Esta mañana nos hemos despertado con la triste noticia del fallecimiento de uno de los compositores de bandas sonoras más prolíficos y más influyentes de los últimos 30 años. James Horner ha fallecido a los 61 años víctima de un accidente de aviación. Tras él nos queda su obra. Su trabajo para películas como Braveheart (por la que debió ganar el Óscar que injustamente recibió El Cartero), Titanic (por la que consiguió sus dos premios de la Academia, pero que no es la mejor de sus obras ni mucho menos), la magnífica La tormenta perfecta, Leyendas de Pasión (muy utilizada en publicidad), El nombre de la rosa, Campo de Sueños, Tiempos de Gloria, Una mente maravillosa, Apollo 13, Avatar, Willow… y tantas otras. Se movía como pez en el agua en todos los géneros. Su último trabajo es de este mismo año, El último lobo, con el que parecía que resurgía, tras varios años de trabajos alimenticios y faltos de brillantez, el mejor James Horner.Descanse en paz el hombre que nos ha emocionado gracias a sus inmortales partituras.
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Desde que Telecinco Cinema diese la campanada con el impresionante e inesperado éxito de Ocho apellidos vascos su competidora directa, Atresmedia Cine, ha estado experimentando en busca de la fórmula para emular la hazaña de sus vecinos catódicos. Tras asestar un importante mordisco a la taquilla con Perdiendo el norte, su gran apuesta para 2015 la conforma esta película que ha querido calcar la receta de su némesis paso por paso: un guión de comedia romántica delirante en la que la atracción de los protagonistas surge de la diferencia de personalidades, la reaparición de Dani Rovira (de nuevo como cabeza de cartel) y Clara Lago (ahora como secundaria), una directora de prestigio especialista en el género (María Ripoll) y, completando paralelismos, un personaje con enjundia, el mejor interpretado, el que roba las escenas y fagocita a todo el que se ponga a su lado, que ahora, en lugar del padre de la novia (grandioso Karra Elejalde), es la madre del novio, una fantástica Gracia Olayo cuya transformación estética a lo largo del metraje la va asemejando sospechosamente a cierta política madrileña.
La componente de Las Veneno forma parte de lo mejor de esta cinta junto con la secuencia en la que Ripoll transforma a Rovira (del que podemos decir que progresa adecuadamente, sin mayores alharacas) en una especie de alter ego del Alfredo Landa más desatado para homenajear de una tacada la locura psicodélica de El guateque y el duelo de chupitos de En busca del arca perdida. Por lo demás el resto no pasa de lo previsible. A una actriz con el fuste y la proyección internacional de María Valverde hemos de exigirle más; decepciona irremediablemente hasta el punto de resultar cargante, llama poderosamente la atención lo urgentemente que necesita unas clases de dicción.
A pesar del estresante periplo internacional que lleva al personaje de Dani Rovira de Marsella a Amsterdam para poder llegar a tiempo a su boda en la campiña inglesa, resulta evidente al ojo entrenado que la única parte rodada in situ la conforman los exteriores holandeses, carreras por los canales incluidas. Para retratar los distintos aeropuertos europeos se han escogido como escenarios diversos espacios de El Prat, amén de que la casa de campo británica se encuentra bastante más cerca de lo que podríamos imaginar. La palpable diferencia de texturas provoca que, debido a que visualmente no se ha sabido aportar la coherencia adecuada, el espectador deje de concebir el resultado final como un espacio fílmico único y en continuidad.
Maria Ripoll ha intentado aportar alguna solución ingeniosa para subrayar con aire gracioso las repetidas suspensiones de los esponsales apoyándose en un mítico tema de Bangles, pero más allá de estos toques testimoniales, su galopante irregularidad asemeja al filme más a un trabajo alimenticio que a las interesantes incursiones que la cineasta catalana ha venido haciendo dentro del género de la comedia romántica, desde la sutileza minimalista de Tu vida en 65´ hasta su refrescante debut con Lluvia en los zapatos.
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Ahora o nunca
Dirección: María Ripoll
Guión: Jorge Lara, Francisco Roncal
Intérpretes: Dani Rovira, María Valverde, Clara Lago
Fotografía: Pau Esteve Birba
Duración: 91 min.
España, 2015
Mañana a partir de las 10 de la mañana tendréis en http://www.vivazapata.net la crítica de la nueva película de Dani Rovira, que ha sido todo un bombazo de taquilla en el fin de semana de su estreno: Ahora o nunca.
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Viaje a Sils Maria supone un retorno al pasado para su protagonista. Desde el momento en el que acepta volver a interpretar, veinte años más tarde, la obra que la catapultó al éxito, todos sus fantasmas particulares volverán a aflorar. Aquella lucha de poder entre una becaria insolente y su madura jefa se vuelve ahora en su contra al ponerse esta vez en la piel del eslabón débil de la relación. Se enfrenta a un espejo donde habita el espíritu de su juventud, que toma la forma corpórea de una asistente personal capaz de decirle las verdades sin tapujos o la de una estrella advenediza con aires de Eve Harrington. El título teatral, La serpiente de Maloja, que habla del fascinante fenómeno meteorológico gracias al que las nubes adoptan esa caprichosa forma alargada al adentrarse por el espectacular desfiladero alpino, no es sino la metáfora que expresa bien a las claras un pensamiento que impregna la atmósfera, a veces irrespirable, en la que se mueve la diva de la escena: adaptarse o morir.
El cine y el teatro, manifestaciones que se retroalimentan al tiempo que se fagocitan, aprisionan como dos serpientes enroscadas a Maria Enders, la actriz encarnada por Juliette Binoche. Representan el bagaje dejado tras de sí, el inquietante presente y un incierto futuro y con él, la inseguridad de un ego tan frágil en el albor de la madurez artística como indómito era en los insolentes comienzos. ¿Cómo afronta la cruel inexorabilidad del paso del tiempo una intérprete consagrada?
Tres generaciones de actrices conforman los pilares sobre los que se sustenta el complejo texto que el propio director, Olivier Assayas, escribió a instancias de la más veterana, Juliette Binoche. La relación personal de ambos, que comenzó gracias a un guión del realizador que lanzó a la fama a la protagonista de Azul, se ha convertido en un guiño argumental que se extiende a las otras dos componentes de este singular triunvirato. Kristen Stewart se hizo con el César femenino de reparto por un papel a la medida de la gran intérprete que ha sido siempre. Ha retomado la senda tras estar a punto de perder el rumbo debido a sus devaneos crepusculares, su relación con la prensa y su tumultuosa vida privada, con los que ironiza a través de las líneas en las que habla del personaje de Chloë Grace Moretz, que no parece sino un reflejo de lo que ella fue hace apenas dos años y que representa la encrucijada a la que ahora se enfrenta la propia Moretz: un gran talento en potencia que trata de enfocar su carrera por el camino adecuado.
El filme se mezcla con la realidad del mismo modo que dentro de la trama se funden ficción y vida. En un más difícil todavía del juego metalingüístico se superponen distintos planos argumentales y papeles para arrojar una lúcida reflexión sobre la creación artística, ésa que tantas veces se desarrolla en recónditos y enigmáticos rincones como el paso de Maloja, junto a Sils Maria.
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Copyright imágenes © Zentropa Entertainments, Film i Väst. Cortesía de A Vertigo Films. Reservados todos los derechos.
Viaje a Sils Maria
Dirección y guión: Olivier Assayas
Intérpretes: Juliette Binoche, Kristen Stewart, Chloë Grace Moretz
Fotografía: Yorick Le Saux
Duración: 124 min.
Francia, Suiza, Alemania, Estados Unidos, Bélgica, 2014
El escritor de novela negra danés Jussi Adler-Olsen comenzó a ser conocido en España en 2011 gracias a la publicación de la primera entrega de la serie Los casos del departamento Q titulada La mujer que arañaba las paredes. A día de hoy se ha convertido en un súper ventas en todo el mundo del que se está traduciendo al español el sexto libro de la saga. Con una influencia más que evidente de la corriente que comenzó Stieg Larsson, la oscura temática de los crímenes recogidos en sus trabajos y los personajes sórdidos y asociales llamaron la atención de Zentropa, la productora de Lars Von Trier, que no dudó en contratar a Nikolaj Arcel, guionista de la primera parte de Millennium, para intentar emular el éxito de aquella adaptación llevando al cine cada uno de los ejemplares del Departamento Q. Misericordia se basa en la historia que iniciaba el filón del literato nórdico, aunque ya hay una segunda película estrenada en Dinamarca y una tercera en rodaje.
Resulta más que evidente que Carl Mørk, el policía protagonista, no se parece a Lisbeth Salander pero puede compartir aspectos de su personalidad tanto con ella como con el editor Mikael Blomkvist. Alcoholizado, divorciado, solitario, temerario, testarudo y peligroso, nadie lo quiere como compañero en el cuerpo, y mucho menos tras un gravísimo error en una arriesgada operación. Sus superiores lo relegan a una unidad que se ocupa de casos que han quedado sin resolver y que llevan tiempo acumulando polvo: el Departamento Q, una especie de cementerio de elefantes donde cuenta con un ayudante de procedencia árabe con el que no se lleva especialmente bien. La falta de motivación de Mørk desaparecerá cuando desentierre el caso de una joven política desaparecida cinco años antes en extrañas circunstancias.
Un impactante comienzo, en el que el realizador Mikkel Nørdgaard (conocido por su trabajo en la serie Borgen) bebe directamente de las fuentes de Seven, unido a la atmósfera opresiva lograda gracias a una fantástica banda sonora y a la consistencia dramática del texto confieren a la película un empaque y unas hechuras que nada tienen que envidiar a los mejores trabajos del género que hemos podido ver en los últimos años. Además de Los hombres que no amaban a las mujeres, el espejo en el que se ha querido reflejar Nørdgaard es sin duda David Fincher, autor de dos de las mejores muestras de lo que ha venido a llamarse neo noir: Perdida y la versión estadounidense de Millennium.
Lástima que más allá de esa factura impecable el filme resulte frío. Decepciona el modo en que se desentraña una trama en la que se echa de menos una explicación final vinculada de forma más convincente con el resto del argumento. No logra subyugar y enganchar de la misma manera que las cintas antes mencionadas, aunque no por ello deja de resultar un interesante relato con un sólido y bien dibujado personaje principal, interpretado brillantemente por el danés Nikolaj Lie Kaas.
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Misericordia
Dirección: Mikkel Nørdgaard
Guión: Nikolaj Arcel
Intérpretes: Nikolaj Lie Kaas, Fares Fares, Sonja Richter
Fotografía: Eric Kress
Duración: 97 min.
Dinamarca, Alemania, Suecia, 2013
Ayer viernes 12 de junio tuvimos el enorme privilegio de acudir a la Casa de Cultura de Falces para moderar un coloquio a partir del visionado de la película «Juntos, nada más». Allí estuvimos gracias a la bibliotecaria Sandra Obejero, a la que queremos agradecer el haber pensado en nosotros para tan grata labor, y al patrocinio del Ayuntamiento de la localidad.
Resultó una velada muy fructífera gracias a la asistencia y a la participación de prácticamente todo el público que acudió. Entre todos desentrañamos cada aspecto relacionado con la película de Claude Berri protagonizada por Audrey Tautou, Guillaume Canet, Laurent Stocker y Françoise Bertin. Desde el aspecto cinematográfico por parte de este que escribe, pero también relacionando la parte literaria con la fílmica desde el punto de vista de las miembros del Club de Lectura que habían analizado la novela de Anna Gavalda en la que se basa el trabajo de Berri.
Resulta agradable que a pesar de haber analizado con detenimiento un trabajo tan interesante como este siempre, y esto pasa cada vez que se abre un coloquio en torno a una película, haya aportaciones que te hagan ver detalles en los que no habías reparado. Se trata de un aprendizaje para todos los que participamos, hecho que nos enriquece un poquito más y que hace que merezca tanto la pena poner en común un filme que aporte tantos temas y tan interesantes.
Como conclusión, quienes habían leído la novela coincidieron en afirmar, en sintonía con lo que nosotros pensábamos, que la economía narrativa, la concisión, la manera de agrupar temas y el quitar todo lo superfluo para que todo lo presente en la cinta aportase e hiciese avanzar la historia para dejarla en la intensa hora y media de metraje final, fue un aspecto clave a la hora de trasladar el espíritu del libro a la pantalla grande.
Y que dentro de Juntos, nada más hay mucho más que una mera comedia romántica, como nos había querido vender la distribuidora en España de la película. Encontramos la historia de cuatro almas solitarias y heridas que se curan y se ayudan mutuamente para volver a encontrar, rebuscando en lo más profundo de sus entrañas, su verdadero yo.
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Suena Fisherman´s blues sobre el murmullo de las olas rompiendo contra la orilla, con esos violines juguetones en primer plano. La sucesión acompasada de imágenes muestra cómo tres niños recogen restos de palos, cuerdas y todo lo que encuentran en la playa para terminar de construir lo que parece un barco vikingo en miniatura. Una vez han terminado el chico se dirige a sus dos hermanas con ese aire entre ingenioso, listillo y despistado que se gasta. Qué ganas tengo de volver al colegio y de que nos pidan escribir sobre lo que hemos hecho durante nuestras vacaciones, aunque seguro que Shona, como siempre, tiene algo más interesante que contar. En esta ocasión no, Mickey; esta vez tu redacción va a dejar a la de tu compañera a la altura del betún.
Ese texto podría perfectamente titularse Nuestro último verano en Escocia y contaría, en tono de comedia dramática, con toda la sorna británica, la celebración del 75 cumpleaños del patriarca de la familia, al que, a petición de sus histéricos padres, en trámites de separación, han de ocultar la convulsa situación familiar. Unos días inolvidables que marcarán, sin duda, sus caracteres, todavía en formación; algo parecido a lo que le aconteció al chaval protagonista del corto de J.A. Bayona Mis vacaciones.
Tenemos ante nosotros algo más que una película amable, de esas que se ven con una sonrisa en la boca e incluso con la que se desata alguna que otra carcajada, gracias, sobre todo, a la genialidad de los diálogos de estos tres granujillas. La forma en la que el guión habla con total naturalidad, y una gran dosis de humor y emoción, de temas serios y trascendentes como el divorcio o la vida misma a través de esa complicidad que existe entre el abuelo y sus nietos deja entrever las intenciones de los dos directores. Este par de sesentones provenientes del mundo de la televisión plantearon su ópera prima desde la visión que tienen los niños del mundo de los mayores, en la que ellos son los personajes más sensatos ante lo inmaduros, absurdos y ridículos que aparecen los adultos.
Un libreto ingenioso, la luminosa fotografía que aprovecha en su plenitud los espectaculares paisajes de las Highlands, el ágil y efectivo montaje que no deja que decaiga el ritmo en ningún momento, la fantástica banda sonora que se mueve de lo festivo y folclórico a lo sinfónico y emotivo, la música de los Waterboys y, cómo no, las estupendas interpretaciones de Rosamund Pike y David Tennant, acompañados por el carismático Billy Connolly, con una mención especial a los tres maravillosos actores infantiles, conforman una combinación que da lugar a una película inspiradora, que conmueve, emociona y divierte y que contagia felicidad y ganas de abrazar a quien tienes al lado. Un filme al que pueden acudir padres con sus hijas, tías y sobrinos, abuelos junto a sus nietas, pero eso sí, con la convicción de que a la salida deberán estar dispuestos a responder muchas preguntas.
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Nuestro último verano en Escocia
Dirección y guión: Andy Hamilton y Guy Jenkin
Intérpretes: Rosamund Pike, David Tennant, Billy Connolly, Emilia Jones, Bobby Smalldridge, Harrit Turnbull
Música: Alex Heffes
Fotografía: Martin Hawkins
Duración: 95 min.
Reino Unido, 2014
Dando la nota llegó a los cines en 2012 casi de puntillas. A la vista del póster publicitario y del rimbombante título más de uno decidió (incluido el que suscribe) que se trataba de un trabajo perfectamente prescindible; otra comedia adolescente de tono insolente con cierto trasfondo musical. En ocasiones se nos presentan segundas oportunidades, la de este junta letras respecto a la película en cuestión surgió en un viaje en tren.
El enganche inmediato con la historia supuso una muy agradable sorpresa. La mítica sintonía que acompaña al logo de la Universal reproducida por un coro utilizando simplemente sus voces como instrumento abría paso a uno de esos microcosmos que tanto aparecen en el cine estadounidense: el de los concursos universitarios de canto a capela. La selección de canciones y la calidad en la interpretación de las mismas, redondeada gracias a unas mezclas de sonido soberbias, ya resultaban fascinantes de inicio. Poco a poco se iban agregando elementos que incrementaban el valor de la cinta. La ágil y resuelta planificación seducía visualmente al espectador. Anna Kendrick, nominada al Oscar por Up in the air, sorprendía por sus dotes canoras y la australiana Rebel Wilson, auténtica revelación del filme, llamaba la atención por su espontaneidad. El guión, a partir de la novela de Mickey Rapkin, sabía combinar un toque de irreverencia perfectamente calculado con una historia de amor en medio de esta batalla de bandas y se enriquecía de multitud de guiños cinéfilos que formaban parte esencial de la trama, con El club de los cinco y su tema principal, Don´t you de los Simple Minds, como punto culminante.
Tres años más tarde, a la vista del éxito alcanzado, llega una continuación que ya no cuenta con una base literaria sobre la que sustentarse y que surge más de la ambición pecuniaria que de la inquietud por desarrollar los personajes de su predecesora. Elizabeth Banks, actriz y productora en ambas, ahora como directora, se limita a tratar de repetir punto por punto los elementos que hicieron triunfar a la primera entrega sin añadir ningún toque singular que pudiera dar entidad propia a esta secuela. El descaro, ingenio y originalidad de 2012 se han transformado en chabacanería, insulsez y repetición de clichés. El sentido del humor pasado de rosca, que funcionaba por lo sorprendente de la propuesta, al no evolucionar se convierte en algo que roza el mal gusto en esta repetición literal de la fórmula.
El intento de rescate del resto de la película gracias a una conclusión más o menos brillante resulta del todo imposible; la falta de personalidad en la realización y una excesiva duración que deriva en morosidad y contagioso aburrimiento lastran irremediablemente el resultado final. Los escasos chispazos de comicidad llegan demasiado tarde y ni siquiera consiguen sacarnos de nuestro sopor. Desgraciadamente este trabajo adolece de los defectos que injusta y prejuiciosamente habíamos adjudicado a su génesis. En estos casos, ante la falta de consistencia de la copia, lo que procede es una revisión del original.
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Dando la nota – Aún más alto
Dirección: Elizabeth Banks
Guión: Kay Cannon, a partir de personajes creados por Mickey Rapkin
Intérpretes: Anna Kendrick, Rebel Wilson, Hailee Steinfeld
Fotografía: Jim Denault
Duración: 118 min.
Estados Unidos, 2015
Ahora más que nunca una película como esta se hace necesaria. Podrán decir que se han rodado infinidad de filmes similares, pero cuando disfrutas de ciento cinco minutos de tensión, inmerso en una historia que nace de la necesidad de plasmar una reflexión sobre temas puramente locales pero que, de alguna manera, terminan viéndose como algo universal, con intensidad y atención constante, te das cuenta de que este trabajo merece tanto la pena que debería proyectarse en colegios e institutos.
Su germen hemos de buscarlo por un lado en el título original, que se refiere a esos chavales que representan a todos los herederos de la memoria de Francia, y en un segundo aspecto, la polémica surgida a raíz de la ley que prohíbe llevar símbolos religiosos en los centros escolares y el debate que la enfrenta con el derecho de libertad de expresión, disquisición que en forma de pequeñas píldoras se encuentra presente a lo largo de todo el metraje.
Mi nombre es Madame Gueguen, llevo veinte años enseñando. Soy vuestra profesora de geografía e historia. Así se presenta esta maestra (Ariane Ascaride) ante su clase; un aula formada, como ilustran los créditos finales, por un mosaico de culturas, razas y religiones distintas que son las señas de identidad de estos jóvenes problemáticos de la periferia de París. La docente será la encargada de que la sensación inicial de desmotivación, caos y conflictividad se transforme en algo muy distinto al final del curso, periodo durante el que se desarrolla este guión basado en hechos reales.
La historia no se aprende, la historia se comprende. Este pensamiento resume el proceso que sigue el espectador junto a esos alumnos a la hora de enfrentarse al reto que les propone su profesora; que ese crisol de interculturalidad y diversidad sea capaz de trabajar en equipo, de manera homogénea, mientras participa en un concurso a nivel nacional desarrollando un epígrafe tan interesante como aterrador: “Los niños y los adolescentes en el sistema de concentración nazi”. La riqueza del filme reside en esa búsqueda, en la curiosa identificación con esos chicos que sentían y vivían como ellos hasta que la guerra y el horror les arrebataron su infancia para siempre y en esa pérdida de la inocencia respecto a la historia de su propio país en el momento en que descubren que hubo compatriotas que se convirtieron en cómplices de tamaña barbarie.
La literatura y las figuras de Anna Frank y de Simone Veil, el testimonio de León Zyguel, la novela gráfica de Pascal Croci y la música de Claude Debussy son parte de los elementos a los que se agarra la cinta para esgrimir la educación como arma contra la intolerancia, además de poner en valor la imprescindible labor de profesoras y profesores en la formación de los adultos del mañana. El premio del público joven de la SEMINCI no hace sino acreditar el impacto de este trabajo sobre esos espectadores adolescentes que se acercan a él llenos de curiosidad y de ganas de aprender.
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La profesora de historia
Dirección: Marie-Castille Mention-Schaar
Guión: Ahmed Dramé y Marie-Castille Mention-Schaar
Intérpretes: Ariane Ascaride, Ahmed Dramé, Noémie Merlant
Fotografía: Myriam Vinocour
Duración: 105 min.
Francia, 2014
La sensación de déja vu que le invade a uno al ver Hipócrates no deja de ser curiosa porque se refiere más a lo conceptual que a lo literal de su temática. La cabeza ha rebobinado hasta una proyección de Fama, de Alan Parker, en un cine de reposición al que el incipiente cinéfilo adolescente acudía alentado por el éxito de su adaptación televisiva y recibió un puñetazo de realidad mucho más profundo que el glamour y la ligereza de las andanzas catódicas de aquellos ilusionados estudiantes de arte. En el caso que nos ocupa lo que vamos a encontrarnos se aleja bastante de la espectacularidad y lo artificioso de series como House, a la que la película hace referencia directa, para centrarse en el día a día de la medicina de hospital, lo que permite una reflexión más lúcida y directa de la situación actual de la sanidad en tiempos de crisis, ante la carencia de medios y la creciente tentación de convertirla en un negocio, anteponiendo las cifras al hecho de que los pacientes reciban un tratamiento adecuado.
El supuesto parentesco con la pequeña pantalla habría que encontrarlo en el paralelismo entre John Carter, el voluntarioso estudiante novato de Urgencias, y Benjamin Barois (Vincent Lacoste), el joven residente que inicia seis meses de prácticas en una unidad del hospital donde trabaja su padre. La medicina no es un trabajo, es una maldición, le espeta su más experimentado compañero argelino (magnífico Reda Kateb), refiriéndose a que se trata de una vocación a la que no se puede renunciar incluso en medio de la zozobra más absoluta, la que va a experimentar este bisoño aspirante a doctor cuando se dé de bruces con la cruda realidad. El filme va a relatar este periodo de aprendizaje, feroz y desalentador en ocasiones.
Al igual que en el serial de George Clooney, lo más interesante de este drama con toques de comedia se centra, eterno dilema del médico primerizo, en la actitud que va a tomar el protagonista en la relación con sus pacientes. ¿Hasta qué punto es bueno implicarse y empatizar con ellos? ¿perjudica ese hecho el poder diagnosticarles y tratarles de la forma más satisfactoria posible?, o por el contrario, ¿el guardar cierta distancia y frialdad sirve como mecanismo de preservación de la estabilidad psicológica del profesional y no disturba su capacidad de raciocinio en beneficio de la salud de las personas a su cargo?
Sin dejar de resultar impactante esta disquisición y amén del discurso crítico sobre el funcionamiento de los hospitales, las jerarquías y los supuestos códigos de protección endogámicos, al segundo trabajo de Thomas Lilti, médico francés reconvertido en cineasta, le falta algo de brío a pesar de hablar de algo que conoce profundamente. Es correcto, sí; no aburre, pero adolece por momentos de cierta laxitud y no termina de atrapar al espectador. Utilizando el símil clínico, la línea de interés de esta cinta evoluciona como un electroencefalograma plano, sin valles negativos pero sin picos de intensidad.
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Hipócrates
Dirección: Thomas Lilti
Guión: Thomas Lilti, Baya Kasmi, Pierre Chosson, Julien Lilti
Intérpretes: Vincent Lacoste, Reda Kateb, Jacques Gamblin
Fotografía: Nicolas Guarin
Duración: 102 min.
Francia, 2014
¡Viva Zapata! 