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Comedia romántica de misterio a la francesa – Crítica de “Rosalie Blum” (2015)

El hecho de que una película se retrase tanto como un año desde la fecha de su estreno en su país de origen no suele traer buenos augurios. En el caso que nos ocupa, su candidatura a mejor ópera prima en la pasada gala de los César del cine francés y el Premio del Público del Festival de Gijón desmienten el teorema anteriormente enunciado; ambos reconocimientos y, por supuesto, lo que cuenta y cómo lo cuenta.

El autor de este maravilloso debut como largometrajista responde al nombre de Julien Rappeneau. El apellido sonará a los cinéfilos impenitentes. Nos remite a un clásico (moderno) de la cinematografía gala que a su vez ponía en imágenes y recitaba en verso una obra cumbre de su literatura. En efecto, quien aquí firma es el vástago de Jean-Paul Rappeneau, responsable del Cyrano de Bergerac de Gérard Depardieu, que tras una larga singladura como guionista ha escogido la adaptación de una novela gráfica como su salto al vacío de la realización.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ROSALIE BLUM_Noémie Lvovsky

Vincent regenta una peluquería. Se empeña en mantener la llama de una relación a distancia a pesar de no tener noticias de su novia desde hace seis meses. Vive solo, aunque en el piso de arriba su castradora madre viuda continúa ejerciendo su influencia pasivo agresiva. Un encuentro fortuito pondrá patas arriba su monótona existencia. Cree conocer de algo a la tendera de un supermercado de barrio y siente una irresistible atracción que le lleva a perseguirla. Averigua su nombre: Rosalie Blum, y aunque el ingenuo estilista no tiene pinta de psicópata, ese espionaje encierra tintes un tanto obsesivos a pesar de la torpeza de la que hace gala el merodeador.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ROSALIE BLUM_Kyan Khojandi2

La cinta se estructura en tres segmentos identificados respectivamente con cada uno de los componentes del trío protagonista: Vincent, Rosalie y alguien a quien dejamos que sea descubierto por el espectador. Rappeneau juega con un armazón que recuerda a relatos más transcendentes como Rashomon o El hombre que mató a Liberty Valance para lograr un mestizaje de géneros en el que lo hilarante surja del surrealista encuentro del suspense con la comicidad que brota del absurdo. El cambio de punto de vista se antoja revelador de detalles que enriquecen la construcción de la personalidad de cada uno de los roles y completan una narración que gana en empaque.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ROSALIE BLUM_Kyan Khojandi y Anémone

Con un tono tan cándido como extravagante, desarrollando un estilo que vagamente nos lleva a Amélie, se nos presentan unos personajes y una historia con los que, mérito de quien dirige, congeniamos prácticamente de inmediato. Aceptamos la propuesta, entramos en un juego que se llama comedia romántica de misterio a la francesa y nos preparamos para degustar noventa y cinco minutos poblados de originalidad, grandes dosis de ingenio, risas constantes, carcajadas antológicas (a costa de una genial Anemone en el papel de esa madre inimitable) y con un punto emotivo que permanece oculto entre lo risible y recoge los pequeños o grandes dramas personales que encierran estos tres entrañables seres que de una u otra manera se necesitan mutuamente.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ROSALIE BLUM_Kyan Khojandi y Alice Isaaz

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Scope Pictures, The Film. Cortesía de Surtsey Films. Reservados todos los derechos.

 

Rosalie Blum

Dirección: Julien Rappeneau

Guión: Julien Rappeneau, a partir de las novelas gráficas homónimas de Camille Jourdy

Intérpretes: Noémie Lvovsky, Kyan Khojandi, Alice Isaaz

Música: Martin Rappeneau

Fotografía: Pierre Cottereau

Duración: 95 minutos

Francia, 2015

Un vínculo invisible e inquebrantable – Crítica de “Your name” (2016)

Acostumbrados a la hegemonía de Studio Ghibli en el mundo de la animación tanto en lo creativo como en lo puramente crematístico, resulta fascinante encontrar un trabajo capaz de codearse artísticamente hablando con lo más granado de la factoría fundada por Hayao Miyazaki logrando, incluso, la proeza de superar en taquilla a su obra más popular, El viaje de Chihiro.

Un cometa se acerca a la tierra atravesando atronador las nubes que encuentra a su paso. Repentinamente cesa el sonido. Pantalla en negro. Tokio. Dos casas. Dos habitaciones. Dos camas. Dos jóvenes que despiertan. Ninguno puede recordar lo que acaba de soñar aunque ambos comparten la sensación de haber perdido algo o a alguien. Sienten ese vacío y la necesidad imperiosa de resolver ese enigma desde aquel día en que las estrellas caían del cielo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YOUR NAME_El cometa se divide

Tras unos maravillosos créditos que visualmente repasan lo que va a ser la película, comienza la narración en flashback que nos va a llevar a ese inquietante momento inicial. Mitsuha, una chica de un pueblecito, sueña con Taki, un muchacho de la capital. Él hace lo propio con ella, a pesar de no conocerse de nada. Pero lo onírico llega a hacerse tan vívido que un día se despiertan en la piel del otro, con todo lo que eso conlleva.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YOUR NAME_frente al espejo

La historia, novelada primero y trasladada a la gran pantalla después por el japonés Makoto Shinkai, parte de esta interesante premisa que engancha de inmediato conquistando al espectador desde el humor para arrastrarlo a la emotividad y la emoción a través de la fantasía y la imaginación. Este guión pluscuamperfecto pertenece a ese extraño mestizaje de géneros que vendría a denominarse romanticismo envuelto en paradojas espacio-temporales, con notables representantes como las dos versiones de La casa del lago o Una cuestión de tiempo en el terreno del largometraje y la catódica y absolutamente recomendable miniserie 22.11.63.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YOUR NAME_En la escalera rectángular

El acierto y la pericia del escritor y libretista integra en la presentación de los dos personajes principales la explicación del curioso fenómeno que acontece entre ellos consiguiendo de forma sencilla la comprensión de algo tan complejo por parte del público. Añade, además, valiéndose de una técnica similar a la utilizada en Regreso al futuro, la representación del flujo del tiempo a través de una hermosa metáfora visual en torno a los hilos que conforman un tejido.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YOUR NAME_Con la abuela

El mérito del director reside en haber sabido extraer, realizando un alarde de originalidad, toda la vena misteriosa que intrínsecamente se hallaba en una situación tan curiosa sin dejar de explotar los recursos cómicos ni, por supuesto, las derivaciones más románticas y emotivas que pudiera ofrecer.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YOUR NAME_Sentados

Una película así devuelve la fe en el cine, si es que se había perdido, y enseña a amar el séptimo arte sin ningún tipo de prejuicios o de fronteras; ni idiomáticas, ni culturales, ni en cuestión de géneros cinematográficos, ni en cuanto a las técnicas narrativas utilizadas. Cine en estado puro para disfrutarlo con los cinco sentidos y degustarlo según nos va descubriendo las maravillas que contiene a medida que florece pétalo a pétalo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YOUR NAME_juntos

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Amuse, Toho Company, Kadokawa. Cortesía de Selecta Visión. Reservados todos los derechos.

 

Your Name

Dirección, fotografía y montaje: Makoto Shinkai

Guión: Makoto Shinkai, basado en su novela homónima

Voces en la v.o.: Ryûnosuke Kamiki, Mone Kamishiraishi, Ryô Narita

Música: Radwimps

Duración: 106 min.

Japón, 2016

La sinrazón tras el horror – Crítica de “Land of mine/Bajo la arena” (2015)

Conceptualmente “bajo la arena” puede remitir a algo plácido, un improvisado partido de fútbol en la playa, risas, diversión y relax. Un (necesario) oasis en mitad de la más absoluta barbarie que permita un momento de descanso al espectador. Nos encontramos cerca del mar sí, pero la traducción del título original habla del peligro latente que subyace diez centímetros por debajo de aquellos quince pares de pies.

El nombre anglosajón del filme expone la temática bélica sin tapujos y juega, ingeniosamente, con la polisemia de la expresión “land of mine”. Trasladado a la lengua de Cervantes, por un lado compendia todo el desprecio del oficial del ejército de Dinamarca que a voz en grito conmina a los soldados alemanes que regresan derrotados a casa tras cinco años de ocupación: fuera de “mi tierra”, este es “mi país”. Estamos en 1945, acaba de terminar la Segunda Guerra Mundial y en el reino de Hamlet la podredumbre física y moral se adueña de vencedores y vencidos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAND OF MINE_El sargento

El otro significado nos lleva a los “campos de minas” en que los nazis habían convertido el litoral de la península de Jutlandia en la creencia de que la invasión aliada habría de producirse precisamente allí y no en Normandía.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAND OF MINE_Caminando por la playa

El cineasta danés Martin Zandvliet parte de un episodio real para realizar un sólido y contundente acercamiento al conflicto que denuncia las atrocidades que se pueden cometer en nombre del mal entendido patriotismo y de la venganza inspirado en todo aquello que sucedió una vez finalizadas las hostilidades. Y es que tras la guerra unos dos mil prisioneros de guerra alemanes fueron forzados a retirar más de millón y medio de minas de la costa oeste danesa. Casi la mitad de ellos murieron o resultaron heridos. Muchos eran menores de edad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAND OF MINE_desactivando una mina

El modélico texto del director y guionista condensa este horrible episodio, considerado por muchos constitutivo de crímenes de guerra, en el acontecer de una unidad formada por catorce prisioneros germanos, adolescentes todos ellos, que son adiestrados para desactivar minas antipersona.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAND OF MINE_El sargento y sus hombres

A pesar de la perfección formal con la que comienza el relato, de la tensión creada a partir de la concatenación de planos, el juego con los sonidos de las respiraciones, el canto de los pájaros y la ausencia de música para angustiar al espectador ante las posibles consecuencias de una inminente explosión, la verdadera entidad de la cinta surge a partir del momento en que las relaciones humanas toman las riendas de la narración para trasladarnos el sufrimiento y la impotencia de los jóvenes miembros de ese extraño batallón, pero sobre todo el vínculo que se establece entre ellos y el sargento danés al mando y los sentimientos encontrados de este personaje, excepcionalmente escrito e interpretado, que pasa por todos los estadios posibles desde el odio acérrimo a la comprensión de que, por encima de la situación, lo que tiene delante de sus narices son niños asustados obligados a madurar a marchas forzadas debido a los delirios de grandeza de un dictador.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAND OF MINE_Comprobando si hay minas

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Nordisk Film, Amusement Park Films. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

Land of mine. Bajo la arena 

Dirección y guión: Martin Zandvliet

Intérpretes: Roland Møller, Louis Hoffmann, Joel Basman

Música: Sune Martin

Fotografía: Camilla Hjelm

Duración: 100 min.

Dinamarca, Alemania, 2015

La fascinación del genio desconocido – Crítica de “David Lynch: the art life” (2016)

A estas alturas, ¿quién no conoce a David Lynch? ¿quién no sabe que dirigió El hombre elefante y fue ninguneado por la Academia de Hollywood tras lograr ocho candidaturas al Óscar? ¿o que revolucionó el mundo de las series de televisión en los 90 con la mítica Twin Peaks tras ganar la Palma de Oro del Festival de Cannes por Corazón Salvaje? ¿quién no recuerda esa mezcla de fascinación y terror de Carretera Perdida o la elegancia inquietante vestida de film noir de Mulholand Drive? ¿y esa oreja humana que aparece entre el césped de un idílico jardín en Terciopelo Azul?

David Lynch

A sus 77 años este estadounidense nacido en la América profunda un día de San Sebastián se ha hecho un hueco en la historia cinematográfica debido a su particular universo y a esa manera tan singular de filmar y escribir plasmando sobre la pantalla sus obsesiones personales de una manera tan creativa como perturbadora.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DAVID LYNCH- THE ART LIFE_David Lynch y su arte extraño

El Lynch cineasta ha sido estudiado hasta la saciedad y quien más quien menos tiene un concepto de la dimensión de su figura como autor. Los debutantes Jon Nguyen, Rick Barnes y Olivia Neerdgard-Holm han buscado en este documental una faceta mucho más oculta del realizador, su producción como pintor. Aunque más allá de su ingente obra, de la que el metraje de esta película hace gala, han querido escarbar en lo más profundo de su subconsciente para averiguar de dónde surge esa pasión creativa y ese mundo interior tan sugerente pero al tiempo tan oscuro y escalofriante.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DAVID LYNCH- THE ART LIFE_David Lynch sentado

La cinta se plantea como una especie de sesión de psicoterapia en la que el artista se sienta en el diván, sustituido por la silla de su estudio o el micrófono de la sala de locución, para realizar un viaje a su niñez, adolescencia y principio de la edad adulta en el que, a modo de introspección, dar a conocer al espectador, en primera persona, detalles de su vida que han conformado el espíritu de inventiva de un tipo que nos transporta con sus pinturas al onirismo de Dalí y que remite al Buñuel más surrealista, el de La edad de oro o Un perro andaluz, a través de sus primeros cortometrajes experimentales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DAVID LYNCH- THE ART LIFE_David Lynch - Cabeza Borradora

Resulta fascinante asistir al nacimiento y desarrollo de su vocación artística terminando nuestro recorrido en el momento de su exitoso debut en el largometraje con la inclasificable Cabeza borradora y llegar a lo que buscaba cuando se interesó por este mundo que resumía en una expresión: The art life, la vida del arte. Según sus propias palabras no hacer nada más que tomar café, fumar cigarrillos y pintar: la absoluta felicidad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DAVID LYNCH- THE ART LIFE_David Lynch pintando

Este trabajo bebe en sus formas y sonidos de la influencia de las enigmáticas atmósferas que el protagonista crea para sus propios filmes, de modo que resultará tan fascinante para sus incondicionales como extraño para los no conocedores de este inimitable artista polifacético. Aún así resulta una propuesta absolutamente interesante y estimulante que nos permite adentrarnos en el Lynch más íntimo y nos regala momentos enternecedores como verle sentado, codo con codo, junto a su hija Lula (el nombre no es en absoluto casual) de apenas 4 añitos, enfrascados ambos en los bocetos de su próxima genialidad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DAVID LYNCH- THE ART LIFE_David Lynch autorretrato

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Absurda, Duck Diver Films, Hideout Films, Kong Gulerod Film . Cortesía de Vértigo Films. Reservados todos los derechos.

 

David Lynch: The art life

Dirección: Jon Nguyen y Rick Barnes y Olivia Neerdgard-Holm

Intérprete: David Lynch

Música: Jonatan Bengta

Fotografía: Jason S.

Montaje: Olivia Neerdgard-Holm

Duración: 90 min.

Estados Unidos, Dinamarca, 2016

Una víctima a la búsqueda de respuestas – Crítica de “Una historia de locos” (2015)

Más de 20 años antes del Holocausto judío por parte de los nazis y aprovechando la confusión de la Primera Guerra Mundial, el 24 de abril de 1915 las autoridades turcas detuvieron a 235 miembros de la comunidad armenia de Estambul. En los días siguientes continuó una situación que se prolongó hasta 1923. La idea de crear un Imperio Otomano islámico sin cabida para los cristianos provocó la deportación forzosa y el exterminio de más de un millón de civiles armenios. A día de hoy Turquía sigue sin reconocer el genocidio armenio, postura que le ha generado enfrentamientos con países como Francia que han legislado contra la negación de estas masacres programadas.

Robert Guédiguian, francés de origen armenio, nunca ha renunciado a plasmar sus reivindicaciones políticas en una extensa filmografía en la que las clases trabajadoras de su Marsella natal tienen siempre un claro protagonismo. En este caso su mirada amplía el foco para abordar un asunto enquistado desde hace mucho tiempo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA HISTORIA DE LOCOS_Simon Abkarian y Arian Ascaride

En un sorprendente e impactante prólogo en blanco y negro recrea un incidente real acaecido en el Berlín de 1921 y se hace eco de la visión que la convulsa Europa de la época tenía sobre lo sucedido con el pueblo armenio. Sin embargo, la trama política se convierte en contexto cuando salta a la palestra otra problemática en el momento en que la acción se traslada a los años 80.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA HISTORIA DE LOCOS_Syrus Shahidi

Aram, un marsellés de padres armenios, hace estallar el coche del embajador turco en París. La explosión deja gravemente herido a Gilles Tessier, un ciclista que pasaba por la zona. Cuando la madre de Aram acude al hospital a pedirle perdón, el joven exige ver a quien le ha dejado maltrecho. El encuentro será complicado tras la huida del autor de los hechos a Beirut para unirse al Ejército de Liberación de Armenia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA HISTORIA DE LOCOS_Gregoire Leprince-Ringuet y Ariane Ascaride

El personaje de Tessier se inspira en el periodista español José Antonio Gurriarán que sufrió un atentado similar en Madrid. Tras quedar lesionado de por vida se interesó por la causa armenia como vía para intentar superar su situación buscando motivos y razones. Robert Guédiguian se ha inspirado en su libro La bomba, en el que transmite esta singular actitud ante su tragedia, para desarrollar esta historia que tangencialmente afecta al director debido a su ascendencia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA HISTORIA DE LOCOS_Gregoire Leprince-Ringuet y Simon Abkarian

Lo que hace especial a este filme queda recogido en esa búsqueda de respuestas del que quiere confrontar a su verdugo, mirarle a los ojos y preguntarle por qué. Una vía que el cine ya exploró dentro del ámbito irlandés con la estupenda Cinco minutos de gloria. En esta ocasión, si bien se aborda con mayor profundidad el tema, desarrollando las relaciones de la víctima con la familia del terrorista, inexplicablemente no se ha sabido dar fluidez a un relato, tan insólito como interesante, que naufraga en su tramo central a pesar de contar con un prólogo apasionante y un emocionante epílogo en el que queda patente el afán conciliador del realizador.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UNA HISTORIA DE LOCOS_Ejercito de Liberación de Armenia

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Agat Films & Cie, Canal +, France Télévisions. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

Una historia de locos 

Dirección: Robert Guédiguian

Guión: Robert Guédiguian y Gilles Taurand inspirado en el libro La bomba de José Antonio Gurriarán

Intérpretes: Ariane Ascaride, Grégoire Leprince-Ringuet, Simon Abkarian

Música: Alexandre Desplat

Duración: 134 min.

Francia, 2015

Sensibilidad para describir la locura – Crítica de “Locas de alegría” (2016)

Una joven camina a lo largo de un puente empujando el carrito de su bebé. Mechas azules entre el pelo azabache, tatuajes sobre los huesudos dedos, minifalda de cuero y medias de rejilla que terminan en un par de raídas botas. Se detiene en el punto central mientras un tren pasa raudo a su espalda ejerciendo como cortinilla.

La fría fotografía con el turquesa del mar como fondo torna en calidez amarillenta del sol de la Toscana. Otra dama, rubia, melena larga y vestido señorial, segura de sí misma, recorre la villa como un torbellino sin dejar de dar órdenes a todo el que encuentra a su paso. Dice que su marido ha sido abogado de Berlusconi y que se ha codeado con los Clinton.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOCAS DE ALEGRÍA_Valeria Bruni Tedeschi y Micaela Ramazzotti con las demás internas

Aunque no miente, pronto nos damos cuenta de que se trata de una “huésped” de una institución psiquiátrica que utiliza métodos terapéuticos que tratan al paciente de modo mucho más humano y cercano de lo habitual.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOCAS DE ALEGRÍA_Valeria Bruni Tedeschi y Micaela Ramazzotti en el jardín

Una, asquerosamente rica, la otra, pobre de solemnidad. De personalidades completamente opuestas, su melancolía y sus momentos depresivos les hacen conectar. El guión aprovecha un guiño a Alguien voló sobre el nido del cuco para hacerles escapar en busca de esa brizna de libertad que les permita volver a respirar. Y en otro homenaje, inician su aventura al igual que Thelma y Louise, en una huida hacia delante que no saben a dónde les llevará.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOCAS DE ALEGRÍA_Valeria Bruni Tedeschi y Micaela Ramazzotti en el coche por detrás

Valeria Bruni Tedeschi aporta histrionismo a la adinerada Beatrice, Micaela Ramazzotti viste de timidez e introspección el enigmático aura de Donatella. Con ayuda del asesoramiento técnico-científico del que ha echado mano Paolo Virzi han dibujado de forma minuciosa, y con todo el rigor y respeto, la dolencia mental de cada una de estas mujeres.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOCAS DE ALEGRÍA_Valeria Bruni Tedeschi y Micaela Ramazzotti cerveza

De inicio, la cinta nos ha dejado francamente desorientados por el tono tragicómico, rayando en lo grotesco (al más puro estilo Fellini),con que se introduce a los personajes y su problemática. Dado que todo esto se prolonga hasta bien avanzado el nudo dramático, nos hemos plantado ante el último giro argumental sin saber con exactitud hacia dónde se dirigía la trama. Ese tipo de comedia pasada de rosca realza el patetismo de la potentada y recrudece la tragedia de su amiga pero, ¿es el adecuado para narrar esta historia?

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOCAS DE ALEGRÍA_Micaela Ramazzotti

La duda surge del hecho de que hasta el último acto no nos es posible apreciar la hondura de lo que se nos está contando. El tramo final, un prodigio de sensibilidad, transmite un abrazo al alma de alguien a quien su destrozo interior no le ha dejado avanzar. Un dolor que pasa invariablemente inadvertido por todo el mundo, incluido un sistema sanitario que lo ignora y perpetúa; la dureza de ser convertida en un monstruo por la sociedad debido al acto terrible provocado por la enfermedad. Pero deja un hálito de redención que, además, rescata al resto de la película. Una posibilidad de rehabilitación. Una luz al final del túnel de una vida llena de oscuridad y tristeza. De mucha tristeza.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOCAS DE ALEGRÍA_Valeria Bruni Tedeschi y Micaela Ramazzotti

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Lotus Productions, Manny Films, Rai Cinema. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

 

Locas de Alegría 

Dirección: Paolo Virzi

Guión: Paolo Virzi y Francesca Archibugi

Intérpretes: Valeria Bruni Tedeschi, Micaela Ramazzotti, Valentina Carnelutti

Música: Carlo Virzi

Fotografía: Vladan Radovic

Duración: 118 min.

Italia, Francia, 2016

El emperador de la hamburguesa – Crítica de “El fundador” (2016)

Mientras observa su reflejo en el espejo se mira a los ojos interpelante. Sé lo que están pensando, comienza convincente. ¿Cómo demonios un viejo de 52 años que vendía máquinas de batidos construyó un imperio con 600 restaurantes en 50 estados y 5 países extranjeros? Pausa valorativa. Una palabra: Persistencia. Su cara se ilumina. Nada puede sustituir a la persistencia. Conozco multitud de hombres con talento sin éxito alguno. La genialidad se ha convertido en un cliché. La educación tampoco; el mundo está lleno de tontos con estudios. La clave se encuentra en la persistencia y la determinación.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL FUNDADOR_Michael Keaton con vaso

Son conceptos extraídos de libros de autoayuda que muestran esa filosofía tan típicamente estadounidense del hombre hecho a sí mismo que lleva el emprendimiento por bandera. Esa inquietud conforma una parte de la personalidad de este fulano que esconde aspectos notablemente más oscuros y retorcidos.

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El santuario de Raymond Kroc, erigido bajo dos arcos dorados, no tardó en convertirse en la meca de la comida rápida. Respondiendo a su propia pregunta retórica, ésa de ahí arriba, el germen de McDonald´s se ubica en San Bernardino, California, a donde llegó el ínclito para aprovecharse del visionario hallazgo de dos hermanos que revolucionaron a pequeña escala el concepto de restauración que se tenía en los años 50 e inventaron el fast food.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL FUNDADOR_Los hermanos McDonald

Michael Keaton, tras el no Óscar de Birdman y su participación en Spotlight, continúa con su regreso a la primera división del cine mundial aceptando otro papel de enjundia que podría haberle devuelto a la alfombra roja del Dolby Theatre. El filme no ha recibido candidatura alguna a pesar de retratar ejemplarmente la vida y obra de este pícaro del siglo XX. Un tipo ambicioso y sin escrúpulos, una sanguijuela que vio una oportunidad de negocio y la explotó sin importarle los daños colaterales que pudiese causar. La milimétrica maestría del intérprete consigue mimetizarle con un personaje que, de no haber existido realmente, parecería haber sido escrito a la medida del actor.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL FUNDADOR_Michel Keaton da mano

John Lee Hancock se siente como pez en el agua dirigiendo películas biográficas. En la estupenda e infravalorada Al encuentro de Mr. Banks abría en canal la complicada humanidad de P.L. Travers, creadora de Mary Poppins. En esta ocasión, no solo disecciona la figura del auto proclamado fundador de McDonald´s sino que, por elevación, analiza y glosa, al estilo del mejor Scorsese, el intrincado universo de las franquicias y la aplicación de la teoría de la fabricación en cadena de Henry Ford al cocinado de hamburguesas y patatas fritas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL FUNDADOR_Michael Keaton hace un pedido en San Bernardino

Esta cinta debería ser de obligado visionado en todas las escuelas de negocios por su eminente valor pedagógico ya que refleja con meridiana claridad ideas de las que aprender pero también comportamientos a evitar. Y lo más importante, no se trata de un mamotreto ininteligible para el espectador no iniciado, más al contrario, plasma de manera nítida e interesante un fragmento de historia desconocido hasta ahora en torno a un concepto que nos resulta absolutamente cercano y familiar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL FUNDADOR_Michael Keaton

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Copyright imágenes  © FilmNation Entertainment, The Weinstein Company, Faliro House Productions. Cortesía de Diamond Films. Reservados todos los derechos.

 

El fundador

Dirección: John Lee Hancock

Guión: Robert Siegel

Intérpretes: Michael Keaton, Nick Offerman, John Carroll Lynch

Música: Carter Burwell

Fotografía: John Schwartzman

Duración: 115 min.

Estados Unidos, 2016

La inquietante atmósfera del Baztán – Crítica de “El guardián invisible” (2016)

Cuando saltó la noticia de que la trilogía del Baztán de Dolores Redondo iba a ser transformada en miniserie por los responsables de la saga Millenium, los comentarios acerca del atractivo que había despertado en los nórdicos se centraban en que su ambientación, a pesar de estar ubicada en el valle navarro, remitía a esos paisajes y esa climatología que rodea la literatura negra escandinava que tan en boga se encuentra desde el éxito póstumo de Stieg Larsson. El proyecto, rodado finalmente en formato cinematográfico, ha contado con la colaboración e infraestructura de Atresmedia que, con el realizador Pamplonés Fernando González Molina como maestro de ceremonias, ya se encargó con éxito de trasladar Palmeras en la nieve a la pantalla grande.

Tanto en las imágenes como en la novela pueden apreciarse vestigios que remiten a Los casos del departamento Q de Jussi Adler-Olsen o a la melancolía que desprende el Kurt Wallander de Henning Mankel. Pero la referencia directa del libro, y por definición de su versión fílmica, nos lleva a mirar a Thomas Harris y su exitosa El silencio de los corderos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL GUARDIÁN INVISIBLE_Marta Etura y Nene

Nos encontramos a otra mujer aparentemente dura pero frágil en su fuero interno, con un trauma infantil que le atormenta, formada, al igual que Clarice Starling, en el Departamento de Ciencias del Comportamiento del FBI en Quántico, Virginia, que se ve obligada a regresar a sus raíces, a su Elizondo natal, pero también a lo más profundo de su subconsciente, para dar con la clave que le ayude a resolver el caso de un asesino en serie que mata a chicas adolescentes de la zona. Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL GUARDIÁN INVISIBLE_Marta Etura, Pedro Casablac y Francesc Orella

La complejidad del personaje de la inspectora Amaia Salazar, encarnada por una excelente Marta Etura, es la clave para amarrarse a una historia que comienza de modo convencional pero a la que las vinculaciones familiares de la protagonista confieren ese atractivo que provoca el interés del espectador. La firmeza, decisión e integridad de los primeros momentos se tornan en vulnerabilidad e inseguridad, e incluso llegan a sembrar la duda con cierta oscuridad, distancia y frialdad hacia su hermana mayor y una madre cuyo recuerdo fantasmagórico la persigue constantemente.

 Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL GUARDIÁN INVISIBLE_Marta Etura y Elvira Mínguez

El brillante desempeño de González Molina tras la cámara proyecta una atmósfera densa y desasosegante, fotografiada entre brumas y lluvia y subrayada por la fantástica música de Fernando Velázquez. La autenticidad del relato se enriquece por la utilización de las localizaciones originales sin llegar en ningún momento a desvirtuarse por ese toque místico, de realismo mágico un tanto turbador, que le confiere la introducción del Basajaun, ese ser mitológico que cuida del equilibrio del bosque.

 Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL GUARDIÁN INVISIBLE_Marta Etura y el Gordito de la Trinca

El único pero achacable a la cinta, herencia de su fuente, lo excesivamente literario del lenguaje con el que se construyen algunos diálogos, que resta naturalidad y verosimilitud a lo que se está contando, hecho que tal vez se deba a un excesivo respeto por el original y su autora, cuyo fugaz cameo, cual inquietante presencia, no pasa inadvertido en el funeral de una de las víctimas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL GUARDIÁN INVISIBLE_Marta Etura

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Nostromo Pictures, Atresmedia cine, Nadcon Film, Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF), ARTE. Cortesía de DeA Planeta. Reservados todos los derechos.

 

El guardián invisible

Dirección: Fernando González Molina

Guión: Luiso Berdejo, basado en la novela homónima de Dolores Redondo

Intérpretes: Marta Etura, Elvira Mínguez, Francesc Orella

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Flavio Martínez Labiano

Duración: 129 min.

España, Alemania 2016

Grandes interpretaciones, realización plana – Crítica de “Fences” (2016)

En la tan traída fábula, la rana y el escorpión acaban en el fondo del río porque, por encima de la lógica que les hubiese permitido cruzar uno sobre el lomo de la otra, se impone el instinto del arácnido que arponea a la pobre nadadora en mitad del trayecto causando la muerte por ahogamiento de ambos. Es mi naturaleza, acierta a excusarse segundos antes del fatal desenlace.

Un hijo que odia a su padre por el trato que les ha dispensado tanto a él como a su madre luchará con todas sus fuerzas para no repetir idénticos patrones de comportamiento y tratará de construir una personalidad diametralmente opuesta. Sin embargo, la caprichosa naturaleza, sin que el descendiente pueda hacer nada para evitarlo, se encargará de que, con el paso del tiempo, descubra que tiene mucho más de ese hombre de lo que él hubiese deseado. Incluso le horrorice advertir, en el mejor de los casos, que puede estar aplicando a su prole la misma medicina que la recibida en propias carnes. A lo peor, ni siquiera es consciente de ello.

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Algo así le sucede a Troy, el protagonista de esta historia. Un ex jugador de béisbol de relativo éxito que vive, junto a su mujer y uno de sus vástagos, del exiguo sueldo que le proporciona su trabajo de basurero. Su reivindicativa denuncia en torno al hecho de que, mientras a la gente de color se les reserve el dudoso honor de vaciar los cubos en el camión, solo haya conductores blancos ilustra el clima de racismo presente en la sociedad estadounidense de 1950.

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August Wilson, autor de la obra en que se basa la cinta, dejó dicho antes de fallecer que la adaptación de su pieza había de ser filmada por un realizador negro. Denzel Washington se colocó tras las cámaras para poner imágenes a las palabras que el propio Wilson trasladó a un guión, inacabado debido a su prematuro deceso, que hubo de ser culminado por el Pulitzer Tony Kushner, que no aparece en los créditos.

FENCES

Una realización estática y falta de recursos para salvar la evidente teatralidad inherente al material se ve compensada con creces por la enjundia de un texto auto referencial e incisivo que bucea en las relaciones paternofiliales sin obviar las luces y sombras del matrimonio, la maternidad y, en definitiva, la familia en una visión profundamente critica del modo de vida de ciertos sectores de la comunidad afroamericana.

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El dramaturgo podría obtener un premio de la Academia a título póstumo en este filme concebido como vehículo para el lucimiento de los dos cabezas de cartel. Washington construye y sostiene un personaje que llega a parecer detestable por momentos, diseccionando los aspectos contradictorios de su personalidad hasta el punto de hacerlo un sólido contendiente a la dorada estatuilla. La fuerza de la naturaleza que es Viola Davis, digna y poderosa, rubrica en una inolvidable secuencia un trabajo que le va a proporcionar el Óscar que lleva ya tiempo pidiendo a golpe de talento.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Bron Studios, MACRO, Paramount Pictures, Scott Rudin Productions. Cortesía de Paramount Pictures España. Reservados todos los derechos.

 

Fences

Dirección: Denzel Washington

Guión: August Wilson, basado en su obra de teatro homónima

Intérpretes: Denzel Washington, Viola Davis, Stephen Henderson

Música: Marcelo Zarvos

Fotografía: Charlotte Bruus Christensen

Duración: 139 min.

Estados Unidos, 2016

Vivir y amar en Túnez – Crítica de “Hedi-Un viento de libertad” (2016)

Eso no es un sueño, es un proyecto, le espeta ella mientras contemplan cómo las olas del mar rompen en la orilla. Algo hace click en la mente de Hedi. Algo que cambia para siempre su modo de enfrentarse a la realidad. La utopía e inconsistencia de lo anhelado se convierten de pronto en algo tangible y realizable. A pesar de todo, su gran pasión, convertirse algún día en dibujante de cómics, queda muy lejos. En Túnez casi toda tu existencia está escrita, seas hombre o mujer, no hay margen para la improvisación.

Su ocupación como comercial que vende coches a puerta fría no le llena. De algún modo envidia a su hermano, que se marchó a Francia, encontró trabajo y esposa y se estableció permanentemente. Su madre, viuda, a pesar de la distancia, prefiere al hijo que tiene lejos. Y para el que habita en su misma casa diseña un futuro teledirigido; en el país norte africano estas cosas no se consultan con la descendencia. Concierta una boda inminente, apaña una planta del hogar que comparten para que haga las veces de domicilio conyugal y le gestiona un nuevo empleo a través del que pronto será su suegro.

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 Mientras, Hedi no sabe hacia dónde dirigir sus pasos. Lleva tres años viéndose a escondidas, en el Peugeot de su empresa, con una prometida a la que ni siquiera ha podido besar. Su jefe le traslada a un destino tan alejado de su pueblecito natal que ha de quedarse allí durante la semana laboral. Apenas faltan seis días para la boda. Su familia, los preparativos, el estrés laboral, lo tienen asfixiado. El dejar su localidad le hace respirar momentáneamente. El resto lo hará Rym, una animadora del hotel donde se hospeda, una mujer cosmopolita cinco años mayor que él que entra en su vida como un soplo de aire fresco.

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Esta especie de Breve encuentro o Los puentes de Madison ubicada en el Mediterráneo comienza la partida jugando unas cartas que retratan el anodino día a día del protagonista para, en un momento dado, subir la apuesta dando un giro de 180 grados para plantear un interesante debate en cuanto a las tradiciones y la modernidad y el amor de verdad versus el impostado y prefabricado, dibujando un retrato del Túnez actual con alusiones a los atentados del Museo del Bardo o la Primavera Árabe que afectan directamente a la difícil y clandestina relación que surge entre Hedi y Rym.

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Mediante la escritura y realización de su primer largometraje, Mohamed Ben Attia logra la simbiosis de un apasionado enamoramiento primorosamente interpretado por Majd Mastoura y una arrebatadora Rym Ben Messaoud, ambos debutantes, con un fresco que plasma los importantes cambios económicos y sociales que ha sufrido su país en los últimos años. Todo narrado con una frescura que nos recuerda la honda huella que nos dejó Omar, que llevaba al conflicto palestino-israelí la contienda romántica. Un notable filme al que hacen justicia los reconocimientos cosechados en el pasado Festival de Berlín.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © A24, Plan B Entertainment. Cortesía de Diamond Films. Reservados todos los derechos.

 

Hedi, un viento de libertad

Dirección y guión: Mahamed Ben Attia

Intérpretes: Majd Mastoura, Rym Ben Messaoud, Sabah Bouzouita

Música: Omar Aloulou

Fotografía: Frédéric Noirhomme

Duración: 88 min.

Túnez, Bélgica, Francia, 2016  

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