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Perdidos en el exceso y las prisas – Crítica de “Loving Pablo” (2017)

Una simple invitación para presentar uno de los premios importantes de la noche le habría bastado a la Academia del cine español para tener a Javier Bardem y a Penélope Cruz en la ceremonia de entrega de los premios Goya. Sus forzadas nominaciones, además de dejar fuera del póquer de elegidos a candidatos que realmente lo merecían, resultaron tan innecesarias como extemporáneas.

Cuentan que tras rodar juntos Los lunes al sol en 2002, Fernando León de Aranoa y Javier Bardem comenzaron a desarrollar el proyecto de un filme biográfico en torno a Pablo Escobar, fundador del Cártel de Medellín. Al no encontrar el material adecuado ni el momento preciso, la empresa fue retrasándose en el tiempo apareciendo entre tanto en torno al personaje series de televisión, la más renombrada, Narcos, con el brasileño Wagner Moura en la piel del Patrón del Mal; varios documentales y una película, Escobar: Paraíso perdido, donde, a pesar de su papel secundario, Benicio del Toro helaba la sangre con la encarnación del capo colombiano.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOVING PABLO_Penélope Cruz y Javier Bardem

En 2007 se publicó un libro que suscitó el interés de ambos; Amando a Pablo, odiando a Escobar; en el que la periodista Virginia Vallejo contaba su relación romántica con el narcotraficante y que ha acabado siendo la base de lo que aquí se cuenta. Aún así, distintas circunstancias fueron retrasando el momento de una filmación que, en las condiciones en las que se ha realizado, probablemente habría sido mejor no llevar a cabo.

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Todo huele a precipitación al comprobar el decepcionante resultado final de una cinta que despertaba gran interés y enormes expectativas, tanto por la entidad de sus protagonistas como por el prestigio del realizador. A uno se le empiezan a caer los palos del sombrajo cuando escucha los primeros diálogos, no en la lengua de Cervantes, sino en la de Shakespeare; algo extraño, forzado, contra natura, acabamos de empezar y ya nos estamos desenganchando. Por mucho que el carácter de Escobar fluctuase entre lo monstruoso y lo vodevilesco, no resulta verosímil en ningún momento el barroquismo del que Bardem viste a su personaje; tan excesivo él como Penélope Cruz, terminan pasados de vueltas en unas sobreactuaciones que no funcionan ni convencen. Como tampoco lo hace el tono seudocómico, en contraste con las brutalidades que narra, de un guión fallido a todas luces con ese macarrónico inglés plagado de juramentos en español. En este caso la versión doblada le va a hacer un gran favor al largometraje.

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Parece evidente que se ha rodado (y montado) a matacaballo. Da la sensación de prisa, de «lo hacemos ahora o lo dejamos pasar de largo», de que habría sido necesario más y mejor trabajo de preproducción. El resultado: dos de las peores interpretaciones de Bardem y Cruz y ni rastro de la personalidad de León de Aranoa. Algo aséptico, alimenticio y cercano a lo chapucero, nada que ver con lo anterior del director, la mucho más sencilla, mejor preparada, realizada e interpretada Un día perfecto. Un patinazo en toda regla para estos tres ilustres del cine español.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LOVING PABLO_Javier Bardem

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Amazon Studios, Big Indie Pictures, Cinetic Media, Detour Filmproduction. Cortesía de Vértigo Films. Reservados todos los derechos.

 

Loving Pablo

Dirección: Fernando León de Aranoa

Guión: Fernando León de Aranoa, basado en el libro autobiográfico Amando a Pablo, odiando a Escobar de Virginia Vallejo

Intérpretes: Javier Bardem, Penélope Cruz, Peter Sarsgaard

Música: Federico Jusid

Fotografía: Alex Catalán

Duración: 123 min.

España, Bulgaria, 2017

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Lección de vida – Crítica de “La última bandera” (2017)

Somos un gran país, pero si descubres que el gobierno te miente, eso cambia todo ¿no? El tipo barbado, cincuenta-y-muchos, inquiere al joven soldado. Chico, ¿cómo se vive allí? Bastante bien, pero nos odian a muerte. Eso me suena familiar, replica el veterano. Debemos de ser las únicas fuerzas invasoras de la historia que esperan caer bien.

La administración que le mentía al más talludito era la de Lyndon Johnson y la que lo hace a su interlocutor, la de George W. Bush. Vietnam e Irak, dos caras de la misma moneda. Estados Unidos y sus contiendas bélicas iniciadas con peregrinas excusas que dejaron un reguero de muchachos muertos, y de familias destrozadas, que defendían algo basado en mentiras.

Steve Carell as "Doc" and Bryan Cranston as "Sal" in LAST FLAG FLYING.

2003, Norfolk, Virginia. «Doc» Shepherd, ex médico militar, entra en un bar. Han pasado treinta años y Sal Nealon, el trasnochado camarero, apenas le reconoce. Emprenden camino juntos y hacen un alto en una parroquia. Al reverendo Richard Mueller le sorprende tanto la visita como a ellos el radical vuelco que su viejo colega ha dado a su existencia. Doc ha reunido a sus antiguos compañeros de armas para que le ayuden a enterrar a su hijo, un joven marine muerto en la guerra de Irak.

Bryan Cranston as "Sal" and Steve Carell as "Doc" in LAST FLAG FLYING.

El guión, repleto de frases memorables, obra de Darryl Ponicsan, autor de la novela original, y Richard Linklater, director, repasa cualquier tema, de lo cotidiano a lo trascendental, susceptible de pasar por la cabeza del estadounidense medio, buscando, desde la sinceridad, la perspectiva menos políticamente correcta.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA ÚLTIMA BANDERA_Laurence Fishburne, Steve Carell y Bryan Cranston

Linklater se mueve como pez en el agua en un filme cosido de arriba a abajo por ingeniosos diálogos. Ha articulado éste como una película de carretera en la que el viaje físico comienza en coche, prosigue a bordo de un camión y concluye apeándose de un tren, y el interior reflexiona en torno a la sinrazón de la guerra, al ejército, a la política y los políticos, a la patria, a la fobia irracional (y ridícula) a todo lo que suene a musulmán, a la religión, al amor, a la necesidad de redención, a la sinceridad, a que a veces es mejor una mentira piadosa, a las adicciones, a la amistad, al paso del tiempo, a la muerte y, a través de ella, a la vida.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA ÚLTIMA BANDERA_Laurence Fischburne, Steve Carell y Bryan Cranston en un bar

Lo que llama la atención es que algo que pudiese parecer de un primer vistazo teatral y aburrido, una concatenación de largas secuencias en las que los personajes hablan y hablan, nos enganche y consiga momentos realmente sublimes. El mérito reside, además de en haber escogido las palabras adecuadas, en tres fantásticos actores sin los cuales este trabajo podría haberse convertido en algo insoportable. La socarronería de Bryan Cranston, la piadosa mala uva de Laurence Fishburne, la contención de Steve Carell y la humanidad que este trío de lujo transmite por cada uno de sus poros son razón más que suficiente para acercarse a esta historia. Y, como guinda, la maravillosa ternura de Cicely Tyson. Cinco excelsos minutos que valen por todo un largometraje.

 

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA ÚLTIMA BANDERA_Laurence Fishburne y Bryan Cranston

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Amazon Studios, Big Indie Pictures, Cinetic Media, Detour Filmproduction. Cortesía de Vértigo Films. Reservados todos los derechos.

 

La última bandera

Dirección: Richard Linklater

Guión: Richard Linklater y Darryl Ponicsan

Intérpretes: Bryan Cranston, Laurence Fishburne, Steve Carell

Música: Graham Reynolds

Fotografía: Shane F. Kelly

Duración: 125 min.

Estados Unidos, 2017

Cine Fórum “Robin y Marian” (1976) presentado por Manu Zapata – Sábado, 3 de marzo, 19h, Salón de Actos, Castillo de Marcilla

Mañana 3 de marzo, a partir de las 19 horas podremos disfrutar en el incomparable marco del Salón de Actos del Castillo de Marcilla de una de las películas más románticas de la historia del cine, si no la que más, Robin y Marian. Este cine fórum realizado por el área de cultura del Ayuntamiento de Marcilla en colaboración con la biblioteca de la localidad se encuadra en el proyecto Leyendas de Ayer, Bibliotecas de Mañana llevado a cabo por las bibliotecas de la zona media, basado en la literatura y las leyendas en torno a los castillos, monasterios, torres y palacios de esta importante área de Navarra donde vivimos y que históricamente fue zona fronteriza.

Hemos escogido Robin y Marian precísamente porque está rodada en su mayor parte en Navarra y, más en concreto, en el impresionante Cerco de Artajona, de modo que se adecuaba perfectamente al lema de este proyecto.

Audrey Hepburn, Robin and Marian (1976) starring Sean Connery

Este es el relato del reencuentro, de un amor que sobrevive después de veinte años. Volveremos a encontrarnos con todos los personajes míticos de la leyenda de Robin Hood dos décadas más tarde de las aventuras originales y disfrutaremos con la ironía, el sentido del humor y la aventura de un guión fantástico. Y después comentaremos todo lo que nos haya sugerido la película en un animado coloquio.

Quien quiera acercarse disfrutará de un clásico del cine. La entrada es gratuita.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ROBIN Y MARIAN_Nicol Williamson, Sean Connery y Audrey Hepburn

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Columbia Pictures, Rastar Pcitures. Cortesía de Sony Pictures España Home Vídeo. Reservados todos los derechos.

Quiero ser medallista olímpica – Crítica de “Yo, Tonya” (2017)

Al ver la cara de felicidad de un número uno como Javier Fernández al colgarse el bronce en los Juegos de Invierno de Pyeongchang uno es consciente de que, a pesar de que seas dos veces campeón del mundo y seis de Europa, no hay emoción descriptible capaz de equipararse a la que se siente al ganar una medalla olímpica representando a tu país.

Para una chica de los arrabales, curtida por una vida dura, salida de una familia desestructurada y con una madre, más que dominante, maltratadora física y psicológicamente, ése era su máximo sueño, la única manera de realizarse, de trascender a los prejuicios de sus conciudadanos y a los de los jueces que habían de seleccionarla en el equipo de patinaje artístico de Estados Unidos para Albertville 1992.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YO, TONYA_MArgot Robbie patín jueces

Tonya Harding llegó a decir que fue la segunda persona más conocida del mundo tras Bill Clinton, y no se equivocaba. Los ecos del incidente con esa otra patinadora… ¿cómo se llamaba? Exacto. Nadie recuerda a Nancy Kerrigan, pero el nombre de la protagonista del infausto suceso ha permanecido indeleble en nuestra memoria todos estos años.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YO, TONYA_Sebastian Stan y Margot Robbie

Pero, ¿quién es/fue Tonya Harding? ¿Realimente tuvo algo que ver con aquello con lo que todavía se le relaciona? Este guión se basa en distintas entrevistas a cuantos se vieron envueltos en el desgraciado episodio que le hizo pasar a la posteridad y nos recuerda que lo que vamos a escuchar es, a pesar de lo contradictorio de su naturaleza, absolutamente real y nada irónico.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YO, TONYA_Margot Robbie seria

Se estructura en dos mitades perfectamente diferenciadas. La primera, al estilo del mejor Scorsese, narra la intrincada trayectoria vital de esta mujer desde su niñez. Avasalladora visualmente, juega con movimientos de steady-cam, con un montaje ágil, vertiginoso, digno de un Óscar (ojalá), que se apoya en una magnífica selección musical acorde a la época retratada, y rompe, con descaro e irreverencia, la cuarta pared para hacer que los personajes hablen directamente al espectador. En la segunda hora el genio neoyorkino comparte influencias con el delirio de la chapuza al borde del absurdo del Fargo de los hermanos Coen.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YO, TONYA_Margot Robbie emocionada

Al frente de este proyecto, con una gran valentía y el olfato para detectar que detrás de esta historia había una gran película, la australiana Margot Robbie. Ella produce y, más que encarnar, se mimetiza completamente con la polémica deportista en una interpretación que, de no ser por la gran Frances McDormand, le habría reportado la dorada estatuilla. La que sí se la va a llevar a casa es la fantástica Allison Janney, una actriz todoterreno a la que descubrimos en El ala oeste de la Casa Blanca. Perfecta, impecable y absolutamente despreciable como progenitora manipuladora y egoísta.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YO, TONYA_Allison Janney

Sería imperdonable dejar de ver un largometraje que se encuentra entre lo mejor que concurre este año en la temporada de grandes premios. Un filme que hubiera merecido mayor reconocimiento por parte de la Academia. Una reivindicación del ídolo caído, de esta eterna luchadora contra el infausto destino que le tenía reservado la vida, Tonya Harding.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YO, TONYA_Margot Robbie llorosa

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Copyright imágenes  ©  ClubHouse Pictures, LuckyChap Entertainment. Cortesía de Entertainment One Spain. Reservados todos los derechos.

 

 

Yo, Tonya

Director: Craig Gillespie

Guión: Steven Rogers

Intérpretes: Margot Robbie, Allison Janney, Sebastian Stan

Montaje: Tatiana S. Riegel

Música: Peter Nashel

Fotografía: Nicolas Karakatsanis

Duración: 120 min.

Estados Unidos, 2017

Poesía sin palabras – Crítica de “La forma del agua” (2017)

Elisa está sentada en el autobús. Llueve pero ella sonríe. Su mirada se queda ensimismada con la tormenta que golpea el cristal. Dos de las gotas inician una vertiginosa carrera por la superficie pulida, jugueteando al ritmo de la evocadora música que acompaña el acrobático ballet. Se sortean con gracia y destreza. Si una sube, la otra baja, si una quiebra, la otra requiebra. Hasta que lo inevitable acaba por suceder. Chocan. Terminan fundidas en una única porción de agua.

De tan sutil y precisa manera Guillermo del Toro sintetiza, a través de imágenes (nada de palabras, como su protagonista, que se expresa mediante lengua de signos), el significado más profundo de todo lo que nos cuenta esta película.

La Forma del Agua

Esa poesía visual convive con la textual (y enriquece lo escrito) desde el inicio de un guión que arranca con la voz profunda de Richard Jenkins que esboza un cuento que comienza en una casa sumergida en las profundidades marinas. La inigualable partitura de Alexandre Desplat extiende un halo de magia como una alfombra bajo cada una de las frases.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA FORMA DEL AGUA_Michael Shannon y Michael Stuhlbarg

Ocurrió hace mucho tiempo, en los últimos días del reinado de un príncipe justo. En una pequeña ciudad costera. No sé si hablarles de Ella, la princesa sin voz. O tal vez quiera advertirles de la verdad de estos hechos, de la historia de amor y pérdida, y del monstruo que trató de destruirlo todo.

La Forma del Agua

El Camelot de JFK marca la época. Estados Unidos, algún momento entre 1962 y 1963; un periodo convulso pero real en el que del Toro ubica esta fábula con la Guerra Fría al fondo. Una preciosa historia de amistad y amor entre seres marginados, desechados, incompletos, apartados por sus taras físicas o por su condición social, que se encuentran, se entienden y se complementan.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA FORMA DEL AGUA_Richard Jenkins y Sally Hawkins

Amelie, Delicatessen, La ciudad de los niños perdidos. La estética y la banda sonora nos traen a Jeunet y Caro en un principio. Pero la propuesta se nutre de multitud de referencias y homenajes totalmente devotos y confesos por parte del director. La mujer y el monstruo principalmente, y con ella todas las reminiscencias a King Kong o La bella y la bestia (la de Cocteau). Pero en este caleidoscopio de cinefilia galopante se cuelan los musicales que alegran la vida de Elisa y su amigo Giles. La elegancia de Fred Astaire y Ginger Rogers, pero también el desparpajo de Carmen Miranda. El Peplum bíblico, el western mítico, con Duelo al sol, o guiños a Criadas y señoras en honor de la oscarizada Octavia Spencer. Tanto ella como Richard Jenkins repiten candidatura, al igual que la maravillosa Sally Hawkins, cuyo personaje, mezcla de dulzura y determinación, cautiva gracias a una luminosidad que hace de ella una mujer hermosa y etérea.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LA FORMA DEL AGUA_Sally Hawkins y Doug Jones

La perfección técnica de cada elemento que conforma este trabajo se ha puesto al servicio de una gran historia para parir un largometraje de inusual belleza, narrativa y plástica, solo comparable a la de los románticos versos que lo cierran.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Bull Productions, Double Dare You, Fox Searchlight Pictures. Cortesía de 20th Century Fox España, Hispano Foxfilms S.A.E.. Reservados todos los derechos.

 

La forma del agua

Dirección: Guillermo del Toro

Guión: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor

Intérpretes: Sally Hawkins, Richard Jenkins, Michael Shannon, Octavia Spencer

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Dan Lautsen

Montaje: Sidney Wolinsky

Duración: 123 min.

Estados Unidos, 2017 

Cine Fórum “Muchos hijos, un mono y un castillo” – Tafalla – Asociación Minertea – 15 febrero 2018 – con Manu Zapata

Ayer jueves 15 de febrero este que escribe tuvo el inmenso placer de conducir un cine fórum en Tafalla por primera vez en mucho tiempo. Estos eventos que tanto auge adquirieron en los años 80 desaparecieron por completo y la Asociación Minertea, de la mano de Felisa Sola, ha tenido a bien recuperarlos. Ha sido un verdadero honor que hayan confiado en mí para llevar adelante esta actividad.

En el salón de reuniones del Hotel Beratxa de Tafalla, con un ambiente muy acogedor, en torno a las coquetas mesas redondas adornadas con pastas, cafés, infusiones y algo para picar, se dieron cita 58 personas que de forma muy disciplinada guardaron un exquisito silencio para que el ponente abriese el fuego y diese paso, posteriormente, al entretenido y enriquecedor debate que un documental como Muchos hijos, un mono y un castillo propició.

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Tras contar el proceso que sigue un documental desde la idea que lo genera hasta su estreno en cines, que es diametralmente opuesto al de un largometraje de ficción, nos centramos en la todavía más peculiar odisea que dio lugar a tan singular trabajo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Antonio García, el mono y Julita Salmerón

Gustavo Salmerón invirtió 14 años de su vida, 12 de rodaje, de 2003 a 2015, y 2 de montaje, de 2015 a 2017, en dar forma a las 400 horas que tenía entre manos y sacar de ahí, de manera valiente, un canto de amor a su familia, unida a las duras y a las maduras, y un monumento a la grandiosidad y la espontaneidad de Julita, su madre, un torbellino, un personaje en sí misma. 88 minutos que hablan de la vida, o eso nos pareció  tras la charla. Una reflexión sobre la vida a través de la muerte. Y más en concreto, a través de las distintas y extrañas ideas sobre la muerte que tiene su progenitora, que en el fondo nunca ha dejado de disfrutar y divertirse por muy complicadas que se le hayan puesto las cosas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Julita Salmerón y su mardio Antonio García

La concurrencia se identificaba con distintos aspectos de Julita y con la manera tan llana y natural que tenía de referirse a trágicos acontecimientos de su familia, el modo en cómo habían vivido la Guerra Civil y el franquismo. Una reflexión que bien se puede aplicar a cualquier persona que sufre las circunstancias de una guerra. Sentido común, al fin y al cabo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Julita y Gustavo Salmerón en los años 70

Cada foto antigua, cada recuerdo, deparaba un paralelismo en alguna de las intervinientes que no dudaba en ponerlo en común. Y es que, por muy extravagante que parezca la vida de la familia García-Salmerón, muchos de los que allí compartimos conversación nos podíamos ver reflejados en unos u otros aspectos. En ese Síndrome de Diógenes que de Julita heredaron todos sus hijos, en esa organización caótica de los trasteros o en ese deseo de tener la felicidad que le producía la Navidad a esta madre durante todo el año. Y, cómo no, un secundario de lujo, su marido Antonio. El ying que complementa el Yang. La sensatez, la racionalidad y la paciencia, contrapuesta a la creatividad, el caos y la explosividad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Gustavo y Julita Salmerón

Como conclusión, que ha merecido la pena que Gustavo Salmerón sacrificase el pudor de contar las interioridades familiares para transmitir una lección de vida a través de lo bueno y lo malo que han sufrido los suyos y nos descubriese a la actriz definitiva, que no es otra que Julita Salmerón.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO_Julita salmerón rodeada de excentricidades

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Copyright imágenes  ©  Pili Irigalba, Sueños Despiertos. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

El cuento de hadas de los desheredados – Crítica de “The Florida Project” (2017)

Moonee vive en el Castillo Mágico. Inquieta y traviesa, a sus precoces seis años alterna aventuras y travesuras con sus amigos y echa una mano a su madre cuando lo necesita. Bobby, cascarrabias pero con un corazón de oro, ejercerá como improvisado ángel de la guarda de ambas.

El fondo violeta; la tipografía blanca que imita una caligrafía pulcra, cuidadosa y elegante; incluso el tema musical, Celebration de Kool and the gang, que acompaña a los créditos iniciales; todo parece indicar que se nos va a narrar un cuento de hadas. De algún modo así es, pero no se trata de uno al uso. Este es el cuento de hadas de los desheredados.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE FLORIDA PROJECT_Brooklynn Prince y sus dos amigos

El Magic Castle es real, aunque se trata de un modesto motel pintado y decorado como un palacio. En la Avenida de los Siete Enanitos, Halley, madre soltera de la protagonista, se busca la vida para poder costearse el alquiler. Bobby, el gerente, ejerce de gruñón, como el mítico acompañante de Blancanieves, aunque no duda en jugarse su empleo por echar una mano a esta mujer y a su hija que se encuentran en la más absoluta precariedad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE FLORIDA PROJECT_Willem Dafoe

La temática de fondo y el hecho de que se trate de un filme rodado fuera de la industria nos traen a la memoria la encomiable Techo y comida. Este paralelismo nos viene a decir que, al igual que en España, en Estados Unidos también hay mucha gente que se encuentra en riesgo de exclusión social. La diferencia, que el feísmo estético que la película andaluza utilizaba para transmitir el argumento aquí se transforma en belleza que no deja de subrayar, por contraste, la misma poderosa idea.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE FLORIDA PROJECT_Bria Vinaite y Brooklynn Prince corriendo

En lo formal, los cuidados encuadres, la elección consciente de una fotografía preciosista, muy luminosa y colorida, y ese arranque del que hablábamos antes, con una canción repleta de positivismo, suponen una acertada elección para hacer llegar el mensaje del guión al espectador. Utiliza el choque de ideas, que Eisenstein teorizó para el montaje en los años 20, para que sea la audiencia la que elabore sus propias conclusiones.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE FLORIDA PROJECT_Willem Dafoe y Brooklynn Prince

Sean Baker trata de captar la atención del público a través del desparpajo de la actriz infantil Brooklynn Prince y de la experiencia de Willem Dafoe, ya que el ritmo y la forma de contar de un largometraje independiente posee una cadencia tan particular que requiere de mayores dosis de paciencia que uno comercial. La magia brota en el momento en que de algo en apariencia deslavazado va surgiendo, muy poco a poco, una historia que tarda en conectar con la platea, pero que, en cuanto lo hace, atrapa. Merece la pena llegar a ese momento metido en el argumento para que se nos encoja el alma en un final en el que aparece por primera vez la partitura instrumental para recordarnos que nos encontramos ante una fábula del mundo real, ése que existe justo al lado del reino de fantasía que antes de construirse y llamarse Disney World era conocido como The Florida Project.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_THE FLORIDA PROJECT_Las dos niñas, el hotel y el arcoiris

 

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Cre film, Freestyle Picture Company, June Pictures, Sweet Tomato Films. Cortesía de Diamond Films. Reservados todos los derechos.

 

The Florida Project

Dirección: Sean Baker

Guión: Sean Baker y Chris Bergoch

Intérpretes: Brooklynn Prince, Bria Vinaite, Willem Dafoe

Música: Lorne Balfe

Fotografía: Alexis Zabe

Montaje: Sean Baker

Duración: 111 min.

Estados Unidos, 2017  

La horma de su zapato – Crítica de “El hilo invisible” (2017)

Daniel Day-Lewis lleva años despidiéndose del cine. Celoso de su intimidad, siempre huidizo de la vorágine de Hollywood, pocos directores pueden conseguir que deje su refugio para volver ante las cámaras. Uno de esos privilegiados es Paul Thomas Anderson, que le llevó a ganar un Óscar al mejor actor con Pozos de ambición, en 2007, y ha vuelto a convencerle (y a proporcionarle una nueva candidatura a la dorada estatuilla) para realizar su enésimo canto del cisne gracias a un papel expresamente escrito para él: Reynolds Woodcock, el excéntrico modisto protagonista de El hilo invisible.

Tanto es así que el propio Day-Lewis ha colaborado estrechamente en la elaboración del guión y en la construcción de un personaje basado en el diseñador de moda español Cristóbal Balenciaga; en la monacal manera de llevar su vida privada pero sobre todo en la especial relación que tenía con su trabajo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL HILO INVISIBLE_Daniel Day-Lewis y Vicky Krieps cortando tela

Woodcock se encuentra en su taller, concentrado en un nuevo diseño. Alma, su pareja, entra con una infusión que alivie su faena. Este la echa con cajas destempladas. El té se va, pero la distracción se queda aquí, conmigo. El proceso creador (que no puede ni debe ser interrumpido bajo ninguna circunstancia), la genialidad caprichosa, el peculiar carácter de un maestro definido en una certera sentencia. Cómo la ordenada vida de Reynolds Woodcock da un vuelco cuando esta joven y determinada mujer entra en su vida para convertirse en su inspiración y amante. Una musa con la necesidad de sentirse útil, de estar más que de ser, de hacer, de formar parte del arte y la vida del tipo del que está enamorada.

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La tercera pata de la mesa la compone Cyril (inquietante Lesley Manville). Un reflejo de la rebequiana señora Danvers, hermana y guardiana del virtuoso pero también consejera y, cuando la ocasión lo requiere, crítica. Un trío de personalidades a las que Buñuel habría puesto en torno a una mesa a jugar a las cartas. Y es que el espíritu del de Calanda envuelve esta crónica de una relación enfermiza, con tintes sadomasoquistas, con una posición de poder cambiante donde la sumisión y la dominación se alternan por momentos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL HILO INVISIBLE_Daniel Day-Lewis y Vicky Krieps escalera

La terna formada por Day-Lewis, Manville y la luxemburguesa Vicky Krieps resplandece bajo la sabia batuta de un Paul Thomas Anderson que remata el exquisito vestuario y la estupenda banda sonora con una impecable realización de corte clásico que raya la perfección técnica, y que se apoya en detalles de absoluta brillantez como el uso narrativo del sonido en los desayunos para subrayar el irascible carácter del protagonista.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL HILO INVISIBLE_Daniel Day-Lewis en taller

Al igual que en The Master, la frialdad y la distancia que impone una dirección sin tacha separan a esta gran película de la obra maestra. No obstante, la fascinación que produce esa puntada invisible que esconde secretos en los dobladillos de los vestidos y esa hebra imperceptible que une a los dos, e incluso a los tres, hilos conductores de esta historia provoca esa sensación de desazón que deja una huella indeleble en nuestra memoria.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL HILO INVISIBLE_Daniel Day-Lewis y Vicky Krieps

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Annapurna Pictures, Focus Features, Ghoulardi Film Company, Perfect Pictures. Cortesía de A UPI Spain. Reservados todos los derechos.

 

El hilo invisible

Dirección y guión: Paul Thomas Anderson

Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville

Música: Johnny Greenwood

Fotografía: Paul Thomas Anderson (sin acreditar)

Montaje: Dylan Tichenor

Duración: 130 min.

Estados Unidos, 2017 

Hojaldre y agua con gas – Crítica de “C´est la vie” (2017)

Que se estropee la materia prima del plato estrella del menú cuando celebras una boda de campanillas en un château de la campiña parisina supone un importante contratiempo. Preparad el hojaldre, ¡rápido! Y el agua con gas. Un vaso por cada ración individual. Un camarero veterano explica a uno recién llegado, y de paso al público, que en situaciones límite como aquella se utiliza el salvavidas que proporciona la simbiosis de un alimento contundente y el anhídrido carbónico de la bebida porque mantiene la sensación de saciedad del comensal durante unas dos horas, ganando ese tiempo para encontrar una alternativa idónea.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_C´EST LA VIE_Jean-Pierre Bacri y Eye Hadaira

En tono de comedia desenfrenada, pero sin obviar cierta hondura y un toque reflexivo, Oliver Nakache y Eric Toledano regresan a la grandeza de Intocable a través de una historia que en apenas veinticuatro horas, y en medio del frenesí que supone la organización de un banquete nupcial, narra el debate interno de Max Angély, el jefe de todo el operativo, en torno a su futuro personal y profesional.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_C´EST LA VIE_Jean-Pierre Bacri

Este es un trabajo en el que sabemos que van a surgir problemas, ¿qué haremos cuando eso suceda? Pregunta retórica de Max a su ayudante. Nos adaptamos, recita ella como un mantra. Dos palabras que transmiten otro par de conceptos esenciales, flexibilidad y capacidad de reacción, que resumen la filosofía y la manera de entender su negocio de este hombre entregado en cuerpo y alma a un oficio que, en sus propias palabras, proporciona la satisfacción de transmitir felicidad a tantas y tantas personas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_C´EST LA VIE_Gilles Lelouche

Desde el punto de vista de alguien que siempre se ha sentado en la silla del invitado resulta completamente fascinante conocer la trastienda, todo lo que se cuece entre bambalinas, el contingente técnico y humano que consigue hacerte pasar uno de los mejores días de tu vida. La concepción dinámica de la realización y la dirección de actores envuelven a la audiencia y la introducen en esta montaña rusa que no se detiene nunca y que nos deja momentos antológicos que provocan nuestras más sonoras carcajadas. Una combinación de esos planos secuencia a bordo de una steady-cam del estilo de Martin Scorsese unidos a las historias cruzadas típicas de Robert Altman.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_C´EST LA VIE_Camareros del siglo XVII

Lo que nos lleva a un referente mucho más cercano, otro genio que unía en su misma persona el gusto por esas tomas interminables en las que entraban y salían los personajes más singulares, repletos de desternillantes diálogos e ingeniosas réplicas, en esa maravillosa coralidad en la que cada secundario poseía identidad propia y enriquecía el resultado final. Realizar un paralelismo de C´est la vie con el legado de Luis García Berlanga, y más en concreto con una obra maestra como Plácido, tal vez parezca un sacrilegio por parte de este cronista, pero ese repaso a la realidad social francesa en clave humorística e incluso melancólica, con el gran Jean-Pierre Bacri como una fusión de los roles de López-Vázquez y Cassen, va mucho más allá de una simple comedia al uso.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_C´EST LA VIE_Jean-Paul Rouve y Jean-Pierre Bacri

 

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Quad Productions, Ten Films, Gaumont, Main Journey, Panache Productions. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

C´est la vie

Dirección y guión: Olivier Nakache y Eric Toledano

Intérpretes: Jean-Pierre Bacri, Eye Adaira, Gilles Lellouche

Música: Avishai Cohen

Fotografía: David Chizallet

Duración: 117 min.

Francia, Canadá, Bélgica, 2017  

El primer borrador de la historia – Crítica de “Los archivos del Pentágono”

Todo el mundo creyó que la estupenda El dilema (Michael Mann, 1999) abordaba la polémica en torno a las grandes tabacaleras en Estados Unidos. Su visionado dejaba a las claras que el verdadero fondo del filme buceaba en las corporaciones audiovisuales y sus noticiarios estrella. Con este trabajo nos encontramos ante un caso similar. El título para su distribución en España nos remite a una trama política de suspense, excusa argumental para trasladar al espectador el verdadero meollo tras el guión: los límites de la información, el conflicto de ésta con asuntos de seguridad nacional y, en última instancia, el salto de calidad de un diario, capitalino aunque local, para convertirse en cabecera de referencia en el periodismo de investigación no solo en Estados Unidos sino a nivel mundial.

The Post

El original, The Post, hace referencia a la denominación popular del The Washington Post, una clara pista del camino elegido por el largometraje. El contexto no puede ser más atractivo: la toma del control del consejo de administración del rotativo por parte de la viuda del anterior rector en un periodo convulso en el que coinciden simultáneamente la obligada salida a bolsa de la compañía y las reticencias que puedan causar en los posibles inversores la publicación de documentos filtrados de alto secreto que dejan al descubierto treinta años de mentiras de las distintas administraciones de la Casa Blanca concernientes a su relación con Vietnam.

THE POST

Con la libertad de prensa como telón de fondo, el foco queda fijado en el desencuentro entre la propiedad de esta empresa familiar (y los intereses de los socios capitalistas que la sostienen) y la profesionalidad de los periodistas que tratan de conseguir las mejores noticias para sus lectores. Las dos vertientes del negocio están personificadas en Kay Graham (Meryl Streep), esa mujer que se ha encontrado con este caramelo envenenado y a la que ningunean como gestora eficiente, en una muestra del machismo imperante en los años 70 que por desgracia todavía sigue coleando en pleno siglo XXI, y Ben Bradlee (Tom Hanks), el responsable de que el Post mantenga su independencia sobre intereses políticos y económicos y encargado de insuflar el virus del inconformismo en sus redactores.

THE POST

Spielberg continúa por la senda abierta con Lincoln desarrollando temas complejos que apelan al espíritu crítico del público. Los periódicos son el primer borrador de la historia, dice uno de los personajes, una declaración de intenciones del director, que en esta etapa de su carrera busca profundidad apelando a argumentos ya planteados por la pequeña pantalla, The Newsroom, y en los que también ha hincado el diente el cine, La sombra del poder o Spotlight.

THE POST

Esta imponente obra, que libreto y realizador sitúan con sus guiños como el prólogo canónico a la magnífica Todos los hombres del presidente, nos lega una sentencia que a muchos nos gustaría ver enmarcada en letras doradas (por muy utópico que parezca) en todas las redacciones de los medios de comunicación que nos rodean: «La prensa debe servir a los gobernados, no a los gobernantes».

THE POST

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Copyright imágenes  ©  Amblin Entertainment, Dreamworks, Participant Media, Pascal Pictures. Cortesía de Entertainment One Spain. Reservados todos los derechos.

 

Los archivos del Pentágono

Dirección: Steven Spielberg

Guión: Liz Hannah y Josh Singer

Intérpretes: Maryl Streep, Tom Hanks, Bob Odenkirk

Música: John Williams

Fotografía: Janusz Kaminski

Montaje: Sarah Broshar

Duración: 116 min.

Estados Unidos, 2017 

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