green Films. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

Una sonrisa con lágrimas en los ojos – Crítica de “Bohemian Rhapsody” (2018)

Cuando uno se acerca al folio en blanco para plasmar sus impresiones sobre esta o aquella película ha de tomar partido, ofreciendo su visión pero guardando cierta distancia que permita analizar el cómo y el porqué de dicho examen. En este momento, apenas un par de horas después de haber asistido al pase de prensa de Bohemian Rhapsody, concibo, y así lo escribo como aviso para navegantes, que voy a ser más subjetivo que nunca. Lo que Freddie Mercury y Queen han significado en mi vida (y en la de millones de personas de todo el mundo) hace que, más que del cerebro, todo lo que se desparrama aquí debajo salga de las entrañas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOHEMIAN RHAPSODY_Rami Malek grabando Bohemian Rhapsody

Los continuos cambios de ánimo a lo largo de las dos horas y diez minutos de metraje no afectan al magnetismo de las imágenes ni a la potencia de la historia. Se pasa de la felicidad más absoluta a la congoja y la emoción contenida, con lágrimas silenciosas como fina capa acuosa frente a la retina, al comprobar con una mezcla de estupor y aflicción que las míticas canciones que tantas veces hemos coreado hablan de lo que años después sería la vida del vocalista y su trágico final. Letras premonitorias (no vendrían nada mal unos subtítulos) que subrayan pasajes de la turbulenta existencia de un Mercury en el que poco a poco se va fundiendo de manera asombrosa un Rami Malek de Óscar.

BOHEMIAN RHAPSODY

El guión parte de un momento clave en la historia de Queen, el concierto Live Aid, en 1985. Los créditos nos muestran a Freddie llegando al estadio de Wembley para retroceder inmediatamente a 1970, desde donde se nos va a explicar los inicios del grupo y su evolución, con todos sus altibajos, hasta convertirse en el mito que es hoy en día, aunque sin dejar de lado la historia personal y afectiva de aquel chaval nacido en Zanzibar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOHEMIAN RHAPSODY_Rami Malek y Lucy Boynton

El azaroso proceso de rodaje y montaje de este largometraje, con cambio de director incluido, no hace sino engrandecer el resultado final, y no solo para fans incondicionales. Cualquier espectador amante del biopic-con-conjunto-musical, incluso el simple aficionado al cine, va a disfrutar de un monumento al rock, a la creatividad, a la heterogeneidad, al genio de cuatro tipos que aparentemente no tenían mucho que ver entre sí pero que juntos se convirtieron en un auténtico bombazo porque se hacían más grandes los unos a los otros. La historia de cómo un aspirante a dentista, un ingeniero electrónico, un doctor en astrofísica y un licenciado en bellas artes se convirtieron en una de las bandas más admiradas de todos los tiempos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOHEMIAN RHAPSODY_En el despacho

El espectacular uso del sonido en la cinta (candidatura segura a los premios de la Academia) y su extraordinaria producción musical harán que resulte imposible salir de la sala y no cantar cualquiera de los éxitos de cuyo origen acabamos de ser testigos. Y en el centro, un héroe trágico, como la protagonista de cualquiera de sus admiradas óperas, que nos hará sonreír con lágrimas en los ojos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOHEMIAN RHAPSODY_Rami Malek

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  New Regency Pictures, GK Films, Queen Films Ltd., Regency Enterprises, Tribeca Productions. Cortesía de 20th Century Fox España. Reservados todos los derechos.

 

Bohemian Rhapsody

Dirección: Brian Singer y Dexter Fletcher (No aparece en los créditos)

Guión: Anthony McCarten, a partir de una historia suya y de Peter Morgan

Intérpretes: Rami Malek, Lucy Boynton, Gwilym Lee

Fotogtrafía: Newton Thomas Siegel

Montaje: John Ottman

Duración: 134 min.

Reino Unido, Estados Unidos, 2018  

La función terapéutica de la escritura y la lectura – Crítica de “La Sociedad Literaria y el pastel de piel de patata” (2018)

Quien más quien menos, es capaz de ubicar la isla de Guernsey en el Canal de la Mancha, entre el Reino Unido y Francia. El conocimiento de este que escribe se circunscribía a esa circunstancia y la sorpresa, al tirar de la versión moderna del sempiterno atlas, el Google Maps, ha sido hallarla mucho más cerca del continente, frente a las costas de la Baja Normandía, que del suelo de Gran Bretaña, a cuyo territorio pertenece. Esta localización, hoy en día un paraíso fiscal, resultó clave y perjudicial para sus habitantes durante la Segunda Guerra Mundial. El ejército alemán, que ya había ocupado el país galo, se hizo fácilmente con la ínsula en su afán por acercarse a Londres en un episodio tan poco conocido como interesante.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SOCIEDAD LITERARIA Y EL PASTEL DE PIEL DE PATATA_Glenn Powell y Lily James

Nada más llegar, los soldados nazis requisaron todos los cerdos de las granjas y los enviaron como abastecimiento para las tropas que quedaban en Europa. A cambio, obligaron a los locales a cultivar patatas y a alimentarse de ellas. La creación de la sociedad literaria que da título a esta película encubrió un banquete clandestino con un delicioso cochino asado y un no tan exquisito pastel de piel de patata al servir como pretexto para evitar la detención a manos de una patrulla teutona.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SOCIEDAD LITERARIA Y EL PASTEL DE PIEL DE PATATA_Lily James

Este contexto histórico sirve de base a la trama que narra el viaje a Guernsey en la inmediata posguerra de una escritora en plena crisis creativa que, en su intención por conocer a los miembros de tan singular club de lectura y escribir un libro sobre sus experiencias durante la contienda, crea un inesperado vínculo con los residentes.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SOCIEDAD LITERARIA Y EL PASTEL DE PIEL DE PATATA_Tom Courtenay, Michiel Huisman y Lily James con el grupo

Este guión se encuadra en la tradición de novelas epistolares adaptadas a la gran pantalla, siguiendo los pasos de Las amistades peligrosas, La pesca del salmón en Yemen o, la más cercana en cuanto al fondo literario de las misivas, 84, Charing Cross Road. Bajo la sabia dirección de un Mike Newell que vuelve a sus mejores registros, los de Donnie Brasco y Cuatro bodas y un funeral, se construye, con un estilo académico, un relato de suspense en el que van surgiendo detalle por detalle, como miguitas de pan, los elementos que van a reconstruir el misterio que reside entre esas gentes que han tenido que hacer frente a situaciones límite como las que propicia un conflicto armado. De esa forma se dan cita, y conviven sin problemas de entendimiento, géneros como el bélico, el dramático y el romántico, sin renunciar a unos toques de comedia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SOCIEDAD LITERARIA Y EL PASTEL DE PIEL DE PATATA_Lily James y Michiel Huisman pasean por la playa

Con un reparto sobresaliente que une prestigiosos veteranos y jóvenes talentos del panorama interpretativo británico, Newell ha pergeñado una oda a la lectura, a sus efectos curativos en la persona, pero también en el grupo que se reúne para compartirla, además de a la creación literaria, a las maravillas que negro sobre blanco nos llevan asombrando desde la invención de Gutenberg y, en última instancia, a la necesidad de escribir como modo (terapéutico) de dar salida a nuestro torrente interior.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SOCIEDAD LITERARIA Y EL PASTEL DE PIEL DE PATATA_Lily James mirando al horizonte

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Blueprint Pictures, Mazur/Kaplan Company, Studio Canal. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

La sociedad literaria y el pastel de piel de patata

Dirección: Mike Newell

Guión: Don Roos, Kevin Hood y Thomas Bezucha, basado en la novela de Mary Ann Shaffer y Annie Barrows

Intérpretes: Lily James, Michiel Huisman, Tom Courtenay

Música: Alexandra Harwood

Fotografía: Zac Nicholson

Duración: 124 min.

Reino Unido, Francia, Estados Unidos, 2018

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