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Cine Fórum “Brooklyn” con Manu Zapata – Sábado 28 de enero – Salón de actos Castillo de Marcilla – Conclusiones

El pasado sábado 28 de enero regresamos al emblemático escenario del salón de actos del  Castillo de Marcilla para presentar, ver y comentar con todo el público que se acercó la película irlandesa Brooklyn, en un cine fórum organizado por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Marcilla en colaboración con la Biblioteca Pública de la localidad. El debate suscitó gran interés y participación y sacó a relucir la gran cantidad de asuntos que se tratan en un trabajo que logró 3 candidaturas al Óscar en 2016, incluida una mención a mejor película del año.

La cinta, de manera sencilla y directa, aborda temas complejos como la inmigración, la madurez, la toma de decisiones vitales que implican grandes renuncias, la mezquindad, la generosidad de los extraños, el seguir el propio camino o dejarse llevar por lo que los demás quieren o piensan de nosotros, la familia (la que nos viene impuesta y la que podemos formar nosotros), la elección entre dos países y entre dos amores, la nostalgia y, por último, el hogar. La palabra HOME, que utilizan tanto los angloparlantes. ¿Cuál es mi hogar? ¿Dónde está? ¿Qué es lo que entendemos por hogar?

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Brooklyn hace todo esto a través de la peripecia de Eilis, una chica inteligente y de gran talento para la que no hay un futuro ni laboral, ni afectivo en Enniscorthy, el pueblecito irlandés del que es originaria, y, como tantos otros, emigra a Estados Unidos con la ayuda de su hermana con la esperanza de labrarse una vida, encontrándose un Nueva York cosmopolita, al principio de la década de 1950, al que habrá de habituarse.

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La magia de un cine fórum se encuentra en la forma en que cada asistente se enriquece con visiones del filme que se analiza distintas a la suya propia y que nos ayudan a todos los participantes a adquirir un panorama de 360 grados acerca de las interesantes disquisiciones que nos presenta el largometraje en cuestión. Tras la proyección de Brooklyn, y confrontándola con la novela del mismo título del escritor irlandés Colm Toibin, quedó meridianamente claro que discurren en paralelo dos itinerarios, el del argumento de esta historia y el trayecto interior de una protagonista que ha de tomar las riendas de su propia vida y vivirla por ella misma, independientemente de la voluntad que los demás pudiesen tener, tomando decisiones dolorosas, pero necesarias.

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John Cownley, en su cuarta incursión tras las cámaras, ha realizado una obra de una sensibilidad a flor de piel, extremadamente cuidada, desde la adaptación que el novelista metido a guionista Nick Hornby realizó del texto literario original hasta la elección de un reparto magnífico en el que destaca una mezcla de jóvenes y veteranos, con Domnhall Gleason y Emory Cohen entre los primeros y Julie Walters y Jim Broabdent entre los segundos, y una protagonista que no podría ser otra más que Saoirse Ronan.

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La película, como hemos comentado con anterioridad, logró 3 candidaturas a los Óscars en 2016. A la de mejor película del año se unieron las dos claves para el éxito de esta obra: mejor guión adaptado y mejor actriz protagonista.

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La sutileza con que Nick Hornby va plasmando todos y cada uno de los matices que presenta la novela, el retrato de los personajes y ese magnífico juego de espejos en el que cada secuencia tiene su reflejo en otro momento de la película, dibuja una estructura circular que cierra la trama de manera ejemplar con tres secuencias finales salidas directamente del genio del autor de Fiebre en las gradas Alta fidelidad que redondean una narración exquisita.

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La otra pata de esta banqueta es la niña prodigio del cine, Saoirse Ronan. Su interpretación fue merecedora de una nominación al Óscar, su segunda a sus 22 años, porque la primera la logró con tan solo 14 por su papel en Expiación. Sin ella, como decíamos, no se podría haber rodado este filme porque no existe actriz más adecuada para interpretar a Eilis que Saoirse (pronúnciese Siorsha) Ronan, nacida en Nueva York pero criada en Irlanda. Aportó su talento, su destreza con los acentos y esa mirada que expresa todo tipo de sentimientos para reflejar como nadie la nostalgia que siente una inmigrante que se encuentra lejos de su tierra natal en una época en la que un océano de distancia entre ella y su familia se convertía en un obstáculo prácticamente insalvable.

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A este que escribe, el revisitar Brooklyn recibiendo los comentarios y sentimientos que provocó entre los espectadores del cine fórum, ayudó a poner en valor una fantástica cinta absolutamente recomendable.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Wildgaze Films, BBC Films, Paralel Film Productions. Cortesía de Hispano Fox Films.  Reservados todos los derechos.

 

Cine Fórum “Brooklyn” con Manu Zapata – Sábado 28 de enero – 19 h. – Salón de Actos Castillo de Marcilla

Esta tarde a partir de las 19 horas estaremos en el salón de actos del Castillo de Marcilla (Navarra) para presentar y moderar un interesante cine fórum en torno a una de las películas más emocionantes que irrumpió en 2015 en el panorama cinematográfico mundial, la irlandesa Brooklyn.

Estáis todos invitados a acercaros para ver un gran largometraje y participar en el debate que mantendremos después acerca de los relevantes temas que trata el filme.

La próxima semana tendréis prácticamente una crítica por día recopilando todas las que tenemos pendientes de publicar, debido al tiempo que hemos pasado preparando este cine fórum: Figuras ocultas, Billy Lynn y Vivir de noche.

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Wildgaze Films, BBC Films, Paralel Film Productions. Cortesía de Hispano Fox Films.  Reservados todos los derechos.

La sutileza de la poesía sin palabras – Crítica de “La tortuga roja” (2016)

El mundo no es lo suficientemente sencillo como para explicarlo en palabras. La sentencia la firma Hayao Miyazaki, director de cine de animación japonés recientemente retirado del que se ha dicho que combinaba elementos de Walt Disney, Steven Spielberg y Orson Welles. Nadie mejor que el fundador del mítico Studio Ghibli, del que surgieron obras maestras como La princesa Mononoke y El viaje de Chihiro, para introducir la crítica de la primera película no nipona producida por la factoría de sueños del país del sol naciente. El mérito de tan singular honor ha recaído sobre un realizador holandés, Michael Dudok de Wit, que les impresionó de tal manera con su cortometraje ganador del Óscar Padre e hija que, además de solicitarle la distribución del mismo, le pidieron que dirigiese un filme para ellos. Dieciséis años más tarde llega La tortuga roja, que también supone el estreno como largometrajista del cineasta de Utrecht.

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La cita de Miyazaki resulta totalmente oportuna ya que se nos presenta un trabajo realizado con un esmero y una elegancia exquisitas que relata sin necesidad de palabras el discurrir de la vida de un náufrago en una isla desierta habitada por tortugas, cangrejos y aves. La fuerza del viento, la persistencia de la lluvia, la fiereza de la mar embravecida, los gritos del protagonista, el canto sibilante de los albatros y una partitura que se mueve entre la épica y la emotividad componen la banda sonora que, unida a las poderosas imágenes, transmite de manera llana la magia de esta historia capaz de conmover a espectadores de todas las latitudes.

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Los trazos que definen las figuras recuerdan a los característicos dibujos de los cómics de Tintín e incluso en determinados momentos nos da la sensación de contemplar pasajes relacionados con la animación para adultos que nos ofrecía Vals con Bashir. Aún así, el desarrollo de la narración sigue la senda de la maravillosa introducción de Up, que supo arrancarnos sinceras lagrimas silenciosas.

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Este pequeño tesoro tan solo adolece de una pequeña tara, achacable a la falta de soltura en la distancia larga de quien tan excelentemente evoluciona en las duraciones breves. El espectador ha de ser paciente para poder superar una introducción que prolonga en exceso su desarrollo y de esta forma acceder al momento en que la fantasía, marca de la casa de la productora oriental, entra en contacto con un relato que hasta el momento había discurrido pegado al mundo real.

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A partir de ese momento, que coincide con la llegada de la enigmática tortuga roja, la cinta se eleva, poco a poco nos va enganchando hasta atraparnos, como si de una planta carnívora se tratase, con la poesía que surge de la sutileza de sus imágenes sublimada por la emotividad de unos acordes que consiguen que se nos encoja el alma, dando lugar a una de las obras más delicadas y singulares surgida de la imaginación y la pluma de un dibujante.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Prima Linea Productions, Why Not Productions, Wild Bunch, Studio Ghibli. Cortesía de Karma Films.  Reservados todos los derechos.

 

La tortuga roja

Dirección: Michael Dudok de Wit

Guión: Pascale Ferran y Michael Dudok de Wit

Música: Laurent Pérez del Mar

Montaje: Céline Kélépikis

Duración: 80 min.

Francia, Bélgica, Japón, 2016

Cómo transmitir la peor de las noticias – Crítica de “Solo el fin del mundo” (2016)

Cuando uno ve las películas conociendo únicamente su título o, a lo sumo, el nombre de quien las ha dirigido, se encuentra en disposición de formar una opinión sin prejuicio alguno, siendo capaz de emitir una primera impresión sin ningún tipo de interferencia o contaminación.

Mommy, anterior trabajo de Xavier Dolan resultó ser, para este analista, una cinta excesivamente larga que no dejaba de divagar en torno a la obsesiva relación de un hijo con su madre. Su única originalidad, encerrar la acción en un reducido marco que emulaba la pantalla de un teléfono móvil. El recibimiento triunfal que le otorgó gran parte de la crítica no deja de asombrar a quien no piensa igual, pero refrenda la independencia de sus pareceres.

Especialmente chocante resulta un nuevo contraste de perspectivas, en sentido contrario esta vez. Las buenas sensaciones percibidas por este escribiente durante el visionado de Solo el fin del mundo frente al espectacular vilipendio al que la prensa especializada sometió a la cinta en el pasado Festival de Cannes. No obstante, tanto el jurado del certamen como el ecuménico la colocaron en su palmarés.

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Nacido entre controversia, este filme describe el regreso a casa, tras más de una década de ausencia, de un joven escritor aquejado de una enfermedad terminal para comunicar su terrible destino a sus allegados: una familia disfuncional en la que la demencia de una madre viuda lidia con la curiosidad de la benjamina y la irascibilidad del hermano mayor.

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Al airado primogénito, un Vincent Cassel algo pasado de vueltas, lo contrapesa la sutilidad de su esposa, Marion Cotillard, en un discreto segundo plano. Su personaje resulta vital ya que es el único capaz de comprender al hijo pródigo, Garpard Ulliel, que dejando atrás la afectación que exhibía en La bailarina transmite una contención capaz de traslucir un dolor psicológico y una lucha interior en la que el desapego pugna con el sentimiento de pertenencia a lo que quiera que formen sus seres queridos.

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La temática y el tono nos trae a la mente la excelente Corazón silencioso, con la que Bille August abordaba el controvertido tema de la muerte inminente y la compleja manera de hacer llegar tan delicada noticia a quienes se encuentran más cerca.

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Dolan adapta la obra, con tintes autobiográficos, de Jean-Luc Lagarce y se las ingenia para salvar con maestría la teatralidad del texto gracias a una magnífica realización, apoyada en la excelente fotografía, con el uso constante, casi radical, de primeros planos, detalles, desenfoques, y la utilización dramática de la banda sonora que convierten esta historia en un evento puramente cinematográfico. Incomoda conscientemente al espectador para imbuirle del ambiente opresivo y claustrofóbico que se respira en el angosto espacio entre esas cuatro paredes donde acontece todo, pero lo hace con un empaque y una cantidad de recursos estilísticos que subyuga cada uno de los sentidos. Para redondear la notabilidad del conjunto, una más que pertinente referencia, tanto en lo visual como en lo metafórico, a Centauros del desierto.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Sons of Manual, MK2 Productions, Téléfilm Canada. Cortesía de Avalon.  Reservados todos los derechos.

 

Solo el fin del mundo 

Dirección: Xavier Dolan

Guión: Xavier Dolan basado en la obra de Jean-Luc Lagarce

Intérpretes: Gaspard Ulliel, Nathalie Baye, Vincent Cassel

Música: Gabriel Yared

Fotografía: André Turpin

Duración: 97 min.

Canadá, Francia, 2016 

Misterio desvelado – 13 títulos hitchcockianos ocultos en la crítica de Frantz

Ahora que ya habéis podido disfrutarla con tranquilidad ya puedo desvelar aquello tan curioso de lo que os hablaba.

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La crítica de Frantz lleva implícito un pequeño juego cinéfilo. Se encuentran ocultos en el texto 13 títulos exactos o con ligeras variaciones de películas de Alfred Hitchcock. Dos de ellos son el título original y su equivalente en castellano de la más emblemática de todas.

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Disfrutad de este pequeño entretenimiento de año nuevo.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Saul Bass, Alfred J. Hitchcock Productions, Mandarin Films, FOZ, Mars Films, France 2 Cinéma, Films Distribution, X-Filme Creative Pool. Cortesía de Golem Distribución.  Reservados todos los derechos.

Carta de amor a un clásico inmortal – Crítica de “Frantz” (2016)

¿Con qué François Ozon vamos a toparnos? ¿Con el oscuro diseccionador del comportamiento humano de En la casa o con el excesivo y exacerbado que nos dejó su último trabajo, Una nueva amiga? Este imprevisible realizador, tan versátil como voluble, salta de un género a otro con tanta agilidad que nos queda una sombra de duda acerca de lo que nos podemos encontrar. De entrada, la sobriedad gris de un pueblecito teutón de principios del siglo XX contrasta brutalmente con la colorida provocación del París contemporáneo impreso, todavía, en nuestra retina. La elegancia de la planificación y la fantasmagoría en la que nos sumerge la perturbadora banda sonora hacen el resto.

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Alemania, 1919. La psicosis de la Primera Guerra Mundial quedó atrás. Una hermosa joven acude al cementerio. El canto de los pájaros se acalla mientras observa, oculta tras un árbol, cómo un hombre deja flores sobre la tumba de su prometido, caído en el frente francés. ¿Quién es ese enigmático desconocido? ¿Por qué ha depositado un ramo sobre la lápida bajo la que descansa Frantz? ¿Qué relación les unía?

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Por más que nos encontremos ante la adaptación de una historia, Remordimiento, que Ernst Lubitsch llevó al cine en 1932, Ozon utiliza el argumento como mera excusa para explayarse en torno a temas recurrentes en su producción más reciente como el luto, el enamoramiento y la inquietante presencia de la persona fallecida encadenada a las decisiones románticas de la atormentada alma que le ha sobrevivido.

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Pero si escarbamos sobre la superficie y profundizamos en el desarrollo dramático y estilístico nos vamos encontrando imágenes, sonidos y momentos fílmicos en los que ya hemos vivido. La sensación de déjà vu se vuelve tan real que en el camposanto nuestro pensamiento se posa inevitablemente sobre James Stewart. La música nos envuelve en un halo de misterio que recuerda acordes magistrales creados por Bernard Herrmann. Y todo el suspense que el cineasta parisino maneja con maestría durante la primera mitad de la trama se refleja en el espejo de su orondo colega londinense.

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Cuando uno juega con una soga de este calibre corre el peligro de ahorcarse pero, en lugar de naufragar, la inspiración de Ozon conserva la atmósfera del clásico, e incluso su estructura, y la viste con sus propios ropajes. La intriga se transforma en romanticismo y los sentimientos se plasman en los rostros de unos maravillosos Pierre Niney y Paula Beer cuya momentánea felicidad colorea el blanco y negro de la exquisita fotografía.

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La estupenda protagonista, nada de frenesí, recorre, calmada pero segura, los pasillos del Louvre. Frente a ella, un hombre sentado en un banco ensimismado con una magnética pintura de Manet. La composición del plano, el museo, el cuadro y, de nuevo, la indiscreta observadora que se vuelve a transformar en James Stewart. Ozon ha conseguido trascender el mito de Vértigo en una imprescindible carta de amor que, más que traer de entre los muertos a Hitchcock, expresa todo lo que su arte todavía sigue inspirándonos.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Mandarin Films, FOZ, Mars Films, France 2 Cinéma, Films Distribution, X-Filme Creative Pool. Cortesía de Golem Distribución.  Reservados todos los derechos.

 

Frantz 

Dirección: François Ozon

Guión: François Ozon y Philippe Piazzo, libremente inspirado en la película Remordimiento de Ernst Lubitsch

Intérpretes: Paula Beer, Pierre Niney, Ernst Stötzner

Música: Philippe Rombi

Fotografía: Pascal Marti

Duración: 113 min.

Francia, Alemania, 2016

 

Feliz 2017 con la crítica de “Frantz”

Feliz 2017 a todos los lectores de Vivazapata.net con una crítica muy especial. Disfrutad de su lectura y en un par de días os cuento algo curioso referente a ella.

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Mandarin Films, FOZ, Mars Films, France 2 Cinéma, Films Distribution, X-Filme Creative Pool. Cortesía de Golem Distribución.  Reservados todos los derechos.

Pasión (contagiosa) por el espectáculo – Crítica de “Canta” (2016)

Desde el estreno en 1996 de Toy Story el baremo para juzgar una película de animación sufrió una sensible variación al alza. Este hecho sirvió para refinar el paladar del aficionado, que comenzó a demandar, además de un acabado técnico impecable, historias de calidad que sedujesen tanto al adulto como al niño, lo que devino en un acicate para la propia industria que hubo de dar lo mejor de sí misma para satisfacer tan altas expectativas. Pixar marcó el camino, Dreamworks aceptó el envite y el resto de grandes compañías, con Disney a la cabeza, más pronto que tarde hubieron de adaptarse a los nuevos gustos. A Illumination Entertainment le llegó el turno en 2010 con Gru, mi villano favorito, cuyo sentido de la ironía, de la ternura y del humor descacharrante caló en un público que años más tarde coronaría a los Minions como los reyes de la comedia del absurdo.

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Como no es oro todo lo que reluce, la todavía reciente Mascotas quedó en agua de borrajas al desarrollar un guión centrado en el espectador infantil pero que descuidaba al acompañante más veterano. Lección aprendida. El siguiente estreno del estudio, ¡Canta!, a pesar de sobrepasar ampliamente los 90 minutos, consigue que los más pequeños permanezcan absortos en sus butacas al tiempo que engancha al resto del público con una trama sencilla, pero que atrapa desde el inicio, en la que se integra una selección de más de 85 éxitos musicales que van desde los años 40 hasta antes de ayer.

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Un koala llamado Buster Moon, empeñado en devolver a su teatro la gloria de antaño, organiza el concurso de canciones más grande del mundo. Pronto tendrá a cientos de aspirantes haciendo cola para lograr un impresionante premio que puede poner en peligro el futuro del auditorio.

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Como muy bien se puntualizaba en El secreto de sus ojos, uno puede cambiar de casa, de pareja, de religión, pero nunca podrá desprenderse de algo que se lleva tatuado en el alma como es una pasión. Los animales antropomorfos que protagonizan esta película comparten un apasionamiento por la música, por el espectáculo, por cantar y bailar para contagiar a todo el mundo ese estado de efervescencia que les invade.

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Garth Jennings, neófito en el terreno del cine generado por ordenador, ha conseguido transmitir ese espíritu que respira la cinta a través de unos personajes inolvidables y de una fantástica banda sonora que se ha querido mimar en el doblaje respetando el idioma original de cada tema.

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Resulta imposible dejar de tararear al abandonar la sala recordando espectaculares secuencias de acción, coreografías imposibles u homenajes en toda regla a clásicos del celuloide como El crepúsculo de los dioses. Nuestro corazoncito palpita emocionado con la sentida interpretación del Hallelujah de Leonard Cohen junto a la hermosa reivindicación de la no renuncia a aquello que realmente nos llena y nos hace felices. Pero el ingrediente secreto de este trabajo es una camaleona sexagenaria con un ojo de cristal que ejerce como secretaria del protagonista. Deliciosamente desternillante.

Film Title: Sing

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Hammer & Tongs, Illumination Entertainment, Universal Pictures. Cortesía de UIP Spain.  Reservados todos los derechos.

 

¡Canta!

Dirección y guión: Garth Jennings

Intérpretes (voces en la versión original): Matthew McConaughey, Reese Witherspoon y Scarlett Johansson

(voces en la versión doblada): Santi Millán, Paco León y Concha Velasco

Música: Joby Talbot

Duración: 108 min.

Estados Unidos, Reino Unido, 2016 

Olvidémonos de la cocaína, sigamos el dinero – Crítica de “Infiltrado” (2016)

Cuando uno lee Brad Furman bajo el crédito de dirección de este trabajo no es consciente de la importancia que tiene este tipo en la historia reciente del cine. Gracias al brillante ejercicio de film noir que supuso su segundo largometraje, El inocente (2011), consiguió dar un giro de 180 grados a la errática carrera que hasta entonces había llevado un Matthew McConaughey desnortado. En aquel filme aparecía un secundario de lujo, Bryan Cranston, en plena efervescencia televisiva. El Walter White de Breaking Bad ha sabido gestionar el éxito catódico para encauzar una muy interesante singladura en la gran pantalla que nos ha dejado papeles inolvidables y una nominación al Óscar que debió ser premiada. Fruto de ese estatus prestigiosamente atesorado surge esta primera incursión como productor ejecutivo, apoyando a Furman en la adaptación del libro en el que el agente encubierto Robert Mazur, encarnado por Cranston, relató la batalla contra el imperio de la droga en los Estados Unidos de Ronald Reagan.

THE INFILTRATOR

Olvidémonos del polvo blanco, sigamos el dinero. Esta cinta narra en primera persona la lucha contra el entramado de blanqueo de capitales de las grandes mafias del narcotráfico. Un peligroso cometido para el que el oficial de aduanas Robert Mazur se infiltra en la organización liderada por Pablo Escobar.

THE INFILTRATOR

Los rostros de Benicio del Toro, Wagner Moura o, próximamente, el de Javier Bardem han colocado el foco sobre la sinuosa figura del criminal colombiano. Traffic abordaba las cuatro perspectivas del problema: la de los propios cárteles, el frente policial, el político y los estragos producidos en los consumidores de cocaína. Infiltrado explota una variante del género, siguiendo la estela de Donnie Brasco, que coloca el punto de mira en los investigadores que bajo identidades falsas ponen sus vidas en riesgo al codearse con los mismísimos lugartenientes de los capos.

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La multitud de referentes no mengua la personalidad de una obra que encuentra en la sutileza su principal virtud. La huella del destino y sus fatídicos designios, que tan subyugantemente arrastraba la trama de Atrapado por su pasado, no deja de sobrevolar en torno a un magnífico Bryan Cranston que transmite al espectador la vulnerabilidad y el terror de quien se sabe en el filo de la navaja constantemente. La humanidad que confiere a cada uno de sus personajes lo ha convertido en uno de los referentes del cine actual.

 THE INFILTRATOR

Su doble papel, que bordea la esquizofrenia, entre el policía y padre de familia y el excéntrico financiero encargado de lavar las montañas de dólares que provienen de Sudamérica, vuelve a conmovernos hasta el punto de hacernos partícipes de ese particular síndrome de Estocolmo que puede afectar a todo agente que se encariña con la gente a la que vigila. Un fulano al que Furman nos engancha desde que nos hace caminar pegados a su espalda, palpitando junto a su acelerado corazón, en un plano secuencia inicial que tiene su réplica, para cerrar el virtuoso círculo de una obra impecable, en los momentos postreros del relato.

THE INFILTRATOR

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Good Films. Cortesía de Filmax.  Reservados todos los derechos.

 

Infiltrado 

Dirección: Brad Furman

Guión: Ellen Brown Furman , basado en el libro Infiltrado de Robert Mazur

Intérpretes: Bryan Cranston, John Leguizamo, Diane Kruger

Música: Chris Hajian

Fotografía: Joshua Reis

Duración: 127 min.

Reino Unido, 2016

Retrato de un oficio invisible – Crítica de “El editor de libros” (2016)

Estas torpes palabras esbozadas a modo de introducción de lo que se va a convertir en una crítica es muy probable que, una vez ordenadas negro sobre blanco, resulten prescindibles en comparación con otros párrafos mucho más ricos y nutridos de argumentos. La función de la persona encargada de separar el grano de la paja en las distancias cortas del artículo periodístico, y por lo tanto de cercenar esa primera frase de ahí arriba, y en la carrera de fondo de la literatura recibe el nombre de edición. Una labor invisible, al igual que lo es la del montaje de cine, a la par que imprescindible, y que se encarga de cincelar, de extraer del bloque de piedra, del tocho de papeles mecanografiados o de los interminables rollos de celuloide, la mejor obra posible manteniendo la esencia que el autor impregnó a su creación.

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Esta película describe a la perfección un oficio que tiene tanto de psicólogo de cabecera o de paño de lágrimas como de consejero artístico, que requiere de la mano izquierda suficiente para poder lidiar con el ego del literato siendo capaz de velar por el espíritu del texto dando esquinazo constante a la tentación de modificarlo; el oficio de editor de libros, que ejerció con inimitable destreza durante los años de la Gran Depresión un hombre sin el que la maestría nacida de las privilegiadas plumas de Scott Fitzgerald o Hemingway no habría visto la luz: Max Perkins.

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¿Alguien recuerda su nombre? Por desgracia se hace necesario bucear en las hemerotecas para toparse con la semblanza de este tipo familiar apasionado por su trabajo y por devorar uno tras otro los originales que caían en sus manos. Este filme perfila su figura contrastándola con la de un escritor de prolija y poética prosa, Thomas Wolfe, con quien colaboró estrechamente y al que descubrió, del mismo modo que a sus coetáneos integrantes de la Generación Perdida.

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Michael Grandage ha escogido esta adaptación biográfica como su primer trabajo cinematográfico con la loable intención de reivindicar el legado del protagonista como elemento clave en la evolución de la literatura estadounidense de la primera mitad del siglo XX. Resulta interesante la labor de sabueso del realizador a la hora de escarbar en las personalidades de los dos personajes principales para mostrarnos que detrás de la flema que Colin Firth confiere al editor se esconde un adicto al trabajo casi tan obsesivo como el excesivo genio de las letras al que da vida Jude Law, cuyas tribulaciones fluctúan entre un eventual paso a la posteridad y la incapacidad de escribir una buena frase.

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El estatismo de determinados pasajes de la cinta, acompañado de cierta licencia para la sobreactuación de Law y una Nicole Kidman cuya expresividad continúa secuestrada por los estragos del bótox, delatan el origen teatral del cineasta de nuevo cuño. Afortunadamente no consiguen desdibujar el absorbente retrato de la apasionante profesión de un fulano que en un relato convencional hubiese quedado al fondo del cuadro.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.

Copyright imágenes  © Desert Wolf Productions, Michael Grandage Company, Riverstone Pictures, Pinewood Pictures  . Cortesía de A Contracorriente Films.  Reservados todos los derechos.

 

El editor de libros 

Dirección: Michael Grandage

Guión: John Logan, basado en el libro Max Perkins. El editor de libros de A. Scott Berg

Intérpretes: Colin Firth, Jude Law, Nicole Kidman

Música: Adam Cork

Duración: 104 min.

Reino Unido, Estados Unidos, 2016  

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