Robert Flaherty sentó las bases del documentalismo con su hermosa aproximación a la vida de los inuit en una época en que todavía se rodaba en blanco y negro y sin sonido. Nanuk, el esquimal data de 1922 y ha servido de espejo a todo el que se ha interesado por ese cine que pretende acercar la realidad al espectador, sin artificio ninguno, para usarlo no como medio de evasión sino como fuente de saber y de aprendizaje. La película que hoy nos ocupa se encuentra a mitad de camino entre estos dos extremos.
Traslada hechos sucedidos en 1987 en la paradisiaca isla de Tanna, perteneciente a Vanuatu, y se encuentra tan ligeramente ficcionado que nos da la sensación de estar contemplando cómo se desarrolla la vida y cuáles son las costumbres de los indígenas protagonistas en su día a día. El hecho de contar con interpretes no profesionales, miembros de la comunidad que ocupa esa parte del territorio insular, hace el resto y emparenta este trabajo con aquel que Flaherty desarrolló casi un siglo antes.
En este remoto enclave del Pacífico cubierto por la espesura de la selva tropical y dominado por un volcán en activo, en el seno de la tribu de los Yakel, se desarrolla una historia que habla de la lealtad entre dos hermanas, de un amor prohibido que desafía los convencionalismos y las costumbres arraigadas desde tiempos lejanos y de cómo la sabiduría y los acontecimientos pueden llevar a que se produzca un pacto entre lo ancestral y la modernidad.
Este canto a la libertad individual, a la posibilidad de elección por parte de las mujeres Yakel de la persona amada por encima de supersticiones y tradiciones, que por muy asentadas no dejan de estar trasnochadas, resulta extrapolable a entornos sociales completamente diferentes. Esas madres y abuelas que conminan a la joven Wawa a aceptar con resignación el fatídico destino que la convierte en poco más que una ofrenda a la tribu adversaria para evitar un enfrentamiento armado, pasando a ser esposa del hijo del jefe en contra de su voluntad, y lo que es más doloroso, de su corazón, podrían encontrarse bastante más cerca de lo que pensamos tanto en el espacio como en el tiempo.
La belleza de las imágenes, que emerge sostenida por tonadas étnicas y una breve partitura reservada para subrayar lo verdaderamente importante, no es óbice para poder disfrutar de un Romeo y Julieta entre naturaleza salvaje que reflexiona sobre cómo los jóvenes poco a poco han de participar, a veces de un modo traumático, en la actualización de lo tradicional para dotarlo de una modernidad que lo haga perdurar.
La universalidad del relato toca el alma de la audiencia de un modo tan contundente que fue capaz de convencer a los miembros de la Academia de Hollywood para admitirla como contendiente al Óscar a la mejor película de habla no inglesa por encima de contrastados trabajos del predicamento de Neruda, Elle o Julieta. Algo tendrá el agua cuando la bendicen.
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Tanna
Dirección; Martin Butler y Bentley Dean
Guión: Martin Butler, John Colle y Bentley Dean
Intérpretes: Mungau Dain, Marie Wawa, Marceline Rofit
Música: Antony Partos
Fotografía: Bentley Dean
Montaje: Tania Nehme
Duración: 104 min.
Australia, Vanuatu, 2015
Pasada la primera hora de metraje uno no puede más que deducir que Christian Puiu, rumano y máximo responsable de Sieranevada, ha debido repasarse toda la cinematografía de Luis García Berlanga antes de ponerse a rodar. Los seis minutos iniciales, sin cortes, observando a los personajes desde la distancia y sin apenas entender lo que se dicen, nos había llevado a la errónea consideración de que el estilo narrativo escogido para transmitir esta historia se podría acercar al utilizado por Michael Haneke en Caché o al que Jaime Rosales imprimió a Tiro en la cabeza. Dado que ni una, ni otra son santas de la devoción de este que escribe, alivio momentáneo al comprobar que la caligrafía audiovisual no se dirigía por aquellos derroteros.
El objetivo se aproxima a los intérpretes. Primero dentro de un coche, oteando desde atrás a los conversadores, para, en unos instantes, en cuanto entramos en casa de la madre, hacernos tomar conciencia de la coralidad del guión a tenor de la ingente cantidad de parentela reunida en la vivienda para asistir a una comida.
A partir de ese momento, tomas de más de cinco minutos con continuas entradas y salidas de las habitaciones, frases milimetradas de unos para dejar paso a otros y cierta coreografía que aporta fluidez a todos los movimientos actorales y los acompasa con los de la cámara. La referencia a Berlanga, indudable, no alcanza el vértigo y la precisión de los “ballets” orquestados por el director de Bienvenido Míster Marshall.
El valenciano ponía el plano secuencia al servicio del humor negro y la crítica social surgidas de la pluma del inimitable Rafael Azcona. Esta celebración familiar en el aniversario de la muerte del patriarca, a pesar de la utilización de un tono irónico, de la intención de despotricar en torno a los estamentos políticos (nacionales e internacionales, presentes y pasados), religiosos y militares de Rumanía, más allá de lo pintoresco de alguno de los personajes y de lo rimbombante de ciertas costumbres en torno al fallecido y recordado, y por muy felliniano que intente parecer aquello, queda a años luz tanto del universo del realizador romano como de Plácido, una de las cimas de la cinematografía mundial en cuanto a elegancia, causticidad y profundidad argumental.
La construcción de este trabajo a partir de la concatenación de extensas secuencias en las que la cámara no deja de rodar puede que aporte naturalidad y frescura al material y a las interpretaciones, pero cuenta con el hándicap de añadir minutos y minutos a un metraje imposible de ser aliviado al no poder usar las tijeras hasta el final de cada toma. De modo que los certeros noventa minutos del cuento moral protagonizado por Cassen se convierten en casi tres horas de conversaciones salpicadas de intrigas palaciegas que dejan de interesar apenas alcanzado el primer tercio de duración. Llegados a este punto, la elección de un título deliberadamente mal deletreado y que nada tiene que ver con el argumento queda en pura anécdota.
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Sieranevada
Dirección y guión: Cristi Puiu
Intérpretes: Mimi Branescu, Judith State, Bogdan Dumitrache
Fotografía: Barbu Balasolu
Montaje: Ciprian Cimpoi y Letitia Stefanescu
Duración: 173 min.
Rumania, Francia, Croacia, Bosnia Herzegovina, Macedonia, 2016
¿Has mirado algo sabiendo que lo quieres más que a nada en la vida comprendiendo que nunca podrá ser tuyo? Yo lo he hecho y te digo que, o acaba contigo o enciende un fuego en tu interior que seguirá ardiendo hasta el fin de tus días. Tras escuchar esta frase sobre un primer plano del rostro de una Gemma Arterton con los ojos vidriosos, la conmovedora partitura de Rachel Portman hace el resto. Cuando el espectador llegue a ese punto, con el bagaje emocional que el argumento ha ido sedimentando en el cauce de la narración, va a ser harto complicado contener las lágrimas.
Qué no hubiésemos dado por haber podido escribir (e interpretar) otro final, uno distinto y brillante, para nuestras escenas románticas fallidas. Culminar aquella conversación entre adolescentes de casi cuatro horas con un beso en los labios de la persona amada, conseguir el ansiado sí evitando el molesto tartamudeo provocado por el nerviosismo ante un momento crucial o asumir y aceptar el amor que nos brinda quien tenemos enfrente, sincerándose y ofreciéndose a tumba abierta, en lugar de acobardarnos y salir huyendo.
Vida y cine, cine y vida, vida dentro del cine y cine dentro de la vida. El juego que articula la danesa Lone Scherfig une por un lado y desenlaza por otro el ámbito real y la ficción traídos a la gran pantalla a partir de la adaptación de una novela que ya en su título homenajea al séptimo arte. Su mejor hora y media, de Lissa Evans, es un juego de palabras que se refiere a la duración estándar de un largometraje de la época.
Londres. Segunda Guerra Mundial. Una joven escritora comienza a trabajar en la división de películas del Ministerio de Información, unidad encargada de trasladar a la población optimismo ante los constantes bombardeos que asedian la capital. Las circunstancias la colocan en el equipo de guionistas que prepara un largometraje acerca de la evacuación de Dunkerque, momento en que su gris existencia junto a un artista bohemio experimentará un tremendo vuelco.
Lo más interesante de esta aproximación al metacine reside en su disección del proceso creativo, la manera en que una historia real ha de ser modificada para convertirse en material cinematográfico de primera que consiga atrapar la atención y apasionar a la audiencia transmitiendo autenticidad y credibilidad sin perder su espíritu primigenio.
Más importante aún resulta una segunda lectura que reflexiona sobre el papel de la mujer tanto como personaje dentro de un guión como en la sociedad, incluidos sus méritos para figurar como jefa de equipo dentro de un filme. Aunque la acción se desarrolle en la década de 1940, el mensaje, por desgracia, no ha perdido vigencia, a pesar de que una fémina dirija y cuente con talentosas colaboradoras al frente del guión, la música, el montaje, la dirección artística y el reparto de una cinta que, más allá de no resultar redonda, deja un regusto emotivo y evocador para todos los que amamos el cine.
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Su mejor historia
Dirección: Lone Scherfig
Guión: Gaby Chiappe, basado en la novela Su mejor hora y media de Lissa Evans
Intérpretes: Gemma Arterton, Sam Claflin, Bill Nighy
Música: Rachel Portman
Fotografía: Sebastian Blenkov
Montaje: Lucia Zucchetti
Duración: 112 min.
Reino Unido, Suecia, 2016
Cada tercer lunes de abril Massachusetts conmemora el Día de Patriotas y Boston, su capital, celebra el maratón más antiguo del mundo aprovechando la festividad regional. Hace cuatro años la carrera tuvo lugar el 15 del mes en curso. Fatídica cita con el calendario para los Estados Unidos. Ese mismo día de 1912 se hundía en aguas del Atlántico norte el mayor trasatlántico de la época, el Titanic, que navegaba rumbo a Nueva York. En 1865, en idéntica fecha, y debido a las heridas provocadas por un disparo la noche anterior, el presidente Abraham Lincoln fallecía asesinado.
De nuevo el destino, de nuevo el 15 de abril. Año 2013. Poco antes de las tres de la tarde el tiempo se detuvo. Dos bombas de fabricación casera explotaban en Boylston Street, a escasos metros de la meta de la prueba atlética más famosa del planeta provocando el pánico entre público y corredores. Una foto de Kennedy, nacido a escasos kilómetros de la ciudad del trébol, en la pared de un pub irlandés recuerda a los bostonianos otra gran tragedia a la que fueron capaces de sobreponerse. Esta película recrea la historia del atentado, sus consecuencias y el operativo policial desplegado para capturar a los responsables.
Con Peter Berg tras la cámara la traslación a la pantalla de estos terribles sucesos que conmocionaron a la sociedad estadounidense podría tornarse en un retrato un tanto maniqueo debido, principalmente, al tono de sus últimos trabajos, en especial El último superviviente, cuyo guión también firmaba. Teniendo en cuenta que aquí ha participado de nuevo en la escritura, la sorpresa, en sentido positivo, se produce al observar que la complejidad con la que se ha abordado el conflicto, a pesar de ciertas simplificaciones, convierte a éste en su filme más atractivo.
Probablemente el hecho de unir dos libretos, uno centrado en la acción y otro basado en la manera en que afectó personalmente a los damnificados por el ataque, ha propiciado la mezcla perfecta de géneros entre el thriller que aborda la investigación y el drama de personajes que a modo de vidas cruzadas refleja y acerca cada uno de los personajes al espectador.
Técnicamente se ha sabido seducir al público gracias a la utilización de distintos formatos y texturas, incluido el vídeo y la televisión, permitiendo que imágenes reales del suceso aparezcan, gracias a la brillante labor de montaje, junto al material rodado, de modo que aporten, además de espectacularidad, credibilidad y exactitud a lo narrado. Tampoco se ha querido descuidar la parte emocional del relato gracias al dibujo coral de todos y cada uno de cuantos tomaron parte de manera directa o indirecta en los fatales acontecimientos.
El resultado, francamente notable, en una primera hora magnífica, rodada con tremendo pulso narrativo, con hallazgos como la localización de los terroristas a través de las cámaras de establecimientos cercanos a la deflagración; tensión en estado puro que se va diluyendo en una segunda mitad que, más allá de su convencionalidad, no deja que el interés de la cinta decaiga en ningún momento.
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Día de patriotas
Dirección: Peter Berg
Guión: Peter Berg, Matt Cook, Joshua Zetumer
Intérpretes: Mark Wahlberg, Michelle Monaghan, Kevin Bacon
Música: Trent Reznor y Atticus Ross
Montaje: Gabriel Fleming y Colby Parker Jr.
Duración: 133 min.
Estados Unidos, Hong Kong 2016
Tras una larga trayectoria como realizador de videoclips para grupos punteros como No Doubt o Green Day, Marc Webb debutó como largometrajista por todo lo alto dirigiendo la comedia romántica independiente triunfadora de aquel año 2009, (500) días juntos. El sello de originalidad, de diferencia, de buen director de actores le marcó desde su debut hasta el punto de que cuando se quiso dar una vuelta a las aventuras de Spiderman potenciando la historia, las tramas y los personajes no se pensó en un especialista en rodar acción sino en alguien con las prestaciones de Webb.
En su regreso del cine espectáculo a uno donde los verdaderos efectos especiales los ponen la emoción y las relaciones humanas, no deja de ser curioso que haya escogido como protagonista a un “superhéroe”; Chris Evans se quita el traje de Capitán América para demostrar que es capaz de sacar adelante un papel como el de este tipo soltero que se hace cargo de su sobrina, que posee una habilidad especial para las matemáticas. Junto a ellos, una ganadora del Óscar un tanto desaprovechada, Octavia Spencer, y enfrente, la veteranía de la británica Lindsay Duncan.
McKenna Grace encarna a la chiquilla superdotada a la que, además de sus dotes interpretativas, aporta gran parte de su experiencia personal, ésa que le ha llevado a sus escasos once años a acumular nada menos que cuarenta y dos trabajos entre la pequeña y la gran pantalla. Y es que la temática que desarrolla este trabajo se centra en la licitud de secuestrar la niñez de un pequeño por muy prodigiosas capacidades que posea.
Infancias escamoteadas por su propia sangre, talentos explotados para el “beneficio familiar”, como el caso del actor Macaulay Culkin, el del ajedrecista Bobby Fischer y su deriva obsesivo-conspiranóica en su edad adulta o el chaval protagonista de En busca de Bobby Fischer que pretendía emularle, al que la obsesión de su padre, como en tantos casos en que las virtudes del infante se centran en el ámbito del deporte, llevó a la depresión y a odiar aquello que tanto amaba.
A pesar de abordar este espinoso asunto obviando sus aspectos más controvertidos, de manera un tanto naíf, el filme no se arredra a la hora de hablar de la madre que destrozó la adolescencia de su hija y ahora pretende llevar por el mismo camino a su nieta y del hombre que se enfrenta a su progenitora porque no quiere ver a su sobrina pasar el calvario que sufrió su propia hermana. A Webb y al guión se les podrá tachar de poco incisivos, de no pretender bucear en el lado oscuro de una cuestión tan peliaguda, pero es de justicia reconocerles que no dejan de retratar de manera modélica esa dicotomía entre la decisión del tío de la protagonista de proporcionarle una existencia normal, como la de cualquier chica de su edad, y la visión ambiciosa de la abuela con ese “le estás robando la posibilidad de desarrollar todo su potencial”.
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Un don especial
Dirección: Marc Webb
Guión: Tom Flynn
Intérpretes: Chris Evans, McKenna Grace, Lindsay Duncan
Música: Rob Simonsen
Fotografía: Stuart Dryburgh
Montaje: Bill Pankow
Duración: 101 min.
Estados Unidos, 2017
El título puede llevar a equívoco. Al igual que en El último mohicano de James Fenimore Cooper, donde la lectura de la novela o el visionado de su adaptación desvelaba la verdadera razón de ser por la que se nombraba así al relato, la mejor manera de salir de dudas es sumergirse en esta fábula acerca de las, a veces, intrincadas relaciones paternofiliales, e incluso las fraternales, narrada a través de las vivencias y convivencias entre humanos y bestias.
El tono de la historia nos remite de manera absolutamente consciente al cuento; esa ficción que reúne a unos pocos personajes y que de forma sencilla y directa alude tanto al espectador adulto como al niño para culminar, no sin haber dado un ligero requiebro a lo absolutamente evidente, con esa moraleja que reconforta al público y lo manda a casa con una sonrisa en su rostro.
Érase una vez un guardabosques, un cazador, el hijo de éste, enfrentado a su progenitor, y un aguilucho huérfano de padre al que su hermano ha echado del nido al poco de nacer y del que mamá águila se desentiende para dedicarse al que quedó en el hogar. La voz del guardabosques nos acerca a aquel príncipe de la montaña, destronado y abandonado a su suerte, del que el niño, que no pronuncia palabra ante ningún individuo de su especie, se hace cargo por su cuenta y riesgo.
El cordobés Gerardo Olivares, afamado documentalista que firma esta película conjuntamente con el austriaco Otmar Penker, aporta su bagaje filmando la vida salvaje en su hábitat natural obteniendo espectaculares imágenes que nos retrotraen a la fascinación que nos produjo El hombre y la tierra del añorado Félix Rodríguez de la Fuente. El capricho de la distribución cinematográfica ha hecho que la cinta, a pesar de estar rodada con anterioridad, llegue a nuestras pantallas un año después que El faro de las orcas, en la que Olivares pudo desarrollar en profundidad las aristas más afiladas de un argumento que, en el marco de un entorno agreste y extremo, hablaba, al igual que aquí, de la orfandad y de las tragedias que marcan a unos seres que se convierten en compañeros de viaje para ayudarse mutuamente a sanar sus heridas.
Colocando Entrelobos por delante de estas dos, obtenemos una trilogía en la que la relación hombre-animal destaca por encima de todo. Aquella, que se acercaba más a El pequeño salvaje de Truffaut, resultaba mucho más adulta que Hermanos del viento, cuyo referente podríamos hallarlo en la animación de Cómo entrenar a tu dragón. De manera que nos encontramos ante un hermoso trabajo acerca del amor a la naturaleza y a sus criaturas canalizado como terapia y contado con tono amable que, a pesar de los lugares comunes que transita y de la aparente simplicidad, transmite de manera agradable una sensación de interés que puede llevar, acertadamente, a quienes quieran explorar lugares más oscuros y complejos dentro de la misma temática a revisar la excelente El faro de las orcas.
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Hermanos del viento
Dirección: Otmar Penker y Gerardo Olivares
Guión: Joanne Reay, a partir de una idea de Ottmar Penker y Gerald Salmina
Intérpretes: Jean Reno, Manuel Camacho, Tobias Moretti
Fotografía: Óscar Durán y Otmar Penker
Duración: 98 min.
Austria-España, 2015
Mi amor, mi gacela, mi nomeolvides, mi estrella, mi amante, mi Vía Láctea, mi hija, mi madre, mi esposa, mi eterna adolescencia, mi país, mi isla, mi puerta al mar, mi Anna Karenina, mi lámpara de Aladino, mi mujer. La enumeración se prolonga hasta las ciento cuatro imágenes en las que el médico castrense ve reflejada la figura de su mujer. Tres minutos y medio de pasión en la distancia. Ella en la cama de matrimonio a medio ocupar del piso de Lisboa, él ahogado en sudor por el calor tropical de la noche africana. Música in crescendo, latidos que se aceleran, palpitaciones, suspiros, aliento entrecortado. El recuerdo de los versos escritos por el militar muta en poesía recitada por su nostálgica lectora. La distancia se difumina. Nueve mil kilómetros que se evaporan en un encadenado. Dos anhelos se respiran como si compartieran lecho, como si la guerra no se hubiese interpuesto.
El facultativo y soldado responde al nombre de Antonio, alter ego de Lobo Antunes, que en Cartas de la guerra relató epistolarmente su experiencia en el conflicto de liberación colonial de Angola, librado a principios de los 70, de una manera tan cruda como lírica. El literato luso no dejó de saetear a su esposa con palabras que reflejan continuos cambios en un estado de ánimo más y más quebradizo.
Esa maravillosa secuencia anteriormente descrita muestra la singularidad del acercamiento que texto y película realizan a la temática bélica. Buscando una válvula de escape a los horrores inherentes a cualquier enfrentamiento armado, esgrime el amor como medicina para no enloquecer y lograr, gracias a ese trébol de cuatro hojas, el salvoconducto para regresar a casa sano y salvo.
Las arriesgadas elecciones narrativas de Ivo Ferreira podrían haber malogrado el resultado final, sin embargo la osadía del lisboeta ha engrandecido una obra intensa y hermosa en imágenes y palabras. El blanco y negro de la fotografía acompañado por la contrastada iluminación, el juego de luces y sombras a ratos expresionista, la composición de los planos, las caras, los gestos, las siluetas recortadas iluminadas por el fulgor de los relámpagos en medio de una tormenta nocturna; todo como recién salido del objetivo del impactante Sebastiao Salgado. Y en el momento en que la cámara se mueve, suave y elegante en lentas panorámicas o desde las alturas de un helicóptero, el Platoon de Oliver Stone.
Este escrupulosamente cuidado aspecto visual, de una belleza epatante, de nada serviría sin una narrativa coherente y rítmica, jugando fuerte, manteniendo la voz en off durante gran parte del metraje a riesgo de resultar pesada y redundante, como en el Casino de Scorsese, y ganando la apuesta de forma brillante. El toque de distinción, la manera en que las palabras de Lobo Antunes tocan nuestra alma, llega a través de un recurso tan sencillo como efectivo: no es el autor quien relata sus misivas sino la voz de su destinataria, protagonista pasiva, que se estremece al saber que su marido le amará hasta el final de los tiempos.
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Copyright imágenes © Foley Walkers Studio, O Som e a Fúria. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.
Cartas de la guerra
Dirección: Ivo Ferreira
Guión: Ivo Ferreira y Edgar Medina, a partir de la novela homónima de Antonio Lobo Antunes
Intérpretes: Miguel Nunes, Margarida Vila-Nova, Ricardo Pereira
Fotografía: Joao Ribeiro
Montaje: Sandro Aguilar
Duración: 105 min.
Portugal, 2016
Cuando en 2012 se concedió el Príncipe de Asturias a Philip Roth se glosaba el galardón ascendiéndole al olimpo literario estadounidense junto a monstruos como Scott Fitzgerald, Hemingway o Faulkner, cronistas de la realidad que reflejaron en su obra la huella que el siglo XX dejó en la historia de un país sacudido por momentos críticos y resurgido de sus cenizas para volver a sucumbir a la pesadumbre. Ese signo de los tiempos, ese desasosiego, se encuentra presente en el conjunto de la producción de Roth, con su trilogía americana a la cabeza de la que Pastoral americana conforma su primer volumen.
De manera indivisible, los acontecimientos que vertebraron el discurrir de la nación corren parejos a la peripecia vital y sentimental de los protagonistas desde el final de la segunda guerra mundial hasta bien entrados los años 90. La euforia colectiva derivada del triunfo bélico y de la sensación de haber dejado atrás la Gran Depresión se esfumó tras la pérdida de la inocencia de un pueblo capaz de matar a su “padre”, que salió a la calle rebelándose contra un orden establecido que les llevaba a otra guerra y mantenía la segregación racial provocando una espiral de violencia sin precedentes.
En ese caldo de cultivo, el prototipo de perfecta familia americana que coloca Roth en primer plano salta completamente en pedazos. El dibujo es tan arquetípico como para representar las ilusiones y los anhelos de cada hijo de vecino. Seymour Irving Levov, el “Sueco”, encarna el ideal del héroe, deportista destacado que regresa de la guerra para casarse con la reina de la belleza local y criar a su preciosa hija en un extenso rancho a las afueras de Newark. Aunque el espejo en el que todo el mundo querría reflejarse comienza a resquebrajarse cuando se le descubre un ligero tartamudeo a la pequeña.
La valentía y la decisión del escocés Ewan McGregor al escoger un texto con tanto predicamento como su bautismo de fuego en el mundo de la dirección le han permitido salir indemne del trance a pesar de no realizar un filme memorable. Su faceta de intérprete le ha ayudado a manejarse con soltura a ambos lados de la cámara, especialmente a la hora de exprimir cada gota del talento de Jennifer Connelly y Dakota Fanning, absolutamente impactantes como madre e hija.
Dentro del estilo clásico escogido para rodar resulta encomiable la naturalidad con la que fluye el paralelismo constante entre los sucesos históricos, mostrados con metraje documental, y el drama familiar, echando mano de imágenes icónicas como la bandera de las barras y estrellas para reflejar desde el entusiasmo y la efervescencia hasta la crisis de identidad tanto de Estados Unidos como de los propios personajes.
Por desgracia, el síndrome del principiante se manifiesta en tramas susceptibles de ser aligeradas (e incluso suprimidas) que provocan un exceso de metraje. McGregor se atraganta en un tétrico tramo final confirmando que se vuelve a cumplir esa maldición no escrita que dice que de novelas de renombre nunca llegaron grandes películas.
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American Pastoral
Dirección: Ewan McGregor
Guión: John Romano a partir de la novela “Pastoral americana” de Philip Roth
Intérpretes: Ewan McGregor, Jennifer Connelly, Dakota Fanning
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Martin Ruhe
Duración: 108 min.
Estados Unidos, 2016
La muestra más evidente de que alguien posee sentido del humor es la capacidad de autoparodia. Johnny Depp inmortalizó su personaje de Jack Sparrow gracias a su admiración por Keith Richards. Mimetizó su aspecto desaliñado, sus pausados ademanes, sus andares desgarbados, su peculiar forma de ganguear e incluso el maquillaje en sus ojos para resaltar su penetrante mirada. El guitarra de los Rolling no solo no se molestó sino que aceptó gustoso aparecer en una de las películas como el padre del pirata, riéndose de su propio personaje y devolviendo la pelota al tejado de la serie. En Hollywood se cultiva de forma exquisita este arte del chiste privado lleno de sarcasmo, de modo que, como réplica, se han sacado de la chistera a un muy especial tío Jack que no se ha resistido a emular a su colega y “rival”.
De la anécdota tomamos la ironía, la burlona y pendenciera comicidad, efectiva siempre aunque coja sin un buen armazón al que amarrarse. El relato épico se vislumbra ya en el brioso prólogo en el que el hijo de Will Turner concentra todos sus esfuerzos en librar a su progenitor de la maldición que atrapa a su magnífica embarcación en el fondo del mar. El terror emerge con la sucinta y contundente presentación de uno de los villanos más crueles y sanguinarios de la saga: el capitán Salazar, un marino español consagrado a hacer desaparecer del mapa a cuantos filibusteros le saliesen al paso como venganza por el asesinato de su padre. Javier Bardem le pone rostro y voz, aportando morcillas en castellano (en la versión original) que llegan a homenajear al Jamón, jamón de su querido Bigas Luna.
Provocado el terremoto, a partir de ahí, como decía Cecil B. DeMille, hacia arriba. La espectacularidad de unas secuencias de acción fantásticamente concebidas aportan crédito a la pareja de directores noruegos, Rønning y Sandberg, que venían de rodar la hazaña transoceánica de Thor Heryedal en Kon Tiki y terminan por ganarse a la audiencia gracias a un guiño al más grande creador de efectos especiales: Ray Harryhausen, el artista que nos subyugó utilizando su ingenio ajeno a la informática en Jason y los Argonautas.
El toque de distinción lo aporta un guión inteligente que, además de contener pequeñas perlas como el origen del protagonista y su nombre, sabe hilar una trama en la que la aventura como telón de fondo deja paso a las gotas de emotividad necesarias para contar la historia de un hijo que quiere salvar a su padre y una hija que busca denodadamente al suyo. Un maravilloso personaje el de esta astróloga a la que la estrechez de miras de la época tacha de bruja.
Diversión, entretenimiento, grandiosidad, sin escatimar un toque de emoción, ingredientes todos ellos que sitúan a esta quinta entrega muy por encima de anteriores episodios que no hacían sino languidecer progresivamente al tiempo que parecían cerrar en falso una franquicia que hubiese alcanzado aquí su final perfecto de no ser por una escena post créditos que promete nuevas correrías.
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Copyright imágenes © Walt Disney Pictures, Jerry Bruckheimer Films, Infinitum Nihil. Cortesía de Walt Disney Studios Motion Picture Spain. Reservados todos los derechos.
Piratas del Caribe: La venganza de Salazar
Dirección: Joachim Rønning y Espen Sandberg
Guión: Jeff Nathanson
Intérpretes: Johnny Depp, Javier Bardem, Geoffrey Rush
Música: Geoff Zanelli
Fotografía: Paul Cameron
Duración: 129 min.
Estados Unidos, 2017
El momento culminante de la carrera del cineasta británico John Madden se produjo en marzo de 1999. Shakespeare in love, filme ingenioso pero pequeñito que elucubraba sobre la inspiración del bardo de Stratford-upon-avon para idear su mítica Romeo y Julieta, triunfaba inesperadamente en la ceremonia de los Óscar y se hacía con siete estatuillas. Meses antes nadie daba un centavo por una cinta que venía del Reino Unido y tenía que vérselas con auténticos pesos pesados como Salvar al soldado Ryan. Spielberg arrebató el reconocimiento en la categoría de dirección a Madden, pero la mejor película de la noche, contra todo pronóstico, fue la protagonizada por Gwyneth Paltrow.
¿Quiénes fueron los “culpables” de este inesperado desenlace? Los hermanos Weinstein conocidos en Hollywood por ser capaces de orientar las intenciones y sobre todo los votos necesarios para dar un vuelco a las apuestas y conseguir que las películas auspiciadas bajo sus alas logren una magnífica cosecha que nadie hubiese vaticinado en el albor de la temporada de premios. Una carrera que comienza en septiembre, punto de partida del trabajo de estos especialistas en crear una corriente de opinión para subyugar y conseguir el plácet y la papeleta de los miembros de la Academia.
Resulta llamativo que casi veinte años más tarde Madden, que tras aquel éxito ha labrado una carrera irregular con más luces que sombras como las recientes La deuda y El exótico hotel Marigold, se adentre en ese mundo tan extendido en Estados Unidos de los grupos de presión para diseccionar las prácticas opacas de aquellos empresarios que, coqueteando con las líneas rojas de la legalidad, pretenden manejar los hilos de la política a su antojo en aras de su beneficio económico. Corruptores, corruptos y, como intermediarios, los “conseguidores” de esos favores. Una terminología y una lectura de la trama que tristemente nos resultará, además de tremendamente interesante y absolutamente pegada a la actualidad, escandalosamente familiar.
El magnetismo y el inmenso talento de Jessica Chastain vuelve a surgir a la hora de construir un personaje duro, inaccesible, independiente como la militar de La noche más oscura, al que añade las capas de la frialdad, la ambición y el cálculo para, de nuevo, sobrevivir y triunfar en un mundo eminentemente masculino, teniendo que ocultar y sobreponerse a determinados puntos débiles que la poderosa intérprete transmite como rasgos de pasajera fragilidad.
La motivación de su Elizabeth Sloane no es otra que la de conseguir batir a su ex bufete, poco le importa que por una vez en su carrera esté consiguiendo sufragios por una causa noble, y no le altera lo más mínimo el coste que esa victoria pueda suponer para ella personalmente y para su futuro profesional. La elocuencia de esa imagen inicial en la que la pelirroja actriz mira, en primer plano, directamente a los ojos del público y recita los mandamientos del buen manipulador de voluntades capitolinas pone en el punto de mira desde el segundo uno la corrupción como tema a desarrollar por este vibrante thriller judicial y político.
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Copyright imágenes © Transfilm, Archery Pictures, Canal + Distribution, Ciné +, FilmNation Entertainment, France 2 Cinéma. Cortesía de eOne Films Spain. Reservados todos los derechos.
El caso Sloane
Dirección: John Madden
Guión: Jonathan Perera
Intérpretes; Jessica Chastain, Michael Stuhlbarg, Gugu Mbatha-Raw
Música: Max Richter
Fotografía: Sebastian Blenkov
Duración: 132 min.
Estados Unidos, 2016
¡Viva Zapata! 