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De cómo Donald Trump llegó a la Casa Blanca – Crítica de “Robin Hood. Forajido, héroe, leyenda” (2018)

La última campaña a las presidenciales en Estados Unidos trajo acontecimientos nunca antes vistos en unas elecciones, eventos que han suscitado gran cantidad de análisis. Las primarias del partido demócrata en las que el proyecto más beligerante y revolucionario de Bernie Sanders se vio sobrepasado por la propuesta moderada del establishment, Hilary Clinton. Frente a ella, Trump, sorprendentemente victorioso en el bando republicano. Sus arengas a las masas con un discurso xenófobo, nacionalista y populista. La intervención de un enemigo tradicional, Rusia, a través de las redes sociales, para, por medio de noticias falsas, minar la imagen de la candidata y favorecer los intereses del magnate para llevarlo al poder. El extraño vínculo del ahora presidente con Putin.

¿Qué relación guarda esto con Robin Hood? Una segunda lectura del argumento de esta adaptación libre de las aventuras del arquero de Sherwood aporta un subtexto que funciona como metáfora de los últimos dos años de política en el país de las barras y estrellas. Además, lanza otro mensaje meridianamente claro y pegado a la actualidad acerca de la redistribución de la riqueza: los ricos han aprovechado la crisis para acumular más dinero a costa de empobrecer a la población haciendo desaparecer la clase media.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ROBIN HOOD_Ben Mendelsohn

Este es uno de los alicientes que puede encontrar el cinéfilo escéptico en una cinta que narra el regreso de las cruzadas de un Robin de Loxley que, aliado con ex combatiente árabe, planea una ambiciosa revuelta contra el corrupto Sheriff de Nottingham, que pretende hacerse con el trono de Inglaterra con ayuda de la iglesia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ROBIN HOOD_Jamie Foxx y Taron Egerton

Pronto vamos a comprobar que no nos encontramos ante una versión al uso del mito y por lo tanto no apta para todos los paladares. Nos recuerda en su planteamiento al proyecto de Guy Pierce para modernizar el personaje del rey Arturo. Observamos en los primeros minutos que la magnífica dirección artística se toma ciertas libertades en las que encontramos anacronismos que van mucho más lejos en el aspecto de un vestuario tan atractivo como atemporal.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ROBIN HOOD_Eve Hewson y Taron Egerton

Persigue ganar para el cine a los espectadores de las últimas generaciones que han crecido al abrigo de las nuevas tecnologías pero también del cómic, optando por una visión contemporánea que acerca la plasmación audiovisual de la historia al noveno arte, cuidando los aspectos técnicos a la hora de rodar y montar secuencias de acción tanto como los fastuosos decorados y el variopinto fondo de armario, y jugando en los créditos iniciales y finales con esas viñetas que suponen un claro guiño a su público objetivo.

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Habrá a quien esta propuesta, que se aparta de lo tradicional para convertir a Robin Hood en un héroe de acción del siglo XXI, le saque del canon de lo que esperaba ver provocándole un rechazo inmediato. Por el contrario, si se aceptan los presupuestos de la película y entramos en el juego que nos plantea, sin más pretensiones que las de gozar de dos horas de entretenimiento, se disfrutará de un producto que sabe lo que busca.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Summit Entertainment, Appian Way, Safehouse Pictures, Thunder Road Pictures. Cortesía de EOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

 

Robin Hood. Forajido, héroe, leyenda.

Dirección: Otto Bathurst

Guión: Ben Chandler, David James Kelly

Intérpretes: Taron Egerton, Jamie Foxx, Eve Hewson, Ben Mendelsohn

Música: Joseph Trapanese

Fotografía: George Steel

Montaje: Chris Barwell y Joe Hutshing

Duración: 116 min.

Estados Unidos, 2018

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Arrastradas por las circunstancias – Crítica de “Viudas” (2018)

Durante el visionado de la película un punto de inflexión en la trama nos hace albergar esperanzas de cara a los minutos restantes. El déjà vu es muy intenso y nos evoca inmediatamente a Perdida, el magnífico thriller que David Fincher extrajo de la novela homónima de Gillian Flynn. Cuando un filme guarda sus créditos principales para el final propone un juego al espectador atento y con inquietudes cinéfilas. Ir descubriendo al reparto intérprete a intérprete, a medida que se van asomando a la pantalla, o tratar de adivinar a oído quién se esconde tras la partitura de la banda sonora son algunos de los divertimentos que nos procura esta práctica. Unas veces surge la sorpresa, otras, la confirmación de que nos encontrábamos en lo cierto. No fue nada disparatado encontrar el nombre de Gillian Flynn junto al de Steve McQueen en el apartado dedicado al guión.

La constancia de que el germen de esta historia se halla en una miniserie que la BBC estrenó a principios de los 80 (y que marcó a un McQueen adolescente) nos lleva a pensar en una puesta al día de un mito del fervor televisivo de un chaval londinense amante del arte de las imágenes en movimiento.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VIUDAS_Vila Davis y Liam Neeson cama

Viudas cuenta cómo tres mujeres que han perdido a sus parejas en un atraco frustrado se ven obligadas a conocerse y a colaborar para hacer frente a la deuda que han “heredado” de manera involuntaria.

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Diversos planos temáticos se entrecruzan en esta cinta que, amén de la acción que conlleva la organización y ejecución de un golpe, entra a fondo en los aspectos psicológicos de personajes en situaciones límite, proponiendo una estructura a partir de un montaje paralelo en el que vamos pasando de manera coral por toda la fauna de tipos, tipas y tipejos que forman parte de una tela de araña en la que todos se encuentran interconectados. El peso de los flashbacks, elemento imprescindible en una trama de cine negro, resulta crucial. La alusión a Perdida, que veíamos más arriba, se antoja inevitable, pero los aspectos recién comentados nos remiten además a Heat, de Michael Mann, donde se desdibujaban brillantemente los conceptos de héroe y villano.

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En el haber de McQueen y Flynn, su mala baba a la hora de retratar sin tapujos ni sordina las miserias de la política o la violencia policial y racista en Estados Unidos. Los roles de unos inspirados Colin Farrell y Robert Duvall aportan las reflexiones más certeras. El peso femenino del reparto cobra más interés, al igual que el propio relato, a partir del giro crucial de la narrativa del que hablábamos inicialmente. Hasta entonces, y esto lo apuntamos en el debe de dirección y guión, dudas generadas por una indefinición que no hace avanzar la trama ni nos permite aventurar la solvencia y agilidad postreras; una primera mitad a la que le sobran numerosos circunloquios y cierta condescendencia con la audiencia, subrayando innecesariamente detalles que de forma sutil ya habían sido captados.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  See-Saw Films, Film4, New Regency Pictures, Regency Enterprises. Cortesía de 20th Century Fox Spain. Reservados todos los derechos.

 

Viudas

Dirección: Steve McQueen

Guión: Steve McQueem y Gillian Flynn, a partir del guión televisivo de Lynda La Plante

Intérpretes: Viola Davis, Michelle Rodríguez, Elizabeth Debicki

Música: Hans Zimmer

Fotografía: Sean Bobbitt

Montaje: Joe Walker

Duración: 129 min.

Reino Unido, Estados Unidos, 2018

La mano que sostiene la pluma – Crítica de “Colette” (2018)

Según cómo se hubiesen desarrollado los acontecimientos ahora mismo no tendríamos películas como Gigi o Te querré siempre. La magia del cine que llevó a Leslie Caron a la Francia de principios de siglo XX o nos hizo viajar hacia Nápoles en coche no se habría producido de no haber brotado sendos relatos de la pluma de Colette. Eso estuvo a punto de no suceder, de desvanecerse bajo el nombre del hombre que se casó con ella y explotó su ingenio. Un tipo brillante en cuanto a su visión del marketing y de los negocios pero que dejaba mucho que desear cuando se trataba de reconocer el verdadero talento que se escondía en las páginas de sus libros y reseñas teatrales.

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Por aquel entonces se llamaba Sidonie-Gabrielle y apenas contaba 19 primaveras. El que más tarde se convertiría en su seudónimo era su apellido. De extracción humilde, su matrimonio con Willy, un escritor parisino de éxito, le lleva a la capital desde su pequeño pueblo de la campiña gala. Pronto se da cuenta de que su marido tan solo firma los artículos que realizan periodistas a sueldo siguiendo fielmente las instrucciones de su jefe. El afán dilapidador de éste le lleva a pedir a su esposa que escriba una novela para él. El texto semi-autobiográfico sobre una niña llamada Claudine se convierte en todo un fenómeno en el París de 1900.

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De esa premisa surge un abanico de temas atrayentes en los que profundiza un guión sin tabúes basado en la vida de esta artista multidisciplinar pionera en la sociedad de su época. Por un lado destaca la personalidad de la protagonista para no dejar enterrar su genio y su duro trabajo bajo el alias y la fama de quien no merecía tales honores. En ese sentido supone ir un paso más allá de lo que proponía hace no muchas fechas La buena esposa; reclamar ese crédito artístico en un mundillo, el editorial, vetado para las féminas. El público lector de sus obras fue quien sacó de su obcecación a quienes no veían potencial comercial y calidad literaria en aquel punto de vista singular.

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Su sexualidad, la relación con su esposo, su interés por otras mujeres, no deja de estar presente y conforma parte de lo que quedaría plasmado en sus creaciones. Sin ningún tipo de prejuicio y en un entorno nada abierto a un comportamiento eminentemente transgresor para los tiempos que corrían, se mantuvo firme en una máxima que le inculcó su propia madre: «Nunca dejes de ser tú misma».

COLETTE

Esa fuerza interior en el personaje surge a medida que avanza el metraje y, por desgracia, se va deslavazando la historia. Una Keira Knightley resplandeciente como pocas veces, cautiva a la cámara transmitiendo la arrebatadora personalidad que caracterizaba a Colette, un atractivo intelectual capaz de seducir a miembros de ambos sexos por igual. Si confiamos en el tino de la Academia de Hollywood debería ser importante competencia para Glenn Close el próximo 24 de febrero.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Number 9 Films, Killer Films, Bold Films, BFI Film Fund. Cortesía de DeAPlaneta. Reservados todos los derechos.

 

Colette

Dirección: Wash Westmorland

Guión: Richard Glazer, Wash Westmorland y Rebecca Lienkiewicz

Intérpretes: Keira Knightley, Dominic West, Fiona Shaw

Música: Thomas Adés

Fotografía: Giles Nuttgens

Duración: 111 min.

Reino Unido, Estados Unidos, 2018

El día D: guerra, sangre y casquería sin complejos – Crítica de “Overlord” (2018)

Uno de los peligros que tiene acudir a ver una película conociendo poco más que su título es que puedes encontrarte con literalmente cualquier cosa. Pero para los que amamos el riesgo, al menos ese tipo de riesgo, supone un aliciente y un estímulo. Overlord es el nombre en clave que recibió la operación de las fuerzas aliadas en la Segunda Guerra Mundial cuyo punto culminante era el Desembarco de Normandía. En lo referente a la época no hay duda; así lo corrobora el rótulo que aparece sobre el avión estadounidense donde viaja el cuerpo de paracaidistas protagonista que se va a lanzar sobre suelo francés ocupado por el ejército alemán: 5 de junio de 1944. En cuanto al género, bélico, al menos aparentemente, aunque otro dato conocido siembra cierta inquietud que puede depararnos alguna sorpresa: produce J.J. Abrams.

Los soldados saltan sobre un bosque cercano a una población gala clave en el dispositivo con la misión de derribar la torre de la iglesia donde los nazis tienen su centro de comunicaciones. Es de noche. Algunos son sorprendidos y eliminados por una patrulla teutona, otros corren mejor suerte y con la ayuda de una joven de la zona llegan a una casa desde donde poder organizar su acometida. Pero los extraños sonidos guturales que llegan desde una de las habitaciones siembran gran inquietud entre los militares.

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El guión ya ha ido acotando la trama a una escaramuza anecdótica dentro del gran operativo, abordado desde distintos ángulos por Steven Spielberg en Salvar al soldado Ryan o Jonathan Teplitzky en Churchill. En ese sentido éste empieza a parecerse a otros trabajos que, como La chaqueta metálica, buscaban la parte por el todo dentro del conflicto, con Vietnam en mente en el caso del filme de Kubrick. Aunque la evolución no acaba ahí.

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De manera natural, todo hay que decirlo, aparecen en la narración elementos que viran de lo marcial hacia derroteros que tienen que ver más con lo fantástico y la ciencia ficción, aunque cargando las tintas con grandes dosis de sangre y vísceras. Casquería sin ningún tipo de complejos y con una vena sardónica que recuerda al Sam Raimi de la trilogía de Posesión infernal. Humor negro al que no nos cuesta adaptarnos y que nos sorprende en positivo, tras un momento de indefinición y parón rítmico.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_OVERLORD_Mathilde Olivier y Jovan Adepo

En la alineación titular no se echa en falta la ausencia de prima donnas. Un reparto compacto, en el que únicamente reconocemos al danés Pilou Asbaek, consigue que nos sea más fácil ver personajes dentro de una historia que intérpretes y así poder entrar en el relato de modo más fluido para pasar un buen rato gracias a esta muestra de cine de acción y palomitas dirigido a un nicho de cinéfagos muy concreto; un entretenimiento de subgénero que nos provoca una sonrisa que nos augura que quien sepa qué es lo que va a ver pasará un buen rato. Menores, aprensivos y no amantes del gore, abstenerse.

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Copyright imágenes  ©  Bad Robot, Paramount Pictures. Cortesía de Paramount Pictures Spain. Reservados todos los derechos.

 

Overlord

Dirección: Julius Avery

Guión: Billy Ray y Mark L. Smith

Intérpretes: Jovan Adepo, Wyatt Russell, Mathilde Olivier, Pilou Asbaek

Música: Jed Kurzel

Fotografía: Laurie Rose, Fabian Wagner

Duración: 109 min.

Estados Unidos, 2018

Cine Fórum “La Librería” – Marcilla – 16 de noviembre de 2018

Hace ya un tiempo que no he podido hacer publicaciones en el blog, por los que os pido disculpas, y tenía pendiente una pequeña reseña del cine fórum del que disfrutamos el pasado 16 de noviembre en el salón de actos del Castillo de Marcilla.

Se trataba de una ocasión muy especial ya que el encuentro formaba parte del 60 aniversario de la biblioteca de la localidad, parte indispensable de estos debates con el cine como elemento principal. Allí estuvimos convocados por la concejalía del cultura del ayuntamiento, con Vicente Navarro a la cabeza, con el magnífico trabajo de Merche Boneta, técnica de cultura, y bajo el auspicio de Gloria Perales, bibliotecaria que a través de multitud de actividades, entre las que se encuentran estos cine fórums, mantiene vivo y fomenta el interés por la lectura en una población que se vuelca con la cultura.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA LIBRERÍA_Bill Nighy

Lo cierto es que disfrutamos de una película que, si bien no llega a la maestría de otras como Mi vida sin mí que marcaron nuestro interés por Isabel Coixet, suscita gran interés por la galería de personajes que despliega. Multitud de aristas en todos ellos. Sobre todo en la parte antagonista, con actitudes y personalidades que nos pueden traer a la memoria a personas que conocemos, con la Violet Gamart que tan bien refleja Patricia Clarkson y el Milo North de James Lance.

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Hablamos de la amistad y afinidad que surge entre Florence Green y Edmund Brundish, con un Bill Nighy que se rebela ante las cerrazón de ese pueblecito, manipulado por las clases pudientes encarnadas en el matrimonio Gamart, ante el entusiasmo del personaje de Emily Mortimer por montar su librería. Y de la importancia en el relato de la niña que ayuda a Florence Green en su pequeño comercio.

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Comenzamos a hablar del largometraje con algo muy especial. Analizamos la primera secuencia. Un minuto y medio en el que Isabel Coixet demuestra su maestría como narradora. En apenas noventa segundos se nos presentan dos de los principales personajes, se nos pone al día de la situación en la que la protagonista llega a ese momento y nos deja elementos que van a ser importantes en el transcurso de la historia. Todo a través de un cuidado lenguaje audiovisual. Concisión y precisión. Una maravilla que da inicio a esta cinta que fue la ganadora del último premio Goya a la mejor película.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  Diagonal TV, A Contracorriente Films, Green Films. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

Una sonrisa con lágrimas en los ojos – Crítica de “Bohemian Rhapsody” (2018)

Cuando uno se acerca al folio en blanco para plasmar sus impresiones sobre esta o aquella película ha de tomar partido, ofreciendo su visión pero guardando cierta distancia que permita analizar el cómo y el porqué de dicho examen. En este momento, apenas un par de horas después de haber asistido al pase de prensa de Bohemian Rhapsody, concibo, y así lo escribo como aviso para navegantes, que voy a ser más subjetivo que nunca. Lo que Freddie Mercury y Queen han significado en mi vida (y en la de millones de personas de todo el mundo) hace que, más que del cerebro, todo lo que se desparrama aquí debajo salga de las entrañas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOHEMIAN RHAPSODY_Rami Malek grabando Bohemian Rhapsody

Los continuos cambios de ánimo a lo largo de las dos horas y diez minutos de metraje no afectan al magnetismo de las imágenes ni a la potencia de la historia. Se pasa de la felicidad más absoluta a la congoja y la emoción contenida, con lágrimas silenciosas como fina capa acuosa frente a la retina, al comprobar con una mezcla de estupor y aflicción que las míticas canciones que tantas veces hemos coreado hablan de lo que años después sería la vida del vocalista y su trágico final. Letras premonitorias (no vendrían nada mal unos subtítulos) que subrayan pasajes de la turbulenta existencia de un Mercury en el que poco a poco se va fundiendo de manera asombrosa un Rami Malek de Óscar.

BOHEMIAN RHAPSODY

El guión parte de un momento clave en la historia de Queen, el concierto Live Aid, en 1985. Los créditos nos muestran a Freddie llegando al estadio de Wembley para retroceder inmediatamente a 1970, desde donde se nos va a explicar los inicios del grupo y su evolución, con todos sus altibajos, hasta convertirse en el mito que es hoy en día, aunque sin dejar de lado la historia personal y afectiva de aquel chaval nacido en Zanzibar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOHEMIAN RHAPSODY_Rami Malek y Lucy Boynton

El azaroso proceso de rodaje y montaje de este largometraje, con cambio de director incluido, no hace sino engrandecer el resultado final, y no solo para fans incondicionales. Cualquier espectador amante del biopic-con-conjunto-musical, incluso el simple aficionado al cine, va a disfrutar de un monumento al rock, a la creatividad, a la heterogeneidad, al genio de cuatro tipos que aparentemente no tenían mucho que ver entre sí pero que juntos se convirtieron en un auténtico bombazo porque se hacían más grandes los unos a los otros. La historia de cómo un aspirante a dentista, un ingeniero electrónico, un doctor en astrofísica y un licenciado en bellas artes se convirtieron en una de las bandas más admiradas de todos los tiempos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOHEMIAN RHAPSODY_En el despacho

El espectacular uso del sonido en la cinta (candidatura segura a los premios de la Academia) y su extraordinaria producción musical harán que resulte imposible salir de la sala y no cantar cualquiera de los éxitos de cuyo origen acabamos de ser testigos. Y en el centro, un héroe trágico, como la protagonista de cualquiera de sus admiradas óperas, que nos hará sonreír con lágrimas en los ojos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BOHEMIAN RHAPSODY_Rami Malek

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  ©  New Regency Pictures, GK Films, Queen Films Ltd., Regency Enterprises, Tribeca Productions. Cortesía de 20th Century Fox España. Reservados todos los derechos.

 

Bohemian Rhapsody

Dirección: Brian Singer y Dexter Fletcher (No aparece en los créditos)

Guión: Anthony McCarten, a partir de una historia suya y de Peter Morgan

Intérpretes: Rami Malek, Lucy Boynton, Gwilym Lee

Fotogtrafía: Newton Thomas Siegel

Montaje: John Ottman

Duración: 134 min.

Reino Unido, Estados Unidos, 2018  

La función terapéutica de la escritura y la lectura – Crítica de “La Sociedad Literaria y el pastel de piel de patata” (2018)

Quien más quien menos, es capaz de ubicar la isla de Guernsey en el Canal de la Mancha, entre el Reino Unido y Francia. El conocimiento de este que escribe se circunscribía a esa circunstancia y la sorpresa, al tirar de la versión moderna del sempiterno atlas, el Google Maps, ha sido hallarla mucho más cerca del continente, frente a las costas de la Baja Normandía, que del suelo de Gran Bretaña, a cuyo territorio pertenece. Esta localización, hoy en día un paraíso fiscal, resultó clave y perjudicial para sus habitantes durante la Segunda Guerra Mundial. El ejército alemán, que ya había ocupado el país galo, se hizo fácilmente con la ínsula en su afán por acercarse a Londres en un episodio tan poco conocido como interesante.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SOCIEDAD LITERARIA Y EL PASTEL DE PIEL DE PATATA_Glenn Powell y Lily James

Nada más llegar, los soldados nazis requisaron todos los cerdos de las granjas y los enviaron como abastecimiento para las tropas que quedaban en Europa. A cambio, obligaron a los locales a cultivar patatas y a alimentarse de ellas. La creación de la sociedad literaria que da título a esta película encubrió un banquete clandestino con un delicioso cochino asado y un no tan exquisito pastel de piel de patata al servir como pretexto para evitar la detención a manos de una patrulla teutona.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SOCIEDAD LITERARIA Y EL PASTEL DE PIEL DE PATATA_Lily James

Este contexto histórico sirve de base a la trama que narra el viaje a Guernsey en la inmediata posguerra de una escritora en plena crisis creativa que, en su intención por conocer a los miembros de tan singular club de lectura y escribir un libro sobre sus experiencias durante la contienda, crea un inesperado vínculo con los residentes.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SOCIEDAD LITERARIA Y EL PASTEL DE PIEL DE PATATA_Tom Courtenay, Michiel Huisman y Lily James con el grupo

Este guión se encuadra en la tradición de novelas epistolares adaptadas a la gran pantalla, siguiendo los pasos de Las amistades peligrosas, La pesca del salmón en Yemen o, la más cercana en cuanto al fondo literario de las misivas, 84, Charing Cross Road. Bajo la sabia dirección de un Mike Newell que vuelve a sus mejores registros, los de Donnie Brasco y Cuatro bodas y un funeral, se construye, con un estilo académico, un relato de suspense en el que van surgiendo detalle por detalle, como miguitas de pan, los elementos que van a reconstruir el misterio que reside entre esas gentes que han tenido que hacer frente a situaciones límite como las que propicia un conflicto armado. De esa forma se dan cita, y conviven sin problemas de entendimiento, géneros como el bélico, el dramático y el romántico, sin renunciar a unos toques de comedia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SOCIEDAD LITERARIA Y EL PASTEL DE PIEL DE PATATA_Lily James y Michiel Huisman pasean por la playa

Con un reparto sobresaliente que une prestigiosos veteranos y jóvenes talentos del panorama interpretativo británico, Newell ha pergeñado una oda a la lectura, a sus efectos curativos en la persona, pero también en el grupo que se reúne para compartirla, además de a la creación literaria, a las maravillas que negro sobre blanco nos llevan asombrando desde la invención de Gutenberg y, en última instancia, a la necesidad de escribir como modo (terapéutico) de dar salida a nuestro torrente interior.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA SOCIEDAD LITERARIA Y EL PASTEL DE PIEL DE PATATA_Lily James mirando al horizonte

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Copyright imágenes  ©  Blueprint Pictures, Mazur/Kaplan Company, Studio Canal. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

La sociedad literaria y el pastel de piel de patata

Dirección: Mike Newell

Guión: Don Roos, Kevin Hood y Thomas Bezucha, basado en la novela de Mary Ann Shaffer y Annie Barrows

Intérpretes: Lily James, Michiel Huisman, Tom Courtenay

Música: Alexandra Harwood

Fotografía: Zac Nicholson

Duración: 124 min.

Reino Unido, Francia, Estados Unidos, 2018

La mujer del premio Nobel – Crítica de “La buena esposa” (2017)

Madrugada en Estados Unidos. El teléfono suena. ¿Señor Joseph Castleman? Sí, soy yo. Aquí Arvid Engdahl, de la Fundación Nobel de Estocolmo. Antes de que siga me gustaría que mi mujer lo oyera, ¿le importaría esperar a que escuche desde el teléfono supletorio? En absoluto. Joan Castleman sale del dormitorio y coge el aparato en la habitación de al lado, su marido Joe espera sentado sobre la cama de matrimonio con el auricular pegado a la oreja. Hola, ya estoy, exclama ella. De acuerdo, continúa la voz del otro lado del océano. Es un gran honor comunicarle, señor Castleman, que ha sido elegido Premio Nobel de Literatura de este año. Su carrera es realmente impresionante. Su prosa no solo es íntima, ingeniosa y profunda, sino que ha desafiado la fórmula novelística de tal forma que será una influencia para las futuras generaciones.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA BUENA ESPOSA_Jonathan Pryce y Glenn Close en la cama llamada

Así contado, por escrito, pura y llana descripción sin un adjetivo que ponga el acento y los matices. Pero lo que nuestra cabeza imagina tras leer esa escena nada tiene que ver con lo que nos sugiere después de comprobar cómo ha querido mostrárnosla el director sueco Björn Runge. Hitchcock decía que lo realmente importante no son los diálogos, sino lo que sucede en pantalla con los gestos o ademanes que pueden cambiar completamente el significado de lo que se dice. Pues bien, el rostro de Glenn Close, con los ojos completamente abiertos, mirando al infinito y una expresión completamente vacía, nos deja un poso de desasosiego y una pregunta recurrente. ¿Por qué La buena esposa y no El premio Nobel?

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Ese primer plano de la actriz se repite en varias ocasiones a lo largo del metraje. En montaje cinematográfico se llama Efecto Kulechov a la utilización de encuadres del semblante aparentemente inexpresivo de los intérpretes que adquieren un significado u otro dependiendo del contexto que los rodee en forma de imágenes o aconteceres que se hayan dado antes en la película de la que forman parte. En este filme se ha utilizado con gran acierto dicho recurso narrativo para ir relatando cómo esta mujer, durante el viaje a Estocolmo para asistir a la entrega del Premio Nobel a su marido, se cuestiona sus decisiones vitales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA BUENA ESPOSA_Christian Slater, Glenn Close y Jonathan Pryce

La incógnita del segundo párrafo queda despejada. Ella es la protagonista. Y, poco a poco, lo que parece una historia sencilla y sin dobleces comienza a convertirse en una tela de araña que nos lleva, en forma de flashback, al pasado, obteniendo información harto reveladora acerca de estos dos personajes y que hacen comprensibles reacciones que se van produciendo en el presente europeo de los mismos. Nos encontramos con una intriga que viste de suspense la cinta y que, sumada al importante e impactante fondo de la cuestión, nos atrapa de inmediato provocando que no podamos apenas parpadear hasta llegar a la conclusión de la misma. ¿Un merecido Óscar para Glenn Close? Es más que posible. Dos nombres, como ejemplo, sobre los que investigar tras ver este largometraje (nunca antes, por favor). Sofonisba Anguissola y Rosalind Franklin.

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Copyright imágenes  ©  Tempo Productions Limited, Anonymous Content, Meta Film, Silver Reel. Cortesía de Vértice 360 Cine. Reservados todos los derechos.

 

La buena esposa

Dirección: Björn Runge

Guión: Jane Anderson, basado en la novela homónima de Meg Wolitzer

Intérpretes: Glenn Close, Jonathan Pryce, Christian Slater

Música: Jocelyn Pook

Fotografía: Ulf Brantas

Montaje: Lena Runge

Duración: 100 min.

Suecia, Reino Unido, Estados Unidos, 2017

Cine Fórum “Muchos hijos, un mono y un castillo” – Castillo de Marcilla – 20 octubre 2018 – con Manu Zapata

El pasado sábado 20 de octubre regresamos al marco incomparable que nos brinda este espacio tan singular de la villa de Marcilla, gracias a la confianza depositada en mí por la concejalía de cultura personificada en Vicente Navarro y en la técnica, Merche Boneta, y con el apoyo que siempre he tenido por parte de la bibliotecaria Gloria Perales.

La película que allí nos convocó, su singularidad y la de su protagonista, nos proporcionó una cantidad ingente de material para comentar.

Y, qué casualidad, que del interior de aquel Castillo nos trasladamos a otro.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Antonio García, el mono y Julita Salmerón

Tras contar el proceso que sigue un documental desde la idea que lo genera hasta su estreno en cines, que es diametralmente opuesto al de un largometraje de ficción, nos centramos en la todavía más peculiar odisea que dio lugar a tan singular trabajo.

Gustavo Salmerón invirtió 14 años de su vida, 12 de rodaje, de 2003 a 2015, y 2 de montaje, de 2015 a 2017, en dar forma a las 400 horas que tenía entre manos y sacar de ahí, de manera valiente, un canto de amor a su familia, unida a las duras y a las maduras, y un monumento a la grandiosidad y la espontaneidad de Julita, su madre, un torbellino, un personaje en sí misma. 88 minutos que suponen una reflexión sobre la vida a través de la muerte. Y más en concreto, a través de las distintas y extrañas ideas sobre la parca que tiene su progenitora, que en el fondo nunca ha dejado de disfrutar y divertirse por muy complicadas que se le hayan puesto las cosas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Julita y Gustavo Salmerón en los años 70

La concurrencia se identificaba con distintos aspectos de Julita y con la manera tan llana y natural que tenía de referirse a trágicos acontecimientos de su familia. Cómo a pesar de las dificultades y del dolor siempre había un poso de optimismo. De esa misma manera Gustavo Salmerón lo refleja en su película. Tras cada reflexión acerca de temas políticos o religiosos cambia el tercio culminando esas secuencias con un toque de humor para desengrasar un posible tono trascendente.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Julita Salmerón y su mardio Antonio García

Dentro de esta variopinta galería de personajes que no son otros que la familia García-Salmerón, pusimos la lupa en un secundario que parece que no está pero que es fundamental, y es Antonio, el padre de Gustavo, director del documental, y marido de Julita, la protagonista. Un tipo que, si esta es la película de Julita, merece otra centrada en su persona. El Ying que complementa el Yang. La sensatez, la racionalidad y la paciencia, contrapuesta a la creatividad, el caos y la explosividad.

El resto de asuntos van surgiendo uno tras otro, porque el recorrido temático de este trabajo es tan amplio que, empezando por la muerte, que es el primero que aparece, de forma muy peculiar, termina con la vida (y la manera en que Julita la afronta), y en medio cabe todo o casi todo. Es difícil no sentirse identificado con alguno de los aspectos que aparecen en el largometraje, por muy extravagantes que parezcan. En ese Síndrome de Diógenes que de Julita heredaron todos sus hijos, en esa organización caótica de los trasteros o en ese deseo de tener la felicidad que le producía la Navidad a esta madre durante todo el año.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Gustavo y Julita Salmerón

Ha merecido la pena que Gustavo Salmerón sacrificase el pudor de contar las interioridades familiares para transmitir una lección de vida a través de lo bueno y lo malo que han sufrido los suyos y nos descubriese a la actriz definitiva, que no es otra que Julita Salmerón.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Julita salmerón rodeada de excentricidades

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Aventuras y desventuras de un aprendiz de hechicero – Crítica de “La casa del reloj en la pared” (2018)

Una vidriera de aspecto medieval representa a un hombre con armadura en una iglesia de la ciudad universitaria de Oxford en plena época victoriana. El sacerdote al cuidado de la capilla se acerca temblando. La tez lívida, de su frente resbalan gotas de sudor que nublan la visión de unos ojos enrojecidos. Ante su atónita mirada el caballero formado por piezas de cristal coloreadas cobra vida, salta junto a él y comienza a perseguirle hasta que, horrorizado y en pleno ataque de pánico, sale despavorido por la puerta y es arrollado por un carruaje de caballos.

Esa mítica secuencia quedó grabada de forma indeleble en la mente de este precoz cinéfilo que a los 12 años disfrutaba con las aventuras del joven Sherlock Holmes en El secreto de la pirámide. Nunca los efectos digitales habían llegado tan lejos. Ese momento pertenece a la historia del cine ya que se trata del primer personaje completamente generado por ordenador en aparecer en una película. Lo hizo en 1985 de la mano del Steven Spielberg productor. El mismo que auspicia, a través de Amblin Entertainment, esta adaptación de la novela La casa del reloj en la pared, que rinde evidente homenaje al inefable instante.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CASA DEL RELOJ EN LA PARED_Owen Baccaro y Jack Black llegan a la cas

Este es uno de los múltiples guiños que, trufados a lo largo del filme, hacen alusión al espectador adulto que probablemente se encuentre en la sala acompañado a hijos, sobrinas y otros preadolescentes, público objetivo de este largometraje que narra las aventuras y desventuras de Lewis, un huérfano que va a vivir con su excéntrico tío a un espeluznante caserón que cuenta con vida propia. A diferencia de aquel título, que seducía por igual a audiencias de todas las edades, esta cinta, que a buen seguro hará disfrutar a los más pequeños, deja un tanto de lado al aficionado que ya haya superado la pubertad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CASA DEL RELOJ EN LA PARED_Jack Black con los autómatas

A pesar del creciente interés de su tramo final, su ritmo, intensidad y la perfección técnica de sus magníficos efectos visuales, no se antojan suficientemente atractivos los homenajes varios y alguna que otra cita culta, como la referencia a Dalí y a La persistencia de la memoria, para enganchar a la trama a los más talluditos. Escondidos cual huevos de pascua tenemos fragmentos de diálogos que si somos avispados podremos relacionar con Tras el corazón verde o Casablanca, una colección de muñecos y autómatas que nos traen a la mente trabajos tan dispares como La invención de Hugo o La huella, ataques de libros que cobran vida al estilo de los temibles pájaros hitchcockianos e incluso chistes internos en torno a producciones emblemáticas de Amblin Entertainment (en la marquesina del cine se puede leer Un extraterrestre del planeta Plutón, nombre que Universal quería ponerle originalmente a Regreso al futuro) o al último King Kong, protagonizado también por Jack Black, que aquí exhibe un registro contenido dentro del margen para el histrionismo que le da su papel de tío Jonathan. Tanto él como Cate Blanchett se adaptan a sus roles sin caricaturizarlos, resolviendo con solvencia su cometido.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA CASA DEL RELOJ EN LA PARED_Cate blanchett, Owen Vaccaro y Jack Black

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La casa del reloj en la pared

Dirección: Eli Roth

Guión: Eric Kripke, basado en la novela homónima de John Bellairs

Intérpretes: Jack Black, Cate Blanchett, Owen Baccaro

Música: Nathan Barr

Fotografía: Rogier Stoffers

Duración: 105 min.

Estados Unidos, 2018  

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