Hola Javier.
Te escribo estas líneas porque no tuve la oportunidad de despedirme como es debido. Lo tuyo fue tan repentino que nos pilló a todos por sorpresa. Solo quería expresarte, aunque tú ya lo sabías, el cariño que te teníamos todos los que te conocíamos. Siempre con una sonrisa, con una palmada en la espalda, con una palabra de ánimo, a pesar de lo mucho que te acordabas de tu querida Rosa y dejabas que esa procesión fuese por dentro. Aquí te dejo como despedida la crítica que escribí para ella. Cuando releo esas primeras palabras, esas primeras frases, parece que están escritas para vosotros dos.
Un fuerte abrazo de parte de todos y, por favor, en cuanto te encuentres con Rosa dale un beso muy sentido y dile que por aquí la seguimos recordando con mucho cariño.
AHORA O NUNCA
¿Qué pasa cuando se unen dos de los mayores talentos interpretativos de la historia del cine? Pues, evidentemente, que saltan chispas. Dos fuerzas de la naturaleza. Una indómita, indomable, irascible, casi salvaje, Jack, así, a palo seco, como le gustaba llamarle a Billy Cristal cuando presentaba la ceremonia de los Oscar. La otra, tranquila, intensa, suave, filosófica incluso, Morgan Freeman, el chófer de Miss Daisy que ya lleva casi veinte años hipnotizándonos con su genio. Dos personalidades de este calibre al servicio de un original y buen guión, dirigidos por un excelente cineasta, Rob Reiner, dan lugar a una película que nos va a hacer reír, llorar y emocionarnos a partes iguales.
Personalmente me alegro de que Rob Reiner vuelva a ser el que era tras varios años de películas mediocres. Gracias a Cuando Harry encontró a Sally tocó el cielo y supo mantenerse allí durante un tiempo con trabajos como Misery o Algunos hombres buenos. Fue entonces cuando algunos descubrimos que el talento de Reiner tenía un pasado muy interesante con propuestas tan estimulantes como la mítica La princesa prometida o, la menos conocida pero comedia romántica de culto, Juegos de amor en la universidad. Por eso uno se congratula de que un director del talento de Reiner haya sabido escoger un guión que aglutina la risa y la lágrima, que toma un tema tan espinoso como el cáncer terminal y realiza un canto a la vida, más que a la vida a la alegría de vivir y a compartir y repartir esa alegría entre los que nos rodean. Lo ha elegido y ha sabido llevarlo a la pantalla con la dignidad que algo tan delicado requería resolviendo con elegancia los tópicos a los que una historia de estas características no es ajena.
Y ya que estamos hablando de un tema tan duro, tan espinoso, pero también de la alegría de vivir y de compartir y repartir esa alegría de vivir y de compartir y repartir esa alegría entre los que nos rodean, me gustaría dedicar esta crítica a una amiga. A alguien que me conoce desde niño, me ha visto crecer y me ha contagiado esa alegría de vivir en momentos sombríos. Una lectora empedernida de estas torpes líneas sobre cine que siempre ha tenido palabras de elogio a pesar de la dudosa calidad de lo escrito. Ahora que tengo que hablar de ti espero que me perdones porque la torpeza se va a multiplicar por mil, sé que lo vas a tener en cuenta porque siempre has visto lo que escribía con buenos ojos. No hablo por mi boca sino por la de tantos chavales y chavalas que como yo hemos crecido a tu lado, viéndonos domingo a domingo, cuando te digo que esas jornadas de fiesta, esas comidas, esas risas, esas canciones, esa alegría contagiosa que siempre has llevado contigo nos ha ayudado a poner una sonrisa en nuestra vida. Aún en los momentos más duros o en los que nuestra tierna edad pensaba que eran los más oscuros, tú ponías una luz.
Todos nuestros padres sois ejemplo para nosotros habiéndonos enseñado que la parte seria de la vida va íntimamente unida a la parte lúdica. Nos hemos disfrazado con vosotros en carnavales desde pequeños. Y ahí has estado tú, con el disfraz de los 101 dálmatas o con el traje de mejicana veracruceña, con flores rojas ensortijadas en el cabello, dándole a las rancheras, luciendo el traje de volantes de sevillana, mantón sobre los hombros y bailando con desparpajo, yendo a los toros en fiestas peineta en ristre, de manola total, con la cara iluminada por una eterna sonrisa o de parranda con el atuendo negro y la redecilla de tul sobre la cara cayendo con elegancia del ala del sombrero, cantando y alegrando el entierro de la sardina. Y no has querido perdértelo por nada del mundo, ni te lo vas a seguir perdiendo. Contigo sí que nos ha tocado la lotería. Bueno Rosa, que ya sabes que te quiero mucho, espero que no dejes de leerme, siempre ha sido, es y será una alegría saberlo.
Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.
Copyright de las imágenes © 2013 Warner Bros., Zadan/Meron Productions, Two Ton Films, Storyline Entertainment. Cortesía de Warner Bros. España. Reservados todos los derechos.
Copyright foto Javier Arizmendi © José Luis Ullate. Reservados todos los derechos.
Ahora o nunca
Director: Rob Reiner
Intérpretes: Morgan Freeman, Jack Nicholson, Sean Hayes
Duración: 97 min.
USA, 2007
Después de toda la vorágine del Festival de San Sebastián y de un perido de receso obligado, con un poco de retraso, vamos a publicar la crítica de la película de Álex de la Iglesia que todo el mundo ha ido a ver en la Fiesta del Cine, pero que nadie nombra correctamente. Todavía estáis a tiempo de ver esta y otras películas por muy poco dinero, hoy es el último día. Aprovechadlo. Un saludo a los vecinos de Zugarramurdi, con cariño de un tafallica.
Si hay una palabra que puede describir lo que ha sido esta sexagésimo primera edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián podría ser austeridad. Austeridad en el sentido económico del término pero también en cuanto a la calidad del cine visto en la Sección Oficial e incluso en el terreno del glamour, que en otras ocasiones (la anterior sin ir más lejos) ha impregnado la ciudad con la presencia de notables estrellas internacionales. El contraste con la celebración de los sesenta años de Zinemaldia resulta tan impactante que probablemente los fastos de aquella fiesta han provocado la sobriedad y el recato con los que han transcurrido estos nueve días de septiembre.
Ya sabemos lo que la crisis económica está lastrando a cada evento cultural que se intenta celebrar y este festival no ha sido menos. En los últimos años José Luis Rebordinos ha hecho encaje de bolillos para llevar adelante este certamen intentando que apenas se notase la restricción presupuestaria a la que había que hacer frente. Los donostiarras han notado esto, sobre todo comerciantes que solían incrementar su volumen de negocio gracias a los requerimientos de la organización. Una florista nos comentaba que en contraste con la exuberante decoración de la que solía hacer gala la ciudad durante estos días ahora se había recortado la partida destinada a este menester y ya no requerían de sus flores y plantas. En ese sentido podría explicarse el hecho de que en la edición de 2013 apenas se haya contado con un par de luminarias del firmamento del celuloide: Annette Benning, que estuvo presente en los primeros días, y el flamente Premio Donostia Hugh Jackman, cuya visita se ciñó a unas pocas horas el último viernes de festival. También se pasearon por la playa de La Concha dos habituales del Zinemaldia, los directores Oliver Stone, que presentó una estupenda serie documental (La Historia oculta de los Estados Unidos) que desde el pasado 30 de septiembre emite TVE, y Terry Gilliam. Pero ahí acaba la nómina de ilustres.
Oliver Stone presentó La Historia oculta de los Estados Unidos
Hubo una enorme deserción en cuanto a estrellas que integraban los repartos de las películas de la Sección Oficial, Colin Firth, que aparecía en dos, Jake Gyllenhaal, protagonista de otras dos, Nicole Kidman o Helena Bonham-Carter, baja de última hora. De esta forma en esta edición ha estado más presente que nunca el star system del cine español en lugar del internacional, con Carmen Maura a la cabeza, merecido Premio Donostia, que acompañó a la enorme troupe que presentó Las brujas de Zugarramurdi, amén de los equipos de las tres películas que competían por la Concha de Oro, cuyos nombres más representativos fueron Antonio de la Torre, Javier Cámara y Marian Álvarez, a la postre premiada como mejor actriz.
Carmen Maura recibió uno de los dos Premios Donostia
En cuanto al cine que hemos podido ver, la Sección Oficial ha bajado muchísimo de nivel respecto a las últimas ediciones. Hablando de los premios se podría aplicar perfectamente el refrán que dice que en el país de los ciegos el tuerto es el rey. Aunque sí que hubo una película que claramente destacaba sobre las demás, a la que se otorgó un premio menor, la estupenda Quai d´Orsay del veterano realizador francés Bertrand Tavernier. Donde sí que se ha podido disfrutar ha sido en la sección Perlas. Las ganadoras de los premios del público, en su versión europea e internacional, la británica About time – Una cuestión de tiempo y la japonesa De tal padre, tal hijo encandilaron tanto a la crítica como a la audiencia cinéfila que con sus votos las hizo merecedoras de este galardón. Pero a ellas hay que sumar excelentes trabajos como Gravity, del mexicano Alfonso Cuarón, Dallas buyers club, con un Matthew McConaughey impresionante, la rumana La postura del hijo, último Oso de Oro en Berlín, The wind rises, el testamento cinematográfico del maestro japonés de la animación Hayao Miyazaki, Joven y bonita, la nueva propuesta del siempre estimulante realizador francés François Ozon y Prisoners, del canadiense Dennis Villeneuve proyectada como marco de lujo para la entrega del Premio Donostia a un Hugh Jackman que, a pesar de su fugaz presencia en Donostia, dejó patente su simpatía y la humildad de un tipo que trabaja en el cine, que es padre de familia y que nunca ha dejado de tener los pies en la tierra.
Hugh Jackman, el otro Premio Donostia, bromea con el traductor
COMENTARIO AL PALMARÉS
El jurado presidido por Todd Haynes, director independiente estadounidense cuyo trabajo más emblemático, Lejos del cielo, le reportó una merecida nominación al Oscar al mejor guión original, dio a conocer su veredicto en la gala celebrada en el Kursaal de San Sebastián instantes después de las 20:30 de la tarde del sábado 28 de septiembre. El músico David Byrne, los actores y actrices Diego Luna, Paulina García y Valeria Bruni Tedeschi, la productora Mariela Besuievsky y el director Cesc Gay tomaron unas decisiones que, dentro de que se esté más o menos de acuerdo, fueron coherentes. Dejaron de lado todo lo que oliese a cine comercial para premiar películas de bajo presupuesto que se han definido por el riesgo en sus propuestas temáticas y visuales.
La directora de Pelo malo, Mariana Rondón, con la Concha de Oro
La Concha de Oro a la cinta venezolana Pelo Malo viene a galardonar a una película pequeña que habla de temas grandes, como las diferencias entre las personas y las formas de afrontarlas, con un aspecto tan tabú como puede ser en la sociedad venezolana la homosexualidad. Este trabajo, a pesar de adolecer de graves problemas para arrancar la historia, termina dejando buen sabor de boca. La gran sorpresa de la noche fue, sin duda, la española La herida, logrando la segunda distinción en importancia, el Premio Especial del Jurado, y la Concha de Plata a la mejor actriz, en la persona de Marian Álvarez. Se trata de una película difícil, a este que escribe no terminó de convencerle una propuesta tan radical tanto en la forma de relatar el tema en el guión como en el tratamiento estético para desarrollar el mismo, con una planificación excesivamente cerrada que terminaba por resultar claustrofóbica. La interpretación de Marian Álvarez es perfectamente premiable por el tipo de personaje que encarna y apareciendo en todos y cada uno de los fotogramas de la película, aunque nosotros habríamos galardonado a Lindsay Duncan por Le week-end. De todos modos desde aquí damos la enhorabuena al equipo de la película y a la actriz, que ya ha empezado a dar pasitos, cuanto menos, hacia la nominación al Goya.
Marian Álvarez, Concha de Plata a la mejor actriz por La herida
El jurado consideró que el mejor director fue el mexicano Fernando Eimbcke por su trabajo en la minimalista Club sándwich a la que curiosamente se le puede achacar las mismas taras que a la ganadora de la Concha de Oro. Una película que se atasca en un principio pero que luego va de menos a más. Probablemente la presencia de su compatriota Diego Luna en el jurado tuvo cierta influencia a la hora de arrimar el ascua a la sardina de su país. La Concha de Plata al mejor actor recayó en un veterano y fantástico actor británico, Jim Broadbent. En este sentido debió pesar el hecho de no premiar a dos actores españoles, porque el nombre de Antonio de la Torre estaba en todas las quinielas. Es curioso pero la pareja de premiados podría haber sido la formada por la actriz británica de Le week-end con el actor español, justo al contrario de como se ha dado.
Aitor y Ainhoa Merino, directores de Asier ETA Biok – Asier y yo
Donde no existió discusión alguna fue en el Premio del Jurado al Mejor Guión, para Quai d´Orsay de Bertrand Tavernier, con un libreto escrito por el propio director junto al autor del cómic en el que se basa la película, Cristophe Blain, y Antonin Braudy, el diplomático y escritor de discursos en quien se inspira esta historia que fue quien recogió la farola de San Sebastián cuya efigie simboliza el premio. Probablemente se trataba de la mejor película de la Sección Oficial pero dado el gusto de un festival como este Zinemaldia por apostar por un cine más al límite, menos comercial, y el hecho de que se tratase de una comedia relegó a este magnífico trabajo a una segunda fila inmerecida. La distinción a la mejor fotografía resultó totalmente justa. El uso de la luz en Caníbal y la atmósfera creada por Pau Esteve es digna poseedora de este galardón. Por último destacar el reconocimiento como Mejor Película del Cine Vasco a la valiente propuesta de Aitor Merino, Asier ETA biok – Asier y yo. Un controvertido documental, muy recomendable, que aborda las dudas y preguntas que le surgen al actor cuando conoce la militancia en ETA del que es su mejor amigo desde la infancia, y que gracias a este premio es probable que consiga distribución y estreno a nivel nacional.
FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2013 – PALMARÉS
CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA: PELO MALO, Mariana Rondón (Venezuela-Perú-Alemania)
PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: LA HERIDA, Fernando Franco (España)
CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR: FERNANDO EIMBCKE , CLUB SÁNDWICH (México)
CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR: JIM BROADBENT, LE WEEK-END , (Reino Unido)
CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ: MARIAN ÁLVAREZ, LA HERIDA (España)
PREMIO AL MEJOR GUIÓN: ANTONIN BAUDRY, CHRISTOPHE BLAIN, BERTRAND TAVERNIER, QUAI D‘ORSAY (Francia)
PREMIO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA: PAU ESTEVE BIRBA, CANÍBAL (España-Rumanía-Rusia-Francia)
PREMIO HORIZONTES: O LOBO ATRÁS DA PORTA/ A WOLF AT THE DOOR, Fernando Coimbra (Brasil)
PREMIO NUEVOS DIRECTORES: HROSS Í OSS / OF HORSES AND MEN, Benedikt Erlingsson (Islandia – Alemania)
PREMIO IRIZAR AL CINE VASCO: ASIER ETA BIOK / ASIER Y YO, Amaia Merino, Aitor Merino (España-Ecuador)
PREMIO TVE OTRA MIRADA: JEUNE ET JOLIE, François Ozon (Francia)
Copyright foto Carmen Maura © Nacho López. Reservados todos los derechos
Copyright del artículo y resto de fotos © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos
Copyright cartel © Festival de San Sebastián 2013 Zinemaldia. Reservados todos los derechos
Quiero dedicar esta crítica a Mari Cruz del Villar, fallecida en el día de ayer, gran amiga de mi madre y que siempre, sobre todo en las últimas veces en que coincidimos, tuvo una sonrisa y palabras de ánimo para mí.
LEJOS DE ELLA
En 1922 el cineasta soviético Lev Kuleshov realizó un experimento en el que colocó delante de un primerísimo primer plano del rostro inexpresivo del mejor actor ruso de la época, Iván Mazouchin, un plano de un plato de sopa, uno de una niña jugando con un osito y otro de un ataúd. El público alabó la gran interpretación de la estrella de cine mostrando su ensimismamiento por el plato de sopa, su sonrisa ante la visión de la niña y su rostro compungido durante el sepelio. El rostro del actor era el mismo en las tres secuencias. Ahí nació el Efecto Kuleshov, un principio del montaje que a partir de entonces se ha venido utilizando en cine. Eso sí, para que sea efectivo se necesitan grandes intérpretes, actores y actrices cuyos rasgos faciales reflejen por sí solos vidas enteras.
En el caso de Lejos de ella se trata de Julie Christie metida en el papel de Fiona Andersson, una mujer cuyo rostro, cincelado por los meandros del río de la vida en forma de arrugas, no puede esconder la belleza que todavía pervive tras ellas. La profundidad de esos ojos azules refleja la transformación de la juventud de una mujer etérea, ligera y astuta en una madurez llena de fuerza, inteligencia y… vulnerabilidad. Lo que deja traslucir esa vulnerabilidad, más que esas arrugas y esa mirada majestuosa, es precisamente el Efecto Kuleshov, esto es, todo lo que hemos visto antes de ese precioso y preciso primer plano de Julie Christie que es lo que otorga significado a un encuadre que ejemplifica perfectamente el estilo pausado, reflexivo, inteligente, con un uso de la metáfora visual digno de los más consagrados autores, de una debutante de veintisiete años, la gran actriz canadiense y ahora directora Sarah Polley.
Lejos de ella cuenta una historia de amor pero no se trata del típico romance al que el cine nos tiene acostumbrados. Grant y Fiona Andersson, interpretados por Gordon Pinset y Julie Christie, continúan con su matrimonio después de cuarenta y cuatro años. Una relación con el camino bastante avanzado, con varios esqueletos dentro del armario, con ese pacto de no agresión al que llegan las parejas que prefieren enterrar los deslices del pasado y seguir adelante. La estabilidad de lo que en principio parece un oasis de armonía y sentido del humor, ligeramente ensombrecido por algún que otro reproche de Fiona a antiguas infidelidades de Grant, se ve amenazado por las evidentes pérdidas de memoria de ella. Algo que de ir a más podría poner en peligro la felicidad ambos y el amor que siente el uno por el otro.
Resulta casi insultante la madurez con la que una joven con muchísimo talento ha impregnado el guión de esta historia basada en un relato corto de Alice Munro. No se trata de una fábula de buenos y malos o de blancos y negros hablamos más bien de una historia que se encuentra llena de grises, de tonos intermedios, como la vida misma, en la que todos somos imperfectos, aunque como Grant Andersson, en última instancia aspiremos a convertirnos en lo que podríamos haber sido.
Polley aporta austeridad, claridad, coherencia dramática y, como decíamos más arriba, demuestra un dominio tal de la metáfora visual como para adelantar a nuestro subconsciente lo que se nos va a contar durante casi dos horas en una preciosa secuencia de créditos iniciales en la que la pareja protagonista practica esquí de fondo. Los surcos que dejan al avanzar, sus respectivos caminos, se acercan, se alejan, se vuelven a acercar, en una sucesión de planos hermosamente encuadrados e iluminados, montados al ritmo al que evoluciona una relación que dura casi cincuenta años y acompañados por una música hipnótica que nos hace penetrar en la historia de forma casi subrepticia.
Y es aquí, al final de estas líneas, donde volvemos al primer plano de Julie Christie que, después de saber lo que está pasando por su cabeza, adquiere un nuevo significado para el espectador. Para ella podría haber supuesto un nuevo Oscar aunque lo más importante es lo conseguido por Sarah Polley, que no es otra cosa que transportarnos, a través del rostro humano, a lugares a los que un rato antes ni remotamente esperábamos viajar.
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Copyright de las imágenes © 2013 Foundry Films, Capri Releasing, HanWay Films, Echo Lake Production. Cortesía de Notro Films. Reservados todos los derechos.
Lejos de ella
Directora: Sarah Polley
Intérpretes: Julie Christie, Gordon Pinsent, Olympia Dukakis
Duración:110 min.
Canadá, 2006
Como homenaje a la escritora canadiense Alice Munro galardonada ayer con el Premio Nobel de Literatura 2013 próximamente publicaremos la crítica que en su día hicimos de Lejos de ella (2006), la estupenda ópera prima como directora de la actriz y compatriota de la literata, Sarah Polley. La joven y talentosa Polley logró una merecida nominación al Oscar al Mejor Guión Adaptado al trasladar el relato de Munro «The bear came over the mountain» a la gran pantalla además, Julie Christie fue candidata el Oscar a la Mejor Actriz.
FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2013 – SÁBADO 28 DE SEPTIEMBRE – PALMARÉS
CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA: PELO MALO, Mariana Rondón (Venezuela–Perú-Alemania)
PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: LA HERIDA, Fernando Franco (España)
CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR: FERNANDO EIMBCKE , CLUB SÁNDWICH (México)
CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR: JIM BROADBENT, LE WEEK-END , (Reino Unido)
CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ: MARIAN ÁLVAREZ, LA HERIDA (España)
PREMIO AL MEJOR GUIÓN: ANTONIN BAUDRY, CHRISTOPHE BLAIN, BERTRAND TAVERNIER, QUAI D‘ORSAY (Francia)
PREMIO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA: PAU ESTEVE BIRBA, CANÍBAL (España-Rumanía-Rusia-Francia)
PREMIO HORIZONTES: O LOBO ATRÁS DA PORTA/ A WOLF AT THE DOOR, Fernando Coimbra (Brasil)
PREMIO NUEVOS DIRECTORES: HROSS Í OSS / OF HORSES AND MEN, Benedikt Erlingsson (Islandia – Alemania)
PREMIO IRIZAR AL CINE VASCO: ASIER ETA BIOK / ASIER Y YO, Amaia Merino, Aitor Merino (España-Ecuador)
COMENTARIO AL PALMARÉS
El jurado presidido por Todd Haynes, director independiente estadounidense cuyo trabajo más emblemático es Lejos del cielo, ya ha tomado sus decisiones y se han dado a conocer en la gala celebrada en el Kursaal de San Sebastián instantes después de las 20:30. El músico David Byrne, los actores y actrices Diego Luna, Paulina García y Valeria Bruni Tedeschi, la productora Mariela Besuievsky y el director Cesc Gay han tomado unas decisiones que, dentro de que se esté más o menos de acuerdo, han sido coherentes. Han dejado de lado todo lo que oliese a cine comercial y han premiado películas de bajo presupuesto que se han definido por el riesgo en sus propuestas temáticas y visuales.
Mariana Rondón, directora de Pelo Malo
La Concha de Oro a la cinta venezolana Pelo Malo viene a galardonar a una película pequeña que habla de temas grandes, como las diferencias entre las personas y las formas de afrontarlas, con un aspecto tan tabú como puede ser en la sociedad venezolana la homosexualidad. Este trabajo adolecía de graves problemas para arrancar la historia pero termina dejando buen sabor de boca. La gran sorpresa de la noche ha sido la española La herida, logrando la segunda distinción en importancia, el Premio Especial del Jurado, y la Concha de Plata a la mejor actriz, en la persona de Marian Álvarez. Se trata de una película difícil, a este que escribe no terminó de convencerle una propuesta tan radical tanto en la forma de relatar el tema en el guión como en el tratamiento estético, con una planificación excesivamente cerrada que terminaba por resultar claustrofóbica. La interpretación de Marian Álvarez es perfectamente premiable por el tipo de personaje que encarna y apareciendo en todos y cada uno de los fotogramas de la película, aunque nosotros habríamos galardonado a Lindsay Duncan por Le week-end. De todos modos desde aquí damos la enhorabuena al equipo de la película y a la actriz, que ya ha empezado a dar pasitos, cuanto menos, hacia la nominación al Goya.
Marian Álvarez, de La herida
El jurado ha considerado que el mejor director ha sido el mexicano Fernando Eimbcke por su trabajo en la minimalista Club sándwich a la que curiosamente se le puede achacar las mismas taras que a la ganadora de la Concha de Oro. Una película que se atasca en un principio pero que luego va de menos a más. Como comentábamos antes probablemente su compatriota Diego Luna ha tenido mano para arrimar el ascua a la sardina de su país. La Concha de Plata al mejor actor ha recaído en un veterano y fantástico actor británico, Jim Broadbent. En este sentido ha debido pesar el hecho de no premiar a dos actores españoles, porque el nombre de Antonio de la Torre estaba en todas las quinielas. Es curioso pero la pareja de premiados podría haber sido la formada por la actriz británica de Le week-end con el actor español, justo al contrario de como se ha dado.
Antonin Braudy, de Quai d´Orsay
Donde no ha existido discusión alguna ha sido en el Premio del Jurado al Mejor Guión, para Quai d´Orsay de Bertrand Tavernier, con un libreto escrito por el propio director junto al autor del cómic en el que se basa la película, Cristophe Blain, y Antonin Braudy, el diplomático y escritor de discursos en quien se inspira esta historia que es quien ha recogido la farola de San Sebastián cuya efigie simboliza el premio. Probablemente se trata de la mejor película de la Sección Oficial pero dado el gusto de un festival como este Zinemaldia por apostar por un cine más al límite, menos comercial, y el hecho de que se trate de una comedia ha relegado a este magnífico trabajo a una segunda fila inmerecida. La distinción a la mejor fotografía ha sido totalmente justa, el uso de la luz en Caníbal, la atmósfera creada por Pau Esteve es digna poseedora de este galardón. Por último destacar el reconocimiento como Mejor Película del Cine Vasco a la valiente propuesta de Aitor Merino, Asier ETA biok – Asier y yo. Un controvertido documental que gracias a este premio es probable que consiga distribución y estreno a nivel nacional.
Aitor y Amaia Merino, de Asier y yo
Copyright del artículo y fotos © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos
El día ha amanecido gris y triste. Último día de Festival. Ya se nota una menor presencia de prensa acreditada, que poco a poco ha ido haciendo las maletas y la sala donde escribimos nuestras crónicas diarias, en el corazón del Kursaal, se encuentra casi vacía. Con un poco de tristeza y mucho cansancio nos disponemos a vivir estas últimas horas de Zinemaldia con la incógnita sobre quienes recibirán los premios en una Sección Oficial con un nivel bastante más bajo que en años anteriores. Luego, tras reseñar las últimas películas proyectadas, haremos una posible (aunque seguramente bastante improbable) quiniela.
Jean-Pierre Jeunet, director de El extraordinario viaje de T.S. Spivet
El filme que va a clausurar la Sección Oficial, fuera de concurso, ha venido a insuflar una ráfaga de optimismo y luminosidad ante la vena dramática que ha recorrido los argumentos de la mayor parte de los trabajos que se han visto durante la última semana. Se trata de El extraordinario viaje de T.S. Spivet una pequeña maravilla de Jean-Pierre Jeunet rodada en 3D y aprovechando todas las posibilidades que le daba esta tecnología para retratar los paisajes de la América profunda. Habla del Oeste, de cowboys, pero también de ciencia, de las inquietudes de este pequeño inventor con ganas de trascender ese pequeño pueblecito de Montana y ver un poco de mundo. Una historia positiva, para todos los públicos, que el director de Delicatessen o Amélie ha hecho suya en cierta manera, dejando detalles de su particular universo visual. La proyección de esta noche supondrá el estreno mundial de este trabajo.
![The Young and Prodigious T.S[1]. Spivet (Foto película) 3294](https://vivazapata.net/wp-content/uploads/2013/09/the-young-and-prodigious-t-s1-spivet-foto-pelc3adcula-3294.jpg)
El extraordinario viaje de T.S. Spivet
También hemos podido ver las dos últimas Perlas. Ambas francesas, pero de temática y estética totalmente distinta. El amor es un crimen perfecto es inquietante por momentos, narra una historia un tanto extraña y truculenta desde un punto de vista cotidiano por decirlo de alguna manera. Es la historia de un profesor de literatura que vive permanentemente acosado por sus alumnas, precisamente la desaparición de una de ellas es la que planea a lo largo de todo el metraje. Lo cierto es que entre el público no fue recibida con mucho entusiasmo, pero a este que escribe le fascino la turbación de esta inusual historia de amor.
El amor es un crimen perfecto, de Arnaud y Jean-Marie Larrieu
9 mois ferme ha clausurado esta edición de Perlas que ha contado, como de costumbre, con un nivel notable. Se trata de una comedia enloquecida, muy divertida, con una jueza como protagonista. Una comedia de enredo con referencias de todo tipo, incluido el cine español, como la que se refiere a Átame de Pedro Almodóvar. Risas para exorcizar todos los demonios, brujas incluidas, que se han dado cita en las tramas de tantas y tantas películas que se han podido ver en los últimos ocho días.
Albert Dupontel y Sandrine Kiberlain, actor-director y actriz de 9 mois ferme
Ayer por la noche se proyectó en Zabaltegi Violet, segundo trabajo del donostiarra residente en Los Ángeles Luiso Berdejo, conocido también como guionista en trabajos como la serie de películas de Rec. Su primera incursión en el mundo del largometraje contaba con Kevin Costner como protagonista, La otra hija, una historia de terror llevada con pulso firme. En este segundo trabajo narra la historia de un donostiarra en Los Ángeles, como él, que emprende la búsqueda de una enigmática mujer de la que solo tiene una foto. Una historia con ecos a Arrebato de Iván Zulueta, que juega con múltiples formatos y texturas y que va de menos a más.
Violet, de Luiso Berdejo
Por último, comentar que ya se conocen las películas ganadoras en las votaciones del público. El Premio de la Juventud ha sido para la holandesa Wolf, rodada en blanco y negro. El Premio del Público lo ha logrado merecidamente la japonesa De tal padre, tal hijo de Hirozaku Kore-eda, un trabajo realmente emocionante. Y el Premio del Público a la Mejor Película Europea ha recaído en la británica About time – Una cuestión de tiempo, maravillosamente narrada en el estilo que Richard Curtis ya utilizó para Love actually. Curiosamente estas dos películas, como ya hemos contado en ocasiones anteriores hablan de relaciones entre padres e hijos.
De tal padre, tal hijo, de Hirozaku Kore-eda
Y para terminar, antes de publicar esta noche el palmarés del Festival, una pequeña quiniela que probablemente no tendrá ni pies ni cabeza, pero allá va. Echando un vistazo a los trabajos de la Sección Oficial y teniendo en cuenta que se tienen que conceder obligatoriamente, así se dice en las normas, los premios a la mejor película, director, actores, guión y fotografía, ahí van las posibles predicciones. En cuanto a la película vamos a decantarnos por Quai d´Orsai de Bertrand Tavernier, aunque es raro que una comedia se haga con premios importantes en festivales de cine. En cuanto al director, Dennis Villeneuve por Enemy o Atom Egoyan por Devil´s Knot, en el caso de Egoyan pesaría más el nombre y la carrera del director que la película, que a pesar de ser brillante, se trataría de cine comercial. En las interpretaciones hay menos dudas, la masculina para Antonio de la Torre por Canibal y la femenina para Lindsay Duncan por Le week-end. En la categoría de guión, David Trueba por Vivir es fácil con los ojos cerrados. La fotografía ya es algo más complicado, ya que no ha habido ninguna película especialmente distinguida en este aspecto, podría ser Devil´s knot si no consiguiera el de mejor director o la austriaca October, november. Y para finalizar, el Premio Especial del Jurado, que no es obligatorio conceder, pero bien podrían dárselo a la minimalista película mexicana Club sándwich, teniendo en cuenta que el actor Diego Luna forma parte del jurado sería lógico que barriese para casa, con este premio o algún otro. Se trata de una mezcla entre deseo y predicción, pero bueno, ahí queda.
Quai d´Orsay, de Bertrand Tavernier
Copyright del artículo y fotos Jean-Pierre Jeunet, 9 mois ferme © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos
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La Sección Oficial ya está lista para sentencia con la proyección de la última película a concurso, la española La herida, ópera prima de Fernando Franco. Excesivamente opresiva, abusa de la presencia en cada uno de los asfixiantes planos cerrados de la actriz protagonista, Marian Álvarez. No llegamos a saber en ningún momento qué es eso que corroe por dentro el alma atormentada de este personaje y eso, a la larga, supone un obstáculo difícil de sortear, lastrando el filme. Dentro de las posibles quinielas, Marian Álvarez podría optar al premio de interpretación, pero en la humilde opinión de este que escribe, la destinataria debería ser la británica Lindsay Duncan fantástica en Le week-end.
Hugh Jackman y Dennis Villeneuve, de Prisoners
Fuera de concurso se ha podido ver Prisoners, segundo largometraje de Dennis Villeneuve en este Zinemaldia, tras el inquietante Enemy, y trabajo que ha servido para presentar el otro Premio Donostia de este certamen, tras el de Carmen Maura, que acaba de recibir un risueño y jovial Hugh Jackman. El australiano se ha sentido cómodo en la rueda de prensa, distendido, bromista y ha transmitido la imagen de un tipo cercano, lejos del divismo del que hacen gala muchas de las grandes estrellas. Todo lo contrario al oscuro personaje que interpreta en una película compleja que bucea en las fangosas aguas de la moralidad, a partir de la desaparición, esto parece un deja-vu, de dos niñas en una pequeña población. Fascinante obra del director canadiense y magníficas interpretaciones del propio Jackman y de Jake Gyllenhaal.¿La puerta de los Oscars de nuevo abierta para el intérprete de Lobezno?
Hugh Jackman bromea con el traductor, australiano como él, en la rueda de prensa.
Cuando nos adentramos en el territorio de las Perlas, al hablar de Joven y hermosa, de François Ozon, nos viene a la mente la fantástica adaptación de la obra teatral El chico de la última fila de Juan Mayorga, En la casa, con la que ganó la Concha de Oro el año pasado. Ozon es un director que cambia de registro con una facilidad pasmosa, en esta ocasión narra el peculiar despertar sexual de una joven de 17 años que la hará madurar de esa forma tan abrupta que muestra la película. Marine Vacth, la joven actriz francesa que encarna a la protagonista, realiza un estupendo trabajo. Este es su tercer largometraje, pero está claro que van a venir muchos más.
Joven y Bonita, de François Ozon
Uno de los capítulos que se están proyectando de la interesantísima serie de Oliver Stone, La Historia oculta de los Estados Unidos, está dedicado a la figura de JFK, John Fitzgerald Kennedy. Y teniendo en cuenta el bagaje profesional del propio Stone y la peculiar relación concurso-televisiva que este que escribe tiene con el Presidente asesinado era de obligado visionado este exhaustivo capítulo VI. Resultó estimulante y fascinante volver a recorrer aquellos 1037 días de mandato, aquel Camelot que terminó de forma abrupta el 22 de noviembre de 1963.
Oliver Stone en la rueda de prensa de presentación de su serie
Para desengrasar un poco, dentro de la vorágine de títulos de estreno, volvimos a ver Chico y Rita, la maravillosa película de Trueba y Mariscal que se ha proyectado dentro del ciclo dedicado al nuevo cine de animación. Las emociones y las lagrimillas volvieron a aparecer, y es que ¿quién no sucumbiría ante alguien que escribe con lápiz de labios en el cristal de un espejo: “Necesitaba volver a besarte”?
Chico y Rita, de Trueba y Mariscal
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La Sección Oficial ha presentado este jueves dos propuestas diametralmente opuestas. A primera hora de la mañana se ha proyectado Devil´s knot, nombre que hace referencia a un lugar que cobra gran importancia en la película, porque allí es donde se ha producido el asesinato de tres niños. El título en castellano nos lo ahorraremos, porque es una especie de sucedáneo de La semilla del diablo, uno de esos títulos que revela parte importante de la trama. Esta película de Atom Egoyan se puede inscribir dentro del llamado cine de juicios y continúa con una trayectoria iniciada hace algún tiempo por el director canadiense que lo ha llevado hacia una narración más convencional cuando en sus primeros trabajos optaba por un cine más personal, el que le dio el marchamo de autor que tiene hoy en día.
Atom Egoyan
Esta película incluye ecos de esa obra maestra que es Exótica, pero, según ha aclarado el propio Egoyan, al tratarse de un hecho real ha querido dejar de lado la poesía y hacer una película mucho más realista. Resulta interesante esta reflexión sobre la culpabilidad (o más bien, la apariencia de culpabilidad), la condena de la masa, de la mayoría, sin necesidad de juicio ni pruebas y la duda razonable que ante una sentencia que puede concluir con la ejecución de una pena de muerte debería hacer reflexionar a más de uno antes de dictarla bajo tales circunstancias. Es de largo la película más convencional de la Sección Oficial, la más comercial o la que más se parece al cine de consumo de masas, y por tanto la menos premiable por un festival, pero sin embargo, curiosamente, es la más redonda de las que se han visto, la que no tiene puntos muertos y la que mejor está narrada, pero, como hemos dicho, es más que probable que se vaya de vacío.
Egoyan, muy expresivo en la rueda de prensa de Devil´s knot
Desde Bosnia Herzegovina pasando por Australia se ha proyectado For those who can tell no tales. Este filme dirigido por Jasmila Zbanic utiliza la anécdota de una turista australiana para reflexionar sobre uno de los episodios más trágicos y espeluznantes de la guerra de Bosnia. Se trata de un trabajo interesante, directo, que va al grano. Sus 77 minutos así lo atestiguan. Y sabe capturar el estupor, la impotencia y el dolor de esta viajera en el momento de ser consciente de las atrocidades que sucedieron en el hotel donde se alojó al pasar unos días de verano en el país balcánico.
Jasmila Zbanic, directora de For those who can tell no tales
En cuanto a las Perlas, una de cal y otra de arena. En el lado negativo la china Un toque de violencia, ganadora del Premio al Mejor Guión en el pasado Festival de Cannes. Se trata de un filme audiovisualmente fascinante pero en cuanto a contenido se presenta más complicado que complejo, embarullado y arbitrario en ocasiones. Entra por los ojos, sí, pero es complicado que llegue más allá.
Jia Zhangke presenta Un toque de violencia en el Victoria Eugenia
Ayer, en la última sesión de la noche, pudimos asistir a la que va a ser una de las películas del año: Dallas buyers club, del canadiense Jean-Marc Vallée, autor, entre otras, de las magníficas C.R.A.Z.Y y de Café de flore. Cuenta una historia situada a mediados de los años ochenta, en la eclosión de las infecciones por VIH que luego se convertían en SIDA y en los primeros intentos por controlar y tratar la enfermedad. En ese sentido tiene puntos en común con ese gran fresco que narró este proceso desde el punto de vista más general que es En el filo de la duda, pero en esta ocasión se centra en una figura en concreto, la de Ron Woodroof. El retrato de este curioso, por calificarlo de alguna forma, personaje que hace Matthew McConaughey es excelente, hasta el punto de cambiar completamente su aspecto físico. Su interpretación se une a otros grandes trabajos que ha realizado este año, como la maravillosa Mud, y está claro que va a depararle más de una alegría, incluida una merecida nominación al Oscar. No sabemos si se llevará a casa la preciada estatuilla, pero sin duda la merece. Parece claro también que Jared Leto le acompañará en la ceremonia de los Premios de la Academia, en otro trabajo que pone la carne de gallina. En cuanto a la película en su conjunto sabe cómo narrar un asunto de naturaleza tan delicada como el que trata con un muy sano sentido del humor, y de no ser por cierto decaimiento del ritmo cuando nos acercamos a los minutos finales estaríamos ante una obra maestra. Sin duda Jean-Marc Vallée es uno de los directores surgidos recientemente cuya carrera hay que seguir con atención.
Matthew McConaughey y Jared Leto en Dallas buyers club
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Este miércoles ha amanecido nublado y brumoso en San Sebastián aunque no por ello hace frío ni llovizna. La temperatura sigue siendo tan agradable como en días anteriores. Una vez que se accede al Kursaal la climatología pasa a un segundo plano y las películas de la Sección Oficial son las que cobran protagonismo. El programa doble matutino incluía una producción mexicana y otra británico-australiana.
El trío protagonista de Club sándwich
Desde México ha llegado al Zinemaldia Club sándwich, una propuesta minimalista, extremadamente minimalista. Rodada a base de planos fijos (no hay ni un solo movimiento de cámara), con solamente dos personajes, que en un momento dado pasan a ser tres, y una única localización principal, un hotel. Los primeros 45 minutos resultan tediosos, están dedicados a explicar la peculiar relación entre una madre soltera y su hijo (otra vez tenemos el tema recurrente del Festival), pero terminan por cansar al espectador que no tiene la sensación de que comience el relato por ninguna parte. Con la presencia de la otra rebanada de pan de ese sándwich, la “amiga” del chico, se empieza a introducir un lado cómico que hace despertar la película para cerrarse de forma bastante más entretenida. Lástima de toda la primera parte que acaba por matar lo poco de bueno que pueda haber más tarde.
La Patricia Lomax real visiblemente emocionada al recordar a su marido en la rueda de prensa de Un largo viaje
La primera proyección de la mañana ha sido The railway man, que aquí se va a llamar Un largo viaje, título que ha gustado a Jonathan Teplitzky, el director australiano de esta coproducción de su país con el Reino Unido. Y eso ha sido así porque lo que se relata en esta cinta es la interminable lucha de un ex combatiente británico de la 2ª Guerra Mundial contra sus propios fantasmas, contra las secuelas que los horrores de la guerra han dejado en su interior. La trama principal sucede años después del final de la Guerra con varios flashbacks a los momentos más crudos vividos por los soldados británicos apresados y obligados por los japoneses a construir las vías para sus ferrocarriles en la zona del sudeste asiático. Un regreso a la temática narrada por David Lean en El puente sobre el río Kwai.
Colin Firth y Nicole Kidman son Eric y Patricia Lomax en Un largo viaje
El protagonista y su mujer están encarnados por Colin Firth y Nicole Kidman (una par de ausencias más en la nómina de este Zinemaldia) y son precisamente estos momentos bélicos, en los que ambos desaparecen, cuando la película se resiente y baja en interés después de un precioso inicio en el que se relata el primer encuentro entre ambos en el vagón de un omnipresente tren. El gran acierto de la película ha sido el no sucumbir a la épica y la grandiosidad que podrían haber tenido las secuencias que suceden durante la guerra y centrar el filme en los aspectos más delicados como la relación entre Eric Lomax y su mujer, Patricia, pero sobre todo en la forma de afrontar por el propio ex coronel las secuelas psicológicas derivadas de las torturas sufridas en el campo de concentración, situado en la zona de Thailandia y Birmania (actual Myanmar). Excelente interpretación la de Colin Firth, alabada por la Pattie real que a pesar de sus 76 años ha querido estar presente en la rueda de prensa de la película, que apenas sin palabras transmite el infierno interior de este hombre que es incapaz de exteriorizar y de transmitir a los que le rodean y le quieren el sufrimiento y la agonía que le carcomen desde los años de la Gran Guerra. Otro candidato a sumarse a los favoritos para hacerse con el premio de interpretación.
Con la pata quebrada, de Diego Galán
Saliendo de la Sección Oficial ayer tuvimos el placer de asistir a la proyección del documental Con la pata quebrada, que presentó su director Diego Galán en la proyección abierta al público y mantuvo un animado coloquio al termino del mismo. Muy curioso este trabajo que deja patente cómo el cine español ha reflejado la figura de la mujer desde los años 30 hasta la actualidad, centrándose sobre todo en la imagen estereotipada que el régimen franquista quiso transmitir en su momento mostrando a una esposa y madre dedicada a las tareas del hogar y a criar a sus hijos y relegada a un segundo plano ante el marido que era quien trabajaba y mantenía a la familia, y contrastándola con la modernidad que transmitían las películas rodadas durante la Segunda República que nos sorprendieron por el desconocimiento que teníamos de muchas de ellas. No se trata de hacer, como decía el propio Galán, una Historia de la Mujer en el Cine Español sino más bien una visión particular. Este documental, tras su paso por el Festival de Cannes, se estrenó en salas hace unos meses pero no habíamos tenido la oportunidad de verlo. Merece la pena.
Oliver Stone en la rueda de prensa de ayer
Por último queremos hacernos eco de la rueda prensa que dio Oliver Stone para presentar un nuevo montaje de Alejandro Magno de tres horas y media de duración, pero sobre todo la estupenda serie documental que ha realizado para la televisión por cable estadounidense, The untold History of the United States (La Historia oculta de los Estados Unidos). Ya comentamos algo en la crónica del primer día de Festival cuando hizo su presentación para el público en general. Ayer tuvimos la posibilidad de inquirirle para que glosase en profundidad los pormenores de este trabajo y aclaró que en Estados Unidos la serie se emitió desde el tercer capítulo en adelante porque consideraron que lo anterior a la 2ª Guerra Mundial iba a resultar complicado de entender para los jóvenes, a los que iba principalmente dirigida esta propuesta, pero que estos dos capítulos sí iban a estar presentes en la edición en DVD. Aquí va a ser emitida por TVE, como indicó el día 20 el propio Stone. La duda es saber si se van a emitir los doce episodios. Tenemos curiosidad por ver esas referencias a la política de Franklin Delano Roosvelt en relación a la Guerra Civil española.
The untold History of the United States, de Oliver Stone
Copyright del artículo y fotos Club sándwich, Un largo viaje (rueda de prensa) y Oliver Stone © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos
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¡Viva Zapata! 