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Optimismo en tiempos de crisis – Crítica de “El mejor verano de mi vida” (2018)

El cine bienintencionado, ese que nos cuenta historias donde la visión positiva de la vida se impone sobre el cinismo y el verismo descarnado que la cruda realidad pueda ofrecer, ha dado obras maestras y buenas dosis de escape a un público necesitado de un mensaje de esperanza en tiempos de crisis. Aunque esta definición pueda parecer cercana en el tiempo se refiere al género que Frank Capra desarrolló en los años 30 del siglo pasado para contrarrestar los desoladores efectos de la Gran Depresión en el ciudadano de a pie estadounidense debidos a aquel fatídico jueves negro de 1929. Sucedió una noche, Dama por un día, Qué bello es vivir, y sobre todo Vive como quieras, guardan elementos (salvando las distancias) que vamos a encontrar en la cinta que nos ocupa.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL MEJOR VERANO DE MI VIDA_Leo Harlem y Toni Acosta

La humanidad ha tropezado cíclicamente infinitas veces en la piedra de la codicia; lo aplicado al crack de Wall Street de hace casi 90 años sirve para la debacle de Lehman Brothers de septiembre de 2008 y todas sus consecuencias. De modo que una comedia con toques dramáticos pero con el espíritu de las películas de Capra siempre es bienvenida.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL MEJOR VERANO DE MI VIDA_Alejandro Serrano y Leo Harlem

El actor más taquillero de Italia, Checco Zalone (Un italiano en Noruega), escribió y encabezó el reparto de Sol a cántaros (2013), cuyo guión, debidamente adaptado a la idiosincrasia española, se ha convertido en El mejor verano de mi vida.

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Curro vende robots de cocina pero sueña con trabajar en el mundo financiero. Optimista por naturaleza, a pesar de las deudas familiares y del mal momento de su matrimonio, promete algo que no se puede permitir: si su hijo de nueve años saca todo sobresalientes, le llevará a unas vacaciones de verano inolvidables. El niño lo consigue y su padre se verá obligado a cumplir su palabra.

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La trama tarda en arrancar. Demasiadas vueltas en la presentación de personajes. Más o menos hacia la mitad del metraje se produce el clic. En el momento en que el protagonista y su chaval llegan a un resort de yoga en el que conocen a la dueña y a su hija se produce el giro a partir del que la cinta comienza a convencer. No se trata de un trabajo redondo, pero si tenemos un poco de paciencia y conectamos con el tono, podemos pasar un rato más que agradable.

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Aunque su tratamiento sea ligero, la crisis económica, la corrupción, la reforma laboral, el paro, quedan como interesante telón de fondo. A este que escribe el estilo a la hora de afrontar las desventuras de este trabajador golpeado por las circunstancias pero inasequible al desaliento, interpretado por un divertidísimo Leo Harlem, le trajo a la memoria otro intento de fantasía capriana, Dave, presidente por un día de Ivan Reitman. Si a ese grato recuerdo y al buen hacer del cabeza de cartel unimos la agradable sorpresa de Maggie Civantos, la siempre solvente Toni Acosta y la desternillante Gracia Olayo, nos han merecido la pena estos 90 minutos de desconexión con las preocupaciones diarias.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL MEJOR VERANO DE MI VIDA_Alejandro Serrano, Stephanie Gil, Leo Harlem, Maggie Civantos e Isabel Ordaz ok

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Álamo Audiovisual, Atresmedia Cine. Cortesía de A Contracorriente. Reservados todos los derechos.

 

El mejor verano de mi vida

Dirección: Dani de la Orden

Guión: Olatz Arroyo, Daniel Castro, Dani de la Orden y Marta Suárez

Intérpretes: Leo Harlem, Alejandro Serrano, Maggie Civantos

Música: Zacarías M. de la Riva

Fotografía: Valentín Álvarez

Duración: 91 min.

España, 2018

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El regreso del hombre hormiga – Crítica de “Ant-man y la Avispa” (2018)

El inconveniente más grande al que se enfrenta una película de superhéroes al afrontar su segunda entrega reside en la necesidad de enganchar al público desde el primer minuto, habida cuenta de que el cartucho del siempre fascinante proceso de descubrimiento de poderes sobrehumanos del protagonista y creación de su identidad secreta ya se ha consumido en el filme primigenio de la saga. El espectador no familiarizado con la historia a través del cómic original, caso de este que escribe, ya conoce al cruzado de turno y al entorno que lo rodea (qué decir del que ha devorado las aventuras en las viñetas), de modo que, o se comienza con brío o ya de inicio se tiene un serio problema de conexión con la platea.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ANT-MAN Y LA AVISPA_Ant-man y la Avispa

Peyton Reed, que repite en la dirección, sale airoso ante la complicada tarea de convencer al cada vez más exigente aficionado a este tipo de cine ya convertido en género. El cometido se ha cumplido con creces manteniendo y reforzando los elementos que hicieron triunfar a su predecesora.

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La secuencia pre créditos nos devuelve al pasado donde el profesor Hank Pym (Michael Douglas) se adentra en el mundo cuántico junto a su esposa (Michelle Pfeiffer) para llevar a cabo una peligrosa misión. Ella quedará aislada en la inmensidad microscópica aunque, ya de vuelta en el presente, el científico y su hija (Evangeline Lilly) descubren que es posible que siga viva y enrolan en el rescate a Scott Lang (Paul Rudd) mientras él se plantea la compatibilidad de la paternidad con su faceta de hombre hormiga.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ANT-MAN Y LA AVISPA_Paul Rudd y Evangeline Lilly sorpresa

Cuando se aplica el sentido común a una producción cinematográfica es lógico que el proyecto en cuestión salga a flote, obtenga rendimiento en taquilla e incluso el favor de la crítica. Los responsables de la saga escogieron un tono cómico para relatar las aventuras de Ant-man y dentro de los distintos grados optaron por un humor blanco, para todos los públicos, probablemente el más complicado de desarrollar. No buscaron un realizador curtido en el cine de acción sino con experiencia en comedia y un protagonista versado en hacer reír a la audiencia. Resultaba mucho más práctico que un tipo con talento como Paul Rudd desarrollase abdominales que conseguir que un cachas de póster fuese capaz de transmitir la hilaridad necesaria amén del abanico de emociones que requería el personaje.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ANT-MAN Y LA AVISPA_Hannah John-Kamen

La perfección técnica a la hora de rodar, el montaje, el sonido, los efectos especiales, las espectaculares secuencias de acción, se le presumen a un largometraje de esta magnitud; lo difícil de conseguir es el ritmo. En las casi dos horas de metraje no encontramos tiempos muertos, la capacidad de entretener queda intacta, hallamos momentos de ternura paterno y materno filial, hay hueco para el romance y muchas y sanas risas. Como guinda, los más cinéfilos encontramos referencias diseminadas a Viaje alucinante, como no podía ser de otro modo, pero disfrutamos con una sonrisa el guiño a ese Kenneth Branangh primerizo tan Hitchcock, Morir todavía.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ANT-MAN Y LA AVISPA_Ant-man gigante

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Marvel Studios. Cortesía de Walt Disney Studios Motion Pictures Spain. Reservados todos los derechos.

 

Ant-man y la Avispa

Dirección: Peyton Reed

Guión: Chris McKenna, Erik Sommers, Paul Rudd, Andrew Barrer, Gabriel Ferrari

Intérpretes: Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michael Douglas

Música: Christophe Beck

Fotografía: Dante Spinotti

Duración: 118 min.

Estados Unidos, 2018

Relaciones que marcan para siempre – Crítica de “Casi 40” (2018)

El inicio de Casi 40, su planteamiento, su factura visual sencilla (casi más vídeo que cine), un chico y una chica hablando sin parar de la vida, del amor, de los hombres, de las mujeres, del paso del tiempo, canciones en plano fijo, secuencias en un único encuadre dejando que fluyan las palabras, ese comienzo habría cautivado sin duda al cinéfilo apenas veinteañero, enamoradizo y entusiasta que adoraba este tipo de guiones. Con las cuarenta primaveras del título más que superadas uno se vuelve cínico, aunque solo sea un poquito, y recela de todo lo que le huele a los filmes y libros que formaron parte de su educación sentimental, Antes de amanecer, Las desventuras del joven Werther, historias de pasiones no correspondidas o de romances fugaces e imposibles, y atiende expectante, con el anhelo de que la trama evolucione y sea capaz de articular cierto poder de seducción sobre este cuarentón descreído.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CASI 40_Lucía Jiménez y Fernando Ramallo

Fernando Ramallo, Lucía Jiménez, La buena vida. Después de más de dos décadas los mismos personajes se reencuentran. El de Ramallo va recordando en sus reflexiones cada vez más al Gabino Diego de Los peores años de nuestra vida, al David Trueba guionista de los desastres afectivos del inicio de la edad adulta. Aquel amor de adolescencia se transformó en amistad, aunque sus caminos se separaron. Ella fue cantante de éxito, pero dejó su banda y el mundo de las actuaciones y se casó con un futbolista, ahora tiene dos hijos. Él, que se dedica a la venta de cosméticos ecológicos, intenta relanzar la carrera musical de Lucía a través de una gira de conciertos acústicos por librerías y pequeños locales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CASI 40_Lucía Jiménez

Con estructura de película de carretera, el viaje físico va a propiciar el periplo de estos dos hacia el pasado para ajustar cuentas, para recordar qué es lo que les une y por qué un día dejaron de salir juntos y comenzaron a distanciarse. Todo va fluyendo de manera natural. Desde el tono ligero del primer tercio de metraje, que nos hace volver al Linklater ingenuo de los 90, hasta ir convenciéndonos de que aquello se parece más a Antes de atardecer, con reflexiones muy acertadas en torno al cambio de parecer que se produce con la madurez en mujeres y hombres tanto en cuestiones de pareja como en las que tienen que ver con el acontecer de las cosas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CASI 40_Fernando Ramallo

En una última conversación, prácticamente un monólogo, maravillosamente escrita e interpretada, queda definida con una sensibilidad a flor de piel la fragilidad, la vulnerabilidad que no se ve a simple vista porque se trata de ocultar con una máscara de indiferencia como mecanismo de auto defensa. Acertado epílogo para terminar, a nuestros cuarenta y tantos, convencidos por una cinta que nos lega un corolario que vence nuestros prejuicios, y es que no deja de ser cierto que una relación, una amistad, un amor, que surge a los 16 años puede marcarte para siempre.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CASI 40_Lucía Jiménez canta Casi 40

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Buenavida Producciones S.L., Perdidos G.C. Cortesía de Avalon. Reservados todos los derechos.

 

Casi 40

Dirección y guion: David Trueba

Intérpretes: Fernando Ramallo, Lucía Jiménez, Vito Sanz

Fotografía: Julio César Tortuero

Montaje: Marta Velasco

Duración: 83 min.

España, 2018

Salir (o no) del armario – Crítica de “Con amor, Simon” (2018)

En plena vorágine del mundial de fútbol surge esta noticia: «La FIFA estudia sancionar a la Federación Mexicana por cánticos homófobos de sus aficionados contra el portero alemán Manuel Neuer». Y todo porque el guardameta del Bayern había contribuido a la lucha contra la homofobia en el deporte rey desde su condición de heterosexual. Una información tan sensible, de haber sido cierta, no debería ser desvelada sin el consentimiento del interesado, menos aún en un entorno tan estigmatizado como el mundo del balompié. Nadie puede arrebatar a una persona el derecho a salir del armario en el momento, de la forma y ante la gente que él o ella decida, o a seguir permaneciendo dentro, si así lo estima.

Love, Simon

Este largometraje ha roto moldes. Se trata de la primera película producida por uno de los grandes estudios de Hollywood que aborda el tema de la homosexualidad en la adolescencia. Aunque parezca mentira decir esto en el año 2018, así es, y abre camino para que se vea con total naturalidad e incluso se empatice tanto con la situación del protagonista como con sus problemas amorosos. El sentido del humor y la ligereza de determinadas situaciones no le quitan trascendencia al fondo de la cuestión, y es que esa potestad de poder decirles a tus padres o a tus amigos que eres gay cuando estás en el instituto, en plena era de las redes sociales, no puede apropiársela un blog de cotilleos que todo el alumnado lee.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CON AMOR, SIMON_Nick Ro9binson

Simon es un chaval como todos los de su edad, que se lleva bien con sus progenitores y su hermana pequeña, que forma pandilla con dos chicas y un chico pero que, en sus propias palabras, guarda un gran secreto: es gay y no se lo ha dicho a nadie. Cuando esa condición se ve comprometida tendrá que lidiar con el conflicto entre intentar ocultar su verdadera identidad, con todo lo que ello pueda conllevar, o afrontar los hechos ante aquellos a los que quiere.

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Greg Berlanti ha trasladado a esta cinta la atmósfera de problemática adolescente y sus vicisitudes intrínsecas de series emblemáticas por las que pasó como guionista, Dawson crece, o ya con galones de creador, Everwood. Aunque el texto provenga de la novela de Becky Albertalli los nexos en común con otro libro adaptado al cine de temática similar son más que evidentes. Con amor, Simon bebe de las fuentes de Las ventajas de ser un marginado, historia en la que la homosexualidad se trata tangencialmente a través de una trama secundaria en la que se subraya que nadie es quién para sacar a otro del armario por muy ruin que haya sido su comportamiento.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CON AMOR, SIMON_Kelynan Lonsdale

El realizador ha conseguido el tono idóneo de comedia romántica de buen rollo, lo que los anglosajones llaman feel good movie, aportando un fondo más profundo de lo habitual pero abordado de forma fresca, con aire irónico y mucho sentido del humor, lo que funciona a la perfección de cara a la audiencia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CON AMOR, SIMON_Katherine Langford y Nick Robinson

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos. 

Copyright imágenes  ©  Fox 2000 Pictures, New Leaf Literary & Media, Temple Hill Entertainment,Twisted Media. Cortesía de Twentieth Century Fox España. Reservados todos los derechos.

 

Con amor, Simon

Dirección: Greg Berlanti

Guion: Elizabeth Berger y Isaac Aptaker, a partir de la novela Yo Simon, Homo Sapiens de Becky Albertalli

Intérpretes: Nick Robinson, Jennifer Garner, Josh Duhamel

Música: Rob Simonsen

Fotografía: John Guleserian

Duración: 110 min.

Estados Unidos, 2018

Camino a ninguna parte – Crítica de “En Tránsito” (2018)

El Oso de Plata al mejor director en Berlín 2012 por la estupenda Bárbara hizo de Christian Petzhold un tipo al que seguir la pista. Su narrativa buscaba (y necesitaba) la complicidad del espectador para construir poco a poco el cuándo y el dónde, y en cuanto al cómo utilizó el suspense como arma principal para desarrollar una historia de amor en los estertores de la Guerra Fría en la República Democrática Alemana. Su siguiente trabajo, Phoenix, pasó por la sección oficial de San Sebastián 2014 de manera tibia, fuera del palmarés pero con el premio FIPRESCI de la prensa. Mismos protagonistas, similar trama con inspiraciones hitchcockianas en torno a una superviviente del holocausto, pero menor fuste y brío que su predecesora.

En tránsito supone la culminación de su trilogía «Amor en tiempos de sistemas opresivos» completada con las dos obras antes nombradas. Cuenta la peripecia de un ciudadano alemán huido que durante la Segunda Guerra Mundial trata de abandonar Francia ante la inminente ocupación nazi. Consigue, accidentalmente, la documentación de un escritor fallecido al que iba a entregar unas cartas, toma su identidad, se hace con un relato que había dejado a medio acabar y parte hacia Marsella. Allí queda bloqueado y encuentra a una fascinante mujer que busca a su marido desaparecido.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN TRÁNSITO_Franz Rogowski hotel

Durante el primer tercio de metraje, desconcierto. Los diálogos nos sitúan en el país vecino en la década de los 40 pero la dirección artística nos descoloca por completo. La ambientación parece contemporánea de modo que los primeros veinte minutos los pasamos tratando de asegurarnos de que, pese a que las casas y las calles nos traigan hacía la época actual, el relato se ubica hace tres cuartos de siglo. Si la intención de Petzhold es asimilar lo acontecido con parte de sus compatriotas años atrás a la situación de indefensión de los refugiados sirios que han tenido que abandonar su país por culpa de la guerra, el tiro le sale por la culata. A pesar de sus loables intenciones lo que prevalece en el espectador, por encima de la denuncia en forma de metáfora, es la sensación de desorientación.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN TRÁNSITO_Paula Beer y Franz Rogowski

Tras sesenta minutos carentes de gancho alguno la aparición de Paula Beer como esa misteriosa mujer que atrae la atención del protagonista viene a concitar el interés de la audiencia. La actriz de Frantz introduce cierta complejidad argumental en forma de juego de muñecas rusas que coquetea con el metalenguaje que, en otras circunstancias, podría haber resultado estimulante. Pero la falta de carisma del intérprete principal y el sinsentido de todo lo que sucede, rayando en el absurdo de determinadas situaciones, acaban por desesperar a este espectador que encuentra eminentemente confusa esa forma de narrar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EN TRÁNSITO_Franz Rogowski en camión

Lo mejor, el tema de Talking Heads que cierra la cinta. Compendio del devenir tanto de este largometraje como de la saga de la que forma parte. Un conjunto fílmico que, pese a su esperanzador comienzo, ha ido decreciendo paulatinamente en atractivo y poder de sugerencia. Su título habla por sí solo: Road to nowhere.

TRANSIT Regie Christian Petzold

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos. 

Copyright imágenes  ©  Schramm Film, Neon Productions, Arte France Cinéma. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

En tránsito

Dirección: Christian Petzhold

Guion: Christian Petzhold, basado en la novela Transito de Anna Seghers

Intérpretes: Franz Rogowski, Paula Beer, Rodehard Giese

Música: Stefan Will

Fotografía: Hans Fromm

Duración: 101 min.

Alemania, Francia, 2018

A la manera del cine social británico – Crítica de “Normandía al desnudo” (2018)

El Manierismo de finales del siglo XVI se entendió como un movimiento que perseguía imitar las maneras de los grandes maestros del Alto Renacimiento. Tintoretto pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear al estilo de Tiziano. Así como las corrientes pictóricas se retroalimentan de lo bueno que ha venido antes, las tendencias cinematográficas van a buscar referentes a un pasado de glorioso brillo. El Western Crepuscular recuperó a finales de los 60 y en los 70 las señas de identidad de las películas del oeste añadiendo esa visión desmitificadora que le aportaban unos protagonistas en el ocaso de su vida. El Neo Noir puso al día los códigos del Cine Negro clásico adaptándolo a la época de su filmación.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_NORMANDÍA AL DESNUDO_François Cluzet

 En la última década del siglo pasado vivió su esplendor un género que tomaba el cine social al que tanto lustre habían dado tipos como Ken Loach y le añadía un giro cómico para denunciar situaciones injustas y precarias divirtiendo. Los británicos son únicos a la hora de equilibrar sentido del humor y drama sin caer en la falta de respeto. Gran parte de la obra de Stephen Frears se puede enclavar aquí, pero hay dos títulos que dejaron huella y que han sido referentes para trabajos que han venido después, entre ellos el que nos ocupa hoy, y no son otros que Tocando el viento y Full Monty.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_NORMANDÍA AL DESNUDO_François Cluzet protestas

Hemos alimentado a este país durante siglos y ahora somos nosotros los que nos morimos de hambre. Las importaciones de carne de vacuno están asfixiando a los ganaderos de un pequeño pueblo de Normandía que a través de movilizaciones tratan de dar visibilidad a su conflicto con poco éxito. La llegada de un fotógrafo norteamericano (un sosias de Spencer Tunnick) da al alcalde la idea que convertiría su problema en portada de todos los informativos de ámbito nacional. El artista es conocido como retratista de grandes grupos de personas desnudas en localizaciones singulares.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_NORMANDÍA AL DESNUDO_Toby Jones y François Cluzet

Un concepto argumental impecable, evidentemente inspirado en esa forma de hacer cine de la que hablábamos antes, pero al que le falta un toque de sal, de cinismo y sarcasmo, de esa socarronería a la que los cineastas de las islas le tienen tan bien tomada la medida.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_NORMANDÍA AL DESNUDO_François Cluzet PP

De un intérprete solvente como François Cluzet (el esforzado edil) uno siempre espera lo mejor. Su peligro, la sobreactuación. El abuso reiterado de determinados tics termina por sobrecargar al espectador y ensombrece los destellos de calidad inherentes a un actor de su nivel.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_NORMANDÍA AL DESNUDO_François Cluzet granero

Estructuralmente hablando, la subtrama de la familia cuya hija ejerce de improvisada narradora, que no aporta nada a la progresión de la narración, es fácilmente eliminable del guión. Uno se imagina el largometraje sin esos tres personajes y la historia no se altera en absoluto. El metraje reducido a noventa minutos aportaría agilidad a la cinta, pero seguiríamos echando de menos esa osadía que resulta tan corrosiva, incisiva e irónica como para otorgarle el salto de calidad necesario, el punto de genialidad que la convirtiese en el gran filme que podría haber sido.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_NORMANDÍA AL DESNUDO_Todos desnudos

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos. 

Copyright imágenes  ©  Les Films des Tournelles, SND Films. Cortesía de Vértice Cine. Reservados todos los derechos.

 

Normandía al desnudo

Dirección: Philippe Le Guay

Guión: Philippe Le Guay, Olivier Dazat y Victoria Bedos

Intérpretes: François Cluzet, François-Xavier Demaison, Toby Jones

Música: Bruno Coulais

Fotografía: Jean-Claude Larrieu

Duración: 105 min.

Francia, 2018

Perdido en el exceso – Crítica de “El hombre que mató a Don Quijote” (2018)

Septiembre de 2000. El desierto de las Bardenas Reales, plató de rodaje de innumerables películas, cortometrajes y spots, lugar donde prácticamente no cae una gota en todo el año, sufre varios días de lluvias torrenciales que convierten el duro y polvoriento suelo en un lodazal que imposibilita cualquier intento de filmar. El ruido generado por los cazas estadounidenses que sobrevuelan el cercano campo de tiro inutiliza las tomas realizadas hasta entonces. Jean Rochefort, el actor que encarna a Don Quijote, sufre una doble hernia discal que le impide montar a caballo. Los productores, desesperados, descubren que el seguro no cubre las pérdidas provocadas por la tromba de agua.

El estupendo documental Lost in La Mancha describe cómo toda serie de casualidades negativas se dieron cita, una detrás de otra, provocando un efecto dominó que dio al traste con el primer intento de Terry Gilliam de llevar a la gran pantalla su particular visión de las aventuras del Caballero de la Triste Figura.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL HOMBRE QUE MATÓ A DON QUIJOTE_Adam Driver y Jonathan Pryce estampa típica

El ex Monty Phyton pretendía revisitar el mito a través de las peripecias de un ejecutivo publicitario que viaja en el tiempo para encontrarse con Alonso Quijano que lo confunde con Sancho Panza, pero todo se conjuró en su contra. El director se encontraba en plena madurez creativa tras Miedo y asco en Las Vegas y las expectativas hacían prever un despliegue de esa imaginación desbordante que nos había seducido con la magnífica Doce monos, pero el rodaje se suspendió.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL HOMBRE QUE MATÓ A DON QUIJOTE_Adam Driver y Jonathan Pryce

Un tipo cabezota como Gilliam lo volvió a intentar en varias ocasiones. Pasaron por el reparto Johnny Depp, Gérard Depardieu, John Hurt, Ewan McGregor. El guión fue variando, la financiación menguó y la salud del realizador, como la de varios de sus intérpretes, se vio afectada por las vicisitudes que este proyecto maldito ha venido sufriendo desde hace dieciocho años. Un pleito de los coproductores portugueses ha estado a punto de posponer el estreno. Finalmente la cinta, tras proyectarse en Cannes, ha llegado a las salas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL HOMBRE QUE MATÓ A DON QUIJOTE_Adam Driver y Jonathan Pryce a caballo

Los cambios en el libreto han transformado al publicista en director de cine y el periplo temporal se transforma en un viaje interior de un protagonista envanecido, maleado por el éxito en su profesión y hastiado de su triste existencia, en busca del entusiasmo y el optimismo del chaval que debutó con una ópera prima titulada El hombre que mató a Don Quijote. Si esto lo envolvemos en una crítica al mundo del celuloide, a la manera en la que puede destrozar las vidas de un zapatero que termina creyendo ser caballero andante o de la adolescente que soñó que podría triunfar como actriz y acabó convertida en meretriz, vemos que las intenciones no pueden ser mejores y no dejan de tener su gancho, pero a la hora de ser plasmadas sobre la pantalla comprobamos, con profundo pesar, que, a pesar de nuestra buena predisposición, las extravagancias otrora ocurrentes del genio de Gilliam embarullan un relato que se pierde en el exceso.

¿Qué habrá quedado de lo ideado inicialmente? Nunca lo sabremos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL HOMBRE QUE MATÓ A DON QUIJOTE_Jonathan Pryce

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos. 

Copyright imágenes  ©  Alacrán Pictures, Tornasol Films, Entre Chien et Loup, Ukbar Filmes. Cortesía de Warner Bros Piuctures International. Reservados todos los derechos.

 

El hombre que mató a Don Quijote

Dirección: Terry Gilliam

Guion: Terry Gilliam y Tony Grisoni, inspirado en personajes de Miguel de Cervantes y Saavedra

Intérpretes: Adam Driver, Jonathan Pryce, Joana Ribeiro

Fotografía: Nicola Pecorini

Música: Roque Baños

Duración: 132 min.

España, Bélgica, Portugal, Reino Unido, 2018

El eterno pícaro – Crítica de “El doctor de la felicidad” (2017)

Aquel sábado por la mañana muy pocos de los que acudimos a la sala de prensa del Kursaal de San Sebastián conocíamos al tipo negro y espigado que se sentaba al lado de François Cluzet. Nos había cautivado con su frescura, desenfado, con su sonrisa inabarcable y una vis cómica que combinaba perfectamente con una faceta más dramática. El cartelito que tenía delante rezaba: Omar Sy. Poco después se convirtió en el fulano más conocido de Francia y su película alcanzó números estratosféricos en la taquilla del país vecino aupándose, también, a un espectacular número uno en España. Intocable supuso su pasaporte al éxito, a los rodajes internacionales y al prestigio de verse agradeciendo el premio César al mejor actor por delante de su afamado compañero de rodaje.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL DOCTOR DE LA FELICIDAD_Omar Sy con el cartero

Desde entonces, su nombre y su imagen en el póster de un largometraje es el reclamo perfecto para llenar las salas de espectadores. El problema radica en el momento en que se encasilla a un intérprete en una tipología concreta de personaje en la creencia de que lo que ha vendido muchas entradas una vez, por fuerza, ha de seguir haciéndolo en el futuro. Y es que el bueno de Omar Sy parece abonado a los papeles de pícaro con buen corazón desde aquel que le granjeó celebridad y respeto.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL DOCTOR DE LA FELICIDAD_Omar Sy en el restaurante

En esta ocasión la historia nos traslada a la Francia de los años 50. El doctor Knock es un antiguo delincuente de poca monta que se ha sacado el título de medicina. Su llegada a la localidad de Saint Maurice provoca gran revuelo. Sus particulares métodos y su alma de granuja provocarán que los habitantes del pueblo vean síntomas y enfermedades donde no las hay; mientras, él se lucra y hace fortuna con ello.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL DOCTOR DE LA FELICIDAD_Omar Sy con el médico al que sustituye

El filme adapta libremente la novela de Jules Romains Dr. Knock o el triunfo de la medicina, anteriormente llevada al cine en 1951. Sus hechuras, la cuidada fotografía y la banda sonora cálida, agradable, de comedia romántica anglosajona que recuerda el estilo de Rachel Portman, parecen querer emular la atmósfera de cuento que tenía Chocolat, pueblecito singular incluido. El esfuerzo económico se aprecia tanto en la entidad de la producción como en la elección del cabeza de cartel, pero lo cierto es que, a pesar de estos mimbres, más allá de la presentación, en el momento en que se ha de desarrollar la trama el guión hace aguas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL DOCTOR DE LA FELICIDAD_Omar Sy con Ana Giradot

Como espectador, en el momento en que uno es consciente de que aquello no acaba de funcionar tiende a desconectar. Tan solo podemos salvar del fuego la preciosa historia de amor, una joya dentro del naufragio general, y la actriz que representa el interés romántico del protagonista, Ana Giradot. Omar Sy, solo a ratos. Los destellos de calidad en su trabajo quedan ensombrecidos por el cliché que viene repitiendo cinta tras cinta desde su eclosión para el gran público. Sin un texto brillante y una buena dirección, algo que aquí se echa a faltar, su rendimiento baja notablemente.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL DOCTOR DE LA FELICIDAD_Omar Sy en el tren

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos. 

Copyright imágenes  ©  Curiosa Films, Mona Films, Mars Films. Cortesía de Filmax. Reservados todos los derechos.

 

El doctor de la felicidad

Dirección: Lorraine Lévy

Guion: Lorraine Lévy, a partir de la obra de Jules Romains

Intérpretes: Omar Sy, Ana Giradot, Alex Lutz

Música: Cyrille Aufort

Fotografía: Emmanuel Soyer

Duración: 113 min.

Francia, Bélgica, 2017

El tenis, metáfora de la vida – Crítica de “Borg/McEnroe” (2017)

Borg, el caballero de la raqueta, la elegancia personificada, el hombre de hielo, la ausencia de sentimientos, la técnica depurada, la perfección hecha tenis. McEnroe, el enfant terrible, el bocazas irredento, el talento insolente, la improvisación, el atrevimiento, la creatividad, los puntos imposibles, la efectividad a partir del caos. Nadie podría haber imaginado un par de carácteres tan antagónicos ni dos estilos de entender el juego así de contrapuestos, sin embargo, ambos estaban ungidos de genialidad y tenían mucho más en común de lo que pudiéramos imaginar.

1980. El apabullante prólogo nos sitúa en la pista central del All England Tennis Club. La final más esperada del torneo sobre hierba más prestigioso del mundo. En la catedral, el señor de Wimbledon, el número uno, ganador de las cuatro últimas ediciones, frente al advenedizo, la estrella emergente, el llamado a sustituirle al frente del ranking de la ATP. Todo se detiene. A partir de ahí, a través de flashbacks, la cinta realiza una introspección en las controvertidas personalidades detrás de los mitos, con revelaciones especialmente sorprendentes en el caso de Borg, del que apenas conocíamos nada y sobre el que pivota en mayor medida el guión.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BORG:McENROE_Sverrir Gudnason

Una radiografía del peso de la responsabilidad y de la fama y la constatación de que lo realmente complicado no es llegar a la cima sino mantenerse en ella. Un tratado de psicología del deporte no exento de la emoción y espectacularidad que ofrece la recreación de uno de los partidos míticos de la historia del tenis, rodado y montado como un thriller de suspense para ser disfrutado exactamente igual que si hubiésemos asistido al evento en directo. Si no lo vieron en su día o no lo recuerdan, no busquen información, lo agradecerán.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BORG:McENROE_Sverrir Gudnason y Shia Labeouf

Borg/McEnroe trata, indirectamente, de la dificultad de regresar a lo más alto después de haber caído. Alude, por comparación, a un tipo como Rafael Nadal cuya capacidad, pundonor, voluntad, concentración, fuerza mental y confianza en sí mismo hacen de él un tipo que nunca se rinde a pesar de que, aparentemente, tenga todo perdido. Un fulano capaz de volver a ser el mejor cuando ya nadie daba un duro por él.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BORG:McENROE_Shia Labeouf

El largometraje que mejor ha sabido abordar el universo tenístico habría de estar, por fuerza, entre los más destacados filmes deportivos ya que trasciende su ámbito para hablar de competición pero también de amistad, de presión psicológica, de estrés, de autocontrol, de brillantez y excelencia, de controlar situaciones límite, de superarse a uno mismo, de ser perfecto por mandato, de estar obligado a ganar, de la dificultad de mantenerse en la cúspide, de la gestión de la popularidad, de perder el oremus, de bajarse del caballo del propio ego para dejarse aconsejar, de la rivalidad mal entendida y del respeto profesional, de fastidiarla y arrepentirse, de no saber pedir perdón a tiempo, de rectificar, de apreciar y elegir lo auténtico y desechar el oropel. Habla de que lo que sucede entre esas cuatro líneas de cal tiene mucho que ver con la vida.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BORG:McENROE_Sverrir Gudnason y Shia Labeouf se dan la mano

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos. 

Copyright imágenes  ©  SF Studios Production AB, Danish Film Institute, Nordisk Film, SVT. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

Borg/McEnroe

Dirección: Janus Metz

Guion: Ronnie Sandahl

Intérpretes: Sverrir Gudnason, Shia Laboeuf, Stellan Skarsgård

Fotografía: Niels Thastum

Montaje: Per K. Kirkegaard, Per Sandholt

Duración: 107 min.

Suecia, Dinamarca, Finlandia, 2017

En el punto de mira – Crítica de “The Wall” (2017)

A Doug Liman lo conocimos y comenzamos a respetar, más que con Swingers, que supuso un hito en el cine independiente estadounidense, a través de su siguiente trabajo, Viviendo sin límites, un filme tan divertido como transgresor en torno a un trapicheo con drogas en el que una realización sorprendente y un montaje audaz nos brindaba un Rashomon para público adolescente de lo más entretenido. Esta película le abrió las puertas del cine de acción, en el que, tras inaugurar la saga Bourne, se convirtió en director de guardia del género; correcto, sin estridencias, aunque renunciando a la osadía que le había llevado hasta allí, con algún agradable amago de retorno a sus inicios como Al filo del mañana. 

Con The Wall, un largometraje de muy bajo presupuesto, se enfrenta a otro tipo de reto que le ha permitido salirse de los esquemas del entretenimiento lleno explosiones y persecuciones al que parece abonado. Con apenas tres actores, uno de ellos tan solo presente mediante su voz, una única localización y en el espacio de unas horas ha de narrar, durante noventa minutos, las vicisitudes de dos soldados estadounidenses atrapados en el desierto por un letal francotirador iraquí, con el que mantienen contacto a través de la radio, del que simplemente les separa un frágil muro de piedra semiderruido, el del título.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE WALL_John Cena

Respetando escrupulosamente las tres reglas aristotélicas; unidad de acción, unidad de tiempo, unidad de lugar; asume la complicada misión de convertir en lenguaje cinematográfico atrayente lo que bien pudiera haber sido una obra de teatro. Algo solo al alcance de genios como Joseph L. Mankievicz (La huella) o de artesanos con mucho oficio de la talla de Joel Schumacher (Última llamada) o John Badham (A la hora señalada). Si unimos lo formal a lo argumental nos encontramos que estos tres precedentes convergen en un ejercicio narrativo tan interesante como Buried, pirueta con cuádruple mortal del visionario Rodrigo Cortés de Concursante.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE WALL_John Cena Primer Plano

Un bombón, en cuanto al desafío fílmico, aunque también un caramelo envenenado por la dificultad de mantener la tensión durante el total del metraje con tan escasos elementos de los que echar mano. Por más que el tramo final aparezca impactante y consiga cerrar satisfactoriamente la historia, el lastre que deja un inicio falto de gancho y un desarrollo reiterativo y monótono hiere de muerte un proyecto que podría haber resultado atractivo.

The Wall

Para que una cinta de este tipo funcione y mantenga a la audiencia pegada a la butaca de principio a fin se hace absolutamente necesario un guión ingenioso, con unos diálogos más incisivos y brillantes, y una realización que consiga que olvidemos el origen cuasi teatral del texto y aproveche todas las posibilidades que le brinda el medio audiovisual, algo perfectamente al alcance del primer Doug Liman pero que parece olvidado por el actual, que ha perdido la chispa, la frescura y la improvisación de la que aquel joven cineasta sin complejos hacía gala.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE WALL_Aaron Taylor-Johnson

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Copyright imágenes  ©  Amazon Studios, Big Indie Pictures, Picrow. Cortesía A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

The Wall

Director: Doug Liman

Guion: Dwain Worrell

Intérpretes: Aaron Taylor-Johnson, John Cena, Laith Nakli

Fotografía: Roman Vasyanov

Montaje: Julia Bloch

Duración: 88 min.

Estados Unidos, 2017

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