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Un guion pasado de rosca – Crítica de “Gloria mundi” (2019)

Del director francés Robert Guédiguian se podría decir que es el Ken Loach galo por su retrato de la clase trabajadora desde diversos ángulos y porque su obra muestra una constante implicación y preocupación por los derechos sociales y laborales. Pero, más allá de comparaciones, habría que hablar de un autor con una voz propia e inconfundible y un estilo con unas características que hacen de cada uno de sus largometrajes una singularidad. Su inclinación a ubicar sus historias en su Marsella natal y la querencia por tres actores fetiche para encarnar a sus personajes, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan y Ariane Ascaride, que además son amigos íntimos en el caso de los dos primeros y su mujer en el tercero, conforman su marca de fábrica. De modo que sus películas tienen cierto aroma de complicidad y cercanía por la manera tan personal con la que están pergeñadas. En el filme que nos ocupa se cumplen, como no podía ser de otra manera, estas dos prerrogativas.

La familia al completo_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GLORIA MUNDI

El nacimiento de una niña, Gloria, reúne en un hospital marsellés a toda su familia. Pero la alegría será efímera para sus jóvenes padres que pasan por una delicada situación económica. Mientras se las arreglan para llegar a fin de mes retoman el contacto con el abuelo de la pequeña, un ex convicto al que escriben para comunicar la buena noticia.

Gérard Meylan_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GLORIA MUNDI

En los tiempos que corren, salvo los intensos fogonazos de Las nieves del Kilimanjaro y Una historia de locos, el cine de Guédiguian ha perdido enteros y no termina de impactar como el de antaño ni logra mantener el vigor de unos comienzos esperanzadores que tristemente se van diluyendo con el paso de los minutos. Es el caso de Gloria Mundi. Tras un planteamiento dramático tremendamente atractivo, en el que entran en juego los efectos de la crisis en la población de extracción baja y ramificaciones como la explotación laboral y el racismo y la xenofobia, se va convirtiendo en una especie de culebrón debido a las vueltas de tuerca que introduce el realizador en el texto, excesos que provocan que la trama se pase tanto de rosca que deje de interesarnos lo que en un principio había captado nuestra atención.

Ariane Ascaride seria_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GLORIA MUNDI

El mejor activo con el que cuenta el filme es su reparto, encabezado por los tres mosqueteros del cineasta de origen armenio de los que hablábamos más arriba. Sus trabajos transmiten la autenticidad que requieren los roles que escribe Guédiguian, no en vano la interpretación de Ariane Ascaride le valió la Copa Volpi en el pasado Festival de Venecia. En una narración que se reparte entre las vicisitudes de los más veteranos y sus retoños, la contribución en el caso de los segundos de la pareja formada por los padres de la pequeña Gloria, encarnados por Anaïs Demoustier y Robinson Stévenin, resulta lo más reseñable. De todos modos, ni siquiera estos brotes verdes, ni nuestra reconciliación con un final que sí se encuentra a la altura del arranque, hacen que podamos extraer una conclusión positiva del conjunto.

Anaïs Demoustier y Robinson Stévenin_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GLORIA MUNDI

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © AGAT Films & Cie/ Ex Nihilo, France 3 Cinéma, BiBi Film. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

Gloria Mundi

Dirección: Robert Guédiguian

Guion: Robert Guédiguian y Serge Valetti

Intérpretes: Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan

Música: Michel Petrossian

Fotografía: Pierre Milon

Montaje: Bernard Sasia

Duración: 106 min.

Francia, Italia, 2019

Digna sucesora de su predecesora – Crítica de “Frozen II” (2019)

Dentro de la subtrama amorosa en la que el forzudo y bonachón Kristoff trata de pedir matrimonio continuamente y de manera infructuosa a su adorada princesa Anna, hay un cruce de canciones semi románticas que interpreta cada miembro de la feliz pareja. Se encuentran bastante separadas en el metraje pero las dos quedan vinculadas por ser, de alguna manera, una espejo de la otra, la contestación minutos más tarde de lo que ha dicho la anterior, la voz del alma de cada uno de ellos expresando sus inquietudes. Ambas se salen del tono de musical que tienen casi todas las tonadas y sus arreglos suenan claramente a reconocibles temas icónicos de principios de los 80. Primero Anna entona, junto a otros personajes, “Some things never change”, que tiene un paralelismo casi mimético con “Let my love open the door” de Pete Townshend. Y un buen rato después, Kristoff, esta vez como solista (acompañado por los renos que copian el mítico plano a cuatro cabezas del videoclip de Bohemian Rhapsody), se lanza, desorientado por la actitud de su amada, con “Lost in the woods”, que recuerda al estilo de voz y coros del Yes de “Owner of a lonely heart”.

Todos frente al bosque_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_FROZEN II

Saliendo de este paréntesis orientado al público entrado en años, si nos centramos en la propuesta argumental, Elsa, Anna, Olaf, Kristoff y Sven han de dejar Arendelle y partir hacia un bosque encantado a donde nadie puede entrar ni de donde nadie puede salir. Allí deben encontrar el origen de los poderes de Elsa para salvar a su reino.

Frente a la bruma del bosque_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_FROZEN II

Para los que amamos el musical clásico, una arboleda cubierta de niebla de la que surge un pueblo misterioso al que llegan unos viajeros a los que les encanta cantar y bailar nos trae una sonrisa a la boca y el hermoso recuerdo de Brigadoon. Aunque los años han pasado desde aquel Gene Kelly vestido de escocés. En este caso las protagonistas son dos jóvenes que, tras dejar atrás la adolescencia, toman las riendas de su destino y se enfrentan a responsabilidades adultas; personajes femeninos bien construidos, complejos y con una personalidad marcada, en la línea a la que nos tiene acostumbrados Disney, pionero en estos menesteres.

Elsa y Anna_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_FROZEN II

Lo que no deja de sorprendernos es la valentía de la marca del ratón Mickey para lanzar sutilmente en el subtexto del guion un nuevo alegato (lo vimos recientemente en Maléfica II) en contra de la xenofobia, el racismo y la política de inmigración de Trump (muro incluido).

Elsa se enfrenta_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_FROZEN II

Salvo el interesante prólogo, el guiño ochentero dedicado a los más talluditos y un tema, “Into the unknown”, que, como “Let it go”, nos ha puesto la carne de gallina, los primeros tres cuartos de metraje han pasado dubitativos ante nuestra mirada. A partir de ahí, la irrupción junto al pecio de un barco de la oscuridad narrativa, donde lo cómico se desvanece y la intriga y lo inquietante se adueñan del relato, hace crecer notablemente un largometraje para todos los públicos cuya magnífica culminación lo consagra como digno sucesor de Frozen.

Elsa en el agua_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_FROZEN II

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Copyright imágenes  © Walt Disney Animation Studios, Walt Disney Pictures. Cortesía de Walt Disney Studios Motion Pictures España. Reservados todos los derechos.

 

Frozen II

Dirección: Chris Buck y Jennifer Lee

Guion: Jennifer Lee

Intérpretes (voces en la versión original): Kristen Bell, Idina Menzel, Jonathan Groff

Canciones: Kristen Anderson-López y Robert López

Música: Christophe Beck

Montaje: Jeff Draheim

Duración: 103 min.

Estados Unidos, 2019

El talento que no se puede comprar con dinero – Crítica de “Le Mans ´66”

Hay un momento a siete mil revoluciones por minuto en el que todo desaparece. La máquina parece ingrávida y se desvanece y lo único que queda es un cuerpo moviéndose por el espacio y el tiempo. No hay palabras más certeras para describir la soledad del piloto dentro del angosto habitáculo de su coche ni para expresar qué se siente a trescientos cincuenta kilómetros por hora, cuando uno se encuentra cara a cara con su verdadero yo.

Esto podría dar a entender que esta película se centra en lo que ocurre en la pista. Nada más lejos de la realidad. Sin renunciar al vibrante latigazo de la velocidad hay mucho más detrás de esta cinta que hace de ella un acontecimiento dentro del cine sobre ruedas. Sus ramificaciones empresariales y mercadotécnicas muestran de manera igualmente estimulante las luchas por el poder dentro de una gran corporación como la Ford Motor Company y su enfrentamiento con el gigante italiano Ferrari. Dos miradas diametralmente opuestas en lo que atañe a la fabricación de turismos aunque también en lo referente a la alta competición. Y el atractivo indudable de narrar hechos reales, con figuras relevantes de la historia de la industria automovilística y del deporte a nivel mundial.

Matt Damon_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LE MANS 66

Este entramado se mueve en torno a dos tipos singulares, Carroll Shelby, el primer estadounidense en ganar las 24 horas de Le Mans, retirado prematuramente y reconvertido en jefe de equipo, y Ken Miles, un mecánico, ingeniero y piloto británico rebelde y mal mandado.

CHRISTIAN Bale_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LE MANS 66

James Mangold, tras la excelente y crepuscular Logan, ha enfrentado la mastodóntica tarea de llevar adelante un circo de varias pistas que se mueve entre los despachos, los talleres, los boxes, los circuitos y, por último, en el entorno de las relaciones humanas para salir airoso, ya que ningún segmento desmerece del resto. Vamos a encontrarnos elementos de mitos directamente relacionados con esta temática como Las 24 horas de Le Mans, Grand Prix o Quinientas Millas, en ese sentido Christian Bale emula e incluso supera los emblemáticos trabajos de clásicos como James Garner, Steve McQueen y el enorme Paul Newman. Aunque lo que otorga un salto de calidad a este filme es ese toque que nos recuerda a Tucker, un hombre y su sueño.

Probando_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LE MANS 66

El brutal uso del sonido y la espectacularidad del montaje (ojo a los Óscar) hacen que nos subamos literalmente en uno de aquellos monoplazas y experimentemos la velocidad como pocas veces. Algo que no es óbice para alcanzar un punto emotivo a través de un guion que habla de la amistad, la lealtad, la traición, el chauvinismo y, por supuesto, del talento que no se puede comprar con dinero. Matt Damon y, sobre todo, un Christian Bale que encarna algo muy parecido a su fama de niño malcriado en los rodajes, brillan por encima del resto. El galés nos brinda el mejor momento, uno cinematográficamente puro, capaz de resumir el filme sin palabras: Enzo Ferrari le mira desde el palco y levanta su sombrero y él asiente, devolviendo el saludo. Mágico.

Matt Damon y Christian Bale_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LE MANS 66

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Le Mans ´66

Dirección: James Mangold

Guion: Jez Butterworth, John-Henry Butterworth y Jason Keller

Intérpretes: Christian Bale, Matt Damon, Caitriona Balfe

Música: Marco Beltrami y Buck Sanders

Fotografía: Phedon Papamichael

Montaje: Andrew Buckland, Michael McCusker y Dirk Westervelt

Duración: 152 min.

Estados Unidos, Francia, 2019  

A vueltas con nuestras pequeñas miserias – Crítica de “Pequeñas mentiras para estar juntos” (2019)

El todoterreno negro se detiene en el camino, junto al acceso de la casa de verano. Antoine abre la puerta y sale disparado. Eric permanece en su asiento y pregunta: ¿qué haces? Echar la carrera, contesta su interlocutor. Ya no estoy para eso, concluye todavía dentro del vehículo. Siete años antes había sido el propio Eric el que desaforadamente ganaba la pugna a su colega para ver quién no se quedaba en la habitación de los niños. Es uno de los muchos guiños a la primera parte de esta comedia agridulce generacional pero el que realmente comienza a hablar a las claras de que el tiempo no pasa en balde para aquellos treintañeros que ya se han convertido en cuarentones. De un grupo que se desintegró al final del capítulo anterior y que intenta recomponerse (a su manera) al inicio de esta continuación tras más de un lustro sin contacto.

Clémentine Baert y François Cluzet_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PEQUEÑAS MENTIRAS PARA ESTAR JUNTOS

Max, el más veterano, cascarrabias oficial de la cuadrilla y empresario de la restauración de éxito que invitaba a todas sus familias a pasar las vacaciones, acaba de caer en desgracia debido a la crisis. Con una depresión tremenda regresa a su chalet de Las Landas para ponerlo en venta. Su estrés no soporta que le hayan organizado una fiesta sorpresa de cumpleaños en aquel lugar donde tanto habían disfrutado juntos. De modo que, haciendo honor a la temática original, miente para no reconocer que se encuentra en la ruina.

François Cluzet y Benoit Magimel_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PEQUEÑAS MENTIRAS PARA ESTAR JUNTOS

Les petits mouchoirs, la denominación en francés del título inaugural, se refería a esa manía que tenemos a veces, tan acentuada en esta gente, de meter ciertos asuntos debajo de la alfombra y no compartirlos ni siquiera con los más cercanos. El actor Guillaume Canet en su faceta como director y guionista ha querido recuperar las historias de estos personajes para volver a hacer hincapié en este aspecto y pasar revista a las diferentes prioridades que van cambiando a medida que la vida se abre camino.

Laurent Laffitte, Frnçois Cluzet y Marion Cotillard_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PEQUEÑAS MENTIRAS PARA ESTAR JUNTOS

El haber contado con el mismo reparto, incluso en el caso de los roles infantiles, añade un plus de autenticidad a este repaso de esas pequeñas miserias que a veces nos apartan de nuestros amigos. Buenas interpretaciones, nuevas incorporaciones que se encuentran a la altura y ese tono que combina el melodrama con lo risible para quitar hierro y aliviar las situaciones más intensas.

Marion Cotillard_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PEQUEÑAS MENTIRAS PARA ESTAR JUNTOS

Dentro de lo ligero, y sin alcanzar la emotividad de su predecesora, convence aplicando el estilo que le hizo alcanzar el éxito inicial: un elenco plagado de estrellas del cine galo a las que ofrece sus momentos de lucimiento individual sin desmerecer ni desvirtuar la coralidad del argumento, una banda sonora a partir de grandes éxitos en inglés cuyas letras complementan lo que estamos viendo en pantalla y un delicado y sutil equilibrio para no sobrepasar la delgada línea roja de lo excesivamente dramático ni lo descacharrantemente cómico. En resumen, un Reencuentro a la francesa finiquitado de manera más que digna.

Todos mirando la puesta de sol_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PEQUEÑAS MENTIRAS PARA ESTAR JUNTOS

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Copyright imágenes  © Trésor Films, Caneo Films, EuropaCorp. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

Pequeñas mentiras para estar juntos

Dirección: Guillaume Canet

Guion: Guillaume Canet y Rodolphe Lauga

Intérpretes: François Cluzet, Marion Cotillard, Gilles Lelouche

Fotografía: Christophe Offenstein

Montaje: Hervé de Luze

Duración: 135 min.

Francia, Bélgica, 2019

Dolorosamente necesaria – Crítica de “Sorry we missed you” (2019)

Un repartidor en bicicleta muere tras ser atropellado por un camión de la basura. El demoledor titular es de mayo de este mismo año. No hay nada que pueda superar a la vida misma en fuerza dramática y profundidad argumental. Las noticias relacionadas con las deplorables condiciones laborales de los falsos autónomos están a la orden del día y esa que leemos ahí arriba hiela la sangre y encoge el corazón. Sucede cada vez en un mayor número de sectores. Gente que soporta sobre sus hombros gravámenes de los que habrían de hacerse cargo sus empleadores, amén del estrés derivado de tener que encontrarse continuamente disponibles y la necesidad de trabajar lo más rápido posible para poder recibir más pedidos y así generar un nivel de ingresos que a duras penas pueda compensar la cuota de autónomos y los gastos derivados de la compra de un vehículo para poder realizar su cometido, con riesgo evidente para su integridad y su salud (tanto física como mental).

Lo que narra este excelso guion de Paul Laverty sucede en el Reino Unido y se basa en un caso real pero la globalidad de la economía hace que lo que vemos en pantalla nos suene tristemente cercano.

KRIS HITCHEN Y KATIE PROCTOR_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SORRY WE MISSED YOU

Un conductor de reparto de paquetería en una delicada situación económica y su mujer, trabajadora a domicilio para personas con dependencia, luchan para llegar a fin de mes en la Inglaterra actual. Conociendo a Ken Loach, la aparente simpleza de este planteamiento lleva implícitas un sinfín de derivaciones que enriquecen todo lo que aquí se nos va a contar.

Cena Familiar_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SORRY WE MISSED YOU

El matrimonio se ve obligado a pasar muchas horas fuera de casa por sus respectivas ocupaciones y no se ven ni atienden a su hija y a su conflictivo hijo de la manera que les gustaría. Además surgen fricciones derivadas del hecho de tener que vender su coche, con el que ella atendía a sus usuarios, para hacerse cargo del préstamo para pagar la furgoneta que él ha de adquirir para llevar a cabo su labor, y de su cada vez más angustiosa situación en una empresa con una asfixiante y agresiva política con sus empleados y un leonino régimen de sanciones. ¿Cómo puede sobrevivir una familia a todo esto? La desesperación, la ansiedad y la depresión pueden llevar a cualquiera a cometer una insensatez.

Katie Proctor y Kris Hitchen_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SORRY WE MISSED YOU

Loach realiza su película más redonda en mucho tiempo. Su tono habitual de crítica social alcanza una hondura (la necesaria para desarrollar cada una de las aristas de un asunto tan complejo) que pone los pelos de punta. Fiel a su estilo, utiliza caras desconocidas para dar mayor verosimilitud a su alegato. Las interpretaciones de los impresionantes Kris Hitchen y Debbie Honeywood, a los que vemos como nuestros vecinos, provocan que el directo al estómago resulte más brutal si cabe y que la sensación de vacío nos rompa por dentro al finalizar. Aún así y a pesar del dolor que genera, se antoja absolutamente necesaria la denuncia de una realidad tan palmaria como escalofriante.

Kris Hitchen furgoneta_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_SORRY WE MISSED YOU

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Copyright imágenes  © Sixteen Films, BBC Films, Wild Bunch, Why Not Productions. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

Sorry we missed you

Dirección: Ken Loach

Guion: Paul Laverty

Intérpretes: Kris Hitchen, Debbie Honeywood, Rhys Stone

Música: George Fenton

Fotografía: Robbie Ryan

Montaje: Jonathan Morris

Duración: 101 min.

Reino Unido, Francia, Bélgica, 2019

Cucarachas invasoras – Crítica de “Parásitos” (2019)

Unos calcetines deportivos cuelgan de un mini tenderete circular frente a los ventanucos de un destartalado apartamento situado en un bajo a pie de calle. Allí sobrevive Kim Ki-taek, sin trabajo y sin un duro, junto a su mujer, que le apoya en lo que puede, su veinteañera y cínica primogénita y su hijo universitario. Se dedican a chupar el wi-fi de los vecinos y a montar cajas para una pequeña pizzería a la que le intentan colar incluso las defectuosas. Se aprovechan hasta de la fumigación del callejón, a costa de su propia salud, para eliminar las enormes cucarachas que pululan a sus anchas por el salón. La oportunidad surge cuando un amigo del benjamín le ofrece sustituirle como profesor de inglés de la hija de un adinerado ejecutivo. En la mejor tradición de la picaresca, y haciendo honor a sus insectiles invasores, intentará colar a cada miembro de su desempleada parentela como trabajador en aquel espectacular chalet.

So-dam Park Woo-seek-Choi_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PARÁSITOS

Lo mejor es no hacer planes, si no haces planes nada te puede fallar, le dice el desmotivado padre a su chaval, aludiendo a que, en una situación apurada, prefiere improvisar a que no se cumplan las expectativas de lo inicialmente previsto. La perfección definitivamente resulta tediosa. Si todo sale según lo esperado, qué aburrido. ¿Qué sucede cuando las cosas se empiezan a torcer y aparece lo inesperado? Este guion explota la aparición azarosa de elementos que propician un cambio de registro, se atreve con la convivencia de géneros como la comedia y el thriller, otorgando gran importancia al suspense, e incluso se aventura con una última vuelta de tuerca (no apta para corazones sensibles) en la traca final, amén de cuestionar la posible empatía que podamos sentir por la familia protagonista.

Kang Ho-Song_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PARÁSITOSSi sobre el papel, solamente mirando el texto parido por la retorcida imaginación de Bong Joon-ho y Jin Won Han, tenemos material realmente explosivo, su puesta en escena (por el primero de ellos) y la elección de elementos técnicos utilizados para plasmarlo sobre la pantalla elevan más si cabe la calidad y originalidad de un trabajo que, con todo merecimiento, se hizo con la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes. El uso del formato panorámico, que aprovecha cada centímetro del encuadre, se enriquece de una fotografía luminosa, un exquisito gusto por la composición y la elegancia de movimientos de cámara suaves y certeros para retratar la modernidad y el minimalismo del decorado principal, esa fastuosa joya arquitectónica que se convierte en un personaje más de esta historia en contraposición con la precaria vivienda de este clan de aprovechados.

Sofisticada casa_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PARÁSITOS

Si a esta inspirada parte visual y al excelente libreto, trufado de portentosos giros que nos deparan una sorpresa tras otra y que se las apaña para cambiar el tono sin desentonar, le sumamos un atinado uso del sonido, muy trabajado, en combinación con una partitura que juega con el piano, la percusión y lo sinfónico para generar tensión dramática, la propuesta, en términos cinematográficos, no podría ser más estimulante.

Ventanuco_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PARÁSITOS

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Copyright imágenes  © Barunson E&A, TMS Entertainment, CJ Entertainment. Cortesía de La Aventura. Reservados todos los derechos.

 

Parásitos

Dirección: Bong Joon-ho

Guion: Bong Joon-ho y Jin Won Han

Intérpretes: Kang-ho Song, Yeo-jeong Yo, So-dam Park

Música: Jaeil Jung

Fotografía: Kyung-pyo Hong

Montaje: Jinmo Yang

Duración: 132 min.

Corea del Sur, 2019

Del deseo y de la pasión – Crítica de “Retrato de una mujer en llamas” (2019)

El encuadre se encuentra perfectamente equilibrado por los dos lienzos en blanco, humedecidos por la marea, que reposan a ambos lados de la chimenea. La luz proveniente de la lumbre crea una sensación de claroscuro con tonos anaranjados que aporta calidez. En el centro, sentada de perfil, completamente desnuda, la pintora fuma en pipa mientras espera que el fuego complete su labor. El cuidado trabajo de fotografía de esta película, que nos recuerda vivamente el que el meticuloso Stanley Kubrick ideó para Barry Lyndon, se nutre de planos exquisitamente compuestos e iluminación natural. Céline Sciamma trata de inmortalizar momentos con la cámara para que la audiencia perciba esta historia como quien recorre un museo contemplando cuadros, utilizando una narrativa casi exclusivamente visual, genuinamente cinematográfica, utilizando todos los medios a su alcance para narrar más allá de las palabras.

Noémie Merlant_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS

Créditos iniciales. Siglo XVIII. Aula de dibujo. Una alumna señala un cuadro en la pared. ¿Lo pintó usted? Hace mucho tiempo, responde la profesora. ¿Cómo se titula? Retrato de una mujer en llamas. De ahí nace el flashback que nos va a relatar cómo llegó a existir esa pintura y que comienza con el encargo que recibe su autora para ir a inmortalizar a una joven de posición acomodada.

Adéle Haenel_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS

Siglos antes de la invención de la fotografía las casas reales de distintos países que, de manera estratégica, buscaban matrimonios con los que lograr alianzas territoriales, encargaban retratos con los que “vender” a los futuros pretendientes las virtudes de sus retoños. Ni qué decir tiene que el pincel de turno trataba de plasmar una visión lo más amable posible de la realidad. El guion recoge varios asuntos interesantes que circundan la temática principal. Uno de ellos es esta práctica, aplicada en este caso a dos familias de alcurnia, que se enriquece del matiz de que la elegida para llevarla a cabo es una mujer, con lo que sale a relucir el hecho de que muchas artistas habían de utilizar un seudónimo masculino para vender sus obras y que a alguna de ellas, como a Sofonisba Anguissola, pintora de cámara de Felipe II, no se le reconociese su labor y su firma hasta hace unos pocos años.

Noémie Merlant y Adéle Haenel de negro_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS

La brillante factura técnica y la riqueza del subtexto engrandecen más todavía la sutileza de un libreto que disecciona de manera fascinante el proceso de enamoramiento, en una primera mitad que roza la obra maestra, para, posteriormente, desarrollar los vaivenes de una relación clandestina que escapaba a los convencionalismos de su época de manera igualmente sobresaliente, aunque sin alcanzar la perfección previa. Nada de esto hubiera sido posible sin los maravillosos trabajos de Noémie Merlant y Adèle Haenel, un prodigio de contención mezclado con una expresividad a flor de piel y un torrente interpretativo que eleva sus personajes y este largometraje a cotas inimaginables. Un delicado tratado acerca del deseo y de la pasión que podemos encontrar escondida en la página 28 de cualquier libro o en una tonada mal aprendida del gran Antonio Vivaldi.

Noémie Merlant y Adéle Haenel pasión_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS

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Copyright imágenes  © Lilles Films, Arte France Cinéma, Hold Up Films. Cortesía de Karma Films. Reservados todos los derechos.

 

Retrato de una mujer en llamas

Dirección y guion: Céline Sciamma

Intérpretes: Noémie Merlant, Adèle Haenel, Valeria Golino

Fotografía: Claire Marthon

Música: Jean-Baptiste de Laubier, Arthur Simonini

Montaje: Julien Lacheray

Duración: 119 min.

Francia, 2019

Ingenio, ironía, judaísmo, sexo sucio, hipocondría y cine – Crítica de “Día de lluvia en Nueva York” (2019)

Renoir, De Sica, Kurosawa, Grace Kelly, Ashley Wilkes, Lo que el viento se llevó, Gigi, Norma Desmond, El crepúsculo de los dioses, Al rojo vivo, Robert Mitchum, Jane Greer, Retorno al pasado, James Dean. Probablemente esta es la película de Woody Allen con mayor número de citas cinéfilas. Ortega y Gasset, El Bosco, John Singer Sargent, Irving Berlin. Como no, tampoco falta un buen puñado de referencias cultas. Mononucleosis, neumonía, síndrome de Asperger y un par de enfermedades más, amén de Bar mitzvah y tres o cuatro términos relacionados con la religión judía. Y la ciudad de Nueva York en todo su esplendor, de nuevo como un personaje más, aunque por primera vez en letras doradas formando parte del título.

Elle Fanning y Timothée Chalamet risas_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK

Lo que puede parecer una tópica lista de obsesiones al uso del más europeo de los directores estadounidenses no es sino una pormenorizada relación de las virtudes de su cuadragésimo octavo filme en cincuenta años de carrera. Un regreso en toda regla a los tiempos de Annie Hall, trabajo que marcó su cambio de tono de la comedia desmelenada a un humor más refinado que ganaba en profundidad argumental.

Timothée Chalamet paraguas_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK

Gatsby se define como un pijo de familia rica interesado en la literatura y el cine clásico. Está saliendo con Ashleigh, hija de un banquero, cuyo sueño es convertirse en una gran reportera. Sus personalidades no pueden ser más opuestas, pero eso les atrae. Una entrevista de ella con un afamado cineasta y una fiesta en casa de los padres de él provocan que decidan pasar un fin de semana en Nueva York donde vivirán curiosas situaciones acompañadas de una meteorología desapacible.

Elle Fanning y Timothée Chalamet piano_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK

Hacía mucho tiempo que Allen no desplegaba su arsenal verborreico y se lanzaba a tumba abierta con el as en la manga de unos diálogos chispeantes, casi ametrallados por un magnífico reparto plenamente consciente de la importancia de declamarlos al vertiginoso ritmo con el que fueron ideados. Una caterva de frases llenas de ingenio, ironía, judaísmo, sexo sucio, hipocondría y cine, mucho cine, además de otras exquisiteces asociadas a las múltiples disciplinas del arte del que tanto gustan departir las sofisticadas personalidades que pululan por los libretos del autor de Manhattan.

Timothée Chalamet y Selena Gómez_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK

Otro de los aciertos de la cinta son sus perfectos noventa y dos minutos, la hora y media canónica, cuya primera mitad funciona como un auténtico tiro. No podemos ni respirar mientras asistimos a los mejores momentos que nos ha deparado el realizador en años. De auténtica obra maestra. El hecho de que baje el pistón a partir de ese momento no es óbice para que se vea mermado el nivel de un largometraje de sobresaliente que cuenta con el prestigioso Vitorio Storaro tras la cámara. Contando con su sapiencia en el oficio, Allen ha querido desplegar y aprovechar la naturalidad y la libertad que un recurso como el plano secuencia otorga a un elenco en el que brillan con luz propia un Timotheé Chalamet en estado de gracia acompañado por la inteligencia de la cada vez más camaleónica Elle Fanning.

Timothée Chalamet y Elle Fanning_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK

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Copyright imágenes  © Gravier Productions, Perdido Productions. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

Día de lluvia en Nueva York

Dirección y guion: Woody Allen

Intérpretes: Timothée Chalamet, Elle Faning, Liev Schreiber

Fotografía: Vittorio Storaro

Montaje: Alisa Lepselter

Duración: 92 min.

Estados Unidos, 2019

Retrato de una sociedad enferma – Crítica de “Joker” (2019) – Estreno: 04/10/19

Hay gente que se divierte pisoteando los sueños de los demás, así es la vida. A bocajarro suena hiriente, pero en la cálida voz de crooner de Frank Sinatra nunca hubiésemos pensado que dice lo que dice. “That´s life”, confórmate con la vida que te ha tocado vivir, no hay nada que puedas hacer para remediarlo. El mensaje se lo venden a la población de Gotham desde la televisión, a través del programa de mayor audiencia. Hacemos humor blanco, no nos metemos con consignas políticas, afirma orgulloso el presentador Murray Franklin. En la mayor época de crisis de la ciudad los medios intentan adormilar a las masas y la oligarquía exclama con condescendencia que a los pobrecitos mortales que no tienen donde caerse muertos, ellos, cuando alcancen la alcaldía, les van a guiar y les van a sacar del agujero del que sin su ayuda serían incapaces de salir.

Brett Cullen_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JOKER

Estamos hablando de Thomas Wayne, exitoso empresario, dueño de gran parte de lo que se ve y candidato a primer edil. Si Gotham es un trasunto de Nueva York, ¿Wayne puede tener algo que ver con el inquilino de la Casa Blanca?

Joaquín Phoenix como Arthur Fleck_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JOKER

Sin nombrar siquiera al protagonista ya nos hemos referido a la lectura de la película en clave de reflejo de la sociedad de la que procede, la estadounidense, que a su vez deja traslucir la situación de muchos otros países. Potente subtexto que conforma la temática real del filme más allá de la anécdota argumental y su relación con los cómics.

Joaquin Phoenix risa compulsiva_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JOKER

Quien sufre las consecuencias de la pobreza, el trabajo precario y los recortes en servicios sociales se llama Arthur Fleck y convive con sus problemas mentales y con su inestable madre. La ironía del destino ha hecho que trabaje como payaso cuando sufre una grave dolencia psicológica que le hace reír compulsivamente en momentos de estrés. Su lucha por ayudar a su progenitora y por salir adelante superando su condición se convierte en el motor que hace avanzar la trama.

Joaquín Phoenix sonríe_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JOKER

Todd Phillips escoge un camino que busca el realismo, que mira a la persona y se olvida del malvado de viñeta. Habla de un tipo que escribe lúcidamente sentencias que muestran muy a las claras la conciencia que tiene de lo que pasa en su cerebro: “Lo peor de una enfermedad mental es que la gente espera que te comportes como si no la tuvieras”. Se decanta por una realización elegante en sus encuadres, en la manera de mover la cámara y en la elección de colores, a la que añade un uso del sonido, atronador por momentos, que subraya los instantes más potentes de una cinta que realiza una exhaustiva disección de la locura en la línea de Van Gogh: a las puertas de la eternidad. Una fantástica disertación sobre el declive de una sociedad que está dejando de lado al eslabón más débil. Un trabajo imprescindible en el que la figura de un Joaquin Phoenix que huele a Óscar se adueña por completo de este majestuoso circo de tres pistas.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Warner Bros., DC Comics, DC Entertainment. Cortesía de Warner Bros. España. Reservados todos los derechos.

 

Joker

Dirección: Todd Phillips

Guion: Todd Phillips y Scott Silver

Intérpretes: Joaquin Phoenix, Robert de Niro, Zazie Beetz

Música: Hildur Gu∂nadóttir

Fotografía: Lawrence Sher

Montaje: Jeff Groth

Duración: 121 min.

Canadá, Estados Unidos, 2019

 

 

 

Regreso a los orígenes – Crítica de “Rambo: last blood”

David Morrell se encontraba escribiendo una novela sobre un ex combatiente de Vietnam que regresa a su pueblo natal pero tenía serios problemas a la hora de bautizar a su protagonista. Cogió una manzana y le propinó un mordisco. Está deliciosa, le dijo a su mujer, ¿de qué variedad es? Rambo, contestó ella. El nombre tenía fuerza y sonaba como los anglosajones pronuncian Rimbaud, uno de sus poetas favoritos del que estaba estudiando Una temporada en el infierno, expresión que puede describir perfectamente el acontecer de este hombre. La unión de estos dos conceptos inspiró el nombre de John Rambo, uno de los míticos iconos que nos brindó el cine de los 80.

Sylvester _Stallone tranquilo_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

Una de las primeras VHS del videoclub Zubia de Tafalla que pasó por los cabezales de aquel aparato marca Thomson que recientemente había comprado mi padre fue Acorralado, la adaptación cinematográfica del libro de Morrell, en el original First blood, algo así como primera sangre. De ahí el juego de palabras con el subtítulo de esta quinta entrega de la serie, Last blood, que indica que probablemente nos encontremos ante la última producción con este tipo curtido y baqueteado por la vida y, lo que resulta más interesante, que tenemos entre manos una continuación directa de aquel primer filme más cruda y realista.

Adriana Barraza y Sylvester Stallone_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

Los años han pasado para un John Rambo sesentón al que aún persiguen los fantasmas de Vietnam. Lleva tiempo retirado en un rancho junto a las mujeres mexicanas que le acogieron en su día. Ha ayudado a su anfitriona a criar a una nieta que quedó huérfana tras la muerte de su madre y la huida de su padre. La desaparición de esta cuando cruza la frontera sur para ir a buscar a su progenitor y la sospecha de que se encuentre retenida en una red de trata de blancas desata el deseo de venganza y la reaparición de viejos instintos que parecían haber desaparecido de su vida.

Yvette Monreal y Sylvester Stallone_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

La historia, ideada por el propio Sylvester Stallone, utiliza una estructura similar a la del primer capítulo de la saga y en su inicio plantea otro relato sencillo, ubicado en una pequeña población que, conscientemente, intenta obviar sus extemporáneas secuelas para continuar desarrollando la complejidad del veterano retratado en aquel primigenio guion.

Sylvester Stallone rodeado_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

Es precisamente en los instantes de calma donde mejor se defiende este largometraje, en esa idílica hacienda y en la relación de este fulano mentalmente atormentado con su familia adoptiva; cuando la violencia exacerbada se adueña de la pantalla el libreto no se preocupa de justificar las decisiones de los personajes en beneficio del avance de la trama. Este crescendo evoluciona hacia un baño de sangre que podría ser tolerable teniendo en mente la naturaleza del rol principal y su evolución en Acorralado pero el discurso final, con cierto tono a lo peor del cine de exaltación patriótica estadounidense, echa por tierra el cariño que habíamos cogido a la película debido al ataque de nostalgia provocado por el regreso a los orígenes de una franquicia que marcó nuestra adolescencia.

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Copyright imágenes  © Millenium Films, Balboa Productions, Lionsgate. Cortesía de Vértice 360. Reservados todos los derechos.

 

Rambo: last blood

Dirección: Adrian Grunberg

Guion: Matthew Cirulnick y Sylvester Stallone, a partir de una historia de Dan Gordon y Sylvester Stallone basada en el personaje creado por David Morrell

Intérpretes: Sylvester Stallone, Paz Vega, Adriana Barraza

Música: Brian Tyler

Fotografía: Brendan Galvin

Duración: 101 min.

Estados Unidos, 2019

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