Mientras observa su reflejo en el espejo se mira a los ojos interpelante. Sé lo que están pensando, comienza convincente. ¿Cómo demonios un viejo de 52 años que vendía máquinas de batidos construyó un imperio con 600 restaurantes en 50 estados y 5 países extranjeros? Pausa valorativa. Una palabra: Persistencia. Su cara se ilumina. Nada puede sustituir a la persistencia. Conozco multitud de hombres con talento sin éxito alguno. La genialidad se ha convertido en un cliché. La educación tampoco; el mundo está lleno de tontos con estudios. La clave se encuentra en la persistencia y la determinación.
Son conceptos extraídos de libros de autoayuda que muestran esa filosofía tan típicamente estadounidense del hombre hecho a sí mismo que lleva el emprendimiento por bandera. Esa inquietud conforma una parte de la personalidad de este fulano que esconde aspectos notablemente más oscuros y retorcidos.
El santuario de Raymond Kroc, erigido bajo dos arcos dorados, no tardó en convertirse en la meca de la comida rápida. Respondiendo a su propia pregunta retórica, ésa de ahí arriba, el germen de McDonald´s se ubica en San Bernardino, California, a donde llegó el ínclito para aprovecharse del visionario hallazgo de dos hermanos que revolucionaron a pequeña escala el concepto de restauración que se tenía en los años 50 e inventaron el fast food.
Michael Keaton, tras el no Óscar de Birdman y su participación en Spotlight, continúa con su regreso a la primera división del cine mundial aceptando otro papel de enjundia que podría haberle devuelto a la alfombra roja del Dolby Theatre. El filme no ha recibido candidatura alguna a pesar de retratar ejemplarmente la vida y obra de este pícaro del siglo XX. Un tipo ambicioso y sin escrúpulos, una sanguijuela que vio una oportunidad de negocio y la explotó sin importarle los daños colaterales que pudiese causar. La milimétrica maestría del intérprete consigue mimetizarle con un personaje que, de no haber existido realmente, parecería haber sido escrito a la medida del actor.
John Lee Hancock se siente como pez en el agua dirigiendo películas biográficas. En la estupenda e infravalorada Al encuentro de Mr. Banks abría en canal la complicada humanidad de P.L. Travers, creadora de Mary Poppins. En esta ocasión, no solo disecciona la figura del auto proclamado fundador de McDonald´s sino que, por elevación, analiza y glosa, al estilo del mejor Scorsese, el intrincado universo de las franquicias y la aplicación de la teoría de la fabricación en cadena de Henry Ford al cocinado de hamburguesas y patatas fritas.
Esta cinta debería ser de obligado visionado en todas las escuelas de negocios por su eminente valor pedagógico ya que refleja con meridiana claridad ideas de las que aprender pero también comportamientos a evitar. Y lo más importante, no se trata de un mamotreto ininteligible para el espectador no iniciado, más al contrario, plasma de manera nítida e interesante un fragmento de historia desconocido hasta ahora en torno a un concepto que nos resulta absolutamente cercano y familiar.
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El fundador
Dirección: John Lee Hancock
Guión: Robert Siegel
Intérpretes: Michael Keaton, Nick Offerman, John Carroll Lynch
Música: Carter Burwell
Fotografía: John Schwartzman
Duración: 115 min.
Estados Unidos, 2016
Cuando saltó la noticia de que la trilogía del Baztán de Dolores Redondo iba a ser transformada en miniserie por los responsables de la saga Millenium, los comentarios acerca del atractivo que había despertado en los nórdicos se centraban en que su ambientación, a pesar de estar ubicada en el valle navarro, remitía a esos paisajes y esa climatología que rodea la literatura negra escandinava que tan en boga se encuentra desde el éxito póstumo de Stieg Larsson. El proyecto, rodado finalmente en formato cinematográfico, ha contado con la colaboración e infraestructura de Atresmedia que, con el realizador Pamplonés Fernando González Molina como maestro de ceremonias, ya se encargó con éxito de trasladar Palmeras en la nieve a la pantalla grande.
Tanto en las imágenes como en la novela pueden apreciarse vestigios que remiten a Los casos del departamento Q de Jussi Adler-Olsen o a la melancolía que desprende el Kurt Wallander de Henning Mankel. Pero la referencia directa del libro, y por definición de su versión fílmica, nos lleva a mirar a Thomas Harris y su exitosa El silencio de los corderos.
Nos encontramos a otra mujer aparentemente dura pero frágil en su fuero interno, con un trauma infantil que le atormenta, formada, al igual que Clarice Starling, en el Departamento de Ciencias del Comportamiento del FBI en Quántico, Virginia, que se ve obligada a regresar a sus raíces, a su Elizondo natal, pero también a lo más profundo de su subconsciente, para dar con la clave que le ayude a resolver el caso de un asesino en serie que mata a chicas adolescentes de la zona. 
La complejidad del personaje de la inspectora Amaia Salazar, encarnada por una excelente Marta Etura, es la clave para amarrarse a una historia que comienza de modo convencional pero a la que las vinculaciones familiares de la protagonista confieren ese atractivo que provoca el interés del espectador. La firmeza, decisión e integridad de los primeros momentos se tornan en vulnerabilidad e inseguridad, e incluso llegan a sembrar la duda con cierta oscuridad, distancia y frialdad hacia su hermana mayor y una madre cuyo recuerdo fantasmagórico la persigue constantemente.
El brillante desempeño de González Molina tras la cámara proyecta una atmósfera densa y desasosegante, fotografiada entre brumas y lluvia y subrayada por la fantástica música de Fernando Velázquez. La autenticidad del relato se enriquece por la utilización de las localizaciones originales sin llegar en ningún momento a desvirtuarse por ese toque místico, de realismo mágico un tanto turbador, que le confiere la introducción del Basajaun, ese ser mitológico que cuida del equilibrio del bosque.
El único pero achacable a la cinta, herencia de su fuente, lo excesivamente literario del lenguaje con el que se construyen algunos diálogos, que resta naturalidad y verosimilitud a lo que se está contando, hecho que tal vez se deba a un excesivo respeto por el original y su autora, cuyo fugaz cameo, cual inquietante presencia, no pasa inadvertido en el funeral de una de las víctimas.
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El guardián invisible
Dirección: Fernando González Molina
Guión: Luiso Berdejo, basado en la novela homónima de Dolores Redondo
Intérpretes: Marta Etura, Elvira Mínguez, Francesc Orella
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Flavio Martínez Labiano
Duración: 129 min.
España, Alemania 2016
En la tan traída fábula, la rana y el escorpión acaban en el fondo del río porque, por encima de la lógica que les hubiese permitido cruzar uno sobre el lomo de la otra, se impone el instinto del arácnido que arponea a la pobre nadadora en mitad del trayecto causando la muerte por ahogamiento de ambos. Es mi naturaleza, acierta a excusarse segundos antes del fatal desenlace.
Un hijo que odia a su padre por el trato que les ha dispensado tanto a él como a su madre luchará con todas sus fuerzas para no repetir idénticos patrones de comportamiento y tratará de construir una personalidad diametralmente opuesta. Sin embargo, la caprichosa naturaleza, sin que el descendiente pueda hacer nada para evitarlo, se encargará de que, con el paso del tiempo, descubra que tiene mucho más de ese hombre de lo que él hubiese deseado. Incluso le horrorice advertir, en el mejor de los casos, que puede estar aplicando a su prole la misma medicina que la recibida en propias carnes. A lo peor, ni siquiera es consciente de ello.
Algo así le sucede a Troy, el protagonista de esta historia. Un ex jugador de béisbol de relativo éxito que vive, junto a su mujer y uno de sus vástagos, del exiguo sueldo que le proporciona su trabajo de basurero. Su reivindicativa denuncia en torno al hecho de que, mientras a la gente de color se les reserve el dudoso honor de vaciar los cubos en el camión, solo haya conductores blancos ilustra el clima de racismo presente en la sociedad estadounidense de 1950.
August Wilson, autor de la obra en que se basa la cinta, dejó dicho antes de fallecer que la adaptación de su pieza había de ser filmada por un realizador negro. Denzel Washington se colocó tras las cámaras para poner imágenes a las palabras que el propio Wilson trasladó a un guión, inacabado debido a su prematuro deceso, que hubo de ser culminado por el Pulitzer Tony Kushner, que no aparece en los créditos.
Una realización estática y falta de recursos para salvar la evidente teatralidad inherente al material se ve compensada con creces por la enjundia de un texto auto referencial e incisivo que bucea en las relaciones paternofiliales sin obviar las luces y sombras del matrimonio, la maternidad y, en definitiva, la familia en una visión profundamente critica del modo de vida de ciertos sectores de la comunidad afroamericana.
El dramaturgo podría obtener un premio de la Academia a título póstumo en este filme concebido como vehículo para el lucimiento de los dos cabezas de cartel. Washington construye y sostiene un personaje que llega a parecer detestable por momentos, diseccionando los aspectos contradictorios de su personalidad hasta el punto de hacerlo un sólido contendiente a la dorada estatuilla. La fuerza de la naturaleza que es Viola Davis, digna y poderosa, rubrica en una inolvidable secuencia un trabajo que le va a proporcionar el Óscar que lleva ya tiempo pidiendo a golpe de talento.
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Fences
Dirección: Denzel Washington
Guión: August Wilson, basado en su obra de teatro homónima
Intérpretes: Denzel Washington, Viola Davis, Stephen Henderson
Música: Marcelo Zarvos
Fotografía: Charlotte Bruus Christensen
Duración: 139 min.
Estados Unidos, 2016
Eso no es un sueño, es un proyecto, le espeta ella mientras contemplan cómo las olas del mar rompen en la orilla. Algo hace click en la mente de Hedi. Algo que cambia para siempre su modo de enfrentarse a la realidad. La utopía e inconsistencia de lo anhelado se convierten de pronto en algo tangible y realizable. A pesar de todo, su gran pasión, convertirse algún día en dibujante de cómics, queda muy lejos. En Túnez casi toda tu existencia está escrita, seas hombre o mujer, no hay margen para la improvisación.
Su ocupación como comercial que vende coches a puerta fría no le llena. De algún modo envidia a su hermano, que se marchó a Francia, encontró trabajo y esposa y se estableció permanentemente. Su madre, viuda, a pesar de la distancia, prefiere al hijo que tiene lejos. Y para el que habita en su misma casa diseña un futuro teledirigido; en el país norte africano estas cosas no se consultan con la descendencia. Concierta una boda inminente, apaña una planta del hogar que comparten para que haga las veces de domicilio conyugal y le gestiona un nuevo empleo a través del que pronto será su suegro.
Mientras, Hedi no sabe hacia dónde dirigir sus pasos. Lleva tres años viéndose a escondidas, en el Peugeot de su empresa, con una prometida a la que ni siquiera ha podido besar. Su jefe le traslada a un destino tan alejado de su pueblecito natal que ha de quedarse allí durante la semana laboral. Apenas faltan seis días para la boda. Su familia, los preparativos, el estrés laboral, lo tienen asfixiado. El dejar su localidad le hace respirar momentáneamente. El resto lo hará Rym, una animadora del hotel donde se hospeda, una mujer cosmopolita cinco años mayor que él que entra en su vida como un soplo de aire fresco.
Esta especie de Breve encuentro o Los puentes de Madison ubicada en el Mediterráneo comienza la partida jugando unas cartas que retratan el anodino día a día del protagonista para, en un momento dado, subir la apuesta dando un giro de 180 grados para plantear un interesante debate en cuanto a las tradiciones y la modernidad y el amor de verdad versus el impostado y prefabricado, dibujando un retrato del Túnez actual con alusiones a los atentados del Museo del Bardo o la Primavera Árabe que afectan directamente a la difícil y clandestina relación que surge entre Hedi y Rym.
Mediante la escritura y realización de su primer largometraje, Mohamed Ben Attia logra la simbiosis de un apasionado enamoramiento primorosamente interpretado por Majd Mastoura y una arrebatadora Rym Ben Messaoud, ambos debutantes, con un fresco que plasma los importantes cambios económicos y sociales que ha sufrido su país en los últimos años. Todo narrado con una frescura que nos recuerda la honda huella que nos dejó Omar, que llevaba al conflicto palestino-israelí la contienda romántica. Un notable filme al que hacen justicia los reconocimientos cosechados en el pasado Festival de Berlín.
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Hedi, un viento de libertad
Dirección y guión: Mahamed Ben Attia
Intérpretes: Majd Mastoura, Rym Ben Messaoud, Sabah Bouzouita
Música: Omar Aloulou
Fotografía: Frédéric Noirhomme
Duración: 88 min.
Túnez, Bélgica, Francia, 2016
Después de la lección de natación el adulto toma la palabra. Crecí salvaje, como tú, corría sin zapatos hasta que se ponía el sol. Una vez tropecé con una anciana que me dijo: “a la luz de la luna los chicos negros parecéis azules, así que te llamaré azul”. ¿Es ese tu nombre?, pregunta el chaval. No. El adulto reflexiona, pensando en su propia experiencia, antes de abrir la boca de nuevo. En algún momento tienes que decidir quién eres. Nadie puede tomar esa decisión por ti.
In Moonlight Black Boys Look Blue surge de esa frase de la viejecita. Así se llama la obra de teatro inédita escrita por Tarell Alvin McCraney que Barry Jenkins ha adaptado en forma de largometraje para que pueda llegar al público. Una sentencia que, como todo buen título, encierra el núcleo de lo relatado en esa breve tesis, acompañada por el correspondiente corolario. Aunque en la oscuridad de la noche todos parezcamos iguales cada uno tiene un universo interior que lo hace singular e inimitable, hemos de hallar nuestro propio camino en la vida.
Para el viajero de esta singladura hacia el autodescubrimiento se va a hacer realmente duro llegar tan profundamente como sea necesario para descubrir su yo más íntimo mientras lucha por encontrar su lugar en el mundo en el entorno hostil del Miami suburbial. La sensibilidad del realizador y guionista le ha permitido trasladar de manera elegante pero directa un asunto tan delicado como la desesperación del que se siente diferente e intenta encajar las piezas hasta dar con su identidad personal, hecho que acarrea un constante acoso escolar del que únicamente se puede evadir huyendo por piernas.
La estructura teatral en tres actos se traslada a la pantalla a modo de secciones independientes que representan tres etapas clave en la vida del protagonista. Son mediometrajes denominados a partir de los nombres que recibe y que marcan su personalidad. Little es la desorientada niñez; Chiron, el que aparece en su documento de identidad, una adolescencia problemática; y Black, el adulto que quiere marcar distancias y que imita al tipo que en su infancia representó la figura paterna que nunca tuvo en casa.
En ese primer segmento, maravillosamente interpretado, encontramos una fuerza narrativa y un atractivo cuya altura no va a ser capaz de aguantar el resto del filme. Tras un tramo intermedio que navega entre tópicos, el último capítulo remonta para cerrar de forma brillante y acertada.
El fulgor de ese tercio inicial proviene de unos secundarios que encierran tantas contradicciones como las del pequeño al que acompañan. Su madre, más pendiente de sus asuntos que de las necesidades de su vástago, al que está criando sola aunque con un comportamiento pernicioso e irresponsable, es una fantástica Naomi Harris. El fulano cercano y comprensivo, con una ocupación poco recomendable pero que lo trata como a un hijo por verse reflejado en él, traspasa los límites del encuadre para convertirse en un personaje inolvidable compuesto por el próximo ganador del Óscar, el gran Mahershala Ali.
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Moonlight
Dirección: Barry Jenkins
Guión: Barry Jenkins, basado en la obra de teatro inédita In Moonlight Black Boys Look Blue de Tarell Alvin McCraney
Intérpretes: Alex R. Hibbert, Ashton Sanders, Trevante Rhodes
Música: Nicholas Brittel
Fotografía: James Laxton
Duración: 111 min.
Estados Unidos, 2016
Manchester-by-the-Sea (traducido para el título español como “frente al mar”) es un pequeño pueblo ubicado en la costa este estadounidense que cuenta con unos cinco mil habitantes. Allí comienza y se desarrolla una película que, al estilo de las de Alexander Payne, se ancla en personajes de carne y hueso, de esos que te los crees a pies juntillas porque tienen pinta de ser el típico parroquiano. Bueno, el típico de Nebraska o, como en este caso, de Massachusetts.
Un modo de hacer cine que Kenneth Lonergan conoce muy bien a raíz de su exitoso debut en el año 2000, Puedes contar conmigo, pero al que le fueron cortadas las alas debido al accidentado proceso de postproducción de su siguiente proyecto, Margaret, que tardó cuatro años en estrenarse. Su protagonista, Matt Damon, le propuso escribir este filme, que iba a suponer su puesta de largo como realizador, en un intento de sacarlo del ostracismo al que le había condenado la industria. Los caprichos del destino (y el rodaje de Marte) pusieron a Lonergan tras la cámara en sustitución de Damon, que quedó en labores de producción renunciando así mismo al papel principal para el que recomendó a un amigo de la infancia, Casey Affleck.
El resultado, seis candidaturas a los Óscar en las categorías principales, dos de ellas para el director y guionista, y una, con vitola de favorito, obtenida por el protagonista, que incorpora a un taciturno conserje que malvive en un cuartucho en Boston mientras maldice a los inquilinos a los que presta servicio. Un misántropo peleado con el mundo incómodo en su propia piel.
Las razones que han motivado este estado de apatía y abandono ante su propia vida nos las irán revelando los flashbacks hábilmente trufados a lo largo del fantástico libreto firmado por el realizador neoyorquino. Un texto que le hace regresar a su Mánchester natal para hacerse cargo de un sobrino al que le une, desde pequeño, una relación muy especial, pero del que se siente incapaz de hacerse cargo ahora que ya se ha convertido casi en un adulto.
Lo mágico en un trabajo de estas características surge de la paciencia del espectador que observa cómo se va construyendo la personalidad del tipo sobre el que gira la trama a partir de retales que el cineasta invita a ir cosiendo. Capa a capa, jirón a jirón, la sensibilidad de lo escrito pasada por el tamiz de la sutileza del actor se traducen en un fulano real que habla, camina y sufre como cualquier hijo de vecino, un hombre que navega a través de un relato narrado con la parsimonia que necesita una historia bien contada que se te va adhiriendo al alma hasta que llega un momento en que la intensidad se revela abrumadora.
Ver a Casey Affleck y a Michelle Williams frente a frente, con esa verdad tan estremecedoramente cercana, acongoja de tal manera que el sufrimiento muda en gozosa satisfacción provocada por una obra de arte maravillosamente redactada, dirigida e interpretada.
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Mánchester frente al mar
Dirección y guión: Kenneth Lonergan
Intérpretes: Casey Affleck, Michelle Williams, Lucas Hedges
Música: Lesley Barber
Fotografía: Jody Lee Lipes
Duración: 137 min.
Estados Unidos, 2016
Tras Charles Chaplin, muchos han sido los intérpretes que han visitado el lado oculto de la cámara para firmar sus propios proyectos. Desde Lawrence Olivier a Mel Gibson, con el imprescindible Clint Eastwood de por medio, sin olvidar a Jodie Foster o Angelina Jolie. Dentro de nuestras fronteras destacan por la cantidad y calidad de su producción Icíar Bollaín, con El olivo todavía muy reciente, y Fernando Fernán Gómez, autor de la más personal, oscura y maravillosa película que haya dado el cine español, El extraño viaje, emparentada en su malditismo con otra obra maestra indiscutible, La noche del cazador, cuya mala acogida por una crítica obtusa propició que Charles Laughton se levantara para siempre de la silla del director para regresar a sus eminentes labores interpretativas. Afortunadamente, el futuro de Raúl Arévalo en estos menesteres se nos antoja diametralmente opuesto.
El actor de Azuloscurocasinegro o El camino de los ingleses se ha enriquecido de la experiencia adquirida de tipos como Daniel Sánchez Arévalo y Antonio Banderas (otro “tránsfuga”), pero para su debut ha buscado beber, inteligentemente, de las sabias fuentes de Alberto Rodríguez, con quien coincidió en La isla mínima. No hay más que ver el rompedor inicio, una espectacular persecución automovilística modélicamente rodada en un plano secuencia, para recordar la trepidante carrera por los tejados de Grupo 7. El coche termina estrellado. Su conductor (Luis Callejo), en la cárcel. El motivo, un atraco a mano armada.
Tras los créditos, la trama nos acerca a un bar donde un tipo tímido y taciturno (Antonio de la Torre) se enamora de la mujer que regenta el establecimiento, que resulta ser la pareja de aquel chófer que todavía se encuentra cumpliendo condena pero próximo a salir de prisión.
Arévalo, co escritor del filme, divide la narración en capítulos, introducidos por un título conceptual que describe su contenido, que propician un recorrido lento pero seguro que añade elementos que van haciendo crecer paulatinamente el interés de la cinta.
Tanto la propuesta estética como la elección de intérpretes y su dirección resultan capitales a la hora de valorar el resultado final. La decisión de rodar en Súper-16mm. atribuye una textura granulada a la imagen que, junto a la sobriedad de la fotografía, contribuye a la creación de una atmósfera enrarecida subrayada por la magnífica banda sonora de Lucio Godoy y Vanessa Garde que evoca, con mucha intención y acierto, la de Los santos inocentes. El trabajo del realizador con el reparto, fabuloso, como era de esperar. Consigue sobresalientes trabajos de unos inconmensurables Antonio de la Torre, Luis Callejo y un sorprendente Manolo Solo, con marcado acento andaluz, a los que nos encontraremos en la próxima edición de los Goya junto a varios miembros más del equipo.
Raúl Arévalo nos ha dejado boquiabiertos con un primer largometraje tremendamente sólido que juega con la mezcla de géneros sin perder nunca el norte. Cine negro, costumbrismo, película de carretera, drama carcelario y western conviven en este inquietante guión que desprende cierto aroma a El secreto de sus ojos.
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Tarde para la ira
Dirección: Raúl Arévalo
Guión: Raúl Arévalo y David Pulido
Intérpretes: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz
Fotografía: Arnau Vals Colomer
Música: Lucio Godoy, Vanessa Garde
Montaje: Ángel Hernández Zoido
Duración: 92 min.
España, 2016
Una niña negra de siete años camina hacia el colegio repitiendo una constante cantinela. Catorce, quince, dieciséis, primo, dieciocho, primo. Observa las formas geométricas de una vidriera y continúa. Equilátero, isósceles, escaleno. Katherine Coleman resolvía ecuaciones de segundo grado cuando apenas alcanzaba la pizarra, terminó el bachillerato a los 14 años y los estudios superiores a los 18, siendo la primera afroamericana en ingresar en la Universidad de Virginia, donde se graduó en matemáticas y francés en 1937. Todo un hito dados los tiempos que corrían. La narrativa fílmica salta en el tiempo y nos ubica, pasando directamente de la infancia a la madurez, en 1961. Ahora trabaja para la NASA efectuando cálculos en un departamento formado exclusivamente por mujeres de color.
Esta película trata de dar visibilidad a figuras clave que contribuyeron de manera inequívoca a ganar la carrera espacial para un país que las discriminaba por partida doble. Tuvieron que salvar tanto las barreras del racismo y la segregación imperantes en una institución de la importancia de la agencia espacial, como los prejuicios de sus compañeros debido a su condición femenina. Pasamos de ser hijas de nuestros padres a esposas de nuestros maridos y madres de nuestros hijos, dice uno de los personajes principales. Ser mujer, negra y universitaria en la década de 1960 en el sur de los Estados Unidos suponía una tarea complicada y todo un reto de cara a la sociedad, pero también dentro de su propia comunidad.
El guión glosa la trayectoria, ensombrecida para la historia, de tres notables matemáticas que gracias a sus conocimientos consiguieron abrir brecha en un ámbito exclusivamente masculino y blanco en los años más duros de la lucha por los derechos civiles.
Las tres cabezas de cartel realizan trabajos inolvidables. La sorpresa, Janelle Monáe, la más joven e inexperta. Conmovedora Taraji P. Henson encarnando el espíritu luchador de Katherine Coleman. Y el recital de Octavia Spencer, Óscar secundario por Criadas y señoras, que aspira a repetir candidatura gracias a su reivindicativa supervisora de aquella división de calculadoras humanas. Nuestro corazoncito se alegra especialmente por ver a un Kevin Costner recuperado para la causa, con un aspecto similar al que lucía en JFK, en un personaje paralelo al que interpretó Ed Harris en Apolo 13.
Theodore Melfi, que irrumpió hace un par de años con la descarada St. Vincent, ha conseguido trasladar a la pantalla el atractivo de una historia desconocida para el gran público. No exenta de emotividad, combina sus momentos de épica, jaleados por la música de Hans Zimmer, Benjamin Wallfisch y Pharrell Williams, con dosis de humor inteligentemente espolvoreadas para equilibrar la gravedad de temas tremendamente delicados. La narración en paralelo de la vida personal de las protagonistas, que podría hacer decaer el interés, ilustra, sin embargo, el contexto social y los trascendentes cambios, de los que ellas forman parte activa, que están por llegar. Este filme absolutamente necesario escribe, por fin, en letras de oro los nombres de estas increíbles mujeres afroamericanas a las que la historia quiso ignorar.
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Figuras ocultas
Dirección: Theodore Melfi
Guión: Allison Schroeder y Theodore Melfi, basado en el libro Talentos ocultos de Margot Lee Shetterly
Intérpretes: Taraji P. Henson, Octavia Spencer, Janelle Monáe
Música: Benjamin Wallfisch, Pharrell Williams y Hans Zimmer
Duración: 127 min.
Estados Unidos, 2016
Las estrellas se alinearon en la madrugada del domingo al lunes cuando los miembros de SAG-AFTRA, el sindicato que reúne a los intérpretes de cine, televisión y radio, escogieron como mejor reparto del año al elenco que ha dado vida a Figuras ocultas. De modo que para rendir tributo a tan necesaria película mañana publicamos su crítica.
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Copyright imágenes © Levantine Films, Chernin Entertainment, Fox 2000 Pictures. Cortesía de Hispano Fox Films. Reservados todos los derechos.
El pasado sábado 28 de enero regresamos al emblemático escenario del salón de actos del Castillo de Marcilla para presentar, ver y comentar con todo el público que se acercó la película irlandesa Brooklyn, en un cine fórum organizado por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Marcilla en colaboración con la Biblioteca Pública de la localidad. El debate suscitó gran interés y participación y sacó a relucir la gran cantidad de asuntos que se tratan en un trabajo que logró 3 candidaturas al Óscar en 2016, incluida una mención a mejor película del año.
La cinta, de manera sencilla y directa, aborda temas complejos como la inmigración, la madurez, la toma de decisiones vitales que implican grandes renuncias, la mezquindad, la generosidad de los extraños, el seguir el propio camino o dejarse llevar por lo que los demás quieren o piensan de nosotros, la familia (la que nos viene impuesta y la que podemos formar nosotros), la elección entre dos países y entre dos amores, la nostalgia y, por último, el hogar. La palabra HOME, que utilizan tanto los angloparlantes. ¿Cuál es mi hogar? ¿Dónde está? ¿Qué es lo que entendemos por hogar?
Brooklyn hace todo esto a través de la peripecia de Eilis, una chica inteligente y de gran talento para la que no hay un futuro ni laboral, ni afectivo en Enniscorthy, el pueblecito irlandés del que es originaria, y, como tantos otros, emigra a Estados Unidos con la ayuda de su hermana con la esperanza de labrarse una vida, encontrándose un Nueva York cosmopolita, al principio de la década de 1950, al que habrá de habituarse.
La magia de un cine fórum se encuentra en la forma en que cada asistente se enriquece con visiones del filme que se analiza distintas a la suya propia y que nos ayudan a todos los participantes a adquirir un panorama de 360 grados acerca de las interesantes disquisiciones que nos presenta el largometraje en cuestión. Tras la proyección de Brooklyn, y confrontándola con la novela del mismo título del escritor irlandés Colm Toibin, quedó meridianamente claro que discurren en paralelo dos itinerarios, el del argumento de esta historia y el trayecto interior de una protagonista que ha de tomar las riendas de su propia vida y vivirla por ella misma, independientemente de la voluntad que los demás pudiesen tener, tomando decisiones dolorosas, pero necesarias.
John Cownley, en su cuarta incursión tras las cámaras, ha realizado una obra de una sensibilidad a flor de piel, extremadamente cuidada, desde la adaptación que el novelista metido a guionista Nick Hornby realizó del texto literario original hasta la elección de un reparto magnífico en el que destaca una mezcla de jóvenes y veteranos, con Domnhall Gleason y Emory Cohen entre los primeros y Julie Walters y Jim Broabdent entre los segundos, y una protagonista que no podría ser otra más que Saoirse Ronan.
La película, como hemos comentado con anterioridad, logró 3 candidaturas a los Óscars en 2016. A la de mejor película del año se unieron las dos claves para el éxito de esta obra: mejor guión adaptado y mejor actriz protagonista.
La sutileza con que Nick Hornby va plasmando todos y cada uno de los matices que presenta la novela, el retrato de los personajes y ese magnífico juego de espejos en el que cada secuencia tiene su reflejo en otro momento de la película, dibuja una estructura circular que cierra la trama de manera ejemplar con tres secuencias finales salidas directamente del genio del autor de Fiebre en las gradas o Alta fidelidad que redondean una narración exquisita.
La otra pata de esta banqueta es la niña prodigio del cine, Saoirse Ronan. Su interpretación fue merecedora de una nominación al Óscar, su segunda a sus 22 años, porque la primera la logró con tan solo 14 por su papel en Expiación. Sin ella, como decíamos, no se podría haber rodado este filme porque no existe actriz más adecuada para interpretar a Eilis que Saoirse (pronúnciese Siorsha) Ronan, nacida en Nueva York pero criada en Irlanda. Aportó su talento, su destreza con los acentos y esa mirada que expresa todo tipo de sentimientos para reflejar como nadie la nostalgia que siente una inmigrante que se encuentra lejos de su tierra natal en una época en la que un océano de distancia entre ella y su familia se convertía en un obstáculo prácticamente insalvable.
A este que escribe, el revisitar Brooklyn recibiendo los comentarios y sentimientos que provocó entre los espectadores del cine fórum, ayudó a poner en valor una fantástica cinta absolutamente recomendable.
Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.
Copyright imágenes © Wildgaze Films, BBC Films, Paralel Film Productions. Cortesía de Hispano Fox Films. Reservados todos los derechos.
¡Viva Zapata! 