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Gozosos y sorprendentes parentescos – Crítica de “La última locura de Claire Darling” (2018)

Antes del visionado de esta película, a pesar de acudir con la mente limpia y absolutamente desprejuiciado, lo que menos esperaba encontrar el arriba firmante es un paralelismo tan pasmoso con una obra maestra del cine independiente estadounidense de mediados de los 90. John Sayles dio un salto de calidad en 1996 con una joya del calibre de Lone Star, cinta que abrió su obra a un abanico de público más amplio entre el que se encontraba la versión veinteañera de este escribidor. Con el doble de edad y otro tanto de experiencia fílmica vivida y asimilada este notario observa que, a pesar de que la ubicación se traslade de la frontera texano-mexicana a un pueblecito de la Francia rural, el desarrollo temático y la estructura del relato, con dos líneas temporales que relacionan el yo actual y el pasado de los personajes principales y, sobre todo, el despliegue de recursos estilísticos utilizados para introducir de manera ingeniosa y brillante los correspondientes saltos temporales, emparentan de manera gozosamente sorpresiva uno y otro trabajo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA ÚLTIMA LOCURA DE CLAIRE DARLING_CATHERINE DENEUVE y una estatua

Los oscuros secretos de una saga familiar irán desvelándose a medida que cobra forma una historia que comienza con una madre y una hija que después de dos décadas sin hablarse se reencuentran a raíz de la drástica decisión de la progenitora de vender sus valiosas pertenencias por la descabellada idea de que ese será el último día de su existencia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA ÚLTIMA LOCURA DE CLAIRE DARLING_CAtherine Deneuve y el cura

A pesar de la excentricidad de la rica matriarca y sus cada vez más numerosas lagunas mentales, algo en su discurso nos transmite que no se encuentra tan enajenada como pudiera parecer en un primer y superficial vistazo. Si al sheriff de Lone Star le atormentaba la leyenda de su padre fallecido aquí son los fantasmas del pasado los que vienen a ver a estas dos mujeres que se redescubrirán y redefinirán su relación tanto desde el punto de vista del contacto (o la falta de contacto) físico como en el territorio de lo afectivo y lo espiritual. El hecho de que la pareja de intérpretes comparta el mismo parentesco de sus respectivos roles añade un plus de autenticidad al ya de por sí brillante trabajo de estas experimentadas y magníficas actrices que son Catherine Deneuve y Chiara Mastroianni.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA ÚLTIMA LOCURA DE CLAIRE DARLING_Catherine Deneuve y Chiara Mastroianni

Como en el más canónico teatro clásico, la unidad de lugar, acción y tiempo (con la licencia de esos recuerdos que apostillan lo sucedido en el presente), circunscrita a 24 horas en la vida de Claire Darling, añade un punto de atracción provocado por el desafío narrativo acometido por la realizadora, Julie Bertuccelli, que salva las visitas al pasado al estilo Sayles, sin cambiar de plano y a través de un encuentro o cambio de testigo ficticio entre las distintas personificaciones de las protagonistas. Un más que interesante trabajo en el que la trama arranca con las campanadas de medianoche de un suntuoso reloj de elefante para cerrarse, de nuevo al ritmo del movimiento de la cabeza del paquidermo, en el mismo instante del día siguiente.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA ÚLTIMA LOCURA DE CLAIRE DARLING_Catherine Deneuve y el reloj de elefante

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Les Films du Poisson, France 2 Cinéma, Pictanovo. Cortesía de Karma Films. Reservados todos los derechos.

 

La última locura de Claire Darling

Dirección: Julie Bertuccelli

Guion: Julie Bertuccelli, Marion Doussot, Mariette Désert y Sophie Fillières a partir de la novela de Lynda Rutledge

Intérpretes: Catherine Deneuve, Chiara Mastroianni, Alice Taglioni

Fotografía: Irina Lubtchansky

Montaje: François Gédigier

Duración: 94 min.

Francia, 2018

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Larga vida al western (crepuscular) – Crítica de “Los hermanos Sisters” (2018)

El nombre de Jacques Audiard no quedó plasmado de forma indeleble en nuestra memoria hasta que asistimos, en 2009, a la inconmensurable Un profeta; cima de su obra y particular émulo de El padrino en el que nos descubrió a Tahar Rahim. En la escalofriante De óxido y hueso sacó de Marion Cotillard su interpretación más salvaje. Del relato carcelario en forma de odisea al drama personal y, de ahí, a Dheepan, con el tema de la inmigración en primer término. Grandes premios en festivales internacionales le avalan pero, por encima de todo, una trayectoria sólida que le sitúa como uno de los autores más interesantes de la cinematografía francesa de lo que va de siglo XXI.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOS HERMANOS SISTERS_Ardiendo en la noche

Su versatilidad le hace saltar de un género a otro con suma facilidad sin dejar de imprimir una pátina de autoría a cada uno de sus largometrajes; un tratamiento duro de las historias, con una violencia soterrada o explícita, que se traslada al apartado visual a través de una fotografía contrastada, densa, en la que la textura de las imágenes, de aspecto granuloso, casi se puede tocar, afilando los perfiles de los rostros de los personajes, de los recortados paisajes o de los distintos decorados. Y con un cuidado especial en la música, indispensable aliado para subrayar de forma sutil sus sugestivas propuestas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOS HERMANOS SISTERS_John C. Reilly y Joaquin Phoenix

En el filme que nos ocupa acepta un doble reto; nuevo cambio de registro, ahora se atreve con el oeste, oscuro y decadente para no faltar a todas las virtudes de su mirada que destacábamos en el párrafo anterior y que sirven perfectamente para describir esta cinta y, además, rodado en un idioma que no es el suyo, el inglés.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOS HERMANOS SISTERS_John C. Reilly

1851. En plena fiebre del oro dos hermanos que trabajan como matones para el Comodoro, un potentado de Oregón, reciben el encargo de dar buena cuenta de un buscador de oro al que un detective a sueldo va a localizar por ellos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOS HERMANOS SISTERS_Jake Gillenhaal

El guion, basado en la novela del canadiense Patrick deWitt, explora territorios que perfectamente podrían pertenecer al cine negro; es lo que tiene el western, definido por su escenario (filmado en Almería, Navarra y Aragón aunque simule ser Estados Unidos) aunque desarrolle tramas que pueden encajar en distintos contextos. El libreto transita más allá, esboza un dibujo introspectivo de los personajes, sobre todo de Eli, el mayor de los Sisters, que convive con la dualidad entre el asesino sin entrañas y el tipo reflexivo que cuida de su hermano Charlie, alcohólico, indómito, sádico y desequilibrado psicológicamente. Todo esto en contraste con las personalidades de Morris, el investigador, y Warm, el científico buscador de oro, ambos con un toque intelectual que aporta otro tipo de discurso que complementa, en paralelo, la trama de continua confrontación familiar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOS HERMANOS SISTERS_Joaquin Phoenix claroscuro

Si Un profeta seguía la estela de la saga de los Corleone, Los hermanos Sisters posee el aroma de Atrapado por su pasado filtrado por el tamiz del western crepuscular. Con obras de esta magnitud el género sigue más vivo que nunca.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOS HERMANOS SISTERS_Joaquin Phoenix y John C. Reilly caballos PG

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Why Not Productions, Apache Films, Les Films du Fleuve. Cortesía de Avalon. Reservados todos los derechos.

 

Los hermanos Sisters

Dirección: Jacques Audiard

Guion: Jacques Audiard y Thomas Bidegain, basado en la novela homónima de Patrick deWitt

Intérpretes: John C. Reilly, Joaquin Phoenix, Jake Gyllenhaal

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Benoît Debie

Montaje: Juliette Welfing

Duración: 122 min.

Francia, España, Rumanía, Bélgica, Estados Unidos, 2018

La belleza de la imperfección – Crítica de “Uglydolls: Extraordinariamente feos” (2019)

En la obra maestra de Todd Browning de 1932, La parada de los monstruos, los integrantes de la troupe de seres extraordinarios de un circo entonaban a coro “One of us”, un cántico a su excepcionalidad que cohesionaba al grupo para luchar contra la intransigencia e intolerancia de las personas “normales” que les trataban como a bichos raros (los Freaks del original). La puesta al día de esa tonada se produjo hace dos años en El gran showman, donde “This is me” recogía ese mismo espíritu. Los intérpretes, los mismos artistas circenses, salvo que esta vez en color y en Dolby Surround y con coreografía y realización espectaculares. La respuesta especular a ambas, adaptada a dibujos generados por ordenador, es “Unbreakable”, tema principal del filme que nos ocupa, que da rienda suelta a un derroche de creatividad audiovisual para enganchar a la audiencia a través de un ritmo pegadizo cuya épica musicalidad y reivindicativa letra nos levantan de la butaca siguiendo la mejor tradición del género.

UglyDolls

Hasta la época de la Gran Depresión nos llevan los referentes más relevantes que han inspirado los peluches que han dado lugar a esta pieza de animación familiar que consigue, gracias a una selección de melodías originales que no palidecen ante las de Disney o Pixar, a sus trabajados números musicales, a su irreverente sentido del humor y a su mensaje en favor de la singularidad, seducir tanto a los más pequeños como a los adultos, acompañantes o no, que se aventuren a descubrir qué se esconde tras su llamativo título.

UglyDolls

La historia va a comenzar en una fábrica de juguetes donde los que tienen alguna tara son apartados inmediatamente de la cadena y arrojados a un lugar llamado Feolandia. Allí las Uglydolls se enfrentarán a lo que significa ser diferente pero, inasequibles al desaliento, buscarán marchar al Gran Mundo para lograr satisfacer el deseo de todo muñeco, ser amado por un niño o niña y corresponder a ese amor.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UGLYDOLLS- EXTRAORDINARIAMENTE FEOS_Las chicas

Todo un descubrimiento este largometraje dirigido por Kelly Asbury, con producción de Robert Rodríguez, que cuenta con un elenco de voces integrado principalmente por cantantes que van desde Kelly Clarkson y Janelle Monáe en la parte positiva hasta Nick Jonas dando vida al malvado de la función, con la colaboración del mismísimo Pitbull en un rol secundario. Esto, amén de un puñado de buenas canciones, asegura un óptimo rendimiento en lo musical. El salto de calidad lo da un guion que, a partir de una trama sencilla, llega al público de todas las edades y emociona al estilo de Toy Story con una historia que se nutre de guiños al espectador adulto en forma de arte desperdigado en los decorados con el marchamo de Warhol y Lichtenstein o a través de citas cinéfilas a Muerte entre las flores y la clara inspiración de la inolvidable Freaks. Un hermoso canto a la diferencia, a la singularidad y a la belleza de la imperfección que es lo que nos hace ser nosotros mismos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UGLYDOLLS- EXTRAORDINARIAMENTE FEOS_Merendola

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Copyright imágenes  © STX Entertainment, Alibaba Pictures, Huaxia Film. Cortesía de Diamond Films. Reservados todos los derechos.

 

Uglydolls: extraordinariamente feos

Dirección: Kelly Asbury

Guion: Allison Peck, basado en personajes creados por David Horvath y Sun-min Kim

Intérpretes (voces): Kelly Clarkson, Nick Jonas, Pitbull, Janelle Monáe

Música: Christopher Lennertz

Montaje: Julie Rogers y Nolan Southerland

Duración: 87 min.

China, Canadá, Estados Unidos, 2019

Cine total: una fiesta para los sentidos – Crítica de “Vengadores: Endgame” (2019)

El Universo Cinematográfico Marvel, MCU por sus siglas en inglés, se ha venido desarrollando a imagen de su homónimo en las viñetas y se compone, de momento, de tres fases y dieciocho películas. Ésta que nos ocupa se encarga de culminar espectacularmente la Fase Tres. Un punto y seguido, no obstante. Sin momento para recuperar el resuello, ya se encuentra a la vuelta de la esquina una cuarta oleada.

La precuela de este largometraje, Vengadores: Infinity war, dejó cierto sabor a decepción en este cinéfilo no iniciado en el mundo del cómic debido, principalmente, al exceso de repetitivas secuencias de lucha y batallas. Tal vez por esta razón el inicio introspectivo de Vengadores: Endgame, centrado en la vulnerabilidad de los personajes, sorprende tan positivamente; te atrapa desde el primer instante y no te suelta hasta el último segundo de sus ciento ochenta y un minutos de duración.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VENGADORES-ENDGAME_Josh Brolin como Thanos

Venimos de una situación límite en la que Thanos, gracias al guantelete del infinito, había reducido a cenizas a la mitad de la población terrestre, entre la que se encuentra el cincuenta por ciento de la nómina de superhéroes que velaban por su seguridad. Los rótulos del filme anterior se desvanecían cual estatuas de polvo para marcar este hecho del mismo modo que los títulos de éste, su hermano mayor, aparecen poco a poco haciéndonos albergar remotas esperanzas de un posible giro en los acontecimientos. ¿Serán los Vengadores capaces de revertir tan terrible pérdida?

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Los hermanos Russo toman un guión que no deja de ser una montaña rusa de principio a fin y adecúan su realización, el ritmo y la cadencia a lo que demanda cada momento. Juguetean con los planos secuencia pero también con el montaje, exprimen el sonido (tanto en forma de efectos o canciones como a través de la heterogénea partitura de Alan Silvestri) hasta sus últimas consecuencias, bordean la perfección gracias a unos efectos especiales al servicio de la narración y no dejan de lado la dirección de actores, con un soberbio Robert Downey Jr. que engrandece más si cabe un trabajo que necesita (y obtiene) un salto de calidad más allá de la pericia técnica que se le supone.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VENGADORES-ENDGAME_Chris Hemsworth

El sentido del humor (inherente a la saga) y la innumerable relación de referencias, desde el reconocimiento tácito de Regreso al futuro como fuente inagotable de inspiración hasta los guiños indisimulados a En busca del arca perdida o las desternillantes alusiones a El gran Lebowski, terminan por convertir un mero vehículo para el entretenimiento en una pieza de coleccionista dentro de su género.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VENGADORES-ENDGAME_Scarlett Johannson y Jeremy Renner

Intimista al principio, tenebrosa después, sin renunciar a una acción innata, épica como pocas veces se ha visto (reservando elementos narrativos y estructurales para singularizar el instante oportuno y epatar a la audiencia), sinceramente emotiva (con la lágrima a flor de piel), ante todo se trata de una cinta tremendamente entretenida. Y con un broche de oro en forma de créditos finales que eriza cada uno de nuestros cabellos. Un maravilloso cierre a este segmento del inabarcable MCU.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VENGADORES-ENDGAME_Jeremy Renner, Robert Downey Jr., Chris Evans, Scarlett Johannson, Paul Ruud y Don Cheadle

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Marvel Studios, Walt Disney Pictures. Cortesía de Walt Disney Studios Motion Pictures España. Reservados todos los derechos.

 

Vengadores: Endgame

Dirección: Anthony y Joe Russo

Guion: Christopher Markus y Stephen McFeely basado en los cómics de Marvel de Stan Lee y Jack Kirby y en el álbum de Jim Starlin

Intérpretes: Robert Downey Jr., Chris Evans, Scarlett Johansson

Música: Alan Silvestri

Fotografía: Trent Opaloch

Montaje: Jeffrey Ford y Matthew Schmidt

Duración: 181 min.

Estados Unidos, 2019

En el nombre de las víctimas – Crítica de “Gracias a Dios” (2018)

A pesar de algún que otro patinazo ocasional, François Ozon lleva tiempo consolidado como un valor seguro de buen cine. Sus propuestas entre estimulantes y perturbadoras han venido captando un interés que se ha ido acrecentando en los últimos tiempos con obras tan sobresalientes como la Concha de Oro de San Sebastián 2012, En la casa, o la sensación del Festival de Venecia de 2016, Franz, muestra inequívoca de que Ozon se mueve con soltura en diferentes géneros, estilos y registros. En Gracias a Dios se aventura en un thriller de investigación detectivesco/judicial, construido a partir de una muy cruda realidad, que viene bendecido por el Premio Especial del Jurado en el Festival de Berlín 2019 y el de interpretación masculina, para Melvil Poupaud, Denis Ménochet y Swann Arlaud, en el de Las Palmas de Gran Canaria.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GRACIAS A DIOS_Melville Paupaud

El largometraje se articula a partir de tres historias que se inician en distintos puntos del metraje y que confluyen en un momento a partir del cuál discurrirán juntas. Cada una se toma su tiempo para desarrollar a sus personajes principales y las circunstancias que los rodean, con magníficos trabajos por parte del trío cabeza de cartel.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GRACIAS A DIOS_Dennis Menochet

Un rótulo al inicio indica que nos encontramos ante una ficción basada en hechos reales, aunque los nombres de los eclesiásticos implicados no se han modificado. El título recrea una desafortunadísima frase del cardenal arzobispo de Lyon, Philippe Barbarin, en una rueda de prensa: gracias a Dios estos hechos han prescrito. La ambigüedad de la sentencia llevó a pensar que estaba expresando alivio por saber que el perpetrador de los mismos no podría ser juzgado. Bernard Preynat, a quien se refería Barbarin en su infausta alocución, pederasta acusado y culpable confeso, abusó de decenas de niños durante sus años como sacerdote en los Boy Scouts. Entre ellos se encontraban los tres protagonistas, que enfrentan, cada uno a su manera, esta situación ya en su vida adulta y después de haber formado sus núcleos familiares o de pareja.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GRACIAS A DIOS_Swann Arlaud y Josiane Balasko

Uno de los atractivos de la cinta reside en la confluencia de puntos de vista diferentes a la hora de afrontar los hechos, sus consecuencias y las acciones a tomar, así como la motivación de las mismas. Mientras uno de ellos lo hace desde su ateísmo y el total rechazo de la iglesia, otro lo enfoca desde dentro de la misma, a partir de sus creencias y con la intención de limpiarla de elementos tan nocivos y despreciables como los que le han arruinado la vida.

Melvil Poupaud dans le film Grace à Dieu

Esta ausencia de maniqueísmo conforma el principal valor de un filme que atrapa, golpea (duro, muy duro) y no deja respirar desde el minuto uno; igualmente imponente por lo que cuenta como por cómo lo cuenta. En palabras del personaje de Denis Ménochet, se puede definir éste como un relato en el nombre de las víctimas, de sus padres, de sus hijos, de sus fieles, de los sacerdotes inocentes salpicados, de los ciudadanos franceses, de los laicos, del clero y de la sociedad en general.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GRACIAS A DIOS_Niño y mano de cura

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Copyright imágenes  © Mandarin Films, FOZ, Mars Films, France 2 Cinéma, Scope Pictures, Playtime. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

Gracias a Dios

Dirección y guion: François Ozon

Intérpretes: Melvil Poupaud, Denis Ménochet, Swann Arlaud

Música: Evgueni y Sacha Galperine

Fotografía: Manuel Dacosse

Montaje: Laure Gardette

Duración: 137 min.

Francia, Bélgica, 2018

Comedia intelectual a la francesa – Crítica de “Dobles vidas” (2018)

En los créditos finales de Dobles vidas suena “Here come the Martian Martians” de Jonathan Richman, un tema tan absurdo como representativo de su estilo, que viene a refrendar que acabamos de ver una sátira acerca de los efectos de la digitalización en la cultura y, por extensión, en la sociedad de hoy. Un puñado de reflexiones sesudas, con el mundillo literario como excusa argumental, que pueden ser traspuestas a otros ámbitos, como el del cine, aunque introducidas a través una trama vodevilesca, propia de la comedia de puertas, donde al estilo de Sé infiel y no mires con quien, cada personaje tiene un lío con alguien que no es precisamente su pareja.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DOBLES VIDAS_Vincent Macaigne

La unión de lo intelectual con el humor basado en los enredos sentimentales nos conduce inexorablemente a Woody Allen, aunque tras las cámaras y el texto se encuentre el cineasta francés Olivier Assayas. Un interesante híbrido al que su origen galo confiere un grado de peculiaridad tanto al contenido temático como al sentido de lo cómico que habrá de ser evaluado por la querencia de la platea a la manera de expresar estos asuntos que tienen en el país vecino.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DOBLES VIDAS_Nora Hamzawi

El relato nace con la propuesta de un escritor a su editor para que le publique su última novela. Una obra de ficción, aunque semiautobiográfica, en la que habla, sin tapujos y de forma sórdida, de sus escarceos sexuales y en la que se puede reconocer, torpemente escondidas tras nombres figurados, a las protagonistas de sus relaciones. De esta situación van surgiendo otras en las que se establecen, además de los intereses románticos del literato, su novia, el librero, su mujer y su ayudante, diferentes debates en torno a la creciente influencia de lo digital en el sector editorial.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DOBLES VIDAS_Guillaume Canet mesa

Las nuevas generaciones ya no leen libros, ojean blogs. Las ventas ya no se producen por la ascendencia y las palabras de esta o aquella crítica literaria sino por las filias y fobias que los influencers expresan en las redes sociales. Un pensamiento perfectamente trasladable al entorno del séptimo arte, a los que escribimos sobre películas desde distintas atalayas e incluso al modo de ver esos filmes; la disyuntiva entre la magia de la experiencia colectiva en una sala oscura frente al acto de hacerlo a través de una pantalla en el salón de casa.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DOBLES VIDAS_Juliette Bonoche

Olivier Assayas, que articula todo el largometraje a través de una concatenación de largas secuencias en las que dos personajes no paran de hablar, separadas unas de otras por fundidos a negro, alimenta esa doble lectura de ramificaciones cinematográficas a través de Selena, el rol de Juliette Binoche, actriz de profesión, con la que realiza una divertida alusión metalingüística a su yo real, y de ingeniosas e hilarantes referencias que relacionan a Michael Haneke con la saga de Star Wars del modo más surrealista que pudiésemos imaginar. Teniendo en cuenta que puede no ser plato de gusto para todos los paladares, los amantes de la comedia intelectual a la francesa disfrutarán.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DOBLES VIDAS_Christa Théret

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Copyright imágenes  © CG Cinéma, Votrex Sutra. Cortesía de BTeam Pictures. Reservados todos los derechos.

 

Dobles vidas

Dirección y guion: Olivier Assayas

Intérpretes: Guillame Canet, Juliette Binoche, Vincent Macaigne

Fotografía: Yorick Le Saux

Montaje: Simon Jacquet

Duración: 108 min.

Francia, 2018

Queredme como soy – Crítica de “Identidad borrada” (2018)

El rostro del australiano Joel Edgerton resultará familiar a más de uno, su nombre, no tanto. Venimos viéndolo aparecer como secundario con más o menos peso desde su irrupción en el panorama internacional de la mano de Animal kingdom. El soldado de La noche más oscura, el magnate antagonista de El gran Gatsby, el faraón Ramsés de Éxodo: dioses y reyes, el policía corrupto de Black mass o la parte masculina del matrimonio interracial de Loving llevan su firma. Su aclamado debut como director, El regalo, le propició el premio al mejor actor en Sitges en 2015. En Identidad borrada, su segundo trabajo a ambos lados de la cámara, además de demostrar su progreso como realizador vuelve a reservarse un papel oscuro pero determinante en el desarrollo de esta trama basada en una historia real.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_IDENTIDAD BORRADA_Lucas Hedges

A veces imagino que soy Job, que Dios y el diablo tienen una apuesta conmigo y que un día Dios me dejará ver el experimento que hacía para probarme. El autor de estas palabras es Jared, hijo de un predicador de Arkansas, que, marcado por la religiosidad que vive en casa, desarrolla un sentimiento de culpa ante el descubrimiento de su atracción por otros hombres. Sus progenitores, incapaces de encajar un hecho que pone en entredicho sus principios, deciden internarlo en un centro donde se desarrolla una supuesta terapia de conversión que trata la homosexualidad como si de una enfermedad se tratase.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_IDENTIDAD BORRADA_Joel Edgerton enseña

El Edgerton realizador e intérprete se ha encargado también de transformar las memorias de Garrard Conley en un guión con una estructura sencilla que se centra en el internamiento de Jared, alter ego de Conley, con diversos flashbacks que dibujan la personalidad de un joven desorientado ante el choque entre la identidad que va aflorando y las directrices de un núcleo familiar férreo en lo que a lo religioso se refiere. Un texto que se va transformando del típico relato de supervivencia, característico del cine de campos de concentración, en un íntimo y valiente alegato acerca de la búsqueda del yo interior y del momento de mirar a los ojos y hablar claro con tus padres una vez alcanzada la mayoría de edad y con el convencimiento de quién eres realmente.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_IDENTIDAD BORRADA_Lucas Hedges y Nicole Kidman espejo

La causa directa de que este trabajo crezca y se convierta en la gran película que es tiene que ver, además de con el trabajo de un Lucas Hedges soberbio, con el desempeño de la pareja Nicole Kidman-Russell Crowe en los minutos finales. Sus duelos interpretativos con Hedges rezuman verdad, intimidad y sensibilidad por un lado y por el otro una honestidad brutal que pone la carne de gallina. La manera en la que el novato sostiene la mirada y da la réplica a un veterano como Crowe, conforma el cierre perfecto para uno de los más certeros y sinceros tratados acerca de las relaciones y el amor paterno y materno filial que denuncia unas prácticas que todavía siguen vigentes más cerca de lo que podríamos pensar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_IDENTIDAD BORRADA_Lucas Hedges, Russell Crowe y Nicole Kidman

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Copyright imágenes  © Focus Features, Perfect World Pictures, Anonymous Content. Cortesía de Universal Pictures International (UPI) España. Reservados todos los derechos.

 

Identidad borrada

Dirección: Joel Edgerton

Guion: Joel Edgerton basado en el libro autobiográfico Boy erased: A memoir de Garrard Conley

Intérpretes: Lucas Hedges, Nicole Kidman, Russell Crowe

Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans

Fotografía: Eduard Grau

Duración: 115 min.

Australia, Estados Unidos, 2018

Una mujer adelantada a su tiempo – Crítica de “Conociendo a Astrid” (2018)

Todo comenzó cuando los adultos se enojaron con los niños y los despidieron avergonzados. Así que los niños terminaron en un nuevo país donde vivían por su cuenta. Tenían que cuidar de sí mismos, pero no eran más que niños. Realmente no sabían qué hacer. Así que dormían con los pies sobre la almohada y se ponían la ropa al revés y decían buenos días aunque era de noche. ¿Y qué pasó después? Que los niños hicieron todo a su manera y pasaban todo su tiempo trepando árboles y tomando refrescos.

Astrid Ericsson (a la que terminaríamos conociendo como Lindgren) improvisa este cuento, que conecta directamente con un momento de su prometedor futuro, para su pequeño Lasse. El espíritu de su personaje más popular, Pippi Calzaslargas, se encuentra presente en ese guiño ya que surgió, lustros más tarde, de la fértil imaginación de la literata sueca a petición de su otra hija que, convaleciente, demandaba una y otra noche las historias de tan singular chiquilla.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CONCIENDO A ASTRID_Alba August bailando

Uno no puede evitar elucubrar al hilo de un título y lo cierto es que Conociendo a Astrid ha desbaratado cualquier previsión. Los que esperábamos una biografía al uso, que transitase por los momentos álgidos de la existencia de la autora nórdica, nos hemos visto sorprendidos por un relato intimista y emotivo de los amargos pasajes que terminaron de moldear su fuerte personalidad en el tránsito de la pubertad a la edad adulta.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CONCIENDO A ASTRID_Alba August teléfono

La directora nos presenta a una adolescente inteligente, divertida, ingeniosa, hábil en el uso escrito y oral de las palabras y con un fuerte convencimiento de la igualdad de derechos entre mujeres y hombres en plenos años veinte del siglo pasado. Una joven avanzada a su época, feminista convencida, que es contratada en el periódico local, lo que le permite dejar las labores del campo en las que ayudaba a sus padres, y a la que este acontecimiento la va a cambiar la vida en aspectos insospechados.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CONCIENDO A ASTRID_Henrik Rafaelsen

El guion parte del 77 cumpleaños de la novelista, que recibe coloridos dibujos de sus personajes y una casete en la que toda una clase le va a dedicar hermosos pensamientos. La estructura del texto articula un viaje a ese pasado concreto del que hemos hablado con momentos de vuelta al presente, aunque curiosamente sólo en forma de sonido, escuchando en off las felicitaciones de esas voces infantiles que le agradecen su tremenda empatía con niñas y niños a pesar de su ancianidad y que remarcan instantes clave del largometraje

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CONCIENDO A ASTRID_Henrik Rafaelsen y Alba August

A pesar de su concepción eminentemente clásica no deja de atrapar la dura pero conmovedora historia de Astrid Lindgren en la etapa en la que se forjó la escritora que vendría después, la Selma Lagerlöff en ciernes que veían sus hermanos. Gran parte del éxito de la cinta se debe al magnetismo de la inigualable Alba August, hija de los cineastas Bille y Pernilla August, una actriz maravillosa capaz de transmitir, a través de un inacabable abanico de emociones, la singularidad de una mujer adelantada a su tiempo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CONCIENDO A ASTRID_Alba August e hijo 2

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Copyright imágenes  © Nordisk Film Produktion, Mutante Cine, Equina Filmes, Nordisk Film Production Sverige AB, Avanti Film, DCM Productions, Nordiskfilm Production, Film i Väst. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

 

Conociendo a Astrid

Dirección: Pernille Fischer Christensen

Guion: Kim Fupz AAkeson y Pernille Fischer Christensen

Intérpretes: Alba August, Trine Dyrholm, Henrik Rafaelsen

Música: Nicklas Schmidt

Fotografía: Erik Molberg Hansen

Duración: 123 min.

Suecia, Dinamarca, 2018

Atrévete siempre – Crítica de “Las herederas” (2018)

«Atrévete siempre», es ese un gran culto que pocos profesan. Este verso del poema Loca de Manuel Ortiz Guerrero actúa a modo de insinuación, de provocación, pero también de resorte para el alma de Chela, la protagonista, que sufre encerrada en una relación con una mujer que no la hace feliz. No hay más que ver su cara, su gesto, su peinado, su ropa. Vaga como un alma en pena por la casa que comparten y observa a las compradoras de los distintos enseres que tienen en venta desde la rendija abierta de una puerta entornada, a hurtadillas, de la misma forma que mira la vida pasar por delante, escondida y temerosa de dar el paso, abducida por el empuje de Chiquita, maniatada, sin sacar el temperamento necesario como para dar por finiquitada esa parte de su currículo sentimental.

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Chela y Chiquita, casi sexagenarias, tras una larga y clandestina unión, se han visto obligadas a deshacerse de parte de sus bienes heredados para hacer frente a sus deudas y a una acusación de fraude que termina con Chiquita en la cárcel. La vicisitud obligará a Chela, mujer de clase alta venida a menos, a ofrecer un servicio de taxi a ancianas adineradas para ganarse el sustento, hecho que le obligará a salir de su torre de marfil para realizarse como persona a través de un trabajo placentero que le llevará a encontrar nuevas ilusiones.

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Una crisis sentimental en la madurez. Eso es lo que retrata el paraguayo Marcelo Martinessi en esta multipremiada cinta que salió bendecida del Festival de Berlín del año pasado. Mientras que Chiquita no es capaz de vislumbrar la situación en la que poco a poco su carácter dominante ha sumido a su enamorada y que está a punto de terminar con un vínculo de décadas, Chela parece ausente, zombi, carente de estímulos para abrirse al mundo debido a la absorbente actitud de su pareja y a su propia falta de personalidad. De alguna manera recuerda en la lejanía, y en versión dramática, a lo que relataba Vicios pequeños, o su remake Una jaula de grillos, en clave de humor.

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El estilo es seco, duro, sin edulcorar. Una realización austera, ninguna concesión al preciosismo, a lo sumo un plano secuencia reservado para uno de los momentos clave del filme y un bonito homenaje a Centauros del desierto. Nada de música de partitura que pueda influenciar a la audiencia creando un halo sentimentaloide, todo lo que suena proviene de algún elemento que aparece en plano.

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Esta suma de elementos provoca ciertos reparos rítmicos iniciales que, con la dosis necesaria de paciencia, se van diluyendo para conseguir que esta historia nos vaya seduciendo poco a poco. La película va abriendo sus pétalos como lo hace el personaje de Chela (cuyo arco dramático evoluciona notablemente) a medida que se hace consciente de su realidad, estancada en una relación que no avanza, y que echa mano de las circunstancias para intentar revertirla a su manera. ¿Terminará por profesar ese gran culto minoritario del «atrévete siempre»?

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Copyright imágenes  © La Babosa Cine, La Fábrica Nocturna Productions, Pandora Filmproduktion, Mutante Cine, Equina Filmes, Norsk Filmproduksjon A/S. Cortesía de BTeam Pictures. Reservados todos los derechos.

 

Las herederas

Dirección y guion: Marcelo Martinessi

Intérpretes: Ana Brun, Margarita Irún, Ana Ivanova

Fotografía: Luis Armando Arteaga

Montaje: Fernando Epstein

Duración: 98 min.

Paraguay, Alemania, Uruguay, Brasil, Noruega, Francia, 2018

Almodóvar por Almodóvar – Crítica de “Dolor y gloria” (2019)

Al final de su último trabajo, París, Tombuctú, Luis García Berlanga dejaba su particular epitafio fílmico. “Tengo miedo. L.”, se podía leer en el murete al pie del cartel de un toro de Osborne. En el filme, en boca de su alter ego, Michel Piccoli, ya había dado rienda suelta a sus obsesiones y temores. Muchos cineastas cuando encaran el final de sus carreras echan la vista atrás, bien sea como terapia personal o para expiar pecados pasados y pedir perdón. Es el caso de Clint Eastwood y su maravilloso testamento fílmico, Mula, con una emocionante segunda lectura que confiere un valor inesperado al que probablemente sea el postrero trabajo a los dos lados de la cámara del casi nonagenario realizador.  

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Pedro Almodóvar se encuentra en esa etapa de su vida, próximo a cumplir los 70, en la que ese afán recapitulador se convierte casi en una obligación. Si a este ansia por rendir cuentas con el pasado para poder seguir avanzando añadimos los achaques y el gusto por la hipocondría de Woody Allen, nos encontramos con un muy íntimo y muy particular punto y seguido (que no punto final) en la carrera del manchego que reúne todo esto de lo que estamos hablando pero que el de Calzada de Calatrava lleva a su terreno.

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Una película de hombres de este gran director de féminas donde, a partir de su sosias, un cineasta aquejado de multitud de dolencias que le impiden seguir desarrollando sus dotes artísticas, interpretado por Antonio Banderas, pasa revista a los principales padecimientos físicos y, sobre todo, a los dolores del alma que le han atormentado durante toda su vida. Entre ellos la separación profesional y emocional del propio Banderas desde Átame a La piel que habito; veintidós años de desvinculación. Y es que los momentos en los que la realidad del propio Almodóvar se cuela de manera clara y contundente o sibilina y de tapadillo en la ficción son múltiples y alegran el ojo entrenado del cinéfilo versado en el cineasta (atención a todas las fotografías).

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El uso inteligente de las pérdidas de conciencia del personaje principal para introducir los flashbacks que nos llevan a su infancia van orientando, poco a poco, el foco sobre el verdadero objeto de esta cinta que no es otro que un homenaje a la mujer que tanto le marcó. Esa espinita que lleva clavada el artífice de Hable con ella desde el fallecimiento de Francisca Caballero y que le había impedido, hasta ahora, verbalizar, analizar y canalizar ese proceso de duelo a través de su creatividad, deja de ser una asignatura pendiente. Los momentos tiernos suceden a los amargos, aunque no faltan los divertidos, en una hermosa carta de amor a su madre (con psicoanálisis incluido) que crece con el paso de los minutos y culmina de manera tan sencilla como magistral recordándonos que habíamos aceptado participar en este juego en el que el cine se mete dentro del cine para dejar en carne viva las entrañas de uno de sus más ilustres embajadores.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © El Deseo. Cortesía de Sony Pictures España. Reservados todos los derechos.

 

Dolor y gloria

Dirección y guion: Pedro Almodóvar

Intérpretes: Antonio Banderas, Asier Etxeandía, Penélope Cruz

Fotografía: José Luis Alcaine

Música: Alberto Iglesias

Montaje: Teresa Font

Duración, 113 min.

España, 2019

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