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Buscando su camino en la vida – Crítica de “Moonlight” (2016)

Después de la lección de natación el adulto toma la palabra. Crecí salvaje, como tú, corría sin zapatos hasta que se ponía el sol. Una vez tropecé con una anciana que me dijo: “a la luz de la luna los chicos negros parecéis azules, así que te llamaré azul”. ¿Es ese tu nombre?, pregunta el chaval. No. El adulto reflexiona, pensando en su propia experiencia, antes de abrir la boca de nuevo. En algún momento tienes que decidir quién eres. Nadie puede tomar esa decisión por ti.

In Moonlight Black Boys Look Blue surge de esa frase de la viejecita. Así se llama la obra de teatro inédita escrita por Tarell Alvin McCraney que Barry Jenkins ha adaptado en forma de largometraje para que pueda llegar al público. Una sentencia que, como todo buen título, encierra el núcleo de lo relatado en esa breve tesis, acompañada por el correspondiente corolario. Aunque en la oscuridad de la noche todos parezcamos iguales cada uno tiene un universo interior que lo hace singular e inimitable, hemos de hallar nuestro propio camino en la vida.

Moonlight

Para el viajero de esta singladura hacia el autodescubrimiento se va a hacer realmente duro llegar tan profundamente como sea necesario para descubrir su yo más íntimo mientras lucha por encontrar su lugar en el mundo en el entorno hostil del Miami suburbial. La sensibilidad del realizador y guionista le ha permitido trasladar de manera elegante pero directa un asunto tan delicado como la desesperación del que se siente diferente e intenta encajar las piezas hasta dar con su identidad personal, hecho que acarrea un constante acoso escolar del que únicamente se puede evadir huyendo por piernas.

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La estructura teatral en tres actos se traslada a la pantalla a modo de secciones independientes que representan tres etapas clave en la vida del protagonista. Son mediometrajes denominados a partir de los nombres que recibe y que marcan su personalidad. Little es la desorientada niñez; Chiron, el que aparece en su documento de identidad, una adolescencia problemática; y Black, el adulto que quiere marcar distancias y que imita al tipo que en su infancia representó la figura paterna que nunca tuvo en casa.

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En ese primer segmento, maravillosamente interpretado, encontramos una fuerza narrativa y un atractivo cuya altura no va a ser capaz de aguantar el resto del filme. Tras un tramo intermedio que navega entre tópicos, el último capítulo remonta para cerrar de forma brillante y acertada.

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El fulgor de ese tercio inicial proviene de unos secundarios que encierran tantas contradicciones como las del pequeño al que acompañan. Su madre, más pendiente de sus asuntos que de las necesidades de su vástago, al que está criando sola aunque con un comportamiento pernicioso e irresponsable, es una fantástica Naomi Harris. El fulano cercano y comprensivo, con una ocupación poco recomendable pero que lo trata como a un hijo por verse reflejado en él, traspasa los límites del encuadre para convertirse en un personaje inolvidable compuesto por el próximo ganador del Óscar, el gran Mahershala Ali.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © A24, Plan B Entertainment. Cortesía de Diamond Films. Reservados todos los derechos.

 

Moonlight 

Dirección: Barry Jenkins

Guión: Barry Jenkins, basado en la obra de teatro inédita In Moonlight Black Boys Look Blue de Tarell Alvin McCraney

Intérpretes: Alex R. Hibbert, Ashton Sanders, Trevante Rhodes

Música: Nicholas Brittel

Fotografía: James Laxton

Duración: 111 min.

Estados Unidos, 2016

Verdad a 24 fotogramas por segundo – Crítica de “Mánchester frente al mar” (2016)

Manchester-by-the-Sea (traducido para el título español como “frente al mar”) es un pequeño pueblo ubicado en la costa este estadounidense que cuenta con unos cinco mil habitantes. Allí comienza y se desarrolla una película que, al estilo de las de Alexander Payne, se ancla en personajes de carne y hueso, de esos que te los crees a pies juntillas porque tienen pinta de ser el típico parroquiano. Bueno, el típico de Nebraska o, como en este caso, de Massachusetts.

Un modo de hacer cine que Kenneth Lonergan conoce muy bien a raíz de su exitoso debut en el año 2000, Puedes contar conmigo, pero al que le fueron cortadas las alas debido al accidentado proceso de postproducción de su siguiente proyecto, Margaret, que tardó cuatro años en estrenarse. Su protagonista, Matt Damon, le propuso escribir este filme, que iba a suponer su puesta de largo como realizador, en un intento de sacarlo del ostracismo al que le había condenado la industria. Los caprichos del destino (y el rodaje de Marte) pusieron a Lonergan tras la cámara en sustitución de Damon, que quedó en labores de producción renunciando así mismo al papel principal para el que recomendó a un amigo de la infancia, Casey Affleck.

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El resultado, seis candidaturas a los Óscar en las categorías principales, dos de ellas para el director y guionista, y una, con vitola de favorito, obtenida por el protagonista, que incorpora a un taciturno conserje que malvive en un cuartucho en Boston mientras maldice a los inquilinos a los que presta servicio. Un misántropo peleado con el mundo incómodo en su propia piel.

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Las razones que han motivado este estado de apatía y abandono ante su propia vida nos las irán revelando los flashbacks hábilmente trufados a lo largo del fantástico libreto firmado por el realizador neoyorquino. Un texto que le hace regresar a su Mánchester natal para hacerse cargo de un sobrino al que le une, desde pequeño, una relación muy especial, pero del que se siente incapaz de hacerse cargo ahora que ya se ha convertido casi en un adulto.

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Lo mágico en un trabajo de estas características surge de la paciencia del espectador que observa cómo se va construyendo la personalidad del tipo sobre el que gira la trama a partir de retales que el cineasta invita a ir cosiendo. Capa a capa, jirón a jirón, la sensibilidad de lo escrito pasada por el tamiz de la sutileza del actor se traducen en un fulano real que habla, camina y sufre como cualquier hijo de vecino, un hombre que navega a través de un relato narrado con la parsimonia que necesita una historia bien contada que se te va adhiriendo al alma hasta que llega un momento en que la intensidad se revela abrumadora.

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Ver a Casey Affleck y a Michelle Williams frente a frente, con esa verdad tan estremecedoramente cercana, acongoja de tal manera que el sufrimiento muda en gozosa satisfacción provocada por una obra de arte maravillosamente redactada, dirigida e interpretada.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Amazon Studios, Pear Street Films, The Media Farm, B Story. Cortesía de eOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

 

Mánchester frente al mar

Dirección y guión: Kenneth Lonergan

Intérpretes: Casey Affleck, Michelle Williams, Lucas Hedges

Música: Lesley Barber

Fotografía: Jody Lee Lipes

Duración: 137 min.

Estados Unidos, 2016

Especial Premios Goya 2017 – Aquí tenéis de nuevo la crítica que publicamos con motivo del estreno de la gran favorita – Sólido e inquietante debut – Crítica de “Tarde para la ira” (2016)

Tras Charles Chaplin, muchos han sido los intérpretes que han visitado el lado oculto de la cámara para firmar sus propios proyectos. Desde Lawrence Olivier a Mel Gibson, con el imprescindible Clint Eastwood de por medio, sin olvidar a Jodie Foster o Angelina Jolie. Dentro de nuestras fronteras destacan por la cantidad y calidad de su producción Icíar Bollaín, con El olivo todavía muy reciente, y Fernando Fernán Gómez, autor de la más personal, oscura y maravillosa película que haya dado el cine español, El extraño viaje, emparentada en su malditismo con otra obra maestra indiscutible, La noche del cazador, cuya mala acogida por una crítica obtusa propició que Charles Laughton se levantara para siempre de la silla del director para regresar a sus eminentes labores interpretativas. Afortunadamente, el futuro de Raúl Arévalo en estos menesteres se nos antoja diametralmente opuesto.

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El actor de Azuloscurocasinegro o El camino de los ingleses se ha enriquecido de la experiencia adquirida de tipos como Daniel Sánchez Arévalo y Antonio Banderas (otro “tránsfuga”), pero para su debut ha buscado beber, inteligentemente, de las sabias fuentes de Alberto Rodríguez, con quien coincidió en La isla mínima. No hay más que ver el rompedor inicio, una espectacular persecución automovilística modélicamente rodada en un plano secuencia, para recordar la trepidante carrera por los tejados de Grupo 7. El coche termina estrellado. Su conductor (Luis Callejo), en la cárcel. El motivo, un atraco a mano armada.

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Tras los créditos, la trama nos acerca a un bar donde un tipo tímido y taciturno (Antonio de la Torre) se enamora de la mujer que regenta el establecimiento, que resulta ser la pareja de aquel chófer que todavía se encuentra cumpliendo condena pero próximo a salir de prisión.

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Arévalo, co escritor del filme, divide la narración en capítulos, introducidos por un título conceptual que describe su contenido, que propician un recorrido lento pero seguro que añade elementos que van haciendo crecer paulatinamente el interés de la cinta.

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Tanto la propuesta estética como la elección de intérpretes y su dirección resultan capitales a la hora de valorar el resultado final. La decisión de rodar en Súper-16mm. atribuye una textura granulada a la imagen que, junto a la sobriedad de la fotografía, contribuye a la creación de una atmósfera enrarecida subrayada por la magnífica banda sonora de Lucio Godoy y Vanessa Garde que evoca, con mucha intención y acierto, la de Los santos inocentes. El trabajo del realizador con el reparto, fabuloso, como era de esperar. Consigue sobresalientes trabajos de unos inconmensurables Antonio de la Torre, Luis Callejo y un sorprendente Manolo Solo, con marcado acento andaluz, a los que nos encontraremos en la próxima edición de los Goya junto a varios miembros más del equipo.

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Raúl Arévalo nos ha dejado boquiabiertos con un primer largometraje tremendamente sólido que juega con la mezcla de géneros sin perder nunca el norte. Cine negro, costumbrismo, película de carretera, drama carcelario y western conviven en este inquietante guión que desprende cierto aroma a El secreto de sus ojos.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Agosto la Película, La Canica Films. Cortesía de eOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

 

Tarde para la ira 

Dirección: Raúl Arévalo

Guión: Raúl Arévalo y David Pulido

Intérpretes: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz

Fotografía: Arnau Vals Colomer

Música: Lucio Godoy, Vanessa Garde

Montaje: Ángel Hernández Zoido

Duración: 92 min.

España, 2016

Reivindicando su lugar en la historia – Crítica de “Figuras ocultas” (2016)

Una niña negra de siete años camina hacia el colegio repitiendo una constante cantinela. Catorce, quince, dieciséis, primo, dieciocho, primo. Observa las formas geométricas de una vidriera y continúa. Equilátero, isósceles, escaleno. Katherine Coleman resolvía ecuaciones de segundo grado cuando apenas alcanzaba la pizarra, terminó el bachillerato a los 14 años y los estudios superiores a los 18, siendo la primera afroamericana en ingresar en la Universidad de Virginia, donde se graduó en matemáticas y francés en 1937. Todo un hito dados los tiempos que corrían. La narrativa fílmica salta en el tiempo y nos ubica, pasando directamente de la infancia a la madurez, en 1961. Ahora trabaja para la NASA efectuando cálculos en un departamento formado exclusivamente por mujeres de color.

Hidden Figures Day 02

Esta película trata de dar visibilidad a figuras clave que contribuyeron de manera inequívoca a ganar la carrera espacial para un país que las discriminaba por partida doble. Tuvieron que salvar tanto las barreras del racismo y la segregación imperantes en una institución de la importancia de la agencia espacial, como los prejuicios de sus compañeros debido a su condición femenina. Pasamos de ser hijas de nuestros padres a esposas de nuestros maridos y madres de nuestros hijos, dice uno de los personajes principales. Ser mujer, negra y universitaria en la década de 1960 en el sur de los Estados Unidos suponía una tarea complicada y todo un reto de cara a la sociedad, pero también dentro de su propia comunidad.

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El guión glosa la trayectoria, ensombrecida para la historia, de tres notables matemáticas que gracias a sus conocimientos consiguieron abrir brecha en un ámbito exclusivamente masculino y blanco en los años más duros de la lucha por los derechos civiles.

Hidden Figures Day 21

Las tres cabezas de cartel realizan trabajos inolvidables. La sorpresa, Janelle Monáe, la más joven e inexperta. Conmovedora Taraji P. Henson encarnando el espíritu luchador de Katherine Coleman. Y el recital de Octavia Spencer, Óscar secundario por Criadas y señoras, que aspira a repetir candidatura gracias a su reivindicativa supervisora de aquella división de calculadoras humanas. Nuestro corazoncito se alegra especialmente por ver a un Kevin Costner recuperado para la causa, con un aspecto similar al que lucía en JFK, en un personaje paralelo al que interpretó Ed Harris en Apolo 13.

Hidden Figures Day 33

Theodore Melfi, que irrumpió hace un par de años con la descarada St. Vincent, ha conseguido trasladar a la pantalla el atractivo de una historia desconocida para el gran público. No exenta de emotividad, combina sus momentos de épica, jaleados por la música de Hans Zimmer, Benjamin Wallfisch y Pharrell Williams, con dosis de humor inteligentemente espolvoreadas para equilibrar la gravedad de temas tremendamente delicados. La narración en paralelo de la vida personal de las protagonistas, que podría hacer decaer el interés, ilustra, sin embargo, el contexto social y los trascendentes cambios, de los que ellas forman parte activa, que están por llegar. Este filme absolutamente necesario escribe, por fin, en letras de oro los nombres de estas increíbles mujeres afroamericanas a las que la historia quiso ignorar.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Levantine Films, Chernin Entertainment, Fox 2000 Pictures. Cortesía de Hispano Fox Films.  Reservados todos los derechos.

 

Figuras ocultas

Dirección: Theodore Melfi

Guión: Allison Schroeder y Theodore Melfi, basado en el libro Talentos ocultos de Margot Lee Shetterly

Intérpretes: Taraji P. Henson, Octavia Spencer, Janelle Monáe

Música: Benjamin Wallfisch, Pharrell Williams y Hans Zimmer

Duración: 127 min.

Estados Unidos, 2016

Para celebrar su triunfo en los premios del sindicato de actores – mañana crítica de “Figuras ocultas”

Las estrellas se alinearon en la madrugada del domingo al lunes cuando los miembros de SAG-AFTRA, el sindicato que reúne a los intérpretes de cine, televisión y radio, escogieron como mejor reparto del año al elenco que ha dado vida a Figuras ocultas. De modo que para rendir tributo a tan necesaria película mañana publicamos su crítica.

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Levantine Films, Chernin Entertainment, Fox 2000 Pictures. Cortesía de Hispano Fox Films.  Reservados todos los derechos.

Cine Fórum “Brooklyn” con Manu Zapata – Sábado 28 de enero – Salón de actos Castillo de Marcilla – Conclusiones

El pasado sábado 28 de enero regresamos al emblemático escenario del salón de actos del  Castillo de Marcilla para presentar, ver y comentar con todo el público que se acercó la película irlandesa Brooklyn, en un cine fórum organizado por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Marcilla en colaboración con la Biblioteca Pública de la localidad. El debate suscitó gran interés y participación y sacó a relucir la gran cantidad de asuntos que se tratan en un trabajo que logró 3 candidaturas al Óscar en 2016, incluida una mención a mejor película del año.

La cinta, de manera sencilla y directa, aborda temas complejos como la inmigración, la madurez, la toma de decisiones vitales que implican grandes renuncias, la mezquindad, la generosidad de los extraños, el seguir el propio camino o dejarse llevar por lo que los demás quieren o piensan de nosotros, la familia (la que nos viene impuesta y la que podemos formar nosotros), la elección entre dos países y entre dos amores, la nostalgia y, por último, el hogar. La palabra HOME, que utilizan tanto los angloparlantes. ¿Cuál es mi hogar? ¿Dónde está? ¿Qué es lo que entendemos por hogar?

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Brooklyn hace todo esto a través de la peripecia de Eilis, una chica inteligente y de gran talento para la que no hay un futuro ni laboral, ni afectivo en Enniscorthy, el pueblecito irlandés del que es originaria, y, como tantos otros, emigra a Estados Unidos con la ayuda de su hermana con la esperanza de labrarse una vida, encontrándose un Nueva York cosmopolita, al principio de la década de 1950, al que habrá de habituarse.

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La magia de un cine fórum se encuentra en la forma en que cada asistente se enriquece con visiones del filme que se analiza distintas a la suya propia y que nos ayudan a todos los participantes a adquirir un panorama de 360 grados acerca de las interesantes disquisiciones que nos presenta el largometraje en cuestión. Tras la proyección de Brooklyn, y confrontándola con la novela del mismo título del escritor irlandés Colm Toibin, quedó meridianamente claro que discurren en paralelo dos itinerarios, el del argumento de esta historia y el trayecto interior de una protagonista que ha de tomar las riendas de su propia vida y vivirla por ella misma, independientemente de la voluntad que los demás pudiesen tener, tomando decisiones dolorosas, pero necesarias.

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John Cownley, en su cuarta incursión tras las cámaras, ha realizado una obra de una sensibilidad a flor de piel, extremadamente cuidada, desde la adaptación que el novelista metido a guionista Nick Hornby realizó del texto literario original hasta la elección de un reparto magnífico en el que destaca una mezcla de jóvenes y veteranos, con Domnhall Gleason y Emory Cohen entre los primeros y Julie Walters y Jim Broabdent entre los segundos, y una protagonista que no podría ser otra más que Saoirse Ronan.

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La película, como hemos comentado con anterioridad, logró 3 candidaturas a los Óscars en 2016. A la de mejor película del año se unieron las dos claves para el éxito de esta obra: mejor guión adaptado y mejor actriz protagonista.

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La sutileza con que Nick Hornby va plasmando todos y cada uno de los matices que presenta la novela, el retrato de los personajes y ese magnífico juego de espejos en el que cada secuencia tiene su reflejo en otro momento de la película, dibuja una estructura circular que cierra la trama de manera ejemplar con tres secuencias finales salidas directamente del genio del autor de Fiebre en las gradas Alta fidelidad que redondean una narración exquisita.

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La otra pata de esta banqueta es la niña prodigio del cine, Saoirse Ronan. Su interpretación fue merecedora de una nominación al Óscar, su segunda a sus 22 años, porque la primera la logró con tan solo 14 por su papel en Expiación. Sin ella, como decíamos, no se podría haber rodado este filme porque no existe actriz más adecuada para interpretar a Eilis que Saoirse (pronúnciese Siorsha) Ronan, nacida en Nueva York pero criada en Irlanda. Aportó su talento, su destreza con los acentos y esa mirada que expresa todo tipo de sentimientos para reflejar como nadie la nostalgia que siente una inmigrante que se encuentra lejos de su tierra natal en una época en la que un océano de distancia entre ella y su familia se convertía en un obstáculo prácticamente insalvable.

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A este que escribe, el revisitar Brooklyn recibiendo los comentarios y sentimientos que provocó entre los espectadores del cine fórum, ayudó a poner en valor una fantástica cinta absolutamente recomendable.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Wildgaze Films, BBC Films, Paralel Film Productions. Cortesía de Hispano Fox Films.  Reservados todos los derechos.

 

Cine Fórum “Brooklyn” con Manu Zapata – Sábado 28 de enero – 19 h. – Salón de Actos Castillo de Marcilla

Esta tarde a partir de las 19 horas estaremos en el salón de actos del Castillo de Marcilla (Navarra) para presentar y moderar un interesante cine fórum en torno a una de las películas más emocionantes que irrumpió en 2015 en el panorama cinematográfico mundial, la irlandesa Brooklyn.

Estáis todos invitados a acercaros para ver un gran largometraje y participar en el debate que mantendremos después acerca de los relevantes temas que trata el filme.

La próxima semana tendréis prácticamente una crítica por día recopilando todas las que tenemos pendientes de publicar, debido al tiempo que hemos pasado preparando este cine fórum: Figuras ocultas, Billy Lynn y Vivir de noche.

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Wildgaze Films, BBC Films, Paralel Film Productions. Cortesía de Hispano Fox Films.  Reservados todos los derechos.

La sutileza de la poesía sin palabras – Crítica de “La tortuga roja” (2016)

El mundo no es lo suficientemente sencillo como para explicarlo en palabras. La sentencia la firma Hayao Miyazaki, director de cine de animación japonés recientemente retirado del que se ha dicho que combinaba elementos de Walt Disney, Steven Spielberg y Orson Welles. Nadie mejor que el fundador del mítico Studio Ghibli, del que surgieron obras maestras como La princesa Mononoke y El viaje de Chihiro, para introducir la crítica de la primera película no nipona producida por la factoría de sueños del país del sol naciente. El mérito de tan singular honor ha recaído sobre un realizador holandés, Michael Dudok de Wit, que les impresionó de tal manera con su cortometraje ganador del Óscar Padre e hija que, además de solicitarle la distribución del mismo, le pidieron que dirigiese un filme para ellos. Dieciséis años más tarde llega La tortuga roja, que también supone el estreno como largometrajista del cineasta de Utrecht.

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La cita de Miyazaki resulta totalmente oportuna ya que se nos presenta un trabajo realizado con un esmero y una elegancia exquisitas que relata sin necesidad de palabras el discurrir de la vida de un náufrago en una isla desierta habitada por tortugas, cangrejos y aves. La fuerza del viento, la persistencia de la lluvia, la fiereza de la mar embravecida, los gritos del protagonista, el canto sibilante de los albatros y una partitura que se mueve entre la épica y la emotividad componen la banda sonora que, unida a las poderosas imágenes, transmite de manera llana la magia de esta historia capaz de conmover a espectadores de todas las latitudes.

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Los trazos que definen las figuras recuerdan a los característicos dibujos de los cómics de Tintín e incluso en determinados momentos nos da la sensación de contemplar pasajes relacionados con la animación para adultos que nos ofrecía Vals con Bashir. Aún así, el desarrollo de la narración sigue la senda de la maravillosa introducción de Up, que supo arrancarnos sinceras lagrimas silenciosas.

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Este pequeño tesoro tan solo adolece de una pequeña tara, achacable a la falta de soltura en la distancia larga de quien tan excelentemente evoluciona en las duraciones breves. El espectador ha de ser paciente para poder superar una introducción que prolonga en exceso su desarrollo y de esta forma acceder al momento en que la fantasía, marca de la casa de la productora oriental, entra en contacto con un relato que hasta el momento había discurrido pegado al mundo real.

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A partir de ese momento, que coincide con la llegada de la enigmática tortuga roja, la cinta se eleva, poco a poco nos va enganchando hasta atraparnos, como si de una planta carnívora se tratase, con la poesía que surge de la sutileza de sus imágenes sublimada por la emotividad de unos acordes que consiguen que se nos encoja el alma, dando lugar a una de las obras más delicadas y singulares surgida de la imaginación y la pluma de un dibujante.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Prima Linea Productions, Why Not Productions, Wild Bunch, Studio Ghibli. Cortesía de Karma Films.  Reservados todos los derechos.

 

La tortuga roja

Dirección: Michael Dudok de Wit

Guión: Pascale Ferran y Michael Dudok de Wit

Música: Laurent Pérez del Mar

Montaje: Céline Kélépikis

Duración: 80 min.

Francia, Bélgica, Japón, 2016

Cómo transmitir la peor de las noticias – Crítica de “Solo el fin del mundo” (2016)

Cuando uno ve las películas conociendo únicamente su título o, a lo sumo, el nombre de quien las ha dirigido, se encuentra en disposición de formar una opinión sin prejuicio alguno, siendo capaz de emitir una primera impresión sin ningún tipo de interferencia o contaminación.

Mommy, anterior trabajo de Xavier Dolan resultó ser, para este analista, una cinta excesivamente larga que no dejaba de divagar en torno a la obsesiva relación de un hijo con su madre. Su única originalidad, encerrar la acción en un reducido marco que emulaba la pantalla de un teléfono móvil. El recibimiento triunfal que le otorgó gran parte de la crítica no deja de asombrar a quien no piensa igual, pero refrenda la independencia de sus pareceres.

Especialmente chocante resulta un nuevo contraste de perspectivas, en sentido contrario esta vez. Las buenas sensaciones percibidas por este escribiente durante el visionado de Solo el fin del mundo frente al espectacular vilipendio al que la prensa especializada sometió a la cinta en el pasado Festival de Cannes. No obstante, tanto el jurado del certamen como el ecuménico la colocaron en su palmarés.

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Nacido entre controversia, este filme describe el regreso a casa, tras más de una década de ausencia, de un joven escritor aquejado de una enfermedad terminal para comunicar su terrible destino a sus allegados: una familia disfuncional en la que la demencia de una madre viuda lidia con la curiosidad de la benjamina y la irascibilidad del hermano mayor.

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Al airado primogénito, un Vincent Cassel algo pasado de vueltas, lo contrapesa la sutilidad de su esposa, Marion Cotillard, en un discreto segundo plano. Su personaje resulta vital ya que es el único capaz de comprender al hijo pródigo, Garpard Ulliel, que dejando atrás la afectación que exhibía en La bailarina transmite una contención capaz de traslucir un dolor psicológico y una lucha interior en la que el desapego pugna con el sentimiento de pertenencia a lo que quiera que formen sus seres queridos.

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La temática y el tono nos trae a la mente la excelente Corazón silencioso, con la que Bille August abordaba el controvertido tema de la muerte inminente y la compleja manera de hacer llegar tan delicada noticia a quienes se encuentran más cerca.

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Dolan adapta la obra, con tintes autobiográficos, de Jean-Luc Lagarce y se las ingenia para salvar con maestría la teatralidad del texto gracias a una magnífica realización, apoyada en la excelente fotografía, con el uso constante, casi radical, de primeros planos, detalles, desenfoques, y la utilización dramática de la banda sonora que convierten esta historia en un evento puramente cinematográfico. Incomoda conscientemente al espectador para imbuirle del ambiente opresivo y claustrofóbico que se respira en el angosto espacio entre esas cuatro paredes donde acontece todo, pero lo hace con un empaque y una cantidad de recursos estilísticos que subyuga cada uno de los sentidos. Para redondear la notabilidad del conjunto, una más que pertinente referencia, tanto en lo visual como en lo metafórico, a Centauros del desierto.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Sons of Manual, MK2 Productions, Téléfilm Canada. Cortesía de Avalon.  Reservados todos los derechos.

 

Solo el fin del mundo 

Dirección: Xavier Dolan

Guión: Xavier Dolan basado en la obra de Jean-Luc Lagarce

Intérpretes: Gaspard Ulliel, Nathalie Baye, Vincent Cassel

Música: Gabriel Yared

Fotografía: André Turpin

Duración: 97 min.

Canadá, Francia, 2016 

Misterio desvelado – 13 títulos hitchcockianos ocultos en la crítica de Frantz

Ahora que ya habéis podido disfrutarla con tranquilidad ya puedo desvelar aquello tan curioso de lo que os hablaba.

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La crítica de Frantz lleva implícito un pequeño juego cinéfilo. Se encuentran ocultos en el texto 13 títulos exactos o con ligeras variaciones de películas de Alfred Hitchcock. Dos de ellos son el título original y su equivalente en castellano de la más emblemática de todas.

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Disfrutad de este pequeño entretenimiento de año nuevo.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Saul Bass, Alfred J. Hitchcock Productions, Mandarin Films, FOZ, Mars Films, France 2 Cinéma, Films Distribution, X-Filme Creative Pool. Cortesía de Golem Distribución.  Reservados todos los derechos.

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