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Regreso a los orígenes – Crítica de «Rambo: last blood»

David Morrell se encontraba escribiendo una novela sobre un ex combatiente de Vietnam que regresa a su pueblo natal pero tenía serios problemas a la hora de bautizar a su protagonista. Cogió una manzana y le propinó un mordisco. Está deliciosa, le dijo a su mujer, ¿de qué variedad es? Rambo, contestó ella. El nombre tenía fuerza y sonaba como los anglosajones pronuncian Rimbaud, uno de sus poetas favoritos del que estaba estudiando Una temporada en el infierno, expresión que puede describir perfectamente el acontecer de este hombre. La unión de estos dos conceptos inspiró el nombre de John Rambo, uno de los míticos iconos que nos brindó el cine de los 80.

Sylvester _Stallone tranquilo_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

Una de las primeras VHS del videoclub Zubia de Tafalla que pasó por los cabezales de aquel aparato marca Thomson que recientemente había comprado mi padre fue Acorralado, la adaptación cinematográfica del libro de Morrell, en el original First blood, algo así como primera sangre. De ahí el juego de palabras con el subtítulo de esta quinta entrega de la serie, Last blood, que indica que probablemente nos encontremos ante la última producción con este tipo curtido y baqueteado por la vida y, lo que resulta más interesante, que tenemos entre manos una continuación directa de aquel primer filme más cruda y realista.

Adriana Barraza y Sylvester Stallone_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

Los años han pasado para un John Rambo sesentón al que aún persiguen los fantasmas de Vietnam. Lleva tiempo retirado en un rancho junto a las mujeres mexicanas que le acogieron en su día. Ha ayudado a su anfitriona a criar a una nieta que quedó huérfana tras la muerte de su madre y la huida de su padre. La desaparición de esta cuando cruza la frontera sur para ir a buscar a su progenitor y la sospecha de que se encuentre retenida en una red de trata de blancas desata el deseo de venganza y la reaparición de viejos instintos que parecían haber desaparecido de su vida.

Yvette Monreal y Sylvester Stallone_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

La historia, ideada por el propio Sylvester Stallone, utiliza una estructura similar a la del primer capítulo de la saga y en su inicio plantea otro relato sencillo, ubicado en una pequeña población que, conscientemente, intenta obviar sus extemporáneas secuelas para continuar desarrollando la complejidad del veterano retratado en aquel primigenio guion.

Sylvester Stallone rodeado_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

Es precisamente en los instantes de calma donde mejor se defiende este largometraje, en esa idílica hacienda y en la relación de este fulano mentalmente atormentado con su familia adoptiva; cuando la violencia exacerbada se adueña de la pantalla el libreto no se preocupa de justificar las decisiones de los personajes en beneficio del avance de la trama. Este crescendo evoluciona hacia un baño de sangre que podría ser tolerable teniendo en mente la naturaleza del rol principal y su evolución en Acorralado pero el discurso final, con cierto tono a lo peor del cine de exaltación patriótica estadounidense, echa por tierra el cariño que habíamos cogido a la película debido al ataque de nostalgia provocado por el regreso a los orígenes de una franquicia que marcó nuestra adolescencia.

Sylvester Stallone arco_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_RAMBO LAST BLOOD

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Millenium Films, Balboa Productions, Lionsgate. Cortesía de Vértice 360. Reservados todos los derechos.

 

Rambo: last blood

Dirección: Adrian Grunberg

Guion: Matthew Cirulnick y Sylvester Stallone, a partir de una historia de Dan Gordon y Sylvester Stallone basada en el personaje creado por David Morrell

Intérpretes: Sylvester Stallone, Paz Vega, Adriana Barraza

Música: Brian Tyler

Fotografía: Brendan Galvin

Duración: 101 min.

Estados Unidos, 2019

FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2019 ZINEMALDIA

En el país de los ciegos el tuerto es el rey. El hecho de empezar con este refrán el repaso a 9 días de cine se debe a dos motivos. Para empezar, esta crónica se va a quedar un poco coja ya que este que escribe no pudo aterrizar en San Sebastián hasta el domingo 22, de modo que no hemos podido ver, como nos hubiese gustado, todas las películas de la Sección Oficial a concurso, así que no hemos podido usar, metafóricamente, los dos ojos para escudriñar y obtener un criterio completo, tan solo el del 70% de los trabajos presentados. El haber podido asistir a pases previos en Madrid, no obstante, nos ha permitido percibir los largometrajes de dos maneras diametralmente opuestas. Hemos podido juzgar algunas obras, como La hija de un ladrón, individualmente, por separado y de la forma más objetiva posible, y el resto, de la manera tan sesgada como se ven en los festivales de cine, con el cansancio y el sueño acumulado y entre otros trabajos, que al ser de pésima calidad, como muchos de los que este año han tenido a bien incluir en la categoría reina, hacen parecer a los filmes mejores de lo que realmente son. Y aquí es donde hace su entrada la segunda razón por la que la frase inicial resulta pertinente. Ante la abundancia de mediocridad lo medianamente pasable termina pareciendo algo sublime. De modo que, entre tanto ciego, quien por lo menos puede ver por su único ojo se convierte en alguien excepcional, siendo este el caso, para gran parte de la crítica aquí presente, de la película antes mencionada.

En cuanto a nuestro criterio sobre lo que hemos visionado, la Sección Oficial, a falta del palmarés, que en el momento de escribir estas líneas todavía no se ha dado a conocer, lo más destacado lo forma un variopinto triunvirato. La dureza y el drama del cine vasco que cuenta una historia profundamente andaluza y enraizada en la Guerra Civil y que se prolonga durante la dictadura franquista en La trinchera infinita; un trasunto de El Padrino y Un profeta, con relaciones familiares de por medio y las luchas de poder en las favelas de Río de Janeiro al final de los Juegos Olímpicos de 2016 con el título de Pacificado y, por último, la comedia loca, desenfadada, capaz de convertir a la persona, al escritor Michel Houellebecq, en un personaje en las antípodas de su personalidad, con grandes dosis de auto parodia y una buena inyección de ironía pasada por las aguas termales de un balneario llamado Thalasso. De aquí deberían salir, además de la Concha de Oro, gran parte de los premios importantes, con la salvedad de que no podemos incluir trabajos al parecer notables, según las opiniones de colegas próximos, que se proyectaron los dos primeros días de festival como Próxima o La audición.

PREMIO DONOSTIA - DONALD SUTHERLAND 2

Tres premios Donostia: el maestro del cine político, Costa-Gavras; el actor todoterreno que no ha parado de rodar desde que comenzó su carrera en los años 60, Donald Sutherland, y la actriz española más internacional y musa del cartel de este año, Penélope Cruz (grandioso momento la entrega de su farola de la Concha por parte de Bono de U2). De ellos dos (los intérpretes) hemos podido disfrutar de sendos thrillers diametralmente opuestos pero muy interesantes, Una obra maestra, en el caso del canadiense, y La red avispa, en el que la de Alcobendas demuestra su versatilidad al adoptar un muy conseguido acento cubano.

PREMIO DNOOSTIA - PENÉLOPE CRUZ

Todo esto coronado por una selección de Perlas totalmente variopinta e internacional entre las que han destacado la ganadora del Premio del Público Especiales, un drama social basado en hechos reales de los directores de Intocable; Sorry we missed you, del siempre reivindicativo Ken Loach, Premio Europeo del Público; la sutileza de Retrato de una mujer en llamas, el hermoso y emotivo drama familiar Hasta siempre, hijo mío, el amor de un padre por su hija en la distópica La luz de mi vida y el cuento de hadas hecho manga del ya habitual Makoto Shinkai, Whethering with you. Coronadas todas ellas por una auténtica joya, la sorprendente última Palma de Oro en el Festival de Cannes y una de las favoritas en los próximos Óscar, Parásitos. Y, para culminar la faena, por primera vez una película sorpresa, Joker, que venía con el León de Oro de Venecia bajo el brazo, con un trasfondo social muy potente y un Joaquín Phoenix inconmensurable y que ya huele a Óscar.

COMENTARIO AL PALMARÉS

Como ya destacábamos anteriormente, en párrafos escritos sin conocer todavía el fallo del jurado, esta ha sido una edición en la que dos trabajos han destacado tremendamente por encima del resto y el jurado así lo ha entendido multipremiando su valía.

CONCHA DE ORO - MEJOR PELÍCULA - PACIFICADO - EQUIPO DE LA PELÍCULA

La gran triunfadora, Pacificado, favorita de este cronista, ha acaparado, con todo merecimiento la Concha de Oro. Su mirada sobre el drama que sucede a diario en las favelas de Río ha seducido a un tribunal que además ha reconocido su fotografía y el trabajo inconmensurable de Bukassa Kabengele, en un papel que transmite, como antes comentábamos, el carisma de películas como El Padrino o Un profeta.

MEJOR DIRECCIÓN Y MEJOR GUION - LA TRINCHERA INFINITA - AITOR ARREGI, JON GARAÑO Y JOSE MARI GOENAGA

No se ha quedado atrás La trinchera infinita. La terna formada por Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga ha conseguido el galardón a la mejor dirección y el texto, coescrito por este último junto a Luiso Berdejo, que relata una experiencia basada en los casos reales de los llamados topos durante la Guerra Civil y la dictadura franquista, se ha alzado con el trofeo al mejor guion. Amén del FIPRESCI de la crítica internacional y el Feroz Zinemaldia que concede la prensa española, el Irizar al mejor filme vasco y el premio del cine vasco al mejor guion que hacen que la cuenta llegue a los seis premios en total.

CONCHA DE PLATA - MEJOR ACTRIZ - NINA HOSS

Es una lástima pero, como comentamos antes, no pudimos ver el trabajo de Nina Hoss, mejor actriz en La audición, aunque totalmente acertado como hemos podido recabar. Lo ha recibido ex aequo junto a Greta Fernández, estupenda en la desigual La hija de un ladrón, sobre sus hombros descansa el peso de toda la película. Una pena también no haber podido juzgar Próxima, Premio Especial del Jurado sobre el que también había consenso entre la prensa aquí destacada.

CONCHA DE PLATA MEJOR ACTRIZ - GRETA FERNÁNDEZ

No queremos acabar sin mencionar el Premio RTVE-Otra Mirada, que premia un cine que trate de temas cercanos al mundo femenino; dirigido, interpretado o escrito por mujeres o también por hombres que muestren, en sus películas, una especial sensibilidad por el citado mundo de la mujer. Este año el galardón ha recaído en La ola verde (que sea ley) de Juan Solanas, acerca de la legislación sobre el aborto en Argentina.

En esta edición donde el tuerto es el rey en el país de los ciegos, el jurado, presidido por el cineasta irlandés Neil Jordan, ha sabido mirar en la dirección adecuada. Bien fallado e igualmente recibido palmarés el de este Zinemaldia 2019. Esperamos ya con ganas la edición de 2020 donde ansiamos una selección que eleve el escaso nivel desplegado este año en la Sección Oficial a concurso.

PALMARÉS

Concha de Oro: Pacificado, de Paxton Winters.

Premio Especial del Jurado: Próxima, de Alice Winocour.

Concha de Plata a la mejor dirección: A. Arregi, J. Garaño y J. M. Goenaga, por La trinchera infinita.

Concha de Plata a la mejor actriz: ex aequo Greta Fernández, por La hija de un ladrón y Nina Hoss, por The Audition.

Concha de Plata al mejor actor: Bukassa Kabengele, por Pacificado.

Mejor guion: Luiso Berdejo y Jose Mari Goenaga, por La trinchera infinita.

Mejor fotografía: Laura Merians, por Pacificado.

Premio Nuevos Directores: Algunas bestias, de Jorge Riquelme Serrano .

Mejor película de Horizontes Latinos: De nuevo otra vez, de Romina Paula..

Premio Zabaltegi – Tabakalera: Ich War Zuhause, aber, de Angela Schanelec.

Premio del Público: Especiales, de Olivier Nakache y Éric Toledano.

Premio del Público Europeo: Sorry we missed you, de Ken Loach

Premio de la Juventud: Las buenas intenciones, de Ana García Blaya .

Premio FIPRESCI: La trinchera infinita..

Premio La otra mirada: La ola verde, de Juan Solanas.

Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

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La infinita soledad de Roy McBride – Crítica de «Ad astra» (2019)

Cuando John Glenn, pionero de la carrera espacial, murió, la NASA le homenajeó escribiendo en Twitter: “Un verdadero héroe americano. Buena suerte. Ad astra (hasta las estrellas)”. Una placa colocada en Cabo Cañaveral como tributo a los miembros de la misión Apolo I fallecidos durante una prueba de lanzamiento incluye las palabras: Ad astra per aspera, “a las estrellas a través de las dificultades”, locución acuñada veinte siglos atrás por un Séneca que cuenta con un cráter a su nombre en la luna. Sobre un colchón sonoro que crea una atmósfera de tensión que apela a lo épico aparece en la pantalla: “La humanidad mira a las estrellas a la búsqueda de vida inteligente”. A continuación se desvanece todo en un fundido excepto la expresión “a las estrellas” que se transforma en “Ad astra”.

No es casual que esta película se denomine a través de un latinajo que hace alusión al pensamiento y a la ciencia y que, a su vez, haya sido utilizado como solemne fórmula de despedida para los héroes de esta mitología contemporánea.

Brad Pitt

La introducción a esta historia marca los parámetros sobre los que se va a mover el filme. Nada de acción sin sentido y de cara a la galería, solo la provocada por el argumento; un tratamiento del sonido realista, sin efectos exagerados, que, en comunión con la banda sonora instrumental, crea un contexto ambiental que invita a la introspección y un ritmo pausado, que no lento, que contribuye a ese escenario intimista que va a propiciar el desnudo emocional de su protagonista.

Brad Pitt RP NASA_Manu Zapata_www.Vivazapata.net

Para Roy McBride lo principal es su oficio de astronauta, el resto le resulta accesorio. Le acaba de dejar su mujer y tiene cuentas pendientes con un padre del que heredó, además de los genes, la vocación, y que le abandonó para embarcarse en un viaje a Neptuno del que nunca regresó. Ahora es el encargado de descubrir la verdad en torno a la desaparición de la fracasada expedición de su progenitor cuyos restos, treinta años después, amenazan al universo.

Coche lunar_Manu Zapata_www.Vivazapata.net

Resulta imposible separar el trayecto de McBride y su torturado monólogo interior en torno al cometido que tiene que llevar a cabo, expresado en forma de voz en off, de las cavilaciones de Charlie Marlow en El corazón de las tinieblas o del capitán Willard de Apocalypse now.

Donald Sutherland y Brad Pitt_Manu Zapata_www.Vivazapata.net

El espacio forma parte del paisaje sobre el que se dibuja esta odisea pero lo realmente fascinante e hipnótico no sucede en las estrellas sino en lo más profundo de este tipo que se enfrenta a sus fantasmas, a su ira, a su personalidad, que se encuentra atrapado por la alargada figura del prestigioso oficial Clifford McBride y por el temor que le provoca la sensación de que se puede estar convirtiendo en él como marido y padre en potencia y que hacen que se refugie en su profesión en lugar de en intentar amar y vivir, de ahí surge una intensa reflexión sobre la identidad pero, por encima de todo, un grito desesperado ante la sensación de una soledad infinita.

Brad Pitt ventana_Manu Zapata_www.Vivazapata.net

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Copyright imágenes  © New Regency Pictures, Plan B Entertainment, Twentieth Century Fox. Cortesía de Hispano Fox Films a través de Walt Disney Studios Motion Pictures. Reservados todos los derechos.

 

Ad astra

Dirección: James Gray

Guion: James Gray e Ethan Ross

Intérpretes: Brad Pitt, Liv Tyler, Tommy Lee Jones

Música: Max Richter

Fotografía: Hoyte Van Hoytema

Duración: 122 min.

Estados Unidos, 2019

Retrato generacional – Crítica de «Litus» (2019)

Nunca pensé que “Where the streets have no name” de U2 pudiera tener un uso cinematográfico tan aparentemente extraño como inequívocamente acertado como el que Peter Weir le dio en Sin miedo a la vida. El veterano director australiano siempre fue un especialista a la hora de encontrar el tema perfecto para el momento adecuado, llegando a ensombrecer magníficas partituras que quedaban sepultadas tras el protagonismo de estos cortes minuciosamente escogidos. El inicio de la canción, completamente instrumental, toma las riendas de la secuencia. Un automóvil se pone en marcha y acelera al ritmo de la música. Planos detalle del cambio de marchas y de la aguja del cuentakilómetros se van insertando para que podamos sentir la velocidad. Avanzamos inexorablemente hacia un muro. El impacto se produce justo en el momento en que Bono iba a empezar a cantar.

Adrián Lastra, Álex Fernández, Belén Cuesta y Quim Gutiérrez_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LITUS

Nada más comenzar el largometraje que nos ocupa, vemos una furgoneta Volkswagen realizar exactamente lo mismo que aquel Volvo de Sin miedo a la vida, salvo que en esta ocasión su único ocupante, Litus, fallece en el acto. La trama se reanuda meses más tarde en la casa que el finado compartía con Pablo y Marcos. Allí se reúne toda la pandilla, a petición de su hermano Toni, para darle la despedida que merece. Pero no todo van a ser buenas palabras; secretos íntimos y tensiones escondidas irrumpen para enrarecer el ambiente.

Belén Cuesta_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LITUS

Litus tendría que haberse aplicado lo que siempre decía: follar más y pensar menos. Lenguaje directo, sin ambages, distintos puntos de vista de cada uno de los presentes sobre el difunto y amores perdidos y otros inesperadamente surgidos. Si antes hablábamos de la influencia de Sin miedo a la vida en el planteamiento del suceso, en su desarrollo, sin duda, se encuentra la alargada sombra de Reencuentro, de Lawrence Kasdan, la película generacional por excelencia de los treintañeros estadounidenses de los ochenta que también nos marcó a los que la disfrutamos en plena adolescencia. Los paralelismos resultan indudables, un grupo de amigos de la infancia se reúne a raíz del fallecimiento de uno de ellos. Poco a poco la alegría deja paso a tiranteces que llevaban años soterradas. Incluso se replica la figura del colega convertido en una estrella mediática de la televisión, el personaje de Tom Berenger, que aquí se transforma en un músico de éxito con la barba de Miquel Fernández.

Álex García, Belén Cuesta, Adrián Lastra, Quim Gutiérrez y Miquel Fernández_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LITUS

El reducir la acción a un único escenario puede delatar el origen teatral (con la firma de Marta Buchaca) del argumento, pero Dani de la Orden, que ya supo aprobar con notable al frente de un trabajo de encargo como El mejor verano de mi vida, consigue hacer que desaparezcan las cuatro paredes para transformar las tablas en un fluido decorado donde la cámara se mueve con soltura y, sobre todo, provoca que sus actores se agranden para encumbrar un fantástico texto escrito al alimón por director y autora, donde destaca un Quim Gutiérrez estratosférico que le come la tostada al resto de un excelente reparto.

Quim Gutiérrez sonríe_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_LITUS

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Copyright imágenes  © A Contracorriente Films, Litus Audiovisual, Neón Producciones, Producciones Alamo Films S.L., . Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.

 

Litus

Dirección: Dani de la Orden

Guion: Marta Buchaca y Dani de la Orden, basado en la obra de teatro homónima de Marta Buchaca

Intérpretes: Alex García, Belén Cuesta, Quim Gutiérrez

Música: Dani Trujillo e Iván Ferreiro

Fotografía: José Luis Bernal

Duración: 85 min.

España, 2019

Un Día Vi Una Vaca Vestida De Uniforme – Crítica de «Vivir dos veces» (2019)

Las reglas mnemotécnicas se convirtieron en el pan de cada día en nuestra época estudiantil. Su versatilidad hace que sirvan para asignaturas de cualquier rama del conocimiento; en geografía, por ejemplo, pueden usarse para aprender con más facilidad las capitales del mundo, pero, sobre todo, en el área de ciencias, ayudan a memorizar rebuscadas y retorcidas fórmulas que de otra manera resultaría imposible meter en nuestra cabeza. Para calcular las integrales por partes habría que aplicar esta:∫UDV=UV-∫VDU. Lo que equivale a decir: Un Día Vi Una Vaca Vestida De Uniforme.

Esta frase rimbombante, de puro absurdo, resulta tremendamente sencilla de asimilar y recordar. Pero para Emilio, el catedrático universitario de matemáticas protagonista de esta historia, que tantas veces la había utilizado para meterse en el bolsillo a sus estudiantes, se va difuminando poco a poco en un mar de recuerdos que, de los más recientes a los más antiguos, van borrándose inexorablemente de su cerebro.

Óscar Martínez_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VIVIR DOS VECES

La memoria. De eso trata este filme. Sin memoria dejamos de ser quienes somos, desaparece nuestra personalidad. Y el hecho de utilizar la metáfora del profesor que olvida (a ratos) su propia mnemotecnia por culpa de la devastadora enfermedad de Alzheimer, añade ingenio y dramatismo a un guion que quiere explorar este tortuoso proceso degenerativo desde un punto de vista menos tremendista que en otras ocasiones, jugando con el humor, la ironía y con el romanticismo como broche para cerrar el círculo que se ha querido trazar al crear el armazón de este trabajo.

Inma Cuesta, Óscar Martínez, Mafalda Carbonell y Nacho López, Gasolinera_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VIVIR DOS VECES

Un largometraje, con estructura de película de carretera, que narra la búsqueda del primer amor de este maestro jubilado antes de que ya no pueda reconocerse siquiera cuando se mire al espejo. Junto a él, lo que le queda de familia. Una hija con la que no se lleva especialmente bien, su marido, un charlatán sin oficio ni beneficio, y una nieta tan inteligente como mal hablada y excesivamente pegada a las nuevas tecnologías. Un caldo de cultivo perfecto para que afloren diferentes tensiones y problemas que afectarán a los cuatro.

Inma Cuesta, Óscar Martínez, Mafalda Carbonell y Nacho López_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VIVIR DOS VECES

Sin llegar a ser una cinta redonda, raya a más altura que la fallida incursión en el tema ¿Y tú quién eres?, en la que un Antonio Mercero ya diagnosticado de Alzheimer quiso luchar para dejar su último testimonio cinematográfico.

Niños inicio película__Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VIVIR DOS VECES

El primer libreto para formato largo de María Mínguez, más versada en temas televisivos, respira vitalidad, comicidad, emotividad y ritmo, a pesar de adolecer de ciertos momentos que bordean el sonrojo. El buen hacer de María Ripoll, sin alcanzar la intensidad de Rastros de sándalo, salva esas pequeñas lagunas para sacar adelante este comprometido relato con el apoyo de un estupendo reparto con un enorme Óscar Martínez a la cabeza, que borra por completo su acento argentino para la ocasión, acompañado por la camaleónica y siempre resolutiva Inma Cuesta y con el debut de un auténtico descubrimiento, Mafalda Carbonell, cuya química con su abuelo en la ficción nos depara lo mejor de esta interesante propuesta.

Inma Cuesta, Óscar Martínez, Mafalda Carbonell abrazo_Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_VIVIR DOS VECES

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Copyright imágenes  © Alamar Cinema 161, Convoy Films. Cortesía de Filmax. Reservados todos los derechos.

 

Vivir dos veces

Dirección: María Ripoll

Guion: María Mínguez

Intérpretes: Óscar Martínez, Inma Cuesta, Mafalda Carbonell

Música: Arnau Bataller

Fotografía: Núria Roidos

Montaje: Nacho Ruiz Capillas

Duración: 101 min.

España, 2019

Un juego de muñecas rusas – Crítica de «Anna» (2019)

Todo lo que me ha pasado en la vida me ha llevado hasta aquí. Cuando una película lleva tu nombre queda claro que como personaje vas a ser el foco de atención y todo va a girar en torno a ti. La complicada existencia de esta joven habrá dado tantas vueltas al llegar al momento de hacer balance, que esa reflexión adquiere matices que ni siquiera hubiesen pasado por su mente un tiempo antes.

Con el veterano Luc Besson a los mandos no podíamos esperar la plácida y tranquila historia de una moscovita en el París de finales del siglo XX. Más bien se trata de una turbia trama de espionaje y contraespionaje en los estertores de la guerra fría, con un toma y daca al más alto nivel entre el KGB y la CIA.

Manu-Zapata_el-cine-de-estreno-fácil-de-leer_vivazapata.net_INFIERNO BAJO EL AGUA_Sasha Luss modelo cámara

Tras un prólogo en el que asistimos a la eliminación de varios agentes estadounidenses a manos de los servicios secretos soviéticos en 1985, nos encontramos, cinco años después, en un bazar cercano al Kremlin. Un cazatalentos convence a la protagonista, que trabaja allí, para que viaje a Francia y se convierta en modelo. A partir de ahí, una compleja estructura de flashbacks nos va explicando que nada es lo que parece.

Manu-Zapata_el-cine-de-estreno-fácil-de-leer_vivazapata.net_INFIERNO BAJO EL AGUA_Helen Mirren

El ingenio del guion radica en que va dejando interrogantes que resuelve más adelante por medio de vueltas al pasado reciente que se van repitiendo recurrentemente, estableciendo, ya desde los primeros instantes, un estimulante desafío que el espectador acepta gustoso.

Sasha Luss stars as 'Anna' in ANNA.

Sin afán historicista, el principal objetivo del largometraje es la acción pura y dura. Al cinéfilo atento no le pasará desapercibido el innegable paralelismo de lo que se cuenta con el trabajo que, allá por 1990 (precisamente el año en el que se ubica el inicio de este relato), dio a conocer internacionalmente a Besson. Tenemos entre manos una brillante puesta al día de Nikita, dura de matar, el estupendo filme de culto que también nos descubrió a la contundente Anne Parillaud. A saber si la coincidencia entre el nombre de aquella actriz, ex del cineasta, y el que da título a esta cinta tampoco surge de forma casual.

Manu-Zapata_el-cine-de-estreno-fácil-de-leer_vivazapata.net_INFIERNO BAJO EL AGUA_Luke Evans y Sasha Luss

ANNA es un palíndromo, puede leerse igual de izquierda a derecha que de derecha a izquierda. Además, en el rótulo que aparece en pantalla, jugando con la grafía cirílica, vemos la segunda N al revés, provocando un efecto espejo que habla de una personalidad difícil de desentrañar. Un recurso narrativo, otra metáfora visual, que unir al conjunto de muñecas rusas que habitan unas dentro de otras y que sirve para explicar el modo en que se ha montado el armazón de este retorcido libreto. Aunque lo verdaderamente fascinante se concentra en el personaje principal, ideado de la misma manera, a imagen de una cebolla cubierta por distintas capas; no sabes si lo que ves es la verdadera Anna o hay otra, más oculta, que encierra su auténtica esencia, como uno de esos juegos de matrioshkas que ella misma vendía en su puesto del mercadillo.

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Copyright imágenes  © EuropaCorp, TF1 Film Production. Cortesía de Entertainment One Spain. Reservados todos los derechos.

 

Anna

Dirección y guion: Luc Besson

Intérpretes: Sacha Luss, Helen Mirren, Luke Evans

Música: Éric Serra

Fotografía: Thierry Arbogast

Montaje: Julien Rey

Duración: 119 min.

Francia, Estados Unidos, 2019 

Hasta luego cocodrilo – Crítica de «Infierno bajo el agua» (2019)

Crawl. 1.- Arrastrarse. 2.- Crol. Estilo de natación que más rápido nos hace desplazarnos sobre el agua. El título original de esta película juega con el doble sentido del término; completará su significado, gracias a unos inesperados y reptilianos invitados, minutos más adelante, pero ya, desde los primeros segundos, se desentraña el porqué de la segunda acepción. Dos jóvenes se observan, desafiantes, sobre el podio de salida, esperando a saltar a la piscina para machacarse mutuamente. Desde el momento en el que entran en contacto con el líquido elemento la espectacularidad de los planos subjetivos nos hace sumergirnos junto a una de ellas. La sucesión vertiginosa de imágenes, al ritmo de una partitura compuesta por música que asemeja efectos de sonido, nos tensiona al tiempo que viramos y nos impulsamos con sus pies. Al final de la posta, la otra competidora toca unas centésimas antes la pared. La amargura del gesto de Haley, la perdedora, se reparte entre la decepción de la derrota y la desilusión por la ausencia de su padre en la grada. Que no te vean llorar, hija, la próxima vez ganarás, resuena en su cabeza mientras contiene las lágrimas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_INFIERNO BAJO EL AGUA_Kaya Scodelario cocina

Un huracán de fuerza 5 deja aislada a gran parte de la población. Nuestra sirena llega hasta el centro de la tempestad para rescatar al autor de esas palabras, que no responde a sus llamadas, y queda atrapada en un sótano, rodeada de agua y con la amenaza latente de los caimanes que infestan aquellas tierras pantanosas.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_INFIERNO BAJO EL AGUA_caimán

Nos encontramos con un producto que apunta al entretenimiento puro y duro, cine de género que cumple con todas las premisas que se le adivinan. Pese a la presencia de clichés, como la necesidad de superación de la protagonista, que tendrá que utilizar sus habilidades para sortear los obstáculos planteados por la trama, y de la complicada relación paternofilial entre el pater familias, que ejerce de entrenador y manager, y su adolescente discípula, que se ve rechazada y culpable de la separación de sus progenitores, engancha y divierte gracias a una realización y un montaje que le confieren un ritmo trepidante y, sobre todo, al negro sentido del humor que espolvorea un toque de ingenio que el resultado final agradece.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_INFIERNO BAJO EL AGUA_Barry Pepper y Kaya Scodelario

Alexandre Aja sale airoso de esta fusión entre la película de catástrofes, que tuvo su época dorada en los 70, y el thriller de terror psicológico y físico con depredadores animales al acecho. En este caso, los caimanes sustituyen a la voracidad de las pirañas o al tiburón de turno.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_INFIERNO BAJO EL AGUA_Kaya Scodelario PP

El buen hacer de la joven Kaya Scodelario, presente en cada plano, que soporta sobre sus anchas espaldas de nadadora el peso del filme, y su química con Barry Pepper resultan más poderosos que los reiterativos finales con los que la narración se pasa de frenada en su doble mortal con triple tirabuzón conclusivo. La rúbrica, en forma de insinuación musical, con guiño a sus molestos compañeros de reparto y al nombre de la heroína, provoca nuestra sonrisa antes de abandonar la sala.

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Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos

Copyright imágenes  © Paramount Pictures, Raimi Productions. Cortesía de Paramount Pictures Spain. Reservados todos los derechos.

 

Infierno bajo el agua

Dirección: Alexandre Aja

Guion: Michael Rasmussen y Shawn Rasmussen

Intérpretes: Kaya Scodelario, Barry Pepper, Morfydd Clark

Música: Max Aruj y Steffen Thum

Fotografía: Maxime Alexandre

Montaje: Elliot Greenberg

Duración: 87 min.

Estados Unidos, Francia, Serbia, 2019

El 8 de agosto de 1969 según Tarantino – Crítica de «Érase una vez… en Hollywood» (2019)

Quiero un bigote estilo Zapata, espeta el productor a la maquilladora. El directivo se refiere al aspecto que desea para el antagonista del folletín del oeste que está preparando. Lo interpretará Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), un actor venido a menos, encasillado en papeles de pistolero televisivo, que no logra dar el salto a la pantalla grande.

Quentin Tarantino quiere rendir homenaje a las series y a las películas que marcaron su infancia, las que le inocularon el virus de la cinefilia galopante que siempre deja notar en sus trabajos, las de los años 60. Pero no se circunscribe a las realizadas exclusivamente en su país. A nadie escapa que con el título hace referencia indisimulada a su amado Sergio Leone que utilizó la misma fórmula para denominar dos de sus largometrajes más celebrados, Hasta que llegó su hora (cuya traducción del original sería Érase una vez… en el oeste) y Érase una vez… en América. Además, dibuja un alter ego del Clint Eastwood incipiente de la época con la filiación y la trayectoria de un protagonista que, tras ver embarrancada su carrera en Los Ángeles, acepta ir a Almería a rodar spaghetti westerns.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ÉRASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD_Leonardo DiCaprio un bigote estilo Zapata

Sus filias y fobias, esa impronta en forma de marcas inventadas para la ocasión, continúan presentes. Para ver los cigarrillos Red Apple, omnipresentes en toda su filmografía, hay que tener un poco de paciencia. No tanta como con el nuevo producto que se une a esta curiosa estantería de ultramarinos, una comida para perros de nombre absolutamente rompedor, Wolf Tooth, diente de lobo, con el personaje de Harvey Keytel en Pulp Fiction en mente.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ÉRASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD_Brad Pitt Al Pacino y Leonardo DiCaprio

Tras unos créditos iniciales a la altura de la brillantez a la que nos tiene acostumbrados el enfant terrible de Hollywood, la narración nos presenta, a modo de documental, a dos tipos. De Rick Dalton ya hemos hablado, el otro fulano, encarnado por Brad Pitt, es Cliff Booth, su doble en escenas de acción. De sus desventuras en la meca del cine y la pequeña pantalla, su vecindad con Roman Polanski y Sharon Tate y de lo que el año 1969 puede dar de sí, tratarán los 161 minutos que vienen a continuación.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ÉRASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD_Leonardo DiCaprio baila

Por más que el filme pueda adolecer de un exceso de metraje debido, principalmente, al afán contemplativo con el que el italoamericano recrea secuencias completas del rodaje del serial en el que Dalton se gasta aquel atrevido bigotón, la magia tarantiniana sigue viva en una cinta que recoge elementos ya vistos en Django desencadenado y Malditos bastardos y que nos subyuga como en los mejores momentos de Reservoir Dogs, aunque sin alcanzar la brillantez de sus obras más impactantes.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ÉRASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD_Margot Robbie

El espectáculo lo completan unos estupendos DiCaprio, Pitt y una Margot Robbie que brilla más si cabe cada vez que se enfrenta a un reto en forma de personaje sacado de la realidad, y un tramo final realmente vertiginoso y vibrante que nos hace saltar de la butaca en la mejor tradición del director de Los odiosos ocho.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_ÉRASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD_Leonardo DiCarpio y Brad Pitt

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Érase una vez… en Hollywood

Dirección y guion: Quentin Tarantino

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie

Fotografía: Robert Richardson

Montaje: Fred Raskin

Duración: 161 min.

Reino Unido, Estados Unidos, China, 2019

Mika y Scorpions más allá de los tópicos – Crítica de «Un verano en Ibiza» (2019)

Philippe trabaja como podólogo en París y va de vez en cuando a visitar a sus padres a un pueblecito, tan pequeño como aburrido, de la campiña francesa. Divorciado hace un tiempo, sale con la atractiva y dinámica Carole, también separada y madre de dos hijos adolescentes, chico y chica, que no congenian especialmente bien con el médico. A pesar de lo anodino de su aspecto, la playlist de su ipod es toda una caja de sorpresas. La selección musical de esta película debe su carácter y personalidad a las joyas que atesora ese reproductor digital.

Uno de los motivos que ha tornado en complaciente nuestra mirada para con esta comedia veraniega, aparentemente llena de tópicos, reside en los temas que nos va regalando por aquí y por allá. Como máxima representación, el “Still loving you” de Scorpions; la balada dorada por excelencia del grupo alemán que provoca un cambio de actitud del joven “hijastro” del protagonista, más afín a los ritmos electrónicos, que termina viéndolo como la banda sonora perfecta para una noche romántica.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN VERANO EN IBIZA_Pili Groyne, Leopold Buchbaum y Mathilde Seigner

¿La excusa argumental? Como incentivo al mediocre curso académico del chaval en el instituto, de aprobar, se le permite elegir destino vacacional. Evidentemente escoge Ibiza para buscar a su ex novia parisina a la que hace tiempo que no ve.

Christian Clavier (Philippe)

Sol, playa, discoteca y el cada vez más histriónico Christian Clavier. La lista de lugares comunes que se nos vienen a la cabeza con estas simples premisas resulta interminable. Entramos con el convencimiento casi matemático de qué derroteros va a tomar el largometraje cuando, como un soplo de aire fresco, llegan los créditos iniciales. Pantallas partidas y cortinillas (que van a marcar el lenguaje visual del resto del metraje) e imágenes espectaculares del ambiente y la fiesta que se respira en la isla montadas, con el estilo de Corrupción en Miami (como si aquello sucediese en Florida o en la soleada California), al pegadizo ritmo del “Love today” de Mika. Todo un chute de optimismo.

Pili Groyne (Manon), Mathilde Seigner (Carole)

Ese afán por cuidar la forma, el envoltorio, por querer entrar por el ojo a la audiencia, sabiendo que se tiene entre manos una premisa trillada, facilita la digestión de un trabajo ligero, bienintencionado, con tono festivo y moraleja. Un empaquetado de montaje, sonido y canciones realmente atractivo que hace que sus escasos noventa minutos de metraje pasen como un suspiro y nos deparen momentos para la sonrisa, risa, carcajada (con humor de sal gorda en ocasiones) e incluso con espacio para lo emotivo y el amor (dentro de lo que se maneja en el género y sin entrar en profundidades).

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN VERANO EN IBIZA_Mathilde Seigneur y Christian Clavier

Las referencias musicales que van de los 70 a los 90 y las menciones fílmicas que se mueven desde Shrek hasta el cine de autor, con El rayo verde de Éric Rohmer como principal reclamo, nos hacen mirar con benevolencia un trabajo que no engaña, que juega en la liga del entretenimiento canicular y nos ofrece algo más de lo que esperábamos encontrar de inicio.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_UN VERANO EN IBIZA_Joey Starr, Christian Clavier y Mathilde Seigneur

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Copyright imágenes  © Atelier de Production, Gaumont, France 2 Cinéma. Cortesía de A Contracorriente. Reservados todos los derechos.

 

Un verano en Ibiza

Dirección: Arnaud Lemort

Guion: Arnaud Lemort y Mathieu Oullion

Intérpretes: Christian Clavier, Mathilde Seigner, Joey Starr

Música: Sylvain Goldberg

Montaje: Philippe Bourgeil

Duración: 87 min.

Francia, Bélgica, 2019

Nostalgia de los ochenta – Crítica de «Fast & Furious: Hobbs & Shaw» (2019)

Todo cobra sentido cuando, tras el visionado de la película, durante la etapa de documentación para pergeñar esta crítica, descubrimos que David Leitch, el director de la misma, además de figurar en numerosos títulos como actor y coordinador de extras, se ha situado tras las cámaras en el primer John Wick (aunque no aparezca acreditado) y, además, es el responsable de la desternillante Deadpool 2. Acción, humor bestia y descacharrante y una factura técnica en cuanto a realización, montaje, sonido y efectos especiales de lo mejorcito que se puede ver ahora mismo en la pantalla grande.

Partiendo del hecho de que este que escribe no ha seguido las numerosos entregas de Fast & Furious, se puede concluir que no es en absoluto necesario estar familiarizado con la franquicia para disfrutar de esta cinta. El hilo argumental nos trae a dos personajes secundarios que dieron mucho juego en el último filme de la serie (aunque ya habían aparecido en varias ocasiones) y se ha querido hacer un spin off, un trabajo paralelo en el que alcancen el protagonismo absoluto, aprovechando su tirón entre la audiencia.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_FAST & FURIOUS HOBBS & SHAW_Dwayne Johnson y Jason Statham discuten

La trama reúne a los antagónicos Luke Hobbs, agente de la ley, y Deckard Shaw, fugitivo de la justicia, que han de formar equipo a regañadientes para enfrentarse a un villano, con partes de cíborg y mejorado genéticamente, que amenaza el futuro de la humanidad con un terrible virus.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_FAST & FURIOUS HOBBS & SHAW_Dwayne Johnson, Idris Elba y Jason Statham

Lo primero que nos llama la atención (y que potencia nuestro disfrute) es el descubrimiento paulatino de unos guiños nostálgicos que para alguien que haya traspasado la barrera de los 40 no pasarán desapercibidos. La trama quiere homenajear a todos aquellos taquillazos del cine de acción de los 80, con un más que evidente paralelismo con Tango y Cash y, acercándonos al nuevo siglo, con algún toque de Crank: Veneno en la sangre. No en vano, en el transcurso de una secuencia clave, hacia el final, podemos ver claramente pegados en la pared los posters de Superdetective en Hollywood, Arma Letal 3 y Cobra. Profundizando en el guion encontramos, además, referencias directas a miembros de grupos míticos británicos que comenzaron su andadura en los 60, como Keith Moon y Mick Jagger, usados de forma ingeniosa como manera de denominar distintos tipos de operaciones trampa.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_FAST & FURIOUS HOBBS & SHAW_Vanessa Kirby

Lo cierto es que el ojo y el oído atento no deja de percibir juegos de palabras y chistes privados que tienen que ver con trabajos anteriores de los intérpretes a los que acompañan. No vamos a hacer referencia a ellos y ellas porque tenemos apariciones sorpresa, en plan roba escenas, que nos alegran el día y no queremos estropear el goce de nadie. Pero todo este conjunto de extras no sería sino una colección de fuegos de artificio si no se tratase de la guarnición de un plato bien cocinado, un entretenimiento veraniego con toques jamesbondianos y desbordante de espectacularidad que nos ha proporcionado disfrute y desconexión de las tribulaciones diarias durante dos horas y quince minutos.

Manu Zapata_El cine (de estreno) fácil de leer_vivazapata.net_FAST & FURIOUS HOBBS & SHAW_Dwayne Johnson y los samoanos

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Copyright imágenes  © Chris Morgan Productions, Seven Bucks Productions, Universal Pictures. Cortesía de Universal Pictures Spain. Reservados todos los derechos.

 

Fast & Furious: Hobbs & Shaw

Dirección: David Leitch

Guion: Chris Morgan y Draw Pierce

Intérpretes: Dwayne Johnson, Jason Statham, Vanessa Kirby, Idris Elba

Música: Tyler Bates

Fotografía: Jonathan Sela

Duración: 135 min.

Reino Unido, Estados Unidos, 2019

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