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Dolorosamente necesaria – Crítica de “Sorry we missed you” (2019)

Un repartidor en bicicleta muere tras ser atropellado por un camión de la basura. El demoledor titular es de mayo de este mismo año. No hay nada que pueda superar a la vida misma en fuerza dramática y profundidad argumental. Las noticias relacionadas con las deplorables condiciones laborales de los falsos autónomos están a la orden del día y esa que leemos ahí arriba hiela la sangre y encoge el corazón. Sucede cada vez en un mayor número de sectores. Gente que soporta sobre sus hombros gravámenes de los que habrían de hacerse cargo sus empleadores, amén del estrés derivado de tener que encontrarse continuamente disponibles y la necesidad de trabajar lo más rápido posible para poder recibir más pedidos y así generar un nivel de ingresos que a duras penas pueda compensar la cuota de autónomos y los gastos derivados de la compra de un vehículo para poder realizar su cometido, con riesgo evidente para su integridad y su salud (tanto física como mental).

Lo que narra este excelso guion de Paul Laverty sucede en el Reino Unido y se basa en un caso real pero la globalidad de la economía hace que lo que vemos en pantalla nos suene tristemente cercano.

KRIS HITCHEN Y KATIE PROCTOR_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SORRY WE MISSED YOU

Un conductor de reparto de paquetería en una delicada situación económica y su mujer, trabajadora a domicilio para personas con dependencia, luchan para llegar a fin de mes en la Inglaterra actual. Conociendo a Ken Loach, la aparente simpleza de este planteamiento lleva implícitas un sinfín de derivaciones que enriquecen todo lo que aquí se nos va a contar.

Cena Familiar_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SORRY WE MISSED YOU

El matrimonio se ve obligado a pasar muchas horas fuera de casa por sus respectivas ocupaciones y no se ven ni atienden a su hija y a su conflictivo hijo de la manera que les gustaría. Además surgen fricciones derivadas del hecho de tener que vender su coche, con el que ella atendía a sus usuarios, para hacerse cargo del préstamo para pagar la furgoneta que él ha de adquirir para llevar a cabo su labor, y de su cada vez más angustiosa situación en una empresa con una asfixiante y agresiva política con sus empleados y un leonino régimen de sanciones. ¿Cómo puede sobrevivir una familia a todo esto? La desesperación, la ansiedad y la depresión pueden llevar a cualquiera a cometer una insensatez.

Katie Proctor y Kris Hitchen_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SORRY WE MISSED YOU

Loach realiza su película más redonda en mucho tiempo. Su tono habitual de crítica social alcanza una hondura (la necesaria para desarrollar cada una de las aristas de un asunto tan complejo) que pone los pelos de punta. Fiel a su estilo, utiliza caras desconocidas para dar mayor verosimilitud a su alegato. Las interpretaciones de los impresionantes Kris Hitchen y Debbie Honeywood, a los que vemos como nuestros vecinos, provocan que el directo al estómago resulte más brutal si cabe y que la sensación de vacío nos rompa por dentro al finalizar. Aún así y a pesar del dolor que genera, se antoja absolutamente necesaria la denuncia de una realidad tan palmaria como escalofriante.

Kris Hitchen furgoneta_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SORRY WE MISSED YOU

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Sixteen Films, BBC Films, Wild Bunch, Why Not Productions. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

Sorry we missed you

Dirección: Ken Loach

Guion: Paul Laverty

Intérpretes: Kris Hitchen, Debbie Honeywood, Rhys Stone

Música: George Fenton

Fotografía: Robbie Ryan

Montaje: Jonathan Morris

Duración: 101 min.

Reino Unido, Francia, Bélgica, 2019

Cucarachas invasoras – Crítica de “Parásitos” (2019)

Unos calcetines deportivos cuelgan de un mini tenderete circular frente a los ventanucos de un destartalado apartamento situado en un bajo a pie de calle. Allí sobrevive Kim Ki-taek, sin trabajo y sin un duro, junto a su mujer, que le apoya en lo que puede, su veinteañera y cínica primogénita y su hijo universitario. Se dedican a chupar el wi-fi de los vecinos y a montar cajas para una pequeña pizzería a la que le intentan colar incluso las defectuosas. Se aprovechan hasta de la fumigación del callejón, a costa de su propia salud, para eliminar las enormes cucarachas que pululan a sus anchas por el salón. La oportunidad surge cuando un amigo del benjamín le ofrece sustituirle como profesor de inglés de la hija de un adinerado ejecutivo. En la mejor tradición de la picaresca, y haciendo honor a sus insectiles invasores, intentará colar a cada miembro de su desempleada parentela como trabajador en aquel espectacular chalet.

So-dam Park Woo-seek-Choi_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PARÁSITOS

Lo mejor es no hacer planes, si no haces planes nada te puede fallar, le dice el desmotivado padre a su chaval, aludiendo a que, en una situación apurada, prefiere improvisar a que no se cumplan las expectativas de lo inicialmente previsto. La perfección definitivamente resulta tediosa. Si todo sale según lo esperado, qué aburrido. ¿Qué sucede cuando las cosas se empiezan a torcer y aparece lo inesperado? Este guion explota la aparición azarosa de elementos que propician un cambio de registro, se atreve con la convivencia de géneros como la comedia y el thriller, otorgando gran importancia al suspense, e incluso se aventura con una última vuelta de tuerca (no apta para corazones sensibles) en la traca final, amén de cuestionar la posible empatía que podamos sentir por la familia protagonista.

Kang Ho-Song_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PARÁSITOSSi sobre el papel, solamente mirando el texto parido por la retorcida imaginación de Bong Joon-ho y Jin Won Han, tenemos material realmente explosivo, su puesta en escena (por el primero de ellos) y la elección de elementos técnicos utilizados para plasmarlo sobre la pantalla elevan más si cabe la calidad y originalidad de un trabajo que, con todo merecimiento, se hizo con la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes. El uso del formato panorámico, que aprovecha cada centímetro del encuadre, se enriquece de una fotografía luminosa, un exquisito gusto por la composición y la elegancia de movimientos de cámara suaves y certeros para retratar la modernidad y el minimalismo del decorado principal, esa fastuosa joya arquitectónica que se convierte en un personaje más de esta historia en contraposición con la precaria vivienda de este clan de aprovechados.

Sofisticada casa_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PARÁSITOS

Si a esta inspirada parte visual y al excelente libreto, trufado de portentosos giros que nos deparan una sorpresa tras otra y que se las apaña para cambiar el tono sin desentonar, le sumamos un atinado uso del sonido, muy trabajado, en combinación con una partitura que juega con el piano, la percusión y lo sinfónico para generar tensión dramática, la propuesta, en términos cinematográficos, no podría ser más estimulante.

Ventanuco_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PARÁSITOS

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Barunson E&A, TMS Entertainment, CJ Entertainment. Cortesía de La Aventura. Reservados todos los derechos.

 

Parásitos

Dirección: Bong Joon-ho

Guion: Bong Joon-ho y Jin Won Han

Intérpretes: Kang-ho Song, Yeo-jeong Yo, So-dam Park

Música: Jaeil Jung

Fotografía: Kyung-pyo Hong

Montaje: Jinmo Yang

Duración: 132 min.

Corea del Sur, 2019

Del deseo y de la pasión – Crítica de “Retrato de una mujer en llamas” (2019)

El encuadre se encuentra perfectamente equilibrado por los dos lienzos en blanco, humedecidos por la marea, que reposan a ambos lados de la chimenea. La luz proveniente de la lumbre crea una sensación de claroscuro con tonos anaranjados que aporta calidez. En el centro, sentada de perfil, completamente desnuda, la pintora fuma en pipa mientras espera que el fuego complete su labor. El cuidado trabajo de fotografía de esta película, que nos recuerda vivamente el que el meticuloso Stanley Kubrick ideó para Barry Lyndon, se nutre de planos exquisitamente compuestos e iluminación natural. Céline Sciamma trata de inmortalizar momentos con la cámara para que la audiencia perciba esta historia como quien recorre un museo contemplando cuadros, utilizando una narrativa casi exclusivamente visual, genuinamente cinematográfica, utilizando todos los medios a su alcance para narrar más allá de las palabras.

Noémie Merlant_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS

Créditos iniciales. Siglo XVIII. Aula de dibujo. Una alumna señala un cuadro en la pared. ¿Lo pintó usted? Hace mucho tiempo, responde la profesora. ¿Cómo se titula? Retrato de una mujer en llamas. De ahí nace el flashback que nos va a relatar cómo llegó a existir esa pintura y que comienza con el encargo que recibe su autora para ir a inmortalizar a una joven de posición acomodada.

Adéle Haenel_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS

Siglos antes de la invención de la fotografía las casas reales de distintos países que, de manera estratégica, buscaban matrimonios con los que lograr alianzas territoriales, encargaban retratos con los que “vender” a los futuros pretendientes las virtudes de sus retoños. Ni qué decir tiene que el pincel de turno trataba de plasmar una visión lo más amable posible de la realidad. El guion recoge varios asuntos interesantes que circundan la temática principal. Uno de ellos es esta práctica, aplicada en este caso a dos familias de alcurnia, que se enriquece del matiz de que la elegida para llevarla a cabo es una mujer, con lo que sale a relucir el hecho de que muchas artistas habían de utilizar un seudónimo masculino para vender sus obras y que a alguna de ellas, como a Sofonisba Anguissola, pintora de cámara de Felipe II, no se le reconociese su labor y su firma hasta hace unos pocos años.

Noémie Merlant y Adéle Haenel de negro_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS

La brillante factura técnica y la riqueza del subtexto engrandecen más todavía la sutileza de un libreto que disecciona de manera fascinante el proceso de enamoramiento, en una primera mitad que roza la obra maestra, para, posteriormente, desarrollar los vaivenes de una relación clandestina que escapaba a los convencionalismos de su época de manera igualmente sobresaliente, aunque sin alcanzar la perfección previa. Nada de esto hubiera sido posible sin los maravillosos trabajos de Noémie Merlant y Adèle Haenel, un prodigio de contención mezclado con una expresividad a flor de piel y un torrente interpretativo que eleva sus personajes y este largometraje a cotas inimaginables. Un delicado tratado acerca del deseo y de la pasión que podemos encontrar escondida en la página 28 de cualquier libro o en una tonada mal aprendida del gran Antonio Vivaldi.

Noémie Merlant y Adéle Haenel pasión_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS

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Copyright imágenes  © Lilles Films, Arte France Cinéma, Hold Up Films. Cortesía de Karma Films. Reservados todos los derechos.

 

Retrato de una mujer en llamas

Dirección y guion: Céline Sciamma

Intérpretes: Noémie Merlant, Adèle Haenel, Valeria Golino

Fotografía: Claire Marthon

Música: Jean-Baptiste de Laubier, Arthur Simonini

Montaje: Julien Lacheray

Duración: 119 min.

Francia, 2019

Ingenio, ironía, judaísmo, sexo sucio, hipocondría y cine – Crítica de “Día de lluvia en Nueva York” (2019)

Renoir, De Sica, Kurosawa, Grace Kelly, Ashley Wilkes, Lo que el viento se llevó, Gigi, Norma Desmond, El crepúsculo de los dioses, Al rojo vivo, Robert Mitchum, Jane Greer, Retorno al pasado, James Dean. Probablemente esta es la película de Woody Allen con mayor número de citas cinéfilas. Ortega y Gasset, El Bosco, John Singer Sargent, Irving Berlin. Como no, tampoco falta un buen puñado de referencias cultas. Mononucleosis, neumonía, síndrome de Asperger y un par de enfermedades más, amén de Bar mitzvah y tres o cuatro términos relacionados con la religión judía. Y la ciudad de Nueva York en todo su esplendor, de nuevo como un personaje más, aunque por primera vez en letras doradas formando parte del título.

Elle Fanning y Timothée Chalamet risas_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK

Lo que puede parecer una tópica lista de obsesiones al uso del más europeo de los directores estadounidenses no es sino una pormenorizada relación de las virtudes de su cuadragésimo octavo filme en cincuenta años de carrera. Un regreso en toda regla a los tiempos de Annie Hall, trabajo que marcó su cambio de tono de la comedia desmelenada a un humor más refinado que ganaba en profundidad argumental.

Timothée Chalamet paraguas_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK

Gatsby se define como un pijo de familia rica interesado en la literatura y el cine clásico. Está saliendo con Ashleigh, hija de un banquero, cuyo sueño es convertirse en una gran reportera. Sus personalidades no pueden ser más opuestas, pero eso les atrae. Una entrevista de ella con un afamado cineasta y una fiesta en casa de los padres de él provocan que decidan pasar un fin de semana en Nueva York donde vivirán curiosas situaciones acompañadas de una meteorología desapacible.

Elle Fanning y Timothée Chalamet piano_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK

Hacía mucho tiempo que Allen no desplegaba su arsenal verborreico y se lanzaba a tumba abierta con el as en la manga de unos diálogos chispeantes, casi ametrallados por un magnífico reparto plenamente consciente de la importancia de declamarlos al vertiginoso ritmo con el que fueron ideados. Una caterva de frases llenas de ingenio, ironía, judaísmo, sexo sucio, hipocondría y cine, mucho cine, además de otras exquisiteces asociadas a las múltiples disciplinas del arte del que tanto gustan departir las sofisticadas personalidades que pululan por los libretos del autor de Manhattan.

Timothée Chalamet y Selena Gómez_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK

Otro de los aciertos de la cinta son sus perfectos noventa y dos minutos, la hora y media canónica, cuya primera mitad funciona como un auténtico tiro. No podemos ni respirar mientras asistimos a los mejores momentos que nos ha deparado el realizador en años. De auténtica obra maestra. El hecho de que baje el pistón a partir de ese momento no es óbice para que se vea mermado el nivel de un largometraje de sobresaliente que cuenta con el prestigioso Vitorio Storaro tras la cámara. Contando con su sapiencia en el oficio, Allen ha querido desplegar y aprovechar la naturalidad y la libertad que un recurso como el plano secuencia otorga a un elenco en el que brillan con luz propia un Timotheé Chalamet en estado de gracia acompañado por la inteligencia de la cada vez más camaleónica Elle Fanning.

Timothée Chalamet y Elle Fanning_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Gravier Productions, Perdido Productions. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

Día de lluvia en Nueva York

Dirección y guion: Woody Allen

Intérpretes: Timothée Chalamet, Elle Faning, Liev Schreiber

Fotografía: Vittorio Storaro

Montaje: Alisa Lepselter

Duración: 92 min.

Estados Unidos, 2019

Retrato de una sociedad enferma – Crítica de “Joker” (2019) – Estreno: 04/10/19

Hay gente que se divierte pisoteando los sueños de los demás, así es la vida. A bocajarro suena hiriente, pero en la cálida voz de crooner de Frank Sinatra nunca hubiésemos pensado que dice lo que dice. “That´s life”, confórmate con la vida que te ha tocado vivir, no hay nada que puedas hacer para remediarlo. El mensaje se lo venden a la población de Gotham desde la televisión, a través del programa de mayor audiencia. Hacemos humor blanco, no nos metemos con consignas políticas, afirma orgulloso el presentador Murray Franklin. En la mayor época de crisis de la ciudad los medios intentan adormilar a las masas y la oligarquía exclama con condescendencia que a los pobrecitos mortales que no tienen donde caerse muertos, ellos, cuando alcancen la alcaldía, les van a guiar y les van a sacar del agujero del que sin su ayuda serían incapaces de salir.

Brett Cullen_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JOKER

Estamos hablando de Thomas Wayne, exitoso empresario, dueño de gran parte de lo que se ve y candidato a primer edil. Si Gotham es un trasunto de Nueva York, ¿Wayne puede tener algo que ver con el inquilino de la Casa Blanca?

Joaquín Phoenix como Arthur Fleck_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JOKER

Sin nombrar siquiera al protagonista ya nos hemos referido a la lectura de la película en clave de reflejo de la sociedad de la que procede, la estadounidense, que a su vez deja traslucir la situación de muchos otros países. Potente subtexto que conforma la temática real del filme más allá de la anécdota argumental y su relación con los cómics.

Joaquin Phoenix risa compulsiva_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JOKER

Quien sufre las consecuencias de la pobreza, el trabajo precario y los recortes en servicios sociales se llama Arthur Fleck y convive con sus problemas mentales y con su inestable madre. La ironía del destino ha hecho que trabaje como payaso cuando sufre una grave dolencia psicológica que le hace reír compulsivamente en momentos de estrés. Su lucha por ayudar a su progenitora y por salir adelante superando su condición se convierte en el motor que hace avanzar la trama.

Joaquín Phoenix sonríe_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JOKER

Todd Phillips escoge un camino que busca el realismo, que mira a la persona y se olvida del malvado de viñeta. Habla de un tipo que escribe lúcidamente sentencias que muestran muy a las claras la conciencia que tiene de lo que pasa en su cerebro: “Lo peor de una enfermedad mental es que la gente espera que te comportes como si no la tuvieras”. Se decanta por una realización elegante en sus encuadres, en la manera de mover la cámara y en la elección de colores, a la que añade un uso del sonido, atronador por momentos, que subraya los instantes más potentes de una cinta que realiza una exhaustiva disección de la locura en la línea de Van Gogh: a las puertas de la eternidad. Una fantástica disertación sobre el declive de una sociedad que está dejando de lado al eslabón más débil. Un trabajo imprescindible en el que la figura de un Joaquin Phoenix que huele a Óscar se adueña por completo de este majestuoso circo de tres pistas.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Warner Bros., DC Comics, DC Entertainment. Cortesía de Warner Bros. España. Reservados todos los derechos.

 

Joker

Dirección: Todd Phillips

Guion: Todd Phillips y Scott Silver

Intérpretes: Joaquin Phoenix, Robert de Niro, Zazie Beetz

Música: Hildur Gu∂nadóttir

Fotografía: Lawrence Sher

Montaje: Jeff Groth

Duración: 121 min.

Canadá, Estados Unidos, 2019

 

 

 

Regreso a los orígenes – Crítica de “Rambo: last blood”

David Morrell se encontraba escribiendo una novela sobre un ex combatiente de Vietnam que regresa a su pueblo natal pero tenía serios problemas a la hora de bautizar a su protagonista. Cogió una manzana y le propinó un mordisco. Está deliciosa, le dijo a su mujer, ¿de qué variedad es? Rambo, contestó ella. El nombre tenía fuerza y sonaba como los anglosajones pronuncian Rimbaud, uno de sus poetas favoritos del que estaba estudiando Una temporada en el infierno, expresión que puede describir perfectamente el acontecer de este hombre. La unión de estos dos conceptos inspiró el nombre de John Rambo, uno de los míticos iconos que nos brindó el cine de los 80.

Sylvester _Stallone tranquilo_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

Una de las primeras VHS del videoclub Zubia de Tafalla que pasó por los cabezales de aquel aparato marca Thomson que recientemente había comprado mi padre fue Acorralado, la adaptación cinematográfica del libro de Morrell, en el original First blood, algo así como primera sangre. De ahí el juego de palabras con el subtítulo de esta quinta entrega de la serie, Last blood, que indica que probablemente nos encontremos ante la última producción con este tipo curtido y baqueteado por la vida y, lo que resulta más interesante, que tenemos entre manos una continuación directa de aquel primer filme más cruda y realista.

Adriana Barraza y Sylvester Stallone_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

Los años han pasado para un John Rambo sesentón al que aún persiguen los fantasmas de Vietnam. Lleva tiempo retirado en un rancho junto a las mujeres mexicanas que le acogieron en su día. Ha ayudado a su anfitriona a criar a una nieta que quedó huérfana tras la muerte de su madre y la huida de su padre. La desaparición de esta cuando cruza la frontera sur para ir a buscar a su progenitor y la sospecha de que se encuentre retenida en una red de trata de blancas desata el deseo de venganza y la reaparición de viejos instintos que parecían haber desaparecido de su vida.

Yvette Monreal y Sylvester Stallone_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

La historia, ideada por el propio Sylvester Stallone, utiliza una estructura similar a la del primer capítulo de la saga y en su inicio plantea otro relato sencillo, ubicado en una pequeña población que, conscientemente, intenta obviar sus extemporáneas secuelas para continuar desarrollando la complejidad del veterano retratado en aquel primigenio guion.

Sylvester Stallone rodeado_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

Es precisamente en los instantes de calma donde mejor se defiende este largometraje, en esa idílica hacienda y en la relación de este fulano mentalmente atormentado con su familia adoptiva; cuando la violencia exacerbada se adueña de la pantalla el libreto no se preocupa de justificar las decisiones de los personajes en beneficio del avance de la trama. Este crescendo evoluciona hacia un baño de sangre que podría ser tolerable teniendo en mente la naturaleza del rol principal y su evolución en Acorralado pero el discurso final, con cierto tono a lo peor del cine de exaltación patriótica estadounidense, echa por tierra el cariño que habíamos cogido a la película debido al ataque de nostalgia provocado por el regreso a los orígenes de una franquicia que marcó nuestra adolescencia.

Sylvester Stallone arco_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

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Copyright imágenes  © Millenium Films, Balboa Productions, Lionsgate. Cortesía de Vértice 360. Reservados todos los derechos.

 

Rambo: last blood

Dirección: Adrian Grunberg

Guion: Matthew Cirulnick y Sylvester Stallone, a partir de una historia de Dan Gordon y Sylvester Stallone basada en el personaje creado por David Morrell

Intérpretes: Sylvester Stallone, Paz Vega, Adriana Barraza

Música: Brian Tyler

Fotografía: Brendan Galvin

Duración: 101 min.

Estados Unidos, 2019

FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2019 ZINEMALDIA

En el país de los ciegos el tuerto es el rey. El hecho de empezar con este refrán el repaso a 9 días de cine se debe a dos motivos. Para empezar, esta crónica se va a quedar un poco coja ya que este que escribe no pudo aterrizar en San Sebastián hasta el domingo 22, de modo que no hemos podido ver, como nos hubiese gustado, todas las películas de la Sección Oficial a concurso, así que no hemos podido usar, metafóricamente, los dos ojos para escudriñar y obtener un criterio completo, tan solo el del 70% de los trabajos presentados. El haber podido asistir a pases previos en Madrid, no obstante, nos ha permitido percibir los largometrajes de dos maneras diametralmente opuestas. Hemos podido juzgar algunas obras, como La hija de un ladrón, individualmente, por separado y de la forma más objetiva posible, y el resto, de la manera tan sesgada como se ven en los festivales de cine, con el cansancio y el sueño acumulado y entre otros trabajos, que al ser de pésima calidad, como muchos de los que este año han tenido a bien incluir en la categoría reina, hacen parecer a los filmes mejores de lo que realmente son. Y aquí es donde hace su entrada la segunda razón por la que la frase inicial resulta pertinente. Ante la abundancia de mediocridad lo medianamente pasable termina pareciendo algo sublime. De modo que, entre tanto ciego, quien por lo menos puede ver por su único ojo se convierte en alguien excepcional, siendo este el caso, para gran parte de la crítica aquí presente, de la película antes mencionada.

En cuanto a nuestro criterio sobre lo que hemos visionado, la Sección Oficial, a falta del palmarés, que en el momento de escribir estas líneas todavía no se ha dado a conocer, lo más destacado lo forma un variopinto triunvirato. La dureza y el drama del cine vasco que cuenta una historia profundamente andaluza y enraizada en la Guerra Civil y que se prolonga durante la dictadura franquista en La trinchera infinita; un trasunto de El Padrino y Un profeta, con relaciones familiares de por medio y las luchas de poder en las favelas de Río de Janeiro al final de los Juegos Olímpicos de 2016 con el título de Pacificado y, por último, la comedia loca, desenfadada, capaz de convertir a la persona, al escritor Michel Houellebecq, en un personaje en las antípodas de su personalidad, con grandes dosis de auto parodia y una buena inyección de ironía pasada por las aguas termales de un balneario llamado Thalasso. De aquí deberían salir, además de la Concha de Oro, gran parte de los premios importantes, con la salvedad de que no podemos incluir trabajos al parecer notables, según las opiniones de colegas próximos, que se proyectaron los dos primeros días de festival como Próxima o La audición.

PREMIO DONOSTIA - DONALD SUTHERLAND 2

Tres premios Donostia: el maestro del cine político, Costa-Gavras; el actor todoterreno que no ha parado de rodar desde que comenzó su carrera en los años 60, Donald Sutherland, y la actriz española más internacional y musa del cartel de este año, Penélope Cruz (grandioso momento la entrega de su farola de la Concha por parte de Bono de U2). De ellos dos (los intérpretes) hemos podido disfrutar de sendos thrillers diametralmente opuestos pero muy interesantes, Una obra maestra, en el caso del canadiense, y La red avispa, en el que la de Alcobendas demuestra su versatilidad al adoptar un muy conseguido acento cubano.

PREMIO DNOOSTIA - PENÉLOPE CRUZ

Todo esto coronado por una selección de Perlas totalmente variopinta e internacional entre las que han destacado la ganadora del Premio del Público Especiales, un drama social basado en hechos reales de los directores de Intocable; Sorry we missed you, del siempre reivindicativo Ken Loach, Premio Europeo del Público; la sutileza de Retrato de una mujer en llamas, el hermoso y emotivo drama familiar Hasta siempre, hijo mío, el amor de un padre por su hija en la distópica La luz de mi vida y el cuento de hadas hecho manga del ya habitual Makoto Shinkai, Whethering with you. Coronadas todas ellas por una auténtica joya, la sorprendente última Palma de Oro en el Festival de Cannes y una de las favoritas en los próximos Óscar, Parásitos. Y, para culminar la faena, por primera vez una película sorpresa, Joker, que venía con el León de Oro de Venecia bajo el brazo, con un trasfondo social muy potente y un Joaquín Phoenix inconmensurable y que ya huele a Óscar.

COMENTARIO AL PALMARÉS

Como ya destacábamos anteriormente, en párrafos escritos sin conocer todavía el fallo del jurado, esta ha sido una edición en la que dos trabajos han destacado tremendamente por encima del resto y el jurado así lo ha entendido multipremiando su valía.

CONCHA DE ORO - MEJOR PELÍCULA - PACIFICADO - EQUIPO DE LA PELÍCULA

La gran triunfadora, Pacificado, favorita de este cronista, ha acaparado, con todo merecimiento la Concha de Oro. Su mirada sobre el drama que sucede a diario en las favelas de Río ha seducido a un tribunal que además ha reconocido su fotografía y el trabajo inconmensurable de Bukassa Kabengele, en un papel que transmite, como antes comentábamos, el carisma de películas como El Padrino o Un profeta.

MEJOR DIRECCIÓN Y MEJOR GUION - LA TRINCHERA INFINITA - AITOR ARREGI, JON GARAÑO Y JOSE MARI GOENAGA

No se ha quedado atrás La trinchera infinita. La terna formada por Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga ha conseguido el galardón a la mejor dirección y el texto, coescrito por este último junto a Luiso Berdejo, que relata una experiencia basada en los casos reales de los llamados topos durante la Guerra Civil y la dictadura franquista, se ha alzado con el trofeo al mejor guion. Amén del FIPRESCI de la crítica internacional y el Feroz Zinemaldia que concede la prensa española, el Irizar al mejor filme vasco y el premio del cine vasco al mejor guion que hacen que la cuenta llegue a los seis premios en total.

CONCHA DE PLATA - MEJOR ACTRIZ - NINA HOSS

Es una lástima pero, como comentamos antes, no pudimos ver el trabajo de Nina Hoss, mejor actriz en La audición, aunque totalmente acertado como hemos podido recabar. Lo ha recibido ex aequo junto a Greta Fernández, estupenda en la desigual La hija de un ladrón, sobre sus hombros descansa el peso de toda la película. Una pena también no haber podido juzgar Próxima, Premio Especial del Jurado sobre el que también había consenso entre la prensa aquí destacada.

CONCHA DE PLATA MEJOR ACTRIZ - GRETA FERNÁNDEZ

No queremos acabar sin mencionar el Premio RTVE-Otra Mirada, que premia un cine que trate de temas cercanos al mundo femenino; dirigido, interpretado o escrito por mujeres o también por hombres que muestren, en sus películas, una especial sensibilidad por el citado mundo de la mujer. Este año el galardón ha recaído en La ola verde (que sea ley) de Juan Solanas, acerca de la legislación sobre el aborto en Argentina.

En esta edición donde el tuerto es el rey en el país de los ciegos, el jurado, presidido por el cineasta irlandés Neil Jordan, ha sabido mirar en la dirección adecuada. Bien fallado e igualmente recibido palmarés el de este Zinemaldia 2019. Esperamos ya con ganas la edición de 2020 donde ansiamos una selección que eleve el escaso nivel desplegado este año en la Sección Oficial a concurso.

PALMARÉS

Concha de Oro: Pacificado, de Paxton Winters.

Premio Especial del Jurado: Próxima, de Alice Winocour.

Concha de Plata a la mejor dirección: A. Arregi, J. Garaño y J. M. Goenaga, por La trinchera infinita.

Concha de Plata a la mejor actriz: ex aequo Greta Fernández, por La hija de un ladrón y Nina Hoss, por The Audition.

Concha de Plata al mejor actor: Bukassa Kabengele, por Pacificado.

Mejor guion: Luiso Berdejo y Jose Mari Goenaga, por La trinchera infinita.

Mejor fotografía: Laura Merians, por Pacificado.

Premio Nuevos Directores: Algunas bestias, de Jorge Riquelme Serrano .

Mejor película de Horizontes Latinos: De nuevo otra vez, de Romina Paula..

Premio Zabaltegi – Tabakalera: Ich War Zuhause, aber, de Angela Schanelec.

Premio del Público: Especiales, de Olivier Nakache y Éric Toledano.

Premio del Público Europeo: Sorry we missed you, de Ken Loach

Premio de la Juventud: Las buenas intenciones, de Ana García Blaya .

Premio FIPRESCI: La trinchera infinita..

Premio La otra mirada: La ola verde, de Juan Solanas.

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La infinita soledad de Roy McBride – Crítica de “Ad astra” (2019)

Cuando John Glenn, pionero de la carrera espacial, murió, la NASA le homenajeó escribiendo en Twitter: “Un verdadero héroe americano. Buena suerte. Ad astra (hasta las estrellas)”. Una placa colocada en Cabo Cañaveral como tributo a los miembros de la misión Apolo I fallecidos durante una prueba de lanzamiento incluye las palabras: Ad astra per aspera, “a las estrellas a través de las dificultades”, locución acuñada veinte siglos atrás por un Séneca que cuenta con un cráter a su nombre en la luna. Sobre un colchón sonoro que crea una atmósfera de tensión que apela a lo épico aparece en la pantalla: “La humanidad mira a las estrellas a la búsqueda de vida inteligente”. A continuación se desvanece todo en un fundido excepto la expresión “a las estrellas” que se transforma en “Ad astra”.

No es casual que esta película se denomine a través de un latinajo que hace alusión al pensamiento y a la ciencia y que, a su vez, haya sido utilizado como solemne fórmula de despedida para los héroes de esta mitología contemporánea.

Brad Pitt

La introducción a esta historia marca los parámetros sobre los que se va a mover el filme. Nada de acción sin sentido y de cara a la galería, solo la provocada por el argumento; un tratamiento del sonido realista, sin efectos exagerados, que, en comunión con la banda sonora instrumental, crea un contexto ambiental que invita a la introspección y un ritmo pausado, que no lento, que contribuye a ese escenario intimista que va a propiciar el desnudo emocional de su protagonista.

Brad Pitt RP NASA_Manu Zapata_www.Vivazapata.net

Para Roy McBride lo principal es su oficio de astronauta, el resto le resulta accesorio. Le acaba de dejar su mujer y tiene cuentas pendientes con un padre del que heredó, además de los genes, la vocación, y que le abandonó para embarcarse en un viaje a Neptuno del que nunca regresó. Ahora es el encargado de descubrir la verdad en torno a la desaparición de la fracasada expedición de su progenitor cuyos restos, treinta años después, amenazan al universo.

Coche lunar_Manu Zapata_www.Vivazapata.net

Resulta imposible separar el trayecto de McBride y su torturado monólogo interior en torno al cometido que tiene que llevar a cabo, expresado en forma de voz en off, de las cavilaciones de Charlie Marlow en El corazón de las tinieblas o del capitán Willard de Apocalypse now.

Donald Sutherland y Brad Pitt_Manu Zapata_www.Vivazapata.net

El espacio forma parte del paisaje sobre el que se dibuja esta odisea pero lo realmente fascinante e hipnótico no sucede en las estrellas sino en lo más profundo de este tipo que se enfrenta a sus fantasmas, a su ira, a su personalidad, que se encuentra atrapado por la alargada figura del prestigioso oficial Clifford McBride y por el temor que le provoca la sensación de que se puede estar convirtiendo en él como marido y padre en potencia y que hacen que se refugie en su profesión en lugar de en intentar amar y vivir, de ahí surge una intensa reflexión sobre la identidad pero, por encima de todo, un grito desesperado ante la sensación de una soledad infinita.

Brad Pitt ventana_Manu Zapata_www.Vivazapata.net

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Ad astra

Dirección: James Gray

Guion: James Gray e Ethan Ross

Intérpretes: Brad Pitt, Liv Tyler, Tommy Lee Jones

Música: Max Richter

Fotografía: Hoyte Van Hoytema

Duración: 122 min.

Estados Unidos, 2019

Retrato generacional – Crítica de “Litus” (2019)

Nunca pensé que “Where the streets have no name” de U2 pudiera tener un uso cinematográfico tan aparentemente extraño como inequívocamente acertado como el que Peter Weir le dio en Sin miedo a la vida. El veterano director australiano siempre fue un especialista a la hora de encontrar el tema perfecto para el momento adecuado, llegando a ensombrecer magníficas partituras que quedaban sepultadas tras el protagonismo de estos cortes minuciosamente escogidos. El inicio de la canción, completamente instrumental, toma las riendas de la secuencia. Un automóvil se pone en marcha y acelera al ritmo de la música. Planos detalle del cambio de marchas y de la aguja del cuentakilómetros se van insertando para que podamos sentir la velocidad. Avanzamos inexorablemente hacia un muro. El impacto se produce justo en el momento en que Bono iba a empezar a cantar.

Adrián Lastra, Álex Fernández, Belén Cuesta y Quim Gutiérrez_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LITUS

Nada más comenzar el largometraje que nos ocupa, vemos una furgoneta Volkswagen realizar exactamente lo mismo que aquel Volvo de Sin miedo a la vida, salvo que en esta ocasión su único ocupante, Litus, fallece en el acto. La trama se reanuda meses más tarde en la casa que el finado compartía con Pablo y Marcos. Allí se reúne toda la pandilla, a petición de su hermano Toni, para darle la despedida que merece. Pero no todo van a ser buenas palabras; secretos íntimos y tensiones escondidas irrumpen para enrarecer el ambiente.

Belén Cuesta_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LITUS

Litus tendría que haberse aplicado lo que siempre decía: follar más y pensar menos. Lenguaje directo, sin ambages, distintos puntos de vista de cada uno de los presentes sobre el difunto y amores perdidos y otros inesperadamente surgidos. Si antes hablábamos de la influencia de Sin miedo a la vida en el planteamiento del suceso, en su desarrollo, sin duda, se encuentra la alargada sombra de Reencuentro, de Lawrence Kasdan, la película generacional por excelencia de los treintañeros estadounidenses de los ochenta que también nos marcó a los que la disfrutamos en plena adolescencia. Los paralelismos resultan indudables, un grupo de amigos de la infancia se reúne a raíz del fallecimiento de uno de ellos. Poco a poco la alegría deja paso a tiranteces que llevaban años soterradas. Incluso se replica la figura del colega convertido en una estrella mediática de la televisión, el personaje de Tom Berenger, que aquí se transforma en un músico de éxito con la barba de Miquel Fernández.

Álex García, Belén Cuesta, Adrián Lastra, Quim Gutiérrez y Miquel Fernández_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LITUS

El reducir la acción a un único escenario puede delatar el origen teatral (con la firma de Marta Buchaca) del argumento, pero Dani de la Orden, que ya supo aprobar con notable al frente de un trabajo de encargo como El mejor verano de mi vida, consigue hacer que desaparezcan las cuatro paredes para transformar las tablas en un fluido decorado donde la cámara se mueve con soltura y, sobre todo, provoca que sus actores se agranden para encumbrar un fantástico texto escrito al alimón por director y autora, donde destaca un Quim Gutiérrez estratosférico que le come la tostada al resto de un excelente reparto.

Quim Gutiérrez sonríe_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LITUS

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Copyright imágenes  © A Contracorriente Films, Litus Audiovisual, Neón Producciones, Producciones Alamo Films S.L., . Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

Litus

Dirección: Dani de la Orden

Guion: Marta Buchaca y Dani de la Orden, basado en la obra de teatro homónima de Marta Buchaca

Intérpretes: Alex García, Belén Cuesta, Quim Gutiérrez

Música: Dani Trujillo e Iván Ferreiro

Fotografía: José Luis Bernal

Duración: 85 min.

España, 2019

Un Día Vi Una Vaca Vestida De Uniforme – Crítica de “Vivir dos veces” (2019)

Las reglas mnemotécnicas se convirtieron en el pan de cada día en nuestra época estudiantil. Su versatilidad hace que sirvan para asignaturas de cualquier rama del conocimiento; en geografía, por ejemplo, pueden usarse para aprender con más facilidad las capitales del mundo, pero, sobre todo, en el área de ciencias, ayudan a memorizar rebuscadas y retorcidas fórmulas que de otra manera resultaría imposible meter en nuestra cabeza. Para calcular las integrales por partes habría que aplicar esta:∫UDV=UV-∫VDU. Lo que equivale a decir: Un Día Vi Una Vaca Vestida De Uniforme.

Esta frase rimbombante, de puro absurdo, resulta tremendamente sencilla de asimilar y recordar. Pero para Emilio, el catedrático universitario de matemáticas protagonista de esta historia, que tantas veces la había utilizado para meterse en el bolsillo a sus estudiantes, se va difuminando poco a poco en un mar de recuerdos que, de los más recientes a los más antiguos, van borrándose inexorablemente de su cerebro.

Óscar Martínez_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VIVIR DOS VECES

La memoria. De eso trata este filme. Sin memoria dejamos de ser quienes somos, desaparece nuestra personalidad. Y el hecho de utilizar la metáfora del profesor que olvida (a ratos) su propia mnemotecnia por culpa de la devastadora enfermedad de Alzheimer, añade ingenio y dramatismo a un guion que quiere explorar este tortuoso proceso degenerativo desde un punto de vista menos tremendista que en otras ocasiones, jugando con el humor, la ironía y con el romanticismo como broche para cerrar el círculo que se ha querido trazar al crear el armazón de este trabajo.

Inma Cuesta, Óscar Martínez, Mafalda Carbonell y Nacho López, Gasolinera_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VIVIR DOS VECES

Un largometraje, con estructura de película de carretera, que narra la búsqueda del primer amor de este maestro jubilado antes de que ya no pueda reconocerse siquiera cuando se mire al espejo. Junto a él, lo que le queda de familia. Una hija con la que no se lleva especialmente bien, su marido, un charlatán sin oficio ni beneficio, y una nieta tan inteligente como mal hablada y excesivamente pegada a las nuevas tecnologías. Un caldo de cultivo perfecto para que afloren diferentes tensiones y problemas que afectarán a los cuatro.

Inma Cuesta, Óscar Martínez, Mafalda Carbonell y Nacho López_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VIVIR DOS VECES

Sin llegar a ser una cinta redonda, raya a más altura que la fallida incursión en el tema ¿Y tú quién eres?, en la que un Antonio Mercero ya diagnosticado de Alzheimer quiso luchar para dejar su último testimonio cinematográfico.

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El primer libreto para formato largo de María Mínguez, más versada en temas televisivos, respira vitalidad, comicidad, emotividad y ritmo, a pesar de adolecer de ciertos momentos que bordean el sonrojo. El buen hacer de María Ripoll, sin alcanzar la intensidad de Rastros de sándalo, salva esas pequeñas lagunas para sacar adelante este comprometido relato con el apoyo de un estupendo reparto con un enorme Óscar Martínez a la cabeza, que borra por completo su acento argentino para la ocasión, acompañado por la camaleónica y siempre resolutiva Inma Cuesta y con el debut de un auténtico descubrimiento, Mafalda Carbonell, cuya química con su abuelo en la ficción nos depara lo mejor de esta interesante propuesta.

Inma Cuesta, Óscar Martínez, Mafalda Carbonell abrazo_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VIVIR DOS VECES

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Copyright imágenes  © Alamar Cinema 161, Convoy Films. Cortesía de Filmax. Reservados todos los derechos.

 

Vivir dos veces

Dirección: María Ripoll

Guion: María Mínguez

Intérpretes: Óscar Martínez, Inma Cuesta, Mafalda Carbonell

Música: Arnau Bataller

Fotografía: Núria Roidos

Montaje: Nacho Ruiz Capillas

Duración: 101 min.

España, 2019

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