La capacidad de disfrute de una película es inversamente proporcional a la cantidad de información sobre la misma que el espectador posea. Este axioma lo interiorizamos tras una serie de interesantes conversaciones con el donostiarra, compañero de estudios por aquel entonces y ahora prestigioso guionista y director, Luiso Berdejo. Su teoría sobre el disfrute del cine era esta: cuanto menos sepas, mejor. Por desgracia no siempre es posible mantener esa impermeabilidad cuando llega la temporada de premios, que más o menos se extiende desde septiembre (con los Festivales de Venecia y San Sebastián) hasta justo después de los Oscar, en marzo, sobre todo para quien vive el cine desde tan cerca como puede hacerlo alguien que escribe regularmente sobre las películas que ve. Mantenerse al margen de la cantidad de noticias, rumores y comentarios que surgen sobre aquellos filmes que no se han estrenado todavía pero que llevan un exitoso periplo por el circuito de festivales supone una tarea ardua y difícil. Ese fue el caso de El lado bueno de las cosas.
La primera vez que nos llegaron noticias de este trabajo todavía no tenía título en español, se manejaba el original: Silver linings playbook, y había sido la gran sensación en el Festival de Toronto, haciéndose con el preciado premio del público. Cuando uno lee algo así sobre una película sus expectativas sobre la misma suben en un porcentaje bastante importante, lo que incrementa las probabilidades de que le pueda decepcionar. Esto nos lleva a otro axioma: cuanto más altas son las expectativas que despierta un filme más fácil es salir decepcionado del cine y, al contrario, si no se espera mucho o no se tiene información alguna hay muchas más posibilidades de llevarse una agradable sorpresa. En este caso los entusiastas comentarios llegaron a comparar El lado bueno de las cosas con El apartamento y claro, eso, para mucha gente incluido quien escribe, son palabras mayores.
No le hicieron ningún favor a la película de David O. Russell al colocarla en igualdad de condiciones con una obra maestra de la talla de la dirigida por Billy Wilder. Así que al acudir al primer pase de prensa, allá por el mes de diciembre, el listón ya se encontraba muy alto y uno tal vez juzgó más estrictamente de lo debido este trabajo. Aún así, la primera impresión fue positiva, aunque sin lanzar las campanas al vuelo y a bastante distancia de las inquebrantables adhesiones que se habían producido al otro lado del Atlántico. Lo cierto es que, ante una segunda oportunidad de ver el filme poco antes de su estreno, ya en el mes de enero, y con el bagaje de tener en la retina la práctica totalidad de los títulos involucrados en la carrera por el ansiado Oscar, no lo dudamos.
Ese segundo visionado en menos de un mes dejó claro que El lado bueno de las cosas es algo más que una comedia romántica al uso. Se sitúa muy por encima de la media de los productos más bien almibarados que la industria del cine en Estados Unidos fabrica en serie. Cuenta con un guión sólido, del propio director David O. Russell basado en la novela de Matthew Quick, y un gran reparto, encabezado por Bradley Cooper, que realiza su mejor trabajo hasta la fecha, acompañado por un Robert de Niro menos histriónico y mejor dirigido de lo habitual y por la australiana Jacki Weaver, que fue la sorpresa hace un par de temporadas con su trabajo en Animal kingdom por la que fue candidata al Oscar.
Dejo para el final a la sensación de la película, Jennifer Lawrence. Esta joven actriz se está haciendo a pasos agigantados con el estatus de “Grande de Hollywood”. Su trabajo, con tan solo veinte años, en la sobrecogedora y fantástica Winter´s bone ya le valió una nominación a los premios de la Academia de Hollywood, se ha movido con una insultante comodidad por productos comerciales como Los juegos del hambre y ahora no solo se come con patatas a todo el reparto de El lado bueno de las cosas sino que se encuentra, tras su segunda candidatura, a las puertas de hacerse con un merecidísimo Oscar. Su presencia es magnética. En el momento en que aparece en pantalla solo tenemos ojos para ella. Dibuja un inolvidable personaje que es, con mucho, lo mejor de una película, que siendo brillante, no acaba de ser redonda.
Lamentablemente el pulso y la originalidad que había llevado desde un principio culmina en un final deslavazado, trillado, demasiado típico y tópico. Resulta una verdadera lástima que esa chispa y esa frescura inicial se diluya en su tramo final. De todos modos, tras dos visionados, queda claro que se trata de un trabajo bien escrito, efectivamente dirigido y excelentemente montado. En las comedias no se suele apreciar un gran trabajo en este último apartado, tan crucial para que este género funcione como invisible para el público profano, que por otra parte es como debe ser. Un buen montaje, como un buen árbitro, es el que pasa desapercibido.
Así pues nos encontramos ante un filme notable, que puede hacerse con alguna que otra estatuilla en la noche de los Oscar, especialmente la de interpretación femenina protagonista para la brillante Jennifer Lawrence, y que merece la pena por salirse elegantemente de la transitada senda de la comedia romántica estándar. Por cierto, el único parecido con El apartamento radica en cierta similitud en cuanto a la estructura del triángulo amoroso planteado, aunque en este caso cambien los vértices y el género de quienes los ocupan.
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El lado bueno de las cosas
Director: David O. Russell
Intérpretes: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert de Niro.
Duración: 122 min.
Estados Unidos, 2012
En agosto de 1943 la lancha comandada por el teniente de la marina de Estados Unidos John Fitzgerald Kennedy, de ascendencia irlandesa, fue embestida por un destructor japonés en aguas del Pacífico sur. Kennedy, nadador consumado en su época universitaria, guió a sus compañeros durante casi seis kilómetros, cargando con uno de ellos malherido a pesar de su lesión de espalda, burlando al ejercito enemigo hacia un islote donde esconderse. Gracias a sus dotes deportivas pudo trasladarse a otras islas donde por fin consiguió enviar un mensaje grabado sobre una cáscara de coco para que fueran a rescatarles. La hazaña quedó inmortalizada siendo JFK ya presidente en la película Patrullero PT-109, estrenada poco tiempo antes de su asesinato.
La historia que cuenta Invencible sucedió en los meses previos a esta gesta y comparte muchos puntos en común. El protagonista, Louis Zamperini, hijo de inmigrantes italianos, compitió en los Juegos Olímpicos de Berlín, en 1936, representando a Estados Unidos, para después participar en la segunda guerra mundial como bombardero de las fuerzas aéreas de su país en el frente del Pacífico. Tras ser abatido su avión y sobrevivir durante 47 días en el mar acabó como prisionero de guerra de los japoneses. La odisea de Kennedy probablemente resulte mucho más inverosímil que la de Zamperini, pero visto el resultado final también parece mucho más atractiva.
Angelina Jolie en su tercer trabajo como directora no ha sabido aportar nada que no hubiésemos visto antes en este híbrido entre cine de supervivencia extrema, ante la naturaleza hostil del mar abierto en este caso, y película de campos de concentración. Cuenta con los mismos defectos de los que adolecían La vida de Pi y Kon-tiki, da la sensación de que la narración se estanca en medio de la inmensidad oceánica, del mismo modo que no consigue transmitir el dramatismo, la dureza y la contundencia de El puente sobre el río Kwai o Un largo viaje a la hora de retratar el trato sufrido por los protagonistas cuando se encuentran a merced de Watanabe, el sádico rector del campo de prisioneros donde quedan confinados. Un personaje caricaturizado (involuntariamente) hasta parecer ridículo de igual manera que ciertas situaciones resultan excesivamente forzadas hacia una suerte de paralelismo con la pasión de Jesucristo, consiguiendo el efecto contrario al que se pretende. El plano de una sombra proyectada sobre el suelo que recuerda inevitablemente a la crucifixión termina convirtiéndose en reflejo de la lamentable pérdida de consistencia del guión a medida que avanzan los minutos, un libreto con prestigiosísimos nombres detrás que no se encuentra a la altura de lo esperado.
Dos aspectos sobreviven al naufragio generalizado, la excelsa partitura de un genio de la música de cine como Alexandre Desplat, que se reinventa a si mismo en cada una de sus composiciones, y el hallazgo de un prometedor intérprete, el británico Jack O´Connell que, a pesar de no resultar tan impactante como en ´71, en la que podremos admirarle a finales de enero, ha llegado para quedarse.
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Copyright imágenes © 3 Arts Entertainment, Jolie Pas, Legendary Pictures. Cortesía de UPI España. Reservados todos los derechos.
Invencible
Dirección: Angelina Jolie
Guión: Joel Coen, Ethan Coen, Richard LaGravanese y William Nicholson basado en el libro de Laura Hillenbrand
Intérpretes: Jack O´Connell, Domhnall Gleeson, Takamasa Ishihara
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Roger Deakins
Duración: 137 min.
Estados Unidos, 2014
Que los franceses cuentan con la cualidad de saber reírse de sí mismos y de sus prejuicios y que además son capaces de sacar rentabilidad económica de ello es algo que a nadie escapa. En este sentido siempre han ido un paso por delante del resto de nacionalidades. La comedia gala es probablemente la más versionada en otras cinematografías. La inédita en los años 70 en España Cousin, cousine cruzó el charco diez años más tarde para convertirse en Un toque de infidelidad, en los 80 Tres solteros y un biberón se transformaron en Estados Unidos en Tres hombres y un bebé, en la década de los 90 Un indio en la ciudad cambió París por el Nueva York de De jungla a jungla y ya entrados en el siglo XXI Bienvenidos al norte se mudó a la zona meridional de Italia, Bienvenidos al sur, y de forma más o menos encubierta (se trata de una adaptación no reconocida) a la septentrional de la península ibérica gracias a 8 apellidos vascos.
Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? sigue fielmente esta tendencia y probablemente los derechos de su remake hayan sido ya adquiridos. En un país multicultural, multirracial, laico, pero que cuenta con varias confesiones religiosas entre sus ciudadanos, y con una población de la que una parte nada desdeñable cuenta con orígenes diversos, a pesar de poseer pasaporte francés, tener las narices de hacer según qué chistes a costa del racismo, la xenofobia, las creencias y lograr arrancar las carcajadas de todo el mundo además de conseguir convertirse en el segundo filme en recaudación de todos los tiempos en Francia no es moco de pavo.
Si hubiese que resumir el argumento de la película en pocas palabras la frase “cuatro bodas y un funeral” condensaría las desventuras del protagonista (Christian Clavier), un francés de pura cepa, católico, republicano y gaulista cuyas cuatro hijas le causan tales sofocos, al proporcionarle un yerno judío, otro árabe, uno oriental y un último africano, que están a punto de llevarle a la tumba, exageradamente hablando.
El filme cuenta con momentos antológicos como una peculiar interpretación de La Marsellesa al hilo de la polémica surgida en torno a ciertos jugadores de la selección francesa de fútbol o chistes relacionados con Louis de Funès o la marca Benetton, pero lo mejor, sin ninguna duda, es el personaje del padre del novio costamarfileño de la hija pequeña del protagonista. Recuerda tremendamente al de John Amos en El príncipe de Zamunda y constituye el perfecto contrapunto, aunque teniendo en cuenta que los extremos se tocan. Si su consuegro no puede soportar que su benjamina se case con un negro él es incapaz de asumir que su vástago vaya a desposarse con una blanca. De este choque de trenes surgen las situaciones más hilarantes con lo que, a pesar de que la transgresión inicial vaya transformándose en comedia amable, la cantidad ingente de carcajadas proporcionadas consigue que finalmente nos quede un regusto agradable en el paladar.
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Copyright imágenes © Les Films du 24, TF1 Films. Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.
Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?
Dirección: Philippe de Chauveron
Guión: Philippe de Chauveron y Guy Laurent
Intérpretes: Christian Clavier, Chantal Lauby, Ary Abittan
Música: Marc Chouarain
Fotografía: Vincent Mathias
Duración: 97 min.
Francia: 2014
Tras unos días de parón navideño volvemos a la carga y aprovechamos para felicitar la Navidad a todos los lectores de http://www.vivazapata.net y lo hacemos con dos críticas. La de la exitosa comedia francesa Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?, que colgaremos a continuación, y el estreno del pasado viernes Invencible, el esperado tercer trabajo de Angelina Jolie tras las cámaras, que estará disponible a partir del miércoles.
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El cine independiente es capaz de extraer una historia que merece la pena contarse de la cotidianidad a la que no son capaces de llegar las grandes producciones. Dibuja personajes más cercanos, más reales, más creíbles, con todos sus defectos aunque sin escatimar algún que otro rasgo positivo, gente de carne y hueso con sentimientos y reacciones con los que pueda identificarse todo hijo de vecino. A primera vista, Vincent McKenna no parece un tipo con el que el público pueda empatizar fácilmente, ¿o tal vez sí?
En la genial presentación del personaje (ocho minutos realmente antológicos) vemos a un sesentón que peina canas, aunque de las largas y finas patillas, la mosca que luce bajo el labio inferior además de la descuidada camiseta sin mangas acompañada por unas roídas bermudas podríamos deducir que, de alguna manera, sigue anclado en el pasado. Escucha música en aquel walkman típico de los ochenta, hace chanzas con el famoso vídeo de ejercicios de Jane Fonda y ve capítulos de Las chicas de oro cuando regresa bebido a casa.
Con anterioridad ha tenido tiempo de robar una manzana, de acudir al banco para que le digan que grifo del crédito está ya cerrado tras acostarse con una prostituta rusa embarazada a la que no puede pagar, de emborracharse en un bar para, posteriormente, cargarse la valla de su casa al aparcar el coche marcha atrás y hasta de machacarse un dedo con el martillo mientras pica hielo para servirse “el último” whisky antes de pegarse un topetazo impresionante contra el suelo de su descuidada cocina. Resultaría tremendamente difícil imaginarse a alguien distinto a Bill Murray encarnando a un tipo así.
Es entonces cuando en la vida de este fulano misántropo y obsceno se cruza su nuevo vecino, un niño, hijo de padres divorciados, que vive con su madre, y del que McKenna ejercerá de improvisado mentor e improbable amigo. Él es quien sacará de este crápula media sonrisa forzada y hasta un poquito de ternura.
Al contrario que este caradura, St. Vincent cuenta con muchas más virtudes que defectos. Su narrativa, la forma de describir personajes y mostrar su día a día recuerda tremendamente al estilo que exhibe Alexander Payne en todos sus trabajos. Incluso la banda sonora de tono cómico–melancólico confiere cierto patetismo a las vivencias del protagonista. Theodore Melphi ha sabido hacer surgir del propio Murray, pero sobre todo de una sorprendente Melissa McCarthy, la vena dramática que lleva dentro todo actor cómico. El resto del reparto, una delicia donde destaca el debutante Jaeden Lieberther, maravilloso compañero de andanzas de este entrañable gruñón furioso con el mundo.
St. Vincent hace llegar al espectador algo que muy pocas películas son capaces de transmitir. Consigue que te rías a carcajadas para después aportar un toque de emoción y cierta melancolía, pero de forma descreída e irónica, como queriéndole quitar hierro al asunto. Y si, además, no te pilla en un buen momento contiene la pócima para, cuanto menos, arreglarte el día.
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Copyright imágenes © Chernin Entertainment, The Weinstein Company. Cortesía de Eone Entertainment. Reservados todos los derechos.
St. Vincent
Dirección y guión: Theodore Melphi
Intérpretes: Bill Murray, Jaeden Lieberther, Melissa McCarthy
Música: Theodore Shapiro
Fotografía: John Lindney
Duración: 102 min.
Estados Unidos, 2014
Sensibilidad. A la salida del cine sientes como si un directo en la boca del estómago te hubiese destrozado las entrañas, pero, a pesar de eso, la palabra clave para describir De óxido y hueso, y que suena en boca de la protagonista, una inconmensurable Marion Cotillard, sería sensibilidad. Por un lado, la poca sensibilidad de la gente de prensa de la película al revelar cierto contenido del filme en el afiche que te entregan antes de entrar al pase. Espectadores potenciales intentad llegar lo más vírgenes posibles a la proyección, os merecerá la pena, prometido. Suponemos, y esperamos y deseamos, que no se atreverán a hacer algo semejante de cara a la promoción de De óxido y hueso en medios de comunicación. Otra cosa totalmente distinta es que un crítico malintencionado revele detalles fundamentales para hacer daño al director y a la película porque el mandamás de su medio así se lo exige, como fue el caso del corresponsal de El Mundo en el festival de Cannes donde se proyectó La piel que habito de Pedro Almodóvar. Este que escribe espera no caer nunca, ni siquiera por error, en semejante práctica que los anglosajones conocen como spoiler.
Más allá de esto, y centrándonos en lo puramente cinematográfico, Jacques Audiard hace gala de una sensibilidad a flor de piel a la hora de relatar esta historia de desheredados, de perdedores, de gente a la que la vida en un momento dado le ha vuelto la espalda y que se sustenta la una en la otra. Un ex boxeador sonado, divorciado, con un niño a su cargo y una mujer que acaba de perder muchas cosas, entre ellas su trabajo, y se encuentra sumida en una profunda depresión. Entre ellos surge una curiosa relación de amistad apoyada en la complicidad y en la confianza que tienen el uno en el otro que se va desarrollando de forma orgánica, casi anticinematográfica, subrayando ese poso de realidad que Audiard aplica a sus ficciones, como hizo en la estupenda Un profeta. Porque eso es lo que se nos cuenta, la cruda realidad, no hay edulcoración de ningún tipo. El protagonista es un tipo golpeado por la crisis, sin dinero, con trabajos precarios, que vive en el garaje de su hermana con su hijo, que se tiene que buscar la vida para conseguir algo de dinero extra que añadir al exiguo sueldo de vigilante jurado que percibe y que no tiene la cabeza suficiente para evitar ciertas amistades que pueden complicarle la vida, a él y a quienes le rodean y le quieren.
Audiard así ha querido reflejarlo, sin adornos, no hay toque preciosista que valga, la fotografía en tonos apagados, oscuros, no juega con el feísmo, porque la verdad es que tiene una elegancia sobria y sutil, pero refleja la situación de orfandad de los personajes. Solo hace ciertas concesiones en las secuencias de amor. El aspecto visual sigue siendo el mismo, pero están rodadas e interpretadas con tanta sensibilidad y sentido del humor, en ocasiones, que resultan maravillosamente conmovedoras. A uno se le ponía la carne de gallina. No nos pidáis que vayamos más lejos porque no podemos, pero en el momento en que las veáis comprenderéis de qué estamos hablando. Lástima de ese final tan acelerado, tan seco, que te deja con ganas de un poco más de pausa para poder terminar de saborear la historia tal como se nos venía contando, lo cual no es óbice para considerar, que, si bien no llega a la altura de una obra maestra como su anterior trabajo, Un profeta, Audiard sigue haciendo cine de muchos quilates.
La brutalidad de la personalidad del ex boxeador y de algunas de las imágenes contrasta con la delicadeza con la que trata a su amiga. La magia de la película reside también en lo bien contado que está ese proceso en que la amistad deja de ser amistad y se convierte en otra cosa, aunque el muy torpe no termine de darse cuenta. Esa mezcla de músculo y emoción la ha trasladado a la pantalla de forma sincera y honesta un fantástico, y desconocido por estos lares, actor belga: Matthias Schoenaerts.
Para hablar de Marion Cotillard hay que quitarse el sombrero. El atractivo que desprende esta mujer impregna a su personaje y transmite todo tipo de sensaciones que van desde la belleza y el magnetismo, en un principio, a la inseguridad, la fragilidad y la vulnerabilidad más tarde, pasando por la serenidad y la tristeza en ocasiones. La vida interior de esta mujer se transmite constantemente a través de los expresivos y enormes ojos de la actriz francesa con esa hermosura que va de dentro a fuera y que llega a emocionar en distintos pasajes de la película. Para algunos se trata de una interpretación de Oscar. Como mínimo debería ser candidata, luego ya veremos cuál es la competencia. De lo que no queda ninguna duda es de que Marion Cotillard, además de ser una de las mejores actrices del momento, es una mujer fascinante en todos los sentidos.
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Copyright imágenes © Why Not Productions, France 2 Cinéma, Page 114. Cortesía de Vértigo Films. Reservados todos los derechos.
De óxido y hueso
Director: Jaques Audiard
Intérpretes: Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts, Armand Verdure
Duración: 120 min.
Francia, 2012
En primer lugar queremos pedir perdón a todos los lectores de http://www.vivazapata.net por no haber avisado con tiempo de la emisión ayer de un auténtico peliculón, intenso e implacable, en La 2 de Televisión Española, a las 22 horas. No era otra que «De óxido y hueso», de Jacques Audiard, protagonizada por Marion Cotillard y Matthias Schoenaerts.
En el próximo post compensaremos ese desliz con la crítica que escribimos de la película en el momento de su estreno. Si no visteis ayer la película en televisión os animamos a recuperarla, os merecerá la pena, a pesar de su dureza.
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En breve tendréis en http://www.vivazapata.net la reseña del estreno de la última película de Bill Murray, St. Vincent nominada a dos Globos de Oro, a Mejor Película y Mejor Actor en la categoría de comedia. Hay más dentro de ella que lo que pueda parecer en un primer vistazo.
Y la próxima semana, seguimos riéndonos con el último éxito del cine francés, Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? Daremos buena cuenta de ella, no lo dudéis.
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Copyright imágenes © Chernin Entertainment, The Weinstein Company, Les Films du 24, TF1 Films. Cortesía de Eone Entertainment y A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.
Magia a la luz de la luna arranca en 1928, en el interior de un teatro berlinés, con la fuerza de “La consagración de la primavera” de Stravinsky, el hipnotismo del bolero de Ravel y el ímpetu del segundo movimiento de la novena de Beethoven. Estas melodías intemporales envuelven los trucos de Wei Ling Soo para que el público, seducido por la apariencia de realidad de los impresionantes números, salga del recinto con un poco más de felicidad en sus vidas. En eso consiste la magia, en generar una ilusión que encandile al más crédulo y convenza al totalmente escéptico. Pero las cosas no son lo que aparentan, detrás de ese aura de misticismo oriental se encuentra el británico Stanley Crawford (Colin Firth), que utiliza este desdoblamiento de personalidad únicamente en sus actuaciones.
Pesimista por naturaleza, acérrimo de la doctrina de Nietszche, hombre de ciencia y ateo convencido, y por lo tanto incapaz de creer en una vida después de la muerte, se ha convertido en azote de supuestas videntes que pretenden hacer negocio gracias a la buena fe de la gente. La intriga comienza cuando, a petición de un colega, se dirige a la Provenza francesa para desenmascarar a una espiritista (Emma Stone) que le tiene sorbido el seso a una adinerada familia. El inmediato choque de personalidades unido a la belleza y talento de la médium complicarán su peculiar cometido.
Con estos elementos Woody Allen construye una comedia romántica efervescente aunque irregular, sus burbujas suben y bajan dependiendo del segmento del filme en el que nos encontremos sin llegar a explotar en ese toque de genialidad con la que el director de Hannah y sus hermanas remata sus obras cumbre. Se trata de una de las contadas ocasiones en las que Allen rueda en formato panorámico, costumbre que ha parecido adoptar desde su anterior, y decepcionante trabajo, Blue Jasmine. Resulta sorprendente en quien ha realizado casi todos sus filmes utilizando la mínima expresión en cuanto al marco de sus imágenes, dando primacía de esta manera a la estética de sus encuadres por encima de los ingeniosos diálogos, la composición de los personajes y las interpretaciones de los actores. En ocasiones, una buena fotografía puede maquillar un guión endeble.
Más allá de la evidente referencia a Tú y Yo, gracias al entrañable personaje de la tía de Stanley, y de que se trata de una película agradable que se ve con una sonrisa en la boca, nos encontramos un tremendo socavón al final del segundo acto en una trama que posteriormente renace de sus cenizas, a pesar de la previsibilidad del argumento, en una resolución repleta de réplicas y contrarréplicas ungidas del genio verborréico del Allen más cáustico. Desgraciadamente, a pesar de este sorprendente resurgimiento, la flagrante ausencia de química entre los protagonistas supone un obstáculo totalmente insalvable. Allen, poco a poco, ha ido perdiendo esa chispa de antaño y sus últimos trabajos, con la notable excepción de Medianoche en París, sin dejar de ser correctos, ya no entusiasman.
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Magia a la luz de la luna
Dirección y guión: Woody Allen
Intérpretes: Colin Firth, Emma Stone, Marcia Gay-Harden
Fotografía: Darius Khondji
Montaje: Alisa Lepselter
Vestuario: Sonia Grande
Duración: 97 min.
Estados Unidos, 2014
¡Viva Zapata! 