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Cine total: una fiesta para los sentidos – Crítica de “Vengadores: Endgame” (2019)

El Universo Cinematográfico Marvel, MCU por sus siglas en inglés, se ha venido desarrollando a imagen de su homónimo en las viñetas y se compone, de momento, de tres fases y dieciocho películas. Ésta que nos ocupa se encarga de culminar espectacularmente la Fase Tres. Un punto y seguido, no obstante. Sin momento para recuperar el resuello, ya se encuentra a la vuelta de la esquina una cuarta oleada.

La precuela de este largometraje, Vengadores: Infinity war, dejó cierto sabor a decepción en este cinéfilo no iniciado en el mundo del cómic debido, principalmente, al exceso de repetitivas secuencias de lucha y batallas. Tal vez por esta razón el inicio introspectivo de Vengadores: Endgame, centrado en la vulnerabilidad de los personajes, sorprende tan positivamente; te atrapa desde el primer instante y no te suelta hasta el último segundo de sus ciento ochenta y un minutos de duración.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VENGADORES-ENDGAME_Josh Brolin como Thanos

Venimos de una situación límite en la que Thanos, gracias al guantelete del infinito, había reducido a cenizas a la mitad de la población terrestre, entre la que se encuentra el cincuenta por ciento de la nómina de superhéroes que velaban por su seguridad. Los rótulos del filme anterior se desvanecían cual estatuas de polvo para marcar este hecho del mismo modo que los títulos de éste, su hermano mayor, aparecen poco a poco haciéndonos albergar remotas esperanzas de un posible giro en los acontecimientos. ¿Serán los Vengadores capaces de revertir tan terrible pérdida?

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Los hermanos Russo toman un guión que no deja de ser una montaña rusa de principio a fin y adecúan su realización, el ritmo y la cadencia a lo que demanda cada momento. Juguetean con los planos secuencia pero también con el montaje, exprimen el sonido (tanto en forma de efectos o canciones como a través de la heterogénea partitura de Alan Silvestri) hasta sus últimas consecuencias, bordean la perfección gracias a unos efectos especiales al servicio de la narración y no dejan de lado la dirección de actores, con un soberbio Robert Downey Jr. que engrandece más si cabe un trabajo que necesita (y obtiene) un salto de calidad más allá de la pericia técnica que se le supone.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VENGADORES-ENDGAME_Chris Hemsworth

El sentido del humor (inherente a la saga) y la innumerable relación de referencias, desde el reconocimiento tácito de Regreso al futuro como fuente inagotable de inspiración hasta los guiños indisimulados a En busca del arca perdida o las desternillantes alusiones a El gran Lebowski, terminan por convertir un mero vehículo para el entretenimiento en una pieza de coleccionista dentro de su género.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VENGADORES-ENDGAME_Scarlett Johannson y Jeremy Renner

Intimista al principio, tenebrosa después, sin renunciar a una acción innata, épica como pocas veces se ha visto (reservando elementos narrativos y estructurales para singularizar el instante oportuno y epatar a la audiencia), sinceramente emotiva (con la lágrima a flor de piel), ante todo se trata de una cinta tremendamente entretenida. Y con un broche de oro en forma de créditos finales que eriza cada uno de nuestros cabellos. Un maravilloso cierre a este segmento del inabarcable MCU.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VENGADORES-ENDGAME_Jeremy Renner, Robert Downey Jr., Chris Evans, Scarlett Johannson, Paul Ruud y Don Cheadle

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Marvel Studios, Walt Disney Pictures. Cortesía de Walt Disney Studios Motion Pictures España. Reservados todos los derechos.

 

Vengadores: Endgame

Dirección: Anthony y Joe Russo

Guion: Christopher Markus y Stephen McFeely basado en los cómics de Marvel de Stan Lee y Jack Kirby y en el álbum de Jim Starlin

Intérpretes: Robert Downey Jr., Chris Evans, Scarlett Johansson

Música: Alan Silvestri

Fotografía: Trent Opaloch

Montaje: Jeffrey Ford y Matthew Schmidt

Duración: 181 min.

Estados Unidos, 2019

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En el nombre de las víctimas – Crítica de “Gracias a Dios” (2018)

A pesar de algún que otro patinazo ocasional, François Ozon lleva tiempo consolidado como un valor seguro de buen cine. Sus propuestas entre estimulantes y perturbadoras han venido captando un interés que se ha ido acrecentando en los últimos tiempos con obras tan sobresalientes como la Concha de Oro de San Sebastián 2012, En la casa, o la sensación del Festival de Venecia de 2016, Franz, muestra inequívoca de que Ozon se mueve con soltura en diferentes géneros, estilos y registros. En Gracias a Dios se aventura en un thriller de investigación detectivesco/judicial, construido a partir de una muy cruda realidad, que viene bendecido por el Premio Especial del Jurado en el Festival de Berlín 2019 y el de interpretación masculina, para Melvil Poupaud, Denis Ménochet y Swann Arlaud, en el de Las Palmas de Gran Canaria.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GRACIAS A DIOS_Melville Paupaud

El largometraje se articula a partir de tres historias que se inician en distintos puntos del metraje y que confluyen en un momento a partir del cuál discurrirán juntas. Cada una se toma su tiempo para desarrollar a sus personajes principales y las circunstancias que los rodean, con magníficos trabajos por parte del trío cabeza de cartel.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GRACIAS A DIOS_Dennis Menochet

Un rótulo al inicio indica que nos encontramos ante una ficción basada en hechos reales, aunque los nombres de los eclesiásticos implicados no se han modificado. El título recrea una desafortunadísima frase del cardenal arzobispo de Lyon, Philippe Barbarin, en una rueda de prensa: gracias a Dios estos hechos han prescrito. La ambigüedad de la sentencia llevó a pensar que estaba expresando alivio por saber que el perpetrador de los mismos no podría ser juzgado. Bernard Preynat, a quien se refería Barbarin en su infausta alocución, pederasta acusado y culpable confeso, abusó de decenas de niños durante sus años como sacerdote en los Boy Scouts. Entre ellos se encontraban los tres protagonistas, que enfrentan, cada uno a su manera, esta situación ya en su vida adulta y después de haber formado sus núcleos familiares o de pareja.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GRACIAS A DIOS_Swann Arlaud y Josiane Balasko

Uno de los atractivos de la cinta reside en la confluencia de puntos de vista diferentes a la hora de afrontar los hechos, sus consecuencias y las acciones a tomar, así como la motivación de las mismas. Mientras uno de ellos lo hace desde su ateísmo y el total rechazo de la iglesia, otro lo enfoca desde dentro de la misma, a partir de sus creencias y con la intención de limpiarla de elementos tan nocivos y despreciables como los que le han arruinado la vida.

Melvil Poupaud dans le film Grace à Dieu

Esta ausencia de maniqueísmo conforma el principal valor de un filme que atrapa, golpea (duro, muy duro) y no deja respirar desde el minuto uno; igualmente imponente por lo que cuenta como por cómo lo cuenta. En palabras del personaje de Denis Ménochet, se puede definir éste como un relato en el nombre de las víctimas, de sus padres, de sus hijos, de sus fieles, de los sacerdotes inocentes salpicados, de los ciudadanos franceses, de los laicos, del clero y de la sociedad en general.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_GRACIAS A DIOS_Niño y mano de cura

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Mandarin Films, FOZ, Mars Films, France 2 Cinéma, Scope Pictures, Playtime. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

 

Gracias a Dios

Dirección y guion: François Ozon

Intérpretes: Melvil Poupaud, Denis Ménochet, Swann Arlaud

Música: Evgueni y Sacha Galperine

Fotografía: Manuel Dacosse

Montaje: Laure Gardette

Duración: 137 min.

Francia, Bélgica, 2018

Comedia intelectual a la francesa – Crítica de “Dobles vidas” (2018)

En los créditos finales de Dobles vidas suena “Here come the Martian Martians” de Jonathan Richman, un tema tan absurdo como representativo de su estilo, que viene a refrendar que acabamos de ver una sátira acerca de los efectos de la digitalización en la cultura y, por extensión, en la sociedad de hoy. Un puñado de reflexiones sesudas, con el mundillo literario como excusa argumental, que pueden ser traspuestas a otros ámbitos, como el del cine, aunque introducidas a través una trama vodevilesca, propia de la comedia de puertas, donde al estilo de Sé infiel y no mires con quien, cada personaje tiene un lío con alguien que no es precisamente su pareja.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DOBLES VIDAS_Vincent Macaigne

La unión de lo intelectual con el humor basado en los enredos sentimentales nos conduce inexorablemente a Woody Allen, aunque tras las cámaras y el texto se encuentre el cineasta francés Olivier Assayas. Un interesante híbrido al que su origen galo confiere un grado de peculiaridad tanto al contenido temático como al sentido de lo cómico que habrá de ser evaluado por la querencia de la platea a la manera de expresar estos asuntos que tienen en el país vecino.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DOBLES VIDAS_Nora Hamzawi

El relato nace con la propuesta de un escritor a su editor para que le publique su última novela. Una obra de ficción, aunque semiautobiográfica, en la que habla, sin tapujos y de forma sórdida, de sus escarceos sexuales y en la que se puede reconocer, torpemente escondidas tras nombres figurados, a las protagonistas de sus relaciones. De esta situación van surgiendo otras en las que se establecen, además de los intereses románticos del literato, su novia, el librero, su mujer y su ayudante, diferentes debates en torno a la creciente influencia de lo digital en el sector editorial.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DOBLES VIDAS_Guillaume Canet mesa

Las nuevas generaciones ya no leen libros, ojean blogs. Las ventas ya no se producen por la ascendencia y las palabras de esta o aquella crítica literaria sino por las filias y fobias que los influencers expresan en las redes sociales. Un pensamiento perfectamente trasladable al entorno del séptimo arte, a los que escribimos sobre películas desde distintas atalayas e incluso al modo de ver esos filmes; la disyuntiva entre la magia de la experiencia colectiva en una sala oscura frente al acto de hacerlo a través de una pantalla en el salón de casa.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DOBLES VIDAS_Juliette Bonoche

Olivier Assayas, que articula todo el largometraje a través de una concatenación de largas secuencias en las que dos personajes no paran de hablar, separadas unas de otras por fundidos a negro, alimenta esa doble lectura de ramificaciones cinematográficas a través de Selena, el rol de Juliette Binoche, actriz de profesión, con la que realiza una divertida alusión metalingüística a su yo real, y de ingeniosas e hilarantes referencias que relacionan a Michael Haneke con la saga de Star Wars del modo más surrealista que pudiésemos imaginar. Teniendo en cuenta que puede no ser plato de gusto para todos los paladares, los amantes de la comedia intelectual a la francesa disfrutarán.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_DOBLES VIDAS_Christa Théret

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Copyright imágenes  © CG Cinéma, Votrex Sutra. Cortesía de BTeam Pictures. Reservados todos los derechos.

 

Dobles vidas

Dirección y guion: Olivier Assayas

Intérpretes: Guillame Canet, Juliette Binoche, Vincent Macaigne

Fotografía: Yorick Le Saux

Montaje: Simon Jacquet

Duración: 108 min.

Francia, 2018

Queredme como soy – Crítica de “Identidad borrada” (2018)

El rostro del australiano Joel Edgerton resultará familiar a más de uno, su nombre, no tanto. Venimos viéndolo aparecer como secundario con más o menos peso desde su irrupción en el panorama internacional de la mano de Animal kingdom. El soldado de La noche más oscura, el magnate antagonista de El gran Gatsby, el faraón Ramsés de Éxodo: dioses y reyes, el policía corrupto de Black mass o la parte masculina del matrimonio interracial de Loving llevan su firma. Su aclamado debut como director, El regalo, le propició el premio al mejor actor en Sitges en 2015. En Identidad borrada, su segundo trabajo a ambos lados de la cámara, además de demostrar su progreso como realizador vuelve a reservarse un papel oscuro pero determinante en el desarrollo de esta trama basada en una historia real.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_IDENTIDAD BORRADA_Lucas Hedges

A veces imagino que soy Job, que Dios y el diablo tienen una apuesta conmigo y que un día Dios me dejará ver el experimento que hacía para probarme. El autor de estas palabras es Jared, hijo de un predicador de Arkansas, que, marcado por la religiosidad que vive en casa, desarrolla un sentimiento de culpa ante el descubrimiento de su atracción por otros hombres. Sus progenitores, incapaces de encajar un hecho que pone en entredicho sus principios, deciden internarlo en un centro donde se desarrolla una supuesta terapia de conversión que trata la homosexualidad como si de una enfermedad se tratase.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_IDENTIDAD BORRADA_Joel Edgerton enseña

El Edgerton realizador e intérprete se ha encargado también de transformar las memorias de Garrard Conley en un guión con una estructura sencilla que se centra en el internamiento de Jared, alter ego de Conley, con diversos flashbacks que dibujan la personalidad de un joven desorientado ante el choque entre la identidad que va aflorando y las directrices de un núcleo familiar férreo en lo que a lo religioso se refiere. Un texto que se va transformando del típico relato de supervivencia, característico del cine de campos de concentración, en un íntimo y valiente alegato acerca de la búsqueda del yo interior y del momento de mirar a los ojos y hablar claro con tus padres una vez alcanzada la mayoría de edad y con el convencimiento de quién eres realmente.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_IDENTIDAD BORRADA_Lucas Hedges y Nicole Kidman espejo

La causa directa de que este trabajo crezca y se convierta en la gran película que es tiene que ver, además de con el trabajo de un Lucas Hedges soberbio, con el desempeño de la pareja Nicole Kidman-Russell Crowe en los minutos finales. Sus duelos interpretativos con Hedges rezuman verdad, intimidad y sensibilidad por un lado y por el otro una honestidad brutal que pone la carne de gallina. La manera en la que el novato sostiene la mirada y da la réplica a un veterano como Crowe, conforma el cierre perfecto para uno de los más certeros y sinceros tratados acerca de las relaciones y el amor paterno y materno filial que denuncia unas prácticas que todavía siguen vigentes más cerca de lo que podríamos pensar.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_IDENTIDAD BORRADA_Lucas Hedges, Russell Crowe y Nicole Kidman

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Focus Features, Perfect World Pictures, Anonymous Content. Cortesía de Universal Pictures International (UPI) España. Reservados todos los derechos.

 

Identidad borrada

Dirección: Joel Edgerton

Guion: Joel Edgerton basado en el libro autobiográfico Boy erased: A memoir de Garrard Conley

Intérpretes: Lucas Hedges, Nicole Kidman, Russell Crowe

Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans

Fotografía: Eduard Grau

Duración: 115 min.

Australia, Estados Unidos, 2018

Una mujer adelantada a su tiempo – Crítica de “Conociendo a Astrid” (2018)

Todo comenzó cuando los adultos se enojaron con los niños y los despidieron avergonzados. Así que los niños terminaron en un nuevo país donde vivían por su cuenta. Tenían que cuidar de sí mismos, pero no eran más que niños. Realmente no sabían qué hacer. Así que dormían con los pies sobre la almohada y se ponían la ropa al revés y decían buenos días aunque era de noche. ¿Y qué pasó después? Que los niños hicieron todo a su manera y pasaban todo su tiempo trepando árboles y tomando refrescos.

Astrid Ericsson (a la que terminaríamos conociendo como Lindgren) improvisa este cuento, que conecta directamente con un momento de su prometedor futuro, para su pequeño Lasse. El espíritu de su personaje más popular, Pippi Calzaslargas, se encuentra presente en ese guiño ya que surgió, lustros más tarde, de la fértil imaginación de la literata sueca a petición de su otra hija que, convaleciente, demandaba una y otra noche las historias de tan singular chiquilla.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CONCIENDO A ASTRID_Alba August bailando

Uno no puede evitar elucubrar al hilo de un título y lo cierto es que Conociendo a Astrid ha desbaratado cualquier previsión. Los que esperábamos una biografía al uso, que transitase por los momentos álgidos de la existencia de la autora nórdica, nos hemos visto sorprendidos por un relato intimista y emotivo de los amargos pasajes que terminaron de moldear su fuerte personalidad en el tránsito de la pubertad a la edad adulta.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CONCIENDO A ASTRID_Alba August teléfono

La directora nos presenta a una adolescente inteligente, divertida, ingeniosa, hábil en el uso escrito y oral de las palabras y con un fuerte convencimiento de la igualdad de derechos entre mujeres y hombres en plenos años veinte del siglo pasado. Una joven avanzada a su época, feminista convencida, que es contratada en el periódico local, lo que le permite dejar las labores del campo en las que ayudaba a sus padres, y a la que este acontecimiento la va a cambiar la vida en aspectos insospechados.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CONCIENDO A ASTRID_Henrik Rafaelsen

El guion parte del 77 cumpleaños de la novelista, que recibe coloridos dibujos de sus personajes y una casete en la que toda una clase le va a dedicar hermosos pensamientos. La estructura del texto articula un viaje a ese pasado concreto del que hemos hablado con momentos de vuelta al presente, aunque curiosamente sólo en forma de sonido, escuchando en off las felicitaciones de esas voces infantiles que le agradecen su tremenda empatía con niñas y niños a pesar de su ancianidad y que remarcan instantes clave del largometraje

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_CONCIENDO A ASTRID_Henrik Rafaelsen y Alba August

A pesar de su concepción eminentemente clásica no deja de atrapar la dura pero conmovedora historia de Astrid Lindgren en la etapa en la que se forjó la escritora que vendría después, la Selma Lagerlöff en ciernes que veían sus hermanos. Gran parte del éxito de la cinta se debe al magnetismo de la inigualable Alba August, hija de los cineastas Bille y Pernilla August, una actriz maravillosa capaz de transmitir, a través de un inacabable abanico de emociones, la singularidad de una mujer adelantada a su tiempo.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Nordisk Film Produktion, Mutante Cine, Equina Filmes, Nordisk Film Production Sverige AB, Avanti Film, DCM Productions, Nordiskfilm Production, Film i Väst. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

 

Conociendo a Astrid

Dirección: Pernille Fischer Christensen

Guion: Kim Fupz AAkeson y Pernille Fischer Christensen

Intérpretes: Alba August, Trine Dyrholm, Henrik Rafaelsen

Música: Nicklas Schmidt

Fotografía: Erik Molberg Hansen

Duración: 123 min.

Suecia, Dinamarca, 2018

Atrévete siempre – Crítica de “Las herederas” (2018)

«Atrévete siempre», es ese un gran culto que pocos profesan. Este verso del poema Loca de Manuel Ortiz Guerrero actúa a modo de insinuación, de provocación, pero también de resorte para el alma de Chela, la protagonista, que sufre encerrada en una relación con una mujer que no la hace feliz. No hay más que ver su cara, su gesto, su peinado, su ropa. Vaga como un alma en pena por la casa que comparten y observa a las compradoras de los distintos enseres que tienen en venta desde la rendija abierta de una puerta entornada, a hurtadillas, de la misma forma que mira la vida pasar por delante, escondida y temerosa de dar el paso, abducida por el empuje de Chiquita, maniatada, sin sacar el temperamento necesario como para dar por finiquitada esa parte de su currículo sentimental.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAS HEREDERAS_Margarita Irún

Chela y Chiquita, casi sexagenarias, tras una larga y clandestina unión, se han visto obligadas a deshacerse de parte de sus bienes heredados para hacer frente a sus deudas y a una acusación de fraude que termina con Chiquita en la cárcel. La vicisitud obligará a Chela, mujer de clase alta venida a menos, a ofrecer un servicio de taxi a ancianas adineradas para ganarse el sustento, hecho que le obligará a salir de su torre de marfil para realizarse como persona a través de un trabajo placentero que le llevará a encontrar nuevas ilusiones.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAS HEREDERAS_Ana Brun y las clientas del taxi

Una crisis sentimental en la madurez. Eso es lo que retrata el paraguayo Marcelo Martinessi en esta multipremiada cinta que salió bendecida del Festival de Berlín del año pasado. Mientras que Chiquita no es capaz de vislumbrar la situación en la que poco a poco su carácter dominante ha sumido a su enamorada y que está a punto de terminar con un vínculo de décadas, Chela parece ausente, zombi, carente de estímulos para abrirse al mundo debido a la absorbente actitud de su pareja y a su propia falta de personalidad. De alguna manera recuerda en la lejanía, y en versión dramática, a lo que relataba Vicios pequeños, o su remake Una jaula de grillos, en clave de humor.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAS HEREDERAS_Ana Brun y Ana Ivanova vino

El estilo es seco, duro, sin edulcorar. Una realización austera, ninguna concesión al preciosismo, a lo sumo un plano secuencia reservado para uno de los momentos clave del filme y un bonito homenaje a Centauros del desierto. Nada de música de partitura que pueda influenciar a la audiencia creando un halo sentimentaloide, todo lo que suena proviene de algún elemento que aparece en plano.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAS HEREDERAS_Ana Brun coche

Esta suma de elementos provoca ciertos reparos rítmicos iniciales que, con la dosis necesaria de paciencia, se van diluyendo para conseguir que esta historia nos vaya seduciendo poco a poco. La película va abriendo sus pétalos como lo hace el personaje de Chela (cuyo arco dramático evoluciona notablemente) a medida que se hace consciente de su realidad, estancada en una relación que no avanza, y que echa mano de las circunstancias para intentar revertirla a su manera. ¿Terminará por profesar ese gran culto minoritario del «atrévete siempre»?

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LAS HEREDERAS_Ana Brun y Ana Ivanova

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Copyright imágenes  © La Babosa Cine, La Fábrica Nocturna Productions, Pandora Filmproduktion, Mutante Cine, Equina Filmes, Norsk Filmproduksjon A/S. Cortesía de BTeam Pictures. Reservados todos los derechos.

 

Las herederas

Dirección y guion: Marcelo Martinessi

Intérpretes: Ana Brun, Margarita Irún, Ana Ivanova

Fotografía: Luis Armando Arteaga

Montaje: Fernando Epstein

Duración: 98 min.

Paraguay, Alemania, Uruguay, Brasil, Noruega, Francia, 2018

Almodóvar por Almodóvar – Crítica de “Dolor y gloria” (2019)

Al final de su último trabajo, París, Tombuctú, Luis García Berlanga dejaba su particular epitafio fílmico. “Tengo miedo. L.”, se podía leer en el murete al pie del cartel de un toro de Osborne. En el filme, en boca de su alter ego, Michel Piccoli, ya había dado rienda suelta a sus obsesiones y temores. Muchos cineastas cuando encaran el final de sus carreras echan la vista atrás, bien sea como terapia personal o para expiar pecados pasados y pedir perdón. Es el caso de Clint Eastwood y su maravilloso testamento fílmico, Mula, con una emocionante segunda lectura que confiere un valor inesperado al que probablemente sea el postrero trabajo a los dos lados de la cámara del casi nonagenario realizador.  

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Pedro Almodóvar se encuentra en esa etapa de su vida, próximo a cumplir los 70, en la que ese afán recapitulador se convierte casi en una obligación. Si a este ansia por rendir cuentas con el pasado para poder seguir avanzando añadimos los achaques y el gusto por la hipocondría de Woody Allen, nos encontramos con un muy íntimo y muy particular punto y seguido (que no punto final) en la carrera del manchego que reúne todo esto de lo que estamos hablando pero que el de Calzada de Calatrava lleva a su terreno.

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Una película de hombres de este gran director de féminas donde, a partir de su sosias, un cineasta aquejado de multitud de dolencias que le impiden seguir desarrollando sus dotes artísticas, interpretado por Antonio Banderas, pasa revista a los principales padecimientos físicos y, sobre todo, a los dolores del alma que le han atormentado durante toda su vida. Entre ellos la separación profesional y emocional del propio Banderas desde Átame a La piel que habito; veintidós años de desvinculación. Y es que los momentos en los que la realidad del propio Almodóvar se cuela de manera clara y contundente o sibilina y de tapadillo en la ficción son múltiples y alegran el ojo entrenado del cinéfilo versado en el cineasta (atención a todas las fotografías).

manu-zapata_el-cine-de-estreno-fácil-de-leer_vivazapata.net_DOLOR Y GLORIA_Penélope Cruz Panorámica

El uso inteligente de las pérdidas de conciencia del personaje principal para introducir los flashbacks que nos llevan a su infancia van orientando, poco a poco, el foco sobre el verdadero objeto de esta cinta que no es otro que un homenaje a la mujer que tanto le marcó. Esa espinita que lleva clavada el artífice de Hable con ella desde el fallecimiento de Francisca Caballero y que le había impedido, hasta ahora, verbalizar, analizar y canalizar ese proceso de duelo a través de su creatividad, deja de ser una asignatura pendiente. Los momentos tiernos suceden a los amargos, aunque no faltan los divertidos, en una hermosa carta de amor a su madre (con psicoanálisis incluido) que crece con el paso de los minutos y culmina de manera tan sencilla como magistral recordándonos que habíamos aceptado participar en este juego en el que el cine se mete dentro del cine para dejar en carne viva las entrañas de uno de sus más ilustres embajadores.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © El Deseo. Cortesía de Sony Pictures España. Reservados todos los derechos.

 

Dolor y gloria

Dirección y guion: Pedro Almodóvar

Intérpretes: Antonio Banderas, Asier Etxeandía, Penélope Cruz

Fotografía: José Luis Alcaine

Música: Alberto Iglesias

Montaje: Teresa Font

Duración, 113 min.

España, 2019

De Lennon a Bukowski – Crítica de “Beautiful boy, siempre serás mi hijo” (2018)

Cierra los ojos, no tengas miedo. El monstruo se ha ido y tu padre está aquí. John Lennon escribió Beautiful boy, poco antes de morir asesinado, pensando en su hijo Sean. Para David Sheff simboliza el amor por su bebé recién nacido, el cariño por enseñarle el mundo a medida que va creciendo y el afán de protegerle de cualquier peligro que pudiera acecharle. Pasó de cantársela como nana, arrullándolo en su inocente infancia, a tomarla como símbolo de su lucha contra el fantasma de la adicción a las drogas de su retoño hasta el punto de titular así su libro autobiográfico, uno de los dos que adapta esta película.

El otro, Tweak, con la firma de Nic Sheff, relata el descenso a los infiernos de un adolescente que desde los dieciséis años llevaba experimentando con marihuana y cocaína, iniciando una escalada que le llevó a cumplir la mayoría de edad atrapado por uno de los compuestos más adictivos y peligrosos que existen, el cristal meth.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BEAUTIFUL BOY_Steve Carell y Timotheé Chalamet en el suelo

Padre e hijo narran, cada uno desde su punto de vista, una vieja historia que el cine nos ha contado con diferentes sustancias de fondo y desde distintos ángulos: El hombre del brazo de oro, Días de vino y rosas, El borracho, Drugstore Cowboy, Réquiem por un sueño. Lo que destaca de esta propuesta, que en esta ocasión disponemos del testimonio real de cada uno de los implicados en este drama, el de un hombre divorciado y vuelto a casar que descubre con horror el serio problema de su chaval. Podremos ver cómo uno y otro manejan una situación tan delicada y tan al límite.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BEAUTIFUL BOY_Timotheé Chalamet Acusador

Las elecciones en cuanto a estructura y narrativa fílmica del belga Felix Van Groeningen con el montaje en paralelo de los dos focos de atención, el salpimentado de flashbacks perfectamente escogidos y colocados y la anticipación de momentos con el efecto de conseguir agilidad al tiempo que introduce significado y contenido resultan vitales a la hora de hacer atractivo un relato duro y contundente, para el que podríamos estar anestesiados por la cantidad de ocasiones en que lo hemos visto en la gran pantalla pero que nos golpea gracias a su impactante realismo en primera persona y a este tratamiento en lo referente a su armazón.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BEAUTIFUL BOY_Steve Carell preocupado

Tan conmovedora resulta la interpretación de un padre desesperado y desorientado que realiza el eminentemente cómico Steve Carell como escalofriante el retrato dibujado por el talentoso Timotheé Chalamet de este adolescente atrapado en una pesadilla sin final. En plena espiral autodestructiva se ve reflejado, como su progenitor en las palabras de Lennon, en la naturaleza y en los versos de un maldito como Charles Bukowski al que invoca no se sabe si para exorcizar sus males o para justificarse por verse reflejado en el espejo de su poesía rota y escupida a bocajarro. La paz y la felicidad eran signos de inferioridad, inquilinos de una mente débil y podrida. Impresionante escuchar Deja que te envuelva al completo en la voz de Chalamet durante los créditos finales.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_BEAUTIFUL BOY_Timotheé Chalamet y Steve Carell sentados

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Amazon Studios, Big Indie Pictures, Plan B Entertainment. Cortesía de Diamond Films. Reservados todos los derechos.

 

Beautiful boy, siempre serás mi hijo

Dirección: Felix Van Groeningen

Guion: Luke Davies y Felix Van Groeningen, basado en los libros “Beautiful Boy” de David Sheff y “Tweak” de Nic Sheff

Intérpretes: Timotheé Chalamet, Steve Carell, Maura Tierney

Fotografía: Ruben Impens

Montaje: Nico Leunen

Duración: 120 min.

Estados Unidos, 2018

Lúcido retrato de la locura – Crítica de “Van Gogh, a las puertas de la eternidad” (2018)

Pinto para dejar de pensar. ¿Eres feliz cuando pintas? La mayor parte del tiempo, excepto cuando fallo; hay mucha decepción y fracaso a la puerta de una imagen exitosa. Encuentro la alegría en el dolor, la enfermedad a veces puede curarnos. Odio la idea de recuperar mi salud, doctor Gadget. Dicen que estoy loco, pero un grano de locura es lo mejor del arte. No eres un loco, Vincent. 

Del pincel del norteamericano transmutado en cineasta al doliente holandés eterno. Schnabel pugnando por desentrañar la mente del genio y esbozar un lúcido retrato de una locura que no es tal, sino un estado febril, apasionado, amnésico, turbado. El acercamiento a Van Gogh más próximo a la realidad que el cine nos ha enseñado. Con sus momentos de sosiego. Largas secuencias mudas. El pintor buscando su musa. Anda, corre, observa, se tumba sobre la hierba y mira al cielo, y entonces sonríe. El sol, la luz, el color amarillo, el momento en el que sabe positivamente qué va a inmortalizar y cómo.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VAN GOGH A LAS PUERTAS DE LA ETERNIDAD_Willem Dafoe pintando en el campo

Esta es la última de las múltiples producciones que se han ocupado de la figura de Vincent Van Gogh. La más notoria, El loco del pelo rojo de Vincente Minelli, relato biográfico al estilo clásico con un Kirk Douglas que sacó su vena histriónica para encarnarlo. La más pictórica, Loving Vincent, en la que el espectacular despliegue técnico para presentar una animación literalmente sacada de su rabiosa pincelada no sirve para ocultar un guion anodino. Incluso un director del renombre de Martín Scorsese se caló su sombrero de paja para personificarlo en Los sueños de Akira Kurosawa. Entre todas ellas, la interpretación que mejor ha transmitido esa mezcla de clarividencia, desasosiego y arrebato, la que realmente ha humanizado, sin aspavientos ni muecas, el alma torturada del artista, es la sutil y poderosa visión que nos ha regalado aquí un épico Willem Dafoe.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VAN GOGH A LAS PUERTAS DE LA ETERNIDAD_Willem Dafoe buscando la inspiración

El trío de guionistas ha querido estructurar este trabajo a partir del ensamblaje de dos grandes elementos que funcionan irregularmente a lo largo del metraje. En primer lugar largas y subyugantes secuencias carentes de palabras, con las sensaciones y la inspiración del protagonista como hilo conductor con el mero acompañamiento sonoro de las armonías de la naturaleza y una cálida melodía al piano, un remanso de paz entre tormentosos episodios que le llevan de la euforia a la depresión más absoluta.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VAN GOGH A LAS PUERTAS DE LA ETERNIDAD_Willem ¨Dafoe camisa de fuerza

En contraposición, un segundo bloque formado por largas conversaciones que en la primera mitad del filme resultan morosas y rompen el ritmo fluido de sus deliciosas compañeras de guion pero que a medida que nos vamos acercando al final aparecen certeras y apasionantes. La plática con el sacerdote al que da vida Mads Mikkelsen resulta harto clarificadora en cuanto a su don para la pintura y descubre un paralelismo entre Jesucristo y Van Gogh no por sorprendente menos coherente, una comparación que nos lleva a reunir en la cara y los rasgos de Willem Dafoe a dos personajes a los que ha prestado su peculiar fisonomía.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VAN GOGH A LAS PUERTAS DE LA ETERNIDAD_Willem Dafoe en el campo de trigo

A nuestro amigo Jose.

 

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © CBS Films, Riverstone Pictures, SPK Pictures, Rockey Science. Cortesía de Diamond Films. Reservados todos los derechos.

 

Van Gogh, a las puertas de la eternidad

Dirección: Julian Schnabel

Guion: Julian Schnabel, Jean-Claude Carriere y Louise Kugelberg

Intérpretes: Willem Dafoe, Rupert Friend, Óscar Isaac

Música: Tatiana Lisovskaya

Fotografía: Benoît Delhomme

Duración: 111 min.

Suiza, Irlanda, Reino Unido, Francia, Estados Unidos, 2018

A la grandeza desde la sordidez – Crítica de “¿Podrás perdonarme algún día?” (2018)

Desde que el cine es cine se ha venido demostrando que un cómico evoluciona en un magnífico actor dramático. Tom Hanks en Philadelphia,, Mary Tyler Moore en Gente Corriente, Robin Williams en El club de los poetas muertos, , Sandra Bullock en Gravity, Peter Sellers en Bienvenido Mr. Chance, Alfredo Landa en El crack, Andrés Pajares y Carmen Maura en Ay, Carmela. La lista continúa creciendo película a película. Este año una nueva inquilina logra un hito al alcance de muy pocos, ser candidata al Óscar a la mejor actriz principal al tiempo que opta al Razzie a la peor intérprete de la temporada, toda una medida de su versatilidad.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_¿PODRÁS PERDONARME ALGÚN DÍA?_Melissa McCarthy PP

Este es el trabajo por el que Melissa McCarthy ha merecido el reconocimiento de la Academia de Hollywood. Costará reconocerla tras el estupendo trabajo de caracterización y el cambio de gestualidad y de tono de voz, pero se ha mimetizado de tal manera con el espíritu de Lee Israel que, desde el primer momento, vemos al personaje; la artista se ha diluido en su creación.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_¿PODRÁS PERDONARME ALGÚN DÍA?_Melissa McCarthy

1991. 3:30 de la madrugada. Lee, con un vaso de whisky en la mano, responde indebidamente a un superior y pierde su precario empleo como correctora de documentos de turno de noche. Recorre las calles de Nueva York al ritmo de una agradable tonada sacada de una película de Nora Ephron de las de entonces (estupendo guiño a una de sus habilidades, imitar la voz de la directora de Algo para recordar por teléfono). Pronto varios detalles van a mostrarnos lo apurado de su situación económica y su personalidad. Alcohólica y misántropa, solo congenia con su gato. Acude a una fiesta con su agente literaria de la que sale con una negativa a publicar otra de sus biografías que le pueda sacar del bache, dos rollos de papel higiénico y un abrigo con el que no había llegado. Se ve obligada a vender su posesión más preciada, una carta autografiada de Katherine Hepburn, para poder pagar al veterinario, lo que le da una idea con la que poder tirar para adelante.

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Marielle Heller da un paso adelante hacia la madurez como directora tras su sorprendente debut, Diario de una adolescente, extrayendo de un magnífico guion, adaptado de la novela de la propia Lee Israel, una cinta redonda, estupendamente realizada y con unas interpretaciones mayúsculas de sus dos protagonistas (fabuloso Richard E. Grant, aspirante al Óscar secundario). Un libreto, también postulante a la dorada estatuilla, repleto de mala leche, ironía, ingenio y sordidez que supone toda una oda a la creatividad y a la realización personal a través de la escritura de una mujer que se ha descrito a si misma como alguien que odia a todo el mundo y se odia a si misma y que huye de la amistad y del amor. Una tipa que, a regañadientes, acepta la ayuda de otro inadaptado, preso de las adicciones, con el que compone una nueva e irrepetible extraña pareja que ya ha quedado inmortalizada en la historia del séptimo arte.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_¿PODRÁS PERDONARME ALGÚN DÍA?_Melissa McCarthy y Richard E. Grant

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Archer Grey, Fox Searchlight Pictures. Cortesía de 20th Century Fox Spain. Reservados todos los derechos.

 

¿Podrás perdonarme algún día?

Dirección: Michelle Heller

Guion: Nicole Holofcener y Jeff Whitty, a partir del libro de Lee Israel

Intérpretes: Melissa McCarthy, Richard E. Grant, Dolly Wells

Música: Nate Heller

Fotografía: Brandon Trost

Duración: 106 min.

Estrados Unidos, 2018

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