Con las recientes noticias relacionadas con el virus Ébola aparecidas en medios de información de todo el mundo y el triste fallecimiento del sacerdote Miguel Pajares a causa del mismo, os recomendamos el visionado de este estupendo thriller de ficción que narra cómo un peligrosísimo virus se extiende desde el continente africano a todo el mundo. En la película se le ha llamado Motaba, pero cuando aparecen imágenes de la cepa de donde ha partido la enfermedad podemos comprobar que es idéntica a una de Ébola. De modo que la historia trata sobre una ficticia epidemia de Ébola.
Cuenta con un reparto de campanillas: Dustin Hoffman, Morgan Freeman, Kevin Spacey, Rene Russo y Donald Sutherland, todos ellos dirigidos por Wolfgang Petersen.
El filme ha de ser visto como lo que es, un muy entretenido thriller, cuyo argumento, por desgracia se encuentra de actualidad y que esgrime una teoría de por qué y cómo se extendió el Ébola en África. No recomendable para aprensivos e hipocondríacos.
Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.
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Estallido
Director: Wolfgang Petersen
Guión: Laurence Dworet y Robert Roy Poole
Intérpretes: Dustin Hoffman,Rene Russo, Morgan Freeman
Música: James Newton Howard
Fotografía: Michael Ballhaus
Duración: 127 min.
Estados Unidos, 1995
Sobre el fondo negro en el que aparecen los créditos se escuchan ráfagas de viento. Un pequeño foco de luz permite percibir las partículas de polvo en suspensión que flotan en el angosto habitáculo. Dos haces más se cuelan por lo que parecen agujeros de bala. El viento se convierte en el sonido de un vehículo en marcha. Primerísimo primer plano de un ojo emulando al Dziga Vertov de El hombre de la cámara. Pertenece a una fotógrafa (Juliette Binoche) que, en medio del desierto de Afganistán, presencia una especie de rito de iniciación al horror más absoluto, impertérrita, retratando el momento a pesar de estar poniendo en riesgo su propia vida e incluso la de otros.
El carácter de esta reportera gráfica se asemeja al del protagonista de En tierra hostil. De alguna manera, a pesar de tener un marido (Nikolaj Coster-Waldau) y dos preciosas hijas que le esperan en Irlanda, no es capaz de adaptarse a la vida familiar y necesita ese chute de adrenalina que le proporciona el riesgo de trabajar en zonas de conflicto. ¿Su coartada? Alguien tiene que mostrar la barbarie al mundo para que la opinión pública no pueda permanecer impasible. Es aquí donde nos vienen a la mente historias como Días de vino y rosas o, sobre todo, Cuando un hombre ama a una mujer, como bien refleja una intensa secuencia entre madre e hija en la que la cámara se vuelve hacia la fotógrafa para dejar patente lo difícil que es, a veces, percibir el dolor de los más cercanos, en comparación con el de los extraños que habitan en lugares recónditos.
Quiero que a la gente se le atragante el café cuando abra el periódico, que vean, que sientan, que reaccionen. Así se lo expresa a su hija y es ahí donde reside, precisamente, el nudo gordiano de esta narración. En esa dualidad entre la prestigiosa profesional comprometida y la madre de familia y esposa, cuando el dedicarte en cuerpo y alma a tu oficio conlleva el hecho de que, por conseguir un bien mayor, tengas que traspasar la delgada línea roja que te lleva a poner tu vida en peligro constantemente con el consiguiente sufrimiento psíquico de los que esperan. Interesante disquisición la que nos traslada el realizador noruego Erik Poppe en la que el factor de la adicción al riesgo de la protagonista hace todavía más difuso el límite entre los muchos tonos grises que conforman el conflicto moral que gira en torno a un personaje al que Juliette Binoche confiere un grado de complejidad y una intensidad similar a la que tenían los que interpretó en Azul o Herida.
La película cierra su estructura circular con un espléndido plano final. Una mujer de rodillas, otra que cae de hinojos a su lado. No hay palabras. Tan solo el mismo doloroso puñetazo en el estómago que habíamos recibido en la primera secuencia haciendo resonar en nuestra cabeza los ecos de la durísima historia que nos acaban de contar.
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Copyright de las imágenes © Paradox, Zentropa International Sweden. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.
Mil veces buenas noches
Dirección: Erik Poppe
Guión: Erik Poppe, Harald Rosenlow-Eeg, Kirsten Sheridan
Intérpretes: Juliette Binoche, Nikolaj Coster-Waldau, Lauryn Canny
Música: Armand Amar
Fotografía: John Christian Rosenlund
Duración: 117 min.
Noruega, Suecia, Irlanda, 2013
En breve tendréis en http://www.vivazapata.net la crítica de este estreno que narra la dicotomía entre familia y profesión en la que se debate una fotógrafa de guerra interpretada por Juliette Binoche. Cuenta con el interés de que su director, el noruego Erik Poppe, cuenta en su bagaje con muchos años ejerciendo la misma profesión que la protagonista de esta emotiva historia.
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Esta película tiene un germen cuanto menos muy curioso. Sylvester Stallone compró los derechos de la novela en la que se basa, “Homefront”, publicada en 2005, y desarrolló el guión como un intento de hacer regresar a uno de sus personajes fetiche, John Rambo. Su autor, Chuck Logan, comparte el estatus de veterano de Vietnam con el protagonista de Acorralado, y el héroe de su relato también es un ex combatiente, además de ex agente de la DEA, la agencia anti droga estadounidense, caldo de cultivo perfecto para ser adaptado al perfil del pupilo del coronel Truman. El proyecto quedó enquistado, Stallone prefirió recuperar a Rocky Balboa y su edad ya no le permitía protagonizar esta historia. El guión quedó en un cajón, pero gracias a Jason Statham, que trabajó a las órdenes de Sly en Los mercenarios, se retomó la idea y se puso en manos de Gary Fleder, que es quien finalmente la ha llevado a la pantalla, con el ex saltador de trampolín británico al frente.
El protagonista de El protector es un ex policía, Phil Broker, que, tras haber trabajado infiltrado y desarticular una banda de narcotraficantes, desaparece del mapa y se esconde en un tranquilo pueblo de Luisiana junto a su hija de 10 años, esperando no ser localizado. Hasta ahí nada que pudiese llamar nuestra atención. El atractivo inicial lo tienen que aportar otros factores como los espectaculares paisajes sureños, con sus pantanos y sus ciénagas, con el recuerdo de Blanco humano de John Woo de fondo, y un interesante reparto de secundarios en el que destaca la presencia de dos mujeres, Winona Ryder, que desde Cisne Negro parece abonada a papeles más bien oscuros, y Kate Bosworth, que ha cambiado completamente su imagen de reina del cine para adolescentes para encarnar a una madre drogadicta y conflictiva, que recuerda mucho a la transformación a la que se sometió Blake Lively en otro policiaco como The Town.
Con el paso de los minutos nos vamos dando cuenta de que se está contando la misma historia que ya hemos visto cientos de veces, trufada de tópicos y que no aporta nada nuevo al género. Jason Statham definitivamente no es Bruce Willis y su personaje nada tiene que ver, lástima, con el John McLane de La jungla de cristal. La vulnerabilidad y la desgracia en forma de casualidades negativas que engrandecían al policía de Nueva York no forman parte del ADN de un Phil Broker que apenas suda y mucho menos pone en vilo al espectador debido a una suficiencia que raya lo insultante. Un planteamiento que podría haber dado un producto más interesante se queda finalmente en agua de borrajas. Tan solo nos deja cierto aroma a cine de acción ochentero (subrayado por la partitura de un clásico de la época como Mark Isham) como el que quiso recuperar Walter Hill con su reciente Una bala en la cabeza o el propio Stallone, protagonista de aquella, gracias a la saga, antes mencionada, de Los mercenarios.
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Copyright de las imágenes © Homefront Productions, Millennium Films, Nu Image, Open Road Films (II). Cortesía de Tripictures. Reservados todos los derechos
El Protector
Director: Gary Fleder
Guión: Sylvester Stallone, basado en la novela “Homefront” de Chuck Logan
Intérpretes: Jason Stratham, Izabela Vidovic, James Franco
Música: Mark Isham
Fotografía: Theo van de Sande
Duración: 100 min.
Estados Unidos, 2013
«Carpe diem, coged las rosas mientras podáis porque seremos pasto de los gusanos.» Los versos de Walt Whitman, el tío Walt, como familiarmente lo llamaba el profesor de literatura John Keating, eran la fuente de inspiración que el personaje interpretado por Robin Williams insuflaba a sus alumnos ávidos de abrirse a la vida, a la poesía, a la literatura, al amor (a sus alumnos y a los adolescentes que observábamos desde el otro lado de la pantalla). Con un tipo así impartiendo literatura algo mejor me hubiese ido la asignatura en mis años de instituto.
Recuerdo que vi «El club de los poetas muertos» en el cine Carlos III de Pamplona. Subía en autobús desde Tafalla. La sala era enorme (hoy se ha convertido en unos multicines de 5 salas) y la pantalla, espectacular, la más grande de Pamplona. Toda la liturgia en que se convertía asistir a un estreno hacía de ello un momento mágico, desde que montabas en el autobús, hasta que salías del cine, después de ver hasta el último título de crédito, con ese brillo en los ojos que quedaba cuando habías asistido a una historia que te había tocado especialmente. Creo que fue la primera, o una de las primeras veces, que las lágrimas asomaban debido a la profunda emoción que ese fantástico final había dejado en ese adolescente de 16 años que ya empezaba a tener claro que esto del cine era algo más que un simple divertimento para él. Y eso fue gracias a un tipo como tú, Robin Williams. Si ahora estoy aquí escribiendo es porque tus películas me han conducido de alguna manera hasta aquí. Recuerdo que ese impresionante final fue tema de conversación en clase. Un día de invierno en el que no habían podido venir los alumnos de fuera de Tafalla por la tremenda nevada estuvimos hablando de cine con la profesora de Geografía, «la Muneta» (algunos la llamaban Willy por su asombroso parecido, pelo extremadamente corto y gafas, al padre de la familia que acogía al extraterreste Alf en la serie de televisión). Fue todo un descubrimiento sorprenderme hablando de cine de esa manera tan apasionada.
Un año más tarde, en París, en el viaje de estudios de COU, volviste a cruzarte en mi camino. Me escapé desde el hotel, por la tarde noche, al barrio latino, cerca del Arco de Triunfo, donde están los cines que exhiben películas en versión original, para ver «Despertares», subtitulada en francés. Me emocionó tremendamente la contención de tu interpretación. Aquel médico tímido y apocado. En mi opinión le diste sopas con honda a Robert de Niro, pero al final el nominado al Oscar fue él. Y pasó lo de siempre, que te dieron el premio por un papel menor («El indomable Will Hunting»), cuando te lo habías merecido por cualquiera de los otros dos.
E incluso por el loco risueño de «El rey pescador».
Gracias Robin Williams por hacerme amar el cine, por emocionarme, por hacerme soltar unas lagrimillas, por hacerme reír a carcajadas (todavía recuerdo lo bien que me lo pasé viendo «Una jaula de grillos»).
Un genio de la risoterapia, como el doctor Patch Adams, al que también interpretaste.
Un amigo de tus amigos, capaz de hacer reír a Christopher Reeve, convaleciente tras el accidente hípico que le dejó tetraplégico. Que le puso voz al genio de «Aladdin», canciones incluidas.
Un tipo con la tremenda personalidad de aparecer desenfocado durante toda una película, porque así era como había escrito tu personaje Woody Allen, en «Desmontando a Harry».
Quizás así ha estado tu vida, un tanto desenfocada. Humildemente desde aquí quiero darte las gracias por hacerme amar el cine. Yo te voy a despedir como estoy seguro que lo harán en la próxima edición de los Oscar (no soy dado a ello, pero este es el final de la película, quien no haya visto «El club de los poetas muertos» que corra a verla de inmediato y que no le de al play en en vídeo de aquí abajo, ¿de acuerdo?, ah, y que no siga leyendo hasta haber visto el filme de cabo a rabo).
SPOILER!!!!!
Ahora mismo vuelvo a ser aquel chaval de 16 años que a lágrima viva está deseando subirse a su silla, y de ahí a la mesa, y que inspirado por todo tu trabajo (y por la emocionante música de Maurice Jarre, con esas maravillosas gaitas) te va a mirar a los ojos y te va a decir: «Oh capitán, mi capitán».
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Pues sí. En breve tendréis por aquí la crítica de la recientemente estrenada «El protector», con el ex saltador de trampolín Jason Statham en el papel protagonista de una película que cuenta con guión de Sylvester Stallone. Precisamente ellos son dos de los rudos combatientes que aparecen en uno de los estrenos más esperados de este verano 2014, la tercera entrega de la saga que comenzó dirigiendo el propio Stallone, «Los mercenarios 3», acompañados por el Dream Team del cine de acción de los años 80, 90 y del siglo XXI, con nombres como Arnold Schwarzenegger, Harrison Ford, Mel Gibson o Antonio Banderas.
Aquí os dejamos una curiosidad muy interesante, el propio Statham, en sus años mozos, participando en los Juegos de la Commonwealth celebrados en Auckland, Nueva Zelanda, en 1990. El chico ponía voluntad, pero lo cierto, es que era más bien del montón. Nunca llegó a participar en unos Juegos Olímpicos. Por cierto, ojo a la entrada en la piscina de su último salto.
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La espía británica, la tierna madre casada con un hombre violento y estricto, la dura policía tejana, el ama de casa marginada por sus vecinas, la esposa de un general romano desterrado, la mismísima Salomé, la mujer que ve como su marido poco a poco parece perder la razón. Todas ellas tienen algo en común: Jessica Chastain. Esta pelirroja californiana de piel nívea se ha convertido por méritos propios en la actriz emergente del año 2011 participando de forma destacada y cosechando premios y parabienes por estos siete destacados papeles en otras tantas películas que han figurado entre lo mejor de la producción del pasado año. Por estos lares ya hemos disfrutado de su presencia en Criadas y señoras, El árbol de la vida y La deuda y estamos esperando con expectación su tour de force con Al Pacino en Wilde Salomé y con Ralph Fiennes en Coriolanus y el intenso thriller policíaco que se desarrolla en los Texas killing fields. El séptimo título es el que nos compete, Take shelter. Si masculinizamos 2011 tendría el aspecto, la presencia y el magnetismo del actor irlandés Michael Fassbender, si lo feminizamos, sin duda ninguna los ojos verdes y la larga cabellera rojiza de la atractiva y talentosa Jessica Chastain lucirían con intensidad.
Esta desconocida hasta fechas recientes ya ha encontrado su lugar en la industria del cine participando en producciones de todo tipo, desde el cine de autor y más arriesgado hasta el cine comercial con marchamo de calidad. Take shelter pertenece a la rama del cine independiente americano, ese que se suele asomar tímidamente por detrás de la puerta de festivales como Sundance y que gracias a su reconocimiento y al prestigio ganado en ellos llega mucho más lejos de lo que en un principio parecía que podía alcanzar. Ya sucedió el año pasado con la fantástica y escalofriante Winter´s bone que logró colarse en las candidaturas a los Oscar con todo merecimiento. Este año Take shelter se quedó en puertas, inmerecidamente, ya que debía haber tenido algún reconocimiento, pero a pesar de eso ha conseguido su distribución en varios países y aquí la tenemos para disfrute de los aficionados al buen cine independiente que se deja ver de cuando en cuando por nuestras carteleras.
Nada más y nada menos que 27 premios sumados en su recorrido por los principales festivales de todo el mundo, incluido Cannes, y en los galardones que durante los meses de diciembre y enero otorgan las diferentes asociaciones de críticos estadounidenses. Ese es el activo que respalda una propuesta tan atractiva e interesante como arriesgada. Take shelter supone una aproximación a la locura, una lúcida visión paso a paso de cómo un hombre se adentra conscientemente en el intrincado laberinto de su mente y se enfrenta, no sin sufrimiento, a la gran espiral autodestructiva contra la que nada puede hacer, a lo que él percibe como una enfermedad que progresivamente se va a apoderando de su personalidad y que le va apartando cada vez más de su familia, de su mujer y su hija.
Espléndida la interpretación de Michael Shannon, un rostro que poco a poco se va haciendo conocido tras pequeños papeles como el de Revolutionary road que le supuso una nominación al Oscar y su presencia en una de las series más premiadas de los últimos tiempos, Boardwalk Empire. Secundado a la perfección, como comentábamos más arriba, por la fantástica y omnipresente Jessica Chastain. Un intenso y absorbente trabajo escrito y dirigido por Jeff Nichols que satisfará sin duda ninguna el hambre de buen cine independiente del aficionado al cine acostumbrado a descubrir en los rincones más recónditos esas pequeñas joyas que se esconden bajo la maleza y, que, sin un mínimo de atención podrían pasar desapercibidas.
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Take shelter
Director: Jeff Nichols
Intérpretes: Michael Shannon, Jessica Chastain, Tova Stewart
Duración: 120 min.
USA, 2011.
Muchas veces no sabes si creerte todo lo que dice la publicidad en torno a un estreno y siempre entras a la sala con cierta prevención. En este caso haced caso a todo lo que se dice y a este que escribe. Si queréis ver una espléndida película en torno al mundo de la música, con aire de comedia romántica y con unas interpretaciones magníficas, sobre todo la de una Keira Knightley renacida después de unos últimos años más que decepcionantes y que vuelve a enamorar, corred al cine más próximo a ver «Begin Again». Ah, y la música estupenda también, aquí tenéis una prueba de ello, canta Adam Levine, el cantante del grupo Maroon 5, que también aparece en el filme.
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Copyright de las imágenes © Exclusive Media Group, Sycamore Pictures, Apatow Productions, Likely Story. Cortesía de E-One España. Reservados todos los derechos
A petición de un joven lector de http://www.vivazapata.net, que tuvo la ocasión de ver recientemente «Take shelter» en la Filmoteca de Madrid, próximamente tendréis por aquí la crítica que escribimos en el momento de su estreno. Un interesante, perturbador e hipnótico trabajo. Esperamos que lo disfrutéis.
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El otro día vi en la Filmoteca por fin «Holy Motors» a raíz de la recomendación que hace un tiempo me hizo un amigo (más vale tarde que nunca, David). Y lo cierto que es que, a pesar de mantenerme dentro de la película durante las casi dos horas que dura, de que no tiene puntos muertos, de seguir más o menos la historia, me pareció una marcianada en líneas generales. Demasiadas ganas de Leos Carax (el director) de hacerse notar, de provocar incluso. He de aclarar que no he visto nada de la cinematografía anterior de Leos Carax, aunque sí he oído hablar de él.
Tan solo el segmento en el que aparece Kylie Minogue me llegó a emocionar. Pero lo que más me gustó de la película es el entreacto, dispuesto para descansar en mitad de los ocho trocitos que forman el argumento principal, y rodado prácticamente en plano secuencia. Es este que sigue a continuación.
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Copyright de las imágenes © Pierre Grise Productions, arte France Cinema. Cortesía de Avalon. Reservados todos los derechos
¡Viva Zapata! 