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El reverso tenebroso del sueño americano – Crítica de “American Pastoral” (2016)

Cuando en 2012 se concedió el Príncipe de Asturias a Philip Roth se glosaba el galardón ascendiéndole al olimpo literario estadounidense junto a monstruos como Scott Fitzgerald, Hemingway o Faulkner, cronistas de la realidad que reflejaron en su obra la huella que el siglo XX dejó en la historia de un país sacudido por momentos críticos y resurgido de sus cenizas para volver a sucumbir a la pesadumbre. Ese signo de los tiempos, ese desasosiego, se encuentra presente en el conjunto de la producción de Roth, con su trilogía americana a la cabeza de la que Pastoral americana conforma su primer volumen.

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De manera indivisible, los acontecimientos que vertebraron el discurrir de la nación corren parejos a la peripecia vital y sentimental de los protagonistas desde el final de la segunda guerra mundial hasta bien entrados los años 90. La euforia colectiva derivada del triunfo bélico y de la sensación de haber dejado atrás la Gran Depresión se esfumó tras la pérdida de la inocencia de un pueblo capaz de matar a su “padre”, que salió a la calle rebelándose contra un orden establecido que les llevaba a otra guerra y mantenía la segregación racial provocando una espiral de violencia sin precedentes.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_AMERICAN PASTORAL_Ewan McGregor Jennifer Connelly y su hija en la ficción

En ese caldo de cultivo, el prototipo de perfecta familia americana que coloca Roth en primer plano salta completamente en pedazos. El dibujo es tan arquetípico como para representar las ilusiones y los anhelos de cada hijo de vecino. Seymour Irving Levov, el “Sueco”, encarna el ideal del héroe, deportista destacado que regresa de la guerra para casarse con la reina de la belleza local y criar a su preciosa hija en un extenso rancho a las afueras de Newark. Aunque el espejo en el que todo el mundo querría reflejarse comienza a resquebrajarse cuando se le descubre un ligero tartamudeo a la pequeña.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_AMERICAN PASTORAL_Ewan McGregor con su hija en la ficción

La valentía y la decisión del escocés Ewan McGregor al escoger un texto con tanto predicamento como su bautismo de fuego en el mundo de la dirección le han permitido salir indemne del trance a pesar de no realizar un filme memorable. Su faceta de intérprete le ha ayudado a manejarse con soltura a ambos lados de la cámara, especialmente a la hora de exprimir cada gota del talento de Jennifer Connelly y Dakota Fanning, absolutamente impactantes como madre e hija.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_AMERICAN PASTORAL_Ewan McGregor y Dakota Fanning

Dentro del estilo clásico escogido para rodar resulta encomiable la naturalidad con la que fluye el paralelismo constante entre los sucesos históricos, mostrados con metraje documental, y el drama familiar, echando mano de imágenes icónicas como la bandera de las barras y estrellas para reflejar desde el entusiasmo y la efervescencia hasta la crisis de identidad tanto de Estados Unidos como de los propios personajes.

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Por desgracia, el síndrome del principiante se manifiesta en tramas susceptibles de ser aligeradas (e incluso suprimidas) que provocan un exceso de metraje. McGregor se atraganta en un tétrico tramo final confirmando que se vuelve a cumplir esa maldición no escrita que dice que de novelas de renombre nunca llegaron grandes películas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_AMERICAN PASTORAL_Ewan McGregor, Jennifer Connelly y Dakota Fanning

 

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Lakeshore Entertainment, LIK Film. Cortesía de Tripictures. Reservados todos los derechos.

 

American Pastoral

Dirección: Ewan McGregor

Guión: John Romano a partir de la novela “Pastoral americana” de Philip Roth

Intérpretes: Ewan McGregor, Jennifer Connelly, Dakota Fanning

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Martin Ruhe

Duración: 108 min.

Estados Unidos, 2016

El temible capitán de la armada española – Crítica de “Piratas del Caribe: La venganza de Salazar” (2017)

La muestra más evidente de que alguien posee sentido del humor es la capacidad de autoparodia. Johnny Depp inmortalizó su personaje de Jack Sparrow gracias a su admiración por Keith Richards. Mimetizó su aspecto desaliñado, sus pausados ademanes, sus andares desgarbados, su peculiar forma de ganguear e incluso el maquillaje en sus ojos para resaltar su penetrante mirada. El guitarra de los Rolling no solo no se molestó sino que aceptó gustoso aparecer en una de las películas como el padre del pirata, riéndose de su propio personaje y devolviendo la pelota al tejado de la serie. En Hollywood se cultiva de forma exquisita este arte del chiste privado lleno de sarcasmo, de modo que, como réplica, se han sacado de la chistera a un muy especial tío Jack que no se ha resistido a emular a su colega y “rival”.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PIRATAS DEL CARIBE-LA VENGANZA DE SALAZAR_Johnny Depp en el bosque

De la anécdota tomamos la ironía, la burlona y pendenciera comicidad, efectiva siempre aunque coja sin un buen armazón al que amarrarse. El relato épico se vislumbra ya en el brioso prólogo en el que el hijo de Will Turner concentra todos sus esfuerzos en librar a su progenitor de la maldición que atrapa a su magnífica embarcación en el fondo del mar. El terror emerge con la sucinta y contundente presentación de uno de los villanos más crueles y sanguinarios de la saga: el capitán Salazar, un marino español consagrado a hacer desaparecer del mapa a cuantos filibusteros le saliesen al paso como venganza por el asesinato de su padre. Javier Bardem le pone rostro y voz, aportando morcillas en castellano (en la versión original) que llegan a homenajear al Jamón, jamón de su querido Bigas Luna.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PIRATAS DEL CARIBE-LA VENGANZA DE SALAZAR_Javier Bardem

Provocado el terremoto, a partir de ahí, como decía Cecil B. DeMille, hacia arriba. La espectacularidad de unas secuencias de acción fantásticamente concebidas aportan crédito a la pareja de directores noruegos, Rønning y Sandberg, que venían de rodar la hazaña transoceánica de Thor Heryedal en Kon Tiki y terminan por ganarse a la audiencia gracias a un guiño al más grande creador de efectos especiales: Ray Harryhausen, el artista que nos subyugó utilizando su ingenio ajeno a la informática en Jason y los Argonautas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PIRATAS DEL CARIBE-LA VENGANZA DE SALAZAR_Javier Bardem primer plano

El toque de distinción lo aporta un guión inteligente que, además de contener pequeñas perlas como el origen del protagonista y su nombre, sabe hilar una trama en la que la aventura como telón de fondo deja paso a las gotas de emotividad necesarias para contar la historia de un hijo que quiere salvar a su padre y una hija que busca denodadamente al suyo. Un maravilloso personaje el de esta astróloga a la que la estrechez de miras de la época tacha de bruja.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_PIRATAS DEL CARIBE-LA VENGANZA DE SALAZAR_Johnny Depp y Kaya Scodelario

Diversión, entretenimiento, grandiosidad, sin escatimar un toque de emoción, ingredientes todos ellos que sitúan a esta quinta entrega muy por encima de anteriores episodios que no hacían sino languidecer progresivamente al tiempo que parecían cerrar en falso una franquicia que hubiese alcanzado aquí su final perfecto de no ser por una escena post créditos que promete nuevas correrías.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Walt Disney Pictures, Jerry Bruckheimer Films, Infinitum Nihil. Cortesía de Walt Disney Studios Motion Picture Spain. Reservados todos los derechos.

 

Piratas del Caribe: La venganza de Salazar

Dirección: Joachim Rønning y Espen Sandberg

Guión: Jeff Nathanson

Intérpretes: Johnny Depp, Javier Bardem, Geoffrey Rush

Música: Geoff Zanelli

Fotografía: Paul Cameron

Duración: 129 min.

Estados Unidos, 2017

Manipuladores de voluntades políticas – Crítica de “El caso Sloane” (2016)

El momento culminante de la carrera del cineasta británico John Madden se produjo en marzo de 1999. Shakespeare in love, filme ingenioso pero pequeñito que elucubraba sobre la inspiración del bardo de Stratford-upon-avon para idear su mítica Romeo y Julieta, triunfaba inesperadamente en la ceremonia de los Óscar y se hacía con siete estatuillas. Meses antes nadie daba un centavo por una cinta que venía del Reino Unido y tenía que vérselas con auténticos pesos pesados como Salvar al soldado Ryan. Spielberg arrebató el reconocimiento en la categoría de dirección a Madden, pero la mejor película de la noche, contra todo pronóstico, fue la protagonizada por Gwyneth Paltrow.

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¿Quiénes fueron los “culpables” de este inesperado desenlace? Los hermanos Weinstein conocidos en Hollywood por ser capaces de orientar las intenciones y sobre todo los votos necesarios para dar un vuelco a las apuestas y conseguir que las películas auspiciadas bajo sus alas logren una magnífica cosecha que nadie hubiese vaticinado en el albor de la temporada de premios. Una carrera que comienza en septiembre, punto de partida del trabajo de estos especialistas en crear una corriente de opinión para subyugar y conseguir el plácet y la papeleta de los miembros de la Academia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_EL CASO SLOANE_Jessica Chastain y su equipo

Resulta llamativo que casi veinte años más tarde Madden, que tras aquel éxito ha labrado una carrera irregular con más luces que sombras como las recientes La deuda y El exótico hotel Marigold, se adentre en ese mundo tan extendido en Estados Unidos de los grupos de presión para diseccionar las prácticas opacas de aquellos empresarios que, coqueteando con las líneas rojas de la legalidad, pretenden manejar los hilos de la política a su antojo en aras de su beneficio económico. Corruptores, corruptos y, como intermediarios, los “conseguidores” de esos favores. Una terminología y una lectura de la trama que tristemente nos resultará, además de tremendamente interesante y absolutamente pegada a la actualidad, escandalosamente familiar.

Miss Sloan

El magnetismo y el inmenso talento de Jessica Chastain vuelve a surgir a la hora de construir un personaje duro, inaccesible, independiente como la militar de La noche más oscura, al que añade las capas de la frialdad, la ambición y el cálculo para, de nuevo, sobrevivir y triunfar en un mundo eminentemente masculino, teniendo que ocultar y sobreponerse a determinados puntos débiles que la poderosa intérprete transmite como rasgos de pasajera fragilidad.

Miss Sloan

La motivación de su Elizabeth Sloane no es otra que la de conseguir batir a su ex bufete, poco le importa que por una vez en su carrera esté consiguiendo sufragios por una causa noble, y no le altera lo más mínimo el coste que esa victoria pueda suponer para ella personalmente y para su futuro profesional. La elocuencia de esa imagen inicial en la que la pelirroja actriz mira, en primer plano, directamente a los ojos del público y recita los mandamientos del buen manipulador de voluntades capitolinas pone en el punto de mira desde el segundo uno la corrupción como tema a desarrollar por este vibrante thriller judicial y político.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Transfilm, Archery Pictures, Canal + Distribution, Ciné +, FilmNation Entertainment, France 2 Cinéma. Cortesía de eOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

 

El caso Sloane

Dirección: John Madden

Guión: Jonathan Perera

Intérpretes; Jessica Chastain, Michael Stuhlbarg, Gugu Mbatha-Raw

Música: Max Richter

Fotografía: Sebastian Blenkov

Duración: 132 min.

Estados Unidos, 2016

El dilema (moral) del abogado – Crítica de “Guardián y Verdugo” (2016)

La música de tensión martillea, constante como la lluvia, la oscuridad de la noche horadada por los faros lejanos de una furgoneta. Los rótulos intercalados anuncian una historia inspirada en hechos reales. Un minibús aparece por una bocacalle. Los siete chicos negros que lo abarrotan increpan entre gritos de celebración al único ocupante blanco, no mucho mayor que ellos, del otro vehículo. La siguiente cartela, “Sudáfrica, 1987”, provoca un cambio radical de punto de vista sobre lo observado. El montaje violento y el volumen creciente del sonido incrementan el desasosiego. Los dos automóviles se detienen. La puerta corredera del monovolumen retruena. Los jóvenes de color apenas dan dos pasos cuando el conductor solitario comienza a descerrajar disparos indiscriminadamente hasta abatirlos a todos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GUARDIÁN Y VERDUGO_Andrea Riseborough y Steve Coogan

El caso termina en manos de Johan Webber, conocido defensor de los derechos humanos y opositor acérrimo de la pena de muerte. La evidencia de los hechos y la voz de su conciencia le piden a gritos que salga corriendo, pero el temor a que nadie quiera ejercer la defensa del reo le hace recular.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GUARDIÁN Y VERDUGO_Steve Coogan se enfrenta a su defendido

Ese conflicto moral del abogado contrario a la pena capital que se obliga a sí mismo a librar del cadalso a un asesino que probablemente haya matado por motivos racistas en pleno Apartheid constituye el punto de partida del filme. Una información un tanto inquietante enriquece el jugoso planteamiento: con tan solo 19 años, el acusado lleva dos trabajando en el corredor de la muerte de la prisión más restrictiva del régimen de Pretoria.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GUARDIÁN Y VERDUGO_Garion Dowds enfrentándose a las ejecuciones

Cuando uno escucha la palabra verdugo visualiza la congoja de Nino Manfredi y la mala uva teñida de humor negrísimo de Luis García Berlanga y Rafael Azcona. La cotidianidad con la que Pepe Isbert explicaba a su yerno los pormenores del oficio en el momento de pasarle el testigo no resulta tan distinta del modo en que introducen a los nuevos funcionarios de prisiones sudafricanos en su cometido de acompañantes de los que van a ser ahorcados. La diferencia radica, además de en el tono, en la crueldad del hecho de que son adolescentes con una personalidad por formar a los que obligan a ser los cuidadores de los hombres a los que meses más tarde van a tener que ajusticiar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GUARDIÁN Y VERDUGO_Garion Dowds

¿Cómo afecta la exposición a algo tan antinatural al desarrollo intelectual de un joven? Este trabajo, a través de una sólida propuesta fílmica y temática, trata de dar respuesta a tan interesante cuestión navegando por las peligrosas aguas por las que se movía con firmeza Salvador (Puig Antich) y manteniéndose a flote.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GUARDIÁN Y VERDUGO_Steve Coogan patíbulo

Un inmenso Steve Coogan sostiene sobre sus hombros el peso y la credibilidad de la tesis que defiende el guión. El cómico incipiente ha sabido reconvertirse en fantástico actor dramático humanizando a sus personajes a través de la ironía. Este letrado comprometido continúa la senda que abrió el periodista descreído de Philomena. Su alegato final constituye el punto culminante de la película y uno de los momentos más intensos en los anales del cine judicial.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GUARDIÁN Y VERDUGO_Steve Coogan Juzgados

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Distant Horizon, Videovision Entertainment. Cortesía de Filmax. Reservados todos los derechos.

 

Guardián y verdugo

Dirección: Oliver Schmitz

Guión: Brian Cox, a partir de la novela “Shepherds and butchers” de Chris Marnewick

Intérpretes: Steve Coogan, Andrea Riseborough, Garion Dowds

Música: Paul Hepker

Fotografía: Leah Striker

Duración: 106 min.

Sudáfrica, Estados Unidos, Alemania, 2016

Aroma a relato clásico de aventuras – Crítica de “Z, la ciudad perdida” (2016)

El aroma del relato de aventuras mezclado con cierta mística, que tan brillantemente alumbró Edgar Rice Burroughs en el primer cuarto del siglo XX, se encuentra presente en este trabajo que da la sensación de haber querido ir a beber de esos manantiales a la hora de plantear el argumento y presentar a sus personajes. Más que en Tarzán de los monos nuestra mente se fija en la maravillosa Una princesa de marte, publicada por capítulos y llevada al cine recientemente bajo el nombre de John Carter. La mente abierta del viajero teletransportado al planeta rojo y su facilidad para empatizar con seres completamente diferentes emparenta con el espíritu del cartógrafo Percy Fawcett, convertido en explorador accidental de tierra ignota en el mismo momento en que Burroughs componía sus míticas novelas.

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Fawcett era un militar sin medallas, un hombre repudiado en la sociedad británica debido a la indeleble mácula heredada de su progenitor; juego y alcohol, repetía la cantinela. Relegado a tareas menores, sus superiores aprovechan esas ansias de limpiar aquel estigma familiar que cercenaba cualquier posibilidad de promoción para proponerle una misión de la que nadie en su sano juicio se hubiese hecho cargo: desarrollar sus conocimientos realizando mapas para trazar la frontera entre Bolivia y Brasil.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_Z, LA CIUDAD PERDIDA_Charlie Hunnam con un instrumento topográfico

La desesperación le lleva a aceptar un desafío que cambiaría su vida para siempre, para el que cuenta con el apoyo incondicional de su esposa, que queda en casa al cuidado de su hijo mayor y en espera del que está por venir. Un papel al que la influencia de Sienna Miller ha convertido en una mujer fuerte e independiente que, a pesar de contrastar con el estándar de la época, el público encontrará atractivo y completamente contemporáneo.

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En el momento en que se adentra en la selva amazónica y remonta el río Verde la narración se convierte en El corazón de las tinieblas y el filme se transforma en Apocalypse now. La lucha de entes extraños contra la naturaleza, pero también la confrontación con los pobladores de esas tierras, tenidos por salvajes en la vieja Europa pero a los que, con gran sabiduría, respeta y termina por admirar un tipo adelantado a su tiempo como Fawcett.

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El retrato del personaje real que realiza Charlie Hunnam resulta conmovedor por su determinación, su lealtad, pero también por mostrarse vulnerable e incluso vencido por sus obsesiones. Su estrella no brilló tanto como la de Hiram Bingham y sus descubrimientos fueron ninguneados y tuvieron que convivir a la sombra de la grandeza de Machu Pichu. Ha tenido que ser el siglo XXI el que reivindique su legado.

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A pesar de que la extensión de la cinta pueda jugar en su contra, James Gray ha conseguido, en un trabajo hipnótico e interesante, atrapar ese espíritu de los grandes relatos de aventuras, al estilo de El hombre que pudo reinar, y traspasar la ficción para glosar una figura clave en la exploración de América del Sur aferrada a su propio “El Dorado” al que llamó Z.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_Z, LA CIUDAD PERDIDA_Charlie Hunnam se adentra en el Amazonas

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Copyright imágenes  ©  Keep Your Head, MICA Entertainment, Plan B Entertainment. Cortesía de eOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

 

Z, la ciudad perdida

Dirección: James Gray

Guión: James Gray, basado en el libro “La ciudad perdida de Z” de David Grann

Intérpretes: Charlie Hunnam, Robert Pattinson, Sienna Miller

Música: Chistopher Spelman

Fotografía: Darius Khondji

Duración: 141 min.

Estados Unidos, 2016

De mayor quiero ser funcionario – Crítica de “Un italiano en Noruega” (2016)

En el momento en que surge cierta corriente temática que procura éxito seguro, millones de espectadores y suculentos ingresos en taquilla todo el mundo intenta aprovechar el tirón. El fenómeno se da en la esfera local, pero el contagio puede producirse también a nivel internacional. Al hilo de la francesa Bienvenidos al norte aparecieron varias comedias en torno a un personaje desubicado en un hábitat completamente extraño frente a unos lugareños hostiles con los que terminará congeniando. Ocho apellidos vascos, en España, y Bienvenidos al sur, en Italia, repitieron fórmula con éxito.

El título escogido por la distribuidora de esta película para nuestras carteleras, Un italiano en Noruega, intenta emparentarla con este subgénero que sitúa a su protagonista lejos de casa, pero si echamos un vistazo a su planteamiento, e incluso al título original, en latín (Quo vado), la explicación de tan espectaculares resultados en su país de origen surge del hecho de repetir un equipo y un tipo de humor que antes ya ha funcionado.

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La dupla formada por el realizador Gennaro Nunziante y por el músico, imitador y actor Checco Zalone se ha reunido por cuarta vez para escribir y llevar a la pantalla esta historia que intenta satirizar de manera cáustica la obsesión que existe en Italia, y por extensión en los países mediterráneos, con el hecho de convertirse en funcionario y tener un puesto fijo, amén de repasar una amplia caterva de tópicos transalpinos. En ese sentido, el referente galo al que más se aproxima es la corrosiva Dios mío, pero qué te hemos hecho, que daba un buen repaso a la actitud racista y xenófoba de determinados sectores de la sociedad francesa

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN ITALIANO EN NORUEGA_Checco Zalonwe y su mafilia multirracial

Checco Zalone es un seudónimo y, al fin y a la postre, un personaje que el propio cómico ha construido y que debido a la abrumadora acogida repite, sin disimulo, en sus distintas apariciones fílmicas, tomando incluso el nombre para bautizar los distintos papeles que ha interpretado. Ahí reside el secreto de su conexión con el público italiano, una popularidad que trasciende lo propiamente cinematográfico. Ese factor no jugará a su favor en España. Aquí habrá que buscar argumentos tanto en el guión como en la mayor o menor conexión entre su peculiar propuesta y el espectador.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN ITALIANO EN NORUEGA_Checco Zalone y Sonia Bergamasco despacho

Para alguien que no conocía anteriormente al protagonista el comienzo resulta antológico. Consigue momentos desternillantes, a pesar de sus dosis de sal gorda, hasta el punto de llegar a la lágrima. Con ritmo y originalidad consigue llevar la comicidad inicial hasta más o menos la mitad de la trama. De pronto, las luces se apagan, la inventiva se agota y se quiere rizar tanto el rizo que la hilaridad se pasa de rosca, los chistes dejan de hacer gracia y el filme comienza a hacerse cargante hasta el punto de aburrir. Tan estrepitoso hundimiento no lo salva ni el coletazo final que recupera la chispa primigenia. Otra idea brillante que daría para un muy buen mediometraje pero que no se sostiene más allá de cuarenta minutos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN ITALIANO EN NORUEGA_Eleonora giovanardi y Checco Zalone

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Copyright imágenes  ©  Medusa Film, Taodue Film. Cortesía de A Contracorriente. Reservados todos los derechos.

 

Un italiano en Noruega

Dirección: Gennaro Nunziante

Guión: Gennaro Nunziante y Checco Zalone

Intérpretes: Checco Zalone, Eleonora Giovanardi, Sonia Bergamasco

Música: Checco Zalone

Fotografía: Valerio Evangelista y Vittorio Omodei Zorini

Duración: 86 min.

Italia, 2016

Oda a la ultraviolencia – Crítica de “John Wick: Pacto de sangre” (2017)

Teniendo en cuenta la ingente caterva de medianías que se cuela en nuestras carteleras temporada sí, temporada también, resulta llamativa la miopía de quienes no supieron apreciar el potencial en taquilla de una cinta de acción que, consciente de sus limitaciones, explotó al máximo sus virtudes. John Wick atrapó la atención de cinéfilos y cinéfagos de medio mundo en 2014, pero ni siquiera eso fue suficiente para abrirle las puertas del mercado español.

El halo de misterio e imperturbabilidad, mezclado con cierta vulnerabilidad, que el guión confería al protagonista, el reguero de cadáveres que dejaba a su paso, la violencia exacerbada que parecía salida de un cómic y la mitología construida en torno a una organización secreta de asesinos a sueldo convirtió en un fenómeno de culto a una película en la que la ilusión, la originalidad y el buen trabajo sustituyó a un presupuesto multimillonario y a la mastodóntica maquinaria publicitaria de otros productos eminentemente inferiores.

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Afortunadamente el runrún internacional ha debido de llegar a los círculos oportunos para asegurar la distribución en cines del segundo capítulo de esta sugerente saga con vocación de trilogía.

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John Wick: pacto de sangre retoma el relato justo donde quedó hace tres años. En una espectacular secuencia inicial de quince minutos, calcando la narrativa heredada, aprovecha una vibrante persecución automovilística magníficamente rodada para articular la presentación del personaje de paso que resume, para los no iniciados, el acontecer que le ha llevado allí.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JOHN WICK PACTO DE SANGRE_Keanu Reeves quiere su coche

“John Wick es un hombre centrado, comprometido, de voluntad inquebrantable. Una vez lo vi matar a tres tíos en un bar… con un lápiz, ¡con un jodido lápiz!”, masculla el capo de la mafia rusa, en uno de los innumerables homenajes al episodio anterior, mientras, en paralelo, el interfecto se va deshaciendo de los esbirros que lo separan del gerifalte.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_JOHN WICK PACTO DE SANGRE_Keanu Reeves entre la multitud

Tanto el lenguaje explícito como las dosis de violencia progresivamente crecientes dejan a las claras que se trata de un entretenimiento con aroma de novela gráfica pensado para un público adulto. La cinta sabe a qué juega, su director también y lo expone sin tapujos desde el minuto cero. Un realizador lo suficientemente inteligente como para rodearse de excelentes colaboradores capaces de lograr un resultado espectacular y especialmente atractivo para un segmento de público amante de la acción, pero exigente respecto a la manera en que se le presenta. Su pasado como coordinador de especialistas en sagas como Matrix se intuye, además de en guiños y paralelismos varios, en las elaboradas coreografías tanto de tiroteos como de peleas.

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Esta oda a la ultraviolencia excede los límites de su predecesora en cuanto al grafismo de las muertes y a los ríos de sangre provocados por un John Wick obligado a regresar al submundo criminal. Se echa en falta aquella sencillez tan efectiva en el momento en que la trama se prolonga en exceso propiciando una sucesión repetitiva de asesinatos que habría resultado mucho menos cargante de haber respetado los poco más de noventa minutos de brillantez de la primera parte.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Summit Entertainment, Thunder Road Pictures, 87Eleven, Lions Gate. Cortesía de eOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

 

John Wick: Pacto de Sangre

Dirección: Chad Stahelski

Guión: Derek Koldstad

Intérpretes: Keanu Reeves, Ricardo Scamarcio, Ian McShane

Música: Tyler Bates y Joel J. Richard

Fotografía: Dan Laustsen

Duración: 122 min.

Estados Unidos, 2017

Comedia romántica de misterio a la francesa – Crítica de “Rosalie Blum” (2015)

El hecho de que una película se retrase tanto como un año desde la fecha de su estreno en su país de origen no suele traer buenos augurios. En el caso que nos ocupa, su candidatura a mejor ópera prima en la pasada gala de los César del cine francés y el Premio del Público del Festival de Gijón desmienten el teorema anteriormente enunciado; ambos reconocimientos y, por supuesto, lo que cuenta y cómo lo cuenta.

El autor de este maravilloso debut como largometrajista responde al nombre de Julien Rappeneau. El apellido sonará a los cinéfilos impenitentes. Nos remite a un clásico (moderno) de la cinematografía gala que a su vez ponía en imágenes y recitaba en verso una obra cumbre de su literatura. En efecto, quien aquí firma es el vástago de Jean-Paul Rappeneau, responsable del Cyrano de Bergerac de Gérard Depardieu, que tras una larga singladura como guionista ha escogido la adaptación de una novela gráfica como su salto al vacío de la realización.

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Vincent regenta una peluquería. Se empeña en mantener la llama de una relación a distancia a pesar de no tener noticias de su novia desde hace seis meses. Vive solo, aunque en el piso de arriba su castradora madre viuda continúa ejerciendo su influencia pasivo agresiva. Un encuentro fortuito pondrá patas arriba su monótona existencia. Cree conocer de algo a la tendera de un supermercado de barrio y siente una irresistible atracción que le lleva a perseguirla. Averigua su nombre: Rosalie Blum, y aunque el ingenuo estilista no tiene pinta de psicópata, ese espionaje encierra tintes un tanto obsesivos a pesar de la torpeza de la que hace gala el merodeador.

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La cinta se estructura en tres segmentos identificados respectivamente con cada uno de los componentes del trío protagonista: Vincent, Rosalie y alguien a quien dejamos que sea descubierto por el espectador. Rappeneau juega con un armazón que recuerda a relatos más transcendentes como Rashomon o El hombre que mató a Liberty Valance para lograr un mestizaje de géneros en el que lo hilarante surja del surrealista encuentro del suspense con la comicidad que brota del absurdo. El cambio de punto de vista se antoja revelador de detalles que enriquecen la construcción de la personalidad de cada uno de los roles y completan una narración que gana en empaque.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ROSALIE BLUM_Kyan Khojandi y Anémone

Con un tono tan cándido como extravagante, desarrollando un estilo que vagamente nos lleva a Amélie, se nos presentan unos personajes y una historia con los que, mérito de quien dirige, congeniamos prácticamente de inmediato. Aceptamos la propuesta, entramos en un juego que se llama comedia romántica de misterio a la francesa y nos preparamos para degustar noventa y cinco minutos poblados de originalidad, grandes dosis de ingenio, risas constantes, carcajadas antológicas (a costa de una genial Anemone en el papel de esa madre inimitable) y con un punto emotivo que permanece oculto entre lo risible y recoge los pequeños o grandes dramas personales que encierran estos tres entrañables seres que de una u otra manera se necesitan mutuamente.

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Copyright imágenes  ©  Scope Pictures, The Film. Cortesía de Surtsey Films. Reservados todos los derechos.

 

Rosalie Blum

Dirección: Julien Rappeneau

Guión: Julien Rappeneau, a partir de las novelas gráficas homónimas de Camille Jourdy

Intérpretes: Noémie Lvovsky, Kyan Khojandi, Alice Isaaz

Música: Martin Rappeneau

Fotografía: Pierre Cottereau

Duración: 95 minutos

Francia, 2015

Un vínculo invisible e inquebrantable – Crítica de “Your name” (2016)

Acostumbrados a la hegemonía de Studio Ghibli en el mundo de la animación tanto en lo creativo como en lo puramente crematístico, resulta fascinante encontrar un trabajo capaz de codearse artísticamente hablando con lo más granado de la factoría fundada por Hayao Miyazaki logrando, incluso, la proeza de superar en taquilla a su obra más popular, El viaje de Chihiro.

Un cometa se acerca a la tierra atravesando atronador las nubes que encuentra a su paso. Repentinamente cesa el sonido. Pantalla en negro. Tokio. Dos casas. Dos habitaciones. Dos camas. Dos jóvenes que despiertan. Ninguno puede recordar lo que acaba de soñar aunque ambos comparten la sensación de haber perdido algo o a alguien. Sienten ese vacío y la necesidad imperiosa de resolver ese enigma desde aquel día en que las estrellas caían del cielo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YOUR NAME_El cometa se divide

Tras unos maravillosos créditos que visualmente repasan lo que va a ser la película, comienza la narración en flashback que nos va a llevar a ese inquietante momento inicial. Mitsuha, una chica de un pueblecito, sueña con Taki, un muchacho de la capital. Él hace lo propio con ella, a pesar de no conocerse de nada. Pero lo onírico llega a hacerse tan vívido que un día se despiertan en la piel del otro, con todo lo que eso conlleva.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YOUR NAME_frente al espejo

La historia, novelada primero y trasladada a la gran pantalla después por el japonés Makoto Shinkai, parte de esta interesante premisa que engancha de inmediato conquistando al espectador desde el humor para arrastrarlo a la emotividad y la emoción a través de la fantasía y la imaginación. Este guión pluscuamperfecto pertenece a ese extraño mestizaje de géneros que vendría a denominarse romanticismo envuelto en paradojas espacio-temporales, con notables representantes como las dos versiones de La casa del lago o Una cuestión de tiempo en el terreno del largometraje y la catódica y absolutamente recomendable miniserie 22.11.63.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YOUR NAME_En la escalera rectángular

El acierto y la pericia del escritor y libretista integra en la presentación de los dos personajes principales la explicación del curioso fenómeno que acontece entre ellos consiguiendo de forma sencilla la comprensión de algo tan complejo por parte del público. Añade, además, valiéndose de una técnica similar a la utilizada en Regreso al futuro, la representación del flujo del tiempo a través de una hermosa metáfora visual en torno a los hilos que conforman un tejido.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YOUR NAME_Con la abuela

El mérito del director reside en haber sabido extraer, realizando un alarde de originalidad, toda la vena misteriosa que intrínsecamente se hallaba en una situación tan curiosa sin dejar de explotar los recursos cómicos ni, por supuesto, las derivaciones más románticas y emotivas que pudiera ofrecer.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YOUR NAME_Sentados

Una película así devuelve la fe en el cine, si es que se había perdido, y enseña a amar el séptimo arte sin ningún tipo de prejuicios o de fronteras; ni idiomáticas, ni culturales, ni en cuestión de géneros cinematográficos, ni en cuanto a las técnicas narrativas utilizadas. Cine en estado puro para disfrutarlo con los cinco sentidos y degustarlo según nos va descubriendo las maravillas que contiene a medida que florece pétalo a pétalo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_YOUR NAME_juntos

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Amuse, Toho Company, Kadokawa. Cortesía de Selecta Visión. Reservados todos los derechos.

 

Your Name

Dirección, fotografía y montaje: Makoto Shinkai

Guión: Makoto Shinkai, basado en su novela homónima

Voces en la v.o.: Ryûnosuke Kamiki, Mone Kamishiraishi, Ryô Narita

Música: Radwimps

Duración: 106 min.

Japón, 2016

La sinrazón tras el horror – Crítica de “Land of mine/Bajo la arena” (2015)

Conceptualmente “bajo la arena” puede remitir a algo plácido, un improvisado partido de fútbol en la playa, risas, diversión y relax. Un (necesario) oasis en mitad de la más absoluta barbarie que permita un momento de descanso al espectador. Nos encontramos cerca del mar sí, pero la traducción del título original habla del peligro latente que subyace diez centímetros por debajo de aquellos quince pares de pies.

El nombre anglosajón del filme expone la temática bélica sin tapujos y juega, ingeniosamente, con la polisemia de la expresión “land of mine”. Trasladado a la lengua de Cervantes, por un lado compendia todo el desprecio del oficial del ejército de Dinamarca que a voz en grito conmina a los soldados alemanes que regresan derrotados a casa tras cinco años de ocupación: fuera de “mi tierra”, este es “mi país”. Estamos en 1945, acaba de terminar la Segunda Guerra Mundial y en el reino de Hamlet la podredumbre física y moral se adueña de vencedores y vencidos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAND OF MINE_El sargento

El otro significado nos lleva a los “campos de minas” en que los nazis habían convertido el litoral de la península de Jutlandia en la creencia de que la invasión aliada habría de producirse precisamente allí y no en Normandía.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAND OF MINE_Caminando por la playa

El cineasta danés Martin Zandvliet parte de un episodio real para realizar un sólido y contundente acercamiento al conflicto que denuncia las atrocidades que se pueden cometer en nombre del mal entendido patriotismo y de la venganza inspirado en todo aquello que sucedió una vez finalizadas las hostilidades. Y es que tras la guerra unos dos mil prisioneros de guerra alemanes fueron forzados a retirar más de millón y medio de minas de la costa oeste danesa. Casi la mitad de ellos murieron o resultaron heridos. Muchos eran menores de edad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAND OF MINE_desactivando una mina

El modélico texto del director y guionista condensa este horrible episodio, considerado por muchos constitutivo de crímenes de guerra, en el acontecer de una unidad formada por catorce prisioneros germanos, adolescentes todos ellos, que son adiestrados para desactivar minas antipersona.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAND OF MINE_El sargento y sus hombres

A pesar de la perfección formal con la que comienza el relato, de la tensión creada a partir de la concatenación de planos, el juego con los sonidos de las respiraciones, el canto de los pájaros y la ausencia de música para angustiar al espectador ante las posibles consecuencias de una inminente explosión, la verdadera entidad de la cinta surge a partir del momento en que las relaciones humanas toman las riendas de la narración para trasladarnos el sufrimiento y la impotencia de los jóvenes miembros de ese extraño batallón, pero sobre todo el vínculo que se establece entre ellos y el sargento danés al mando y los sentimientos encontrados de este personaje, excepcionalmente escrito e interpretado, que pasa por todos los estadios posibles desde el odio acérrimo a la comprensión de que, por encima de la situación, lo que tiene delante de sus narices son niños asustados obligados a madurar a marchas forzadas debido a los delirios de grandeza de un dictador.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAND OF MINE_Comprobando si hay minas

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  ©  Nordisk Film, Amusement Park Films. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

Land of mine. Bajo la arena 

Dirección y guión: Martin Zandvliet

Intérpretes: Roland Møller, Louis Hoffmann, Joel Basman

Música: Sune Martin

Fotografía: Camilla Hjelm

Duración: 100 min.

Dinamarca, Alemania, 2015

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