Mañana viernes 3 de junio a las 19:30 de la tarde volveremos al marco incomparable del Salón de Actos del Castillo de Marcilla para moderar un interesantísimo cine fórum en el que veremos una de las películas más importantes de la historia del cine, «Rashomon» (1950) de Akira Kurosawa.
Una obra maestra que disecciona como nignuna la condición humana y que nos dará mucho que hablar por todo cuanto aporta tanto en contenido como en forma a la cinematografía universal.
Sin ir más lejos es la película que consiguió que la Academia de Hollywood instaurara el Óscar a la mejor película extranjera. Una obra imperecedera y completamente imprescindible.
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Allá por 2005 Marvel ideó un macro proyecto para crear un universo cinematográfico en el que interactuasen todos sus personajes compuesto por veintidós películas que le van a proporcionar trabajo hasta 2019. A su imagen y semejanza, Disney tiene planificado un calendario a muy largo plazo que incluye versiones en acción real de sus clásicos animados de las que ya nos ha ido llegando alguna. Alicia a través del espejo formaría parte de una especie de segunda fase en la que se producirían secuelas de aquellas que hubiesen funcionado bien en taquilla. Al contrario de lo que pudiera parecer por su título, el guión de Linda Woolverton desarrolla una historia totalmente nueva creada a partir de los personajes de Lewis Carroll y retomada años más tarde del final de la adaptación de Tim Burton, que se basaba en los dos libros del escritor/matemático.
Alicia, ahora capitana de navío como lo fue su padre, se encuentra, al regreso de altamar, con la desagradable noticia de que su madre, viuda, ha vendido su parte de la compañía naviera e hipotecado su casa para poder sobrevivir. Los pérfidos acreedores no son otros que los dueños de la empresa que le piden lo único que le queda de su progenitor, una imponente embarcación, a cambio de recuperar la propiedad de su vivienda. En medio de este desagradable embrollo, un espejo la lleva de regreso al país de las maravillas donde tendrá que ayudar a su amigo el Sombrerero Loco a encontrar a su familia.
El director de Batman se instala, esta vez, en la cómoda silla del productor y pasa los bártulos al británico James Bobin para que narre esta continuación que tan solo toma de Carroll la idea del espejo como nexo de unión entre los dos mundos.
De impecable factura técnica, corrige y aumenta el barroquismo visual heredado de su predecesora. Una dirección artística desbordante de imaginación construye distintos universos en los que destaca el diseño de unos personajes muy particulares, los soldados de la Reina Roja, que parecen sacados de cuadros de Arcimboldo. El fastuoso vestuario, la colorida y brillante fotografía y los espectaculares efectos especiales, con un toque retro que homenajea a El tiempo en sus manos, componen de manera singularmente atractiva cada fotograma.
Desgraciadamente, a pesar de pergeñar una trama con ciertos puntos de interés y de contar con un reparto sobresaliente (al notable elenco de la primera parte se le suman nombres como Sacha Baron-Cohen o Rhys Ifans), no se ha sabido transmitir ese impulso que enganche al espectador. El argumento se sigue con cierta indolencia, incluso con indiferencia, debido a la falta de fuste de unos malvados que se encuentran lejos de resultar tan aterradores como en las anteriores entregas. Uno no se aburre, pero echa de menos un poco más de brío narrativo que acompañe a la maravilla estética que luce este trabajo, algo que le entusiasme del mismo modo que lo hizo El libro de la selva sabiendo casar fondo y forma de manera insuperable.
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Alicia a través del espejo
Dirección: James Bobin
Guión: Linda Woolverton, basado en personajes creados por Lewis Carroll
Intérpretes: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter
Música: Danny Elfman
Fotografía: Stuart Dryburgh
Duración: 113 min.
Estados Unidos, 2016
Aaron Sorkin en la secuencia más rompedora de la televisión reciente ponía en boca de Will McAvoy, quijotesco e íntegro periodista con afinidades republicanas, un discurso tan reaccionario para los estadounidenses que los atónitos universitarios que escuchaban la soflama no podían dar crédito a lo que llegaba a sus oídos. En el genial prólogo de la serie The Newsroom una estudiante preguntaba inocentemente crédula: “¿Puede decir por qué Estados Unidos es el mejor país del mundo?”. El redactor no tardó en quitarle la venda de los ojos sin miramiento alguno tras argumentar firmemente con sangrantes datos y sincero pesar en qué se ha convertido su amada nación: “No lo es; un día lo fue, pero ya no”.
Michael Moore, el ácido ensayista, documentalista y azote de las políticas de George W. Bush, persevera en su afán de no dejar títere con cabeza. Tras las incendiarias Bowling for Columbine, Farenheit 9/11, Sicko y Capitalismo: una historia de amor rompe su silencio de 6 años para proseguir en su cruzada en pos de remover las conciencias de sus conciudadanos.
¿Qué invadimos ahora?, como título, invita a pensar en “Haz turismo”, la canción de Celtas Cortos que tan palmariamente reflejaba la política militar estadounidense allende sus fronteras. El realizador lo utiliza para hacer un guiño a anteriores trabajos en los que pasaba revista al estamento castrense y sirve de introducción, en modo irónico, a las pacíficas incursiones que, bandera en mano, se dispone a realizar en diversos territorios europeos y africanos con el fin de “robar” aquellas ideas que tan bien aplican estos estados en materias como derechos laborales, educación, prisiones, lucha contra la corrupción o incorporación de la mujer en el gobierno de empresas y naciones, para importarlas a su patria con el fin de contestar a esa pregunta que implícitamente planteaba en la ficción Will McAvoy: “¿Qué podemos hacer para volver a ser los mejores del mundo?”.
Con su habitual tono mordaz, Moore aporta agilidad a las dos horas de metraje de su documental consiguiendo transmitir unos argumentos que, si bien pueden partir de un estilo narrativo un tanto sensacionalista que surge al confrontarlos con el reflejo que los mismos asuntos tienen en su propio país, gracias a la profundidad de lo que subyace calan en el espectador. Aunque previamente se haya justificado aclarando que en este viaje va a dedicarse a recoger las “flores”, no la “maleza”, habría que colocar en el debe del orondo director la ausencia de ángulos oscuros que pudieran ensombrecer algunas de las tesis que engrandecen esas aportaciones de los diferentes contornos que visita. Y es que, como la acuciante actualidad nos salpica día sí y día también, no es oro todo lo que reluce en la vieja Europa.
¿Sería posible hacer funcionar ese monstruo de Frankenstein construido a partir de lo mejor de las sociedades modernas en un mismo estado? Estaría por ver.
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¿Qué invadimos ahora?
Dirección y guión: Michael Moore
Fotografía: Rick Rowley y Jayme Roy
Montaje: Pablo Proenza, Woody Richman y Tyler H. Walk
Duración: 120 min.
Estados Unidos, 2015
Londres, 8 de mayo de 1945. Los tañidos del Big Ben, la famosa campana del reloj de las Casas del Parlamento, resuenan con fuerza hasta tres veces antes de que el primer ministro Winston Churchill anuncie que un minuto después de la medianoche habrán cesado las hostilidades y se producirá la rendición de Alemania: “hoy es el día de la victoria en Europa y todos nos merecemos un momento de alegría”. La multitud agolpada frente al Palacio de Buckingham vitorea a la familia real, que ha salido al balcón para saludar; una instantánea en la que destacan, a ambos lados de los monarcas, las dos princesas: Margaret, la más joven, y Elizabeth, futura soberana.
Unos momentos después, mientras Jorge VI ensaya su alocución a la nación para evitar tartamudear durante la transmisión de radio (en clara referencia a El discurso del rey) sus hijas le reclaman un día de libertad, de celebración anónima, de incógnito, sumergidas en la marea humana que va a abarrotar la capital. El mandatario acepta, a pesar de la censura inicial de su esposa, con el convencimiento de que el sentido del deber de su primogénita vigilará el descontrol adolescente de la benjamina.
Este es el planteamiento de una película que bien pudiera parecer un divertimento ficcionado a partir de personajes reales pero que, a pesar de ciertas licencias dramáticas, relata hechos documentados, hasta el punto de que en los años 80, ya bajo el nombre de Isabel II, la reina reconoció que aquella fue una de las noches más memorables de su vida.
Resulta evidente que el guión ha bebido en las mejores fuentes, las de Dalton Trumbo (recientemente reivindicado) y su historia sobre la princesa que quería conocer al pueblo, Vacaciones en Roma. En este caso, Elizabeth (una Sarah Gadon deslumbrante), convertida en Lizzy para pasar desapercibida, consigue la ayuda de un piloto de la RAF para encontrar a su díscola hermana (a la que Bel Powley aporta todo su desparpajo) que se ha lanzado a disfrutar de la noche. El tono, la comicidad y el romanticismo se encuentran calcados del filme de Audrey Hepburn, sin renunciar a momentos de ternura y emotividad. Y ese nocturno recorrido por un Londres monumental mientras la heredera al trono y el soldado, que ignora su condición, se conocen, nos lleva además a Antes de amanecer.
Tenemos entre manos una deliciosa comedia a la británica, que cuida su elegancia y sofisticación sin dejar de lado el enredo e incluso el slapstick en determinados pasajes, narrada al ritmo del swing de los 40. Perfectamente construida a partir del acontecimiento real que la motiva, con un tempo exacto y un mecanismo completamente invisible, fluye suavemente hasta un cierre (lo más difícil dentro de un género tan trillado) brillante, y casi pudoroso, gracias a un precioso e ingenioso recurso estilístico, un movimiento de cámara donde lo importante sucede fuera del encuadre y en el que la expresión facial del personaje que aparece en el plano nos confirma lo que ya nos estamos imaginando.
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Copyright imágenes © Ecosse Films, Filmgate Films, Scope Pictures . Cortesía de A Contracorriente Films. Reservados todos los derechos.
Noche real
Dirección: Julian Jarrold
Guión: Trevor de Silva y Kevin Hood
Intérpretes: Sarah Gadon, Bel Powley, Jack Reynor
Música: Paul Englishby
Fotografía: Christophe Beaucarne
Duración: 97 min.
Reino Unido, 2015
Nunca le digas a un soldado que no conoce el precio de la guerra. Mientras pronunciaba estas palabras, Alan Rickman, embutido en el uniforme del Jefe del Estado Mayor británico, no era consciente de que ésta iba a ser su última aparición sobre una pantalla de cine. La vida de este aristocrático actor de voz engolada y modales exquisitos, tan buen compañero de rodaje como carismático intérprete, se apagó pocos meses después de terminar la filmación de Espías desde el cielo. Su versatilidad dejó huella indeleble en nuestra memoria. Aportó un toque irónico y sofisticado a unos malvados con encanto, como el inolvidable Hans Gruber de La jungla de cristal, y también imprimió la nobleza, comprensión y bonhomía, cercanas a su propia personalidad, a otros papeles del fuste de su caballero de Sentido y sensibilidad, aunque fue la calculada ambigüedad de un personaje medular de la saga de Harry Potter, Severus Snape, la que le acercó al gran público.
Rickman enriquece un poco más si cabe el impactante e interesante material a partir del que se ha creado esta película. Su atractivo radica, además de en la actualidad de lo narrado, en su crudeza y en una ausencia de maniqueísmo que expone todas y cada una de los motivaciones y consecuencias, con muchas más sombras que luces, que encierra un dispositivo antiterrorista en el que intervienen varios países.
Conceptos como la legitimidad de una intervención o su proporcionalidad, según la que los daños colaterales reducen la muerte de inocentes a simples porcentajes, sobrevuelan un guión que narra en tiempo real, con un sentido de la tensión y del ritmo ejemplares, una operación conjunta en la que el ejercito británico, con el apoyo de la aviación estadounidense, vigila a través de drones una vivienda en Nairobi donde se ocultan tres de los terroristas islamistas más buscados. Las complicaciones harán surgir curiosas y terribles derivadas con ramificaciones en los planos militar, político y jurídico que enfrentarán a las respectivas autoridades, que asisten al espectáculo de una acción televisada al estilo de un Gran Hermano mientras profieren escandalosas especulaciones en torno al impacto en los medios de comunicación, en términos de guerra propagandística, según se actúe en un sentido o en otro.
El sudafricano Gavin Hood, que además de dirigir encarna al coronel responsable de los pilotos que controlan el avión espía, ha aplicado el tono adecuado al fantástico guión de Guy Hibbert; por un lado, sabiendo trasladar la complejidad de una situación en la que la posesión de la razón se difumina cuando tiene tantas vertientes como partes implicadas (que subraya con la frase de Esquilo que abre el filme: “la primera víctima de la guerra es la verdad”), y finalmente, cerrando el escalofriante relato trayendo a primer término una muñeca y un hula-hop, que compendian, en parte, el brutal significado de una cinta que reserva unos segundos en silencio, con la pantalla en negro, para que podamos reflexionar y encajar de la mejor manera posible lo que acabamos de presenciar.
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Espías desde el cielo
Dirección: Gavin Hood
Guión: Guy Hibbert
Intérpretes: Helen Mirren, Aaron Paul, Alan Rickman.
Música: Paul Hepker y Mark Kilian
Fotografía: Haris Zambarloukos
Duración: 102 min.
Reino Unido, 2015
Ramón camina, cabizbajo, entre el ramaje verduzco. Sus movimientos, pausados, lastrados por los achaques. La barba, cana. La frente, despejada, curtida por el viento y el sol, dibujada por surcos y caballones. Se agacha a duras penas y suelta el canto que lleva en la mano sobre el escaso montón de piedras que se yergue en medio del olivar. Tiempo atrás, en ese mismo lugar, su nieta jugueteaba, pizpireta, entre los nudos y rugosidades del tronco de un olivo que le servía de cobijo, por más que aquellas oquedades reprodujesen la fantasmagórica expresión de un monstruo boquiabierto. Un Ramón barbilampiño, manifiestamente más joven, ágil y resuelto, aparece para cortar una rama, enseñando a la pequeña cómo se prepara un injerto que, juntos, plantan y riegan.
Esa niña, Alma, tiene hoy veinte años y trabaja en una granja de pollos en un pueblecito interior de Castellón. Su abuelo, que es la persona que más le importa en este mundo, dejó de hablar hace más de una década y ahora rechaza también la comida. La obsesión de la joven por “traerle de vuelta” le lleva a tratar de recuperar el olivo milenario que la familia vendió contra su voluntad doce años atrás.
Icíar Bollaín desarrolla con un estilo sobrio, pero contundente, el magnífico texto que le ha brindado Paul Laverty, pareja sentimental de la directora y compañero de viaje infatigable y guionista de cabecera de Ken Loach desde hace más de dos décadas. Más que ir a buscar la verdad deja que ocurra delante de su cámara, de modo que cada elemento va encontrando su encaje en la historia. Un poco a la manera de su maestro Víctor Erice, aunque aquí ya estemos hablando de palabras mayores.
Obtiene de sus intérpretes una química y una naturalidad que rezuma honestidad por los cuatro costados. Ya sabemos de lo que es capaz Javier Gutiérrez, que construye un entrañable tío “Alcachofa” con sus luces y sus sombras. Y qué gran sorpresa Pep Ambrós. Pero la satisfacción que produce ver romper en gran actriz a Anna Castillo, la adolescente que despuntaba en Blog o Promoción fantasma, no tiene precio.
Bollaín articula el discurso de El olivo en la forma más académica de película de carretera, de modo que al viaje físico le acompañe un periplo emocional y espiritual que incluye una búsqueda interior de cada personaje pero también, a un nivel superior, un examen moral de esa pequeña familia que se traspone a toda una sociedad que ha olvidado, al crecer, los valores que le transmitieron sus mayores. Una sociedad que ha vendido su dignidad, transmutada en ese robusto árbol milenario, por un plato de lentejas (y ni siquiera) al diablo de la codicia, la corrupción y el dinero fácil. La metáfora la completa Alma, a través de su propio nombre, que se empeña en encontrar ese magnífico olivo del que poder injertar un hálito de esperanza a la que aferrarse para recuperar el rumbo perdido.
Reflexión, sí, pero acompañada de emoción sincera.
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El Olivo
Dirección: Icíar Bollaín
Guión: Paul Laverty
Intérpretes: Anna Castillo, Javier Gutiérrez, Pep Ambrós.
Música: Pascal Gaigne
Fotografía: Sergi Gallardo
Duración: 100 min.
España, 2016
Sencilla y efectiva. Si fórmula funciona, ¿por qué no seguir explotándola? Un veterano director especializado en comedias románticas, un reparto coral con nombres lustrosos y un argumento en el que las vidas de gente de lo más variopinto se cruzan para compartir penas y alegrías, con el amor como telón de fondo, en el contexto de una celebración que tiene que ver con una fecha muy señalada. ¿Resultado? Si nos fijamos en Historias de San Valentín y en Noche de fin de año, los intentos precedentes, un tanto irregular en cuanto a lo cinematográfico aunque excelente en lo puramente crematístico, hasta el punto de dar lugar a un tercer festejo.
Una conmemoración en la que nos vamos a topar con madres de diferentes edades y condiciones. La madre a tiempo parcial, Jennifer Aniston, que afronta el matrimonio de su ex con una mujer más joven. La madre racista, que ha propiciado que su recelosa hija, Kate Hudson, le oculte su matrimonio con un doctor indio. La madre latente, Julia Roberts, una presentadora de éxito casada con su carrera y sin tiempo para plantearse nada más. La madre soltera, Britt Robertson, que no se decide a formalizar la relación con su pareja. La madre ausente, la joven militar que ha dejado viudo a Jason Sudeikis, que obligará a sus dos hijas y a su marido a afrontar por primera vez este día sin su presencia.
El guión adolece de falta de agilidad en un primer acto que se extiende excesivamente. El punto de inflexión lo marca una desternillante secuencia en la que acontece una visita sorpresa. A partir de entonces todo comienza a fluir, la trama funciona, los personajes enganchan y surge la comicidad y emotividad sin caer en el empalago. La férrea y efectiva dirección de actores se convierte en uno de los factores clave. La labor de Garry Marshall sujetando fuertemente de las riendas a dos potros desbocados como los histriónicos Jason Sudeikis y Timothy Olyphant, cuya sorprendente sobriedad transmite naturalidad y cercanía, contribuye enormemente a llevar a buen término el rumbo del filme.
El espectador agradece que el veterano realizador, a sus 81 años, ya no tenga nada que demostrar y se pueda permitir boutades como un par de referencias más que directas a Tomates verdes fritos y Pretty Woman, con la inestimable colaboración de Julia Roberts y su actor fetiche, al que reserva una dedicatoria muy sentida en los créditos finales: “y… como siempre, Héctor Elizondo”.
Aparece mucho más divertida que sus hermanas mayores, superándolas notablemente mediante momentos de emoción bien buscados y construidos y transmitiendo empatía gracias al más entrañable de los intérpretes, un precioso bebé capaz de robar secuencia tras secuencia a sus experimentados compañeros de reparto. No está mal que consigan que nos acordemos de esas magníficas mujeres, trabajadoras, ejemplares, divertidas, rumbosas y optimistas, que nos educaron y nos siguen enseñando, a través de una película que cuanto menos, y por encima de clichés típicos del género, resulta simpática.
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Feliz día de la madre
Dirección: Garry Marshall
Guión: Tom Hines, Lily Hollander, Anya Kochoff y Matthew Walker
Intérpretes: Jennifer Aniston, Kate Hudson, Julia Roberts y Jason Sudeikis
Música: John Debney
Duración: 118 min.
Estados Unidos, 2016
Kike Maíllo tuvo que vivir a la sombra de Juan Antonio Bayona en su etapa de cortometrajista. El éxito también llamó a la puerta de su colega con anterioridad. Mientras la estrella de la primera promoción de la prestigiosa ESCAC de Barcelona triunfaba con El orfanato su compañero compaginaba su labor como profesor en el centro en el que ambos se formaron con la laboriosa preparación de su primer largo. Gracias a Eva, y al Goya a la mejor dirección novel, Maíllo pudo, por fin, salir a la luz debido a su talento y a una sorprendente ópera prima diferente a todo lo que se había rodado hasta aquel 2012 dentro de la industria cinematográfica española.
Cuando alguien irrumpe con una fuerza inusitada en el panorama cultural con una primera novela brillante, un primer disco rompedor o una primera película impactante, coloca tan alto el listón que, probablemente sin merecerlo, se expone a ser juzgado con la severidad reservada a los consagrados. Dado el breve pero interesante bagaje con el que se presentaba, el prestigio atesorado sumado a una historia de género negro muy oscura y violenta y a los mimbres con los que ha podido contar en cuanto a presupuesto y reparto, la expectación generada ha situado a Maíllo en el “¿y ahora qué?”. A riesgo de ser injustos, tras un inicio espectacular y francamente prometedor, su segundo trabajo se va cayendo a pedazos a medida que la potencia inicial se va diluyendo cual globo que pierde fuelle.
Toro (Mario Casas) es un delincuente de poca monta que quiere deshacer los vínculos que le unen al capo del crimen en Málaga (José Sacristán) para poder cambiar de vida, pero la inoportunidad y mala cabeza de su hermano (Luis Tosar) le llevarán, primero a la cárcel, y cinco años después, cuando ya ha conseguido reformarse por completo, a una espiral de violencia que mezcla elementos del neo noir con ecos de tragedia griega.
La sucesión de homenajes cinéfilos, con referentes como El silencio de los corderos, Atrapado por su pasado, Pulp Fiction, Jamón, Jamón, Cadena Perpetua, El bueno, el feo y el malo o Drive, en lugar de ayudar a consolidar lo que se está contando, ante la ausencia de consistencia de un guión que juega con el thriller y el western de una manera un tanto deslavazada, convierte el filme en un pastiche en el que se echa de menos, incluso, el genio que llevan dentro tipos curtidos en estas lides como Sacristán y Tosar, ubicándolo a millas de distancia de intentos mucho más atinados dentro del género como La isla mínima, 25 kilates o La caja 507.
A pesar de que Mario Casas no defrauda, la desidia con la que a veces parece dirigida y montada la película (con especial hincapié en las secuencias de acción), provoca una desazón y cierta sensación de impotencia que hace aflorar el cabreo de quien sabe que Kike Maíllo podría haber sacado mucho más jugo de su más que apetitoso limón.
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Toro
Dirección: Kike Maíllo
Guión: Rafael Cobos y Fernando Navarro
Intérpretes: Mario Casas, Luis Tosar, Ingrid García Jonsson
Fotografía: Arnau Valls Colomer
Montaje: Elena Ruiz
Duración: 103 min.
España, 2016
Mañana sábado 23 de abril, a partir de las 19 horas, en el Centro Cultural Tafalla Kulturgunea, este que suscribe va a tener el privilegio de colaborar en un concierto de música de cine en el que la Banda de Música la Tafallesa y los alumnos y alumnas de la Escuela de Música de Tafalla se adentrarán en el fascinante mundo de las bandas sonoras.
Aportaremos nuestro granito de arena acompañando cada tema de una breve explicación glosando las figuras de los compositores de cada banda sonora y comentando curiosidades referentes a las películas de las que forman parte.
La selección de temas, escogidos y arreglados para la ocasión por el director de la Banda de Música la Tafallesa, Óscar de Esteban, va a resultar tremendamente atractiva ya que se va a realizar un recorrido por la historia del cine en forma de partiura con grandes clásicos de la entidad de Ben-Hur o Lo que el viento se llevó y la música que ha acompañado a nuestros héroes favoritos: Han Solo, Luke Skywalker, Jack Sparrow o Indiana Jones. Lo que nos permitirá acercarnos a la trayectoria de maestros como Max Steiner, Miklos Rozsa, John Williams, John Barry o Ennio Morricone.
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Porque la fuerza de la manada es el lobo y la fuerza del lobo, la manada. Esta es la ley de la selva. El poema de Kipling resuena en la boca de Akela, líder de todos los lobos y padre adoptivo que enseña a la cría de humano de la que se ha hecho cargo el código de los animales. En cambio, Raksha, mujer de Akela, no puede evitar emocionarnos cuando mira a los ojos de su niño mientras, con voz dulce, exclama: vayas donde vayas y te llamen lo que te llamen, siempre serás mi hijo. Honor y amor. Profundas enseñanzas que, a modo de prólogo, marcan la personalidad de este pequeño salvaje.
Dentro del proyecto de Disney para convertir todos sus clásicos animados en películas de acción real, el capítulo intermedio entre Cenicienta y La bella y la bestia es El libro de la selva. A pesar de su concepción como remake del éxito de 1967, se ha decidido, con muy buen criterio, incluir elementos de la novela de Rudyard Kipling para dotar de un tono más dramático y peligroso a las correrías de Mowgli, un niño huérfano criado al abrigo de un grupo de bestias en el hostil entorno de la selva india. No falta ningún personaje: la pantera Bagheera, el oso Baloo, el malvado tigre Shere Khan, la serpiente Kaa y Louie, el rey de los monos, ni tampoco referencias a las canciones del filme originario.
El recelo inicial, mezcla de escepticismo y desconfianza, ante una cinta que combina actores de carne y hueso con animales desaparece ya en la primera secuencia. Jon Favreau, solvente director especializado en acción, ha seguido el camino que los efectos especiales abrieron con el personaje del tigre de La vida de Pi poniéndose al frente de un equipo que ha dado vida de forma mágica a la jungla en su conjunto, desde los esplendorosos paisajes hasta unos personajes con alma, que adoptan actitudes propias de humanos, hablando con total naturalidad con el protagonista, código que el espectador acepta sin aspavientos.
La maravilla técnica resulta sencillamente impresionante, pero sin un guión de peso no serviría absolutamente para nada. Afortunadamente aquí nos encontramos el armazón generado por ordenador al servicio de un sólido libreto que aúna aventura, acción, emoción y toques de humor ingenioso y cáustico dispuesto para no decepcionar a un público variopinto de cualquier rango de edad. Si a eso le sumamos la pericia de un tipo como Favreau, con un sentido del ritmo encomiable a la hora de rodar y montar, y el desparpajo y la expresividad de un joven actor capaz de transmitirnos que sus compañeros digitales están tan vivos como él, nos encontramos con una muy agradable sorpresa. El culmen lo aporta la banda sonora de un John Debney que sabe alternar lo épico con lo emotivo, incluyendo pasajes más oscuros e incluso étnicos, que envuelve los espectaculares parajes que sirven como decorado con notas que evocan grandes partituras como Los últimos días del Edén de Jerry Goldsmith y Memorias de África, obra maestra de John Barry.
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El libro de la selva
Dirección: John Favreau
Guión: Justin Marks, basado en el libro de Rudyard Kipling
Intérpretes: Neel Sethi, voces en la versión original de Bill Murray y Ben Kingsley.
Música: John Debney
Fotografía: Bill Pope
Duración: 105 min.
Estados Unidos, 2016
¡Viva Zapata! 