Una de las máximas de Alfred Hitchcock, al que tanto deben cineastas como Alejandro Amenábar, era que en momentos de duda creativa había que volver al terreno conocido; “run for cover” espetaba el orondo maestro del suspense a un incisivo François Truffaut que lo saeteaba a preguntas para su magnífico libro “El cine según Hitchcock”. El director de Ágora, tras el fiasco comercial de la cinta que le llevó a seis años de silencio fílmico, ha querido regresar sobre sus pasos al género que tantas alegrías le proporcionó en el pasado gracias a títulos como Los otros, Abre los ojos o Tesis, a esas temáticas que partiendo del misterio se adentraban en el terreno del terror. De esta manera rinde pleitesía al director de Vértigo por partida doble, ya que su particular modo de ver el cine siempre ha sido un referente en la obra de Amenábar.
En esta ocasión los ropajes del policiaco ponen el telón de fondo a una trama cuyo punto de partida se sitúa en 1990, en un pueblecito de la América profunda, donde acaban de detener a un hombre acusado de haber abusado de su hija, a pesar de que él alega no recordar nada de lo sucedido. El detective encargado de la investigación (Ethan Hawke), con ayuda de un psicólogo (David Thewlis), intenta profundizar en lo que parece algo más de lo que las apariencias indican.
El tono de la narración casa con un acabado visual que recuerda por momentos a Seven, gracias a los matices oscuros, incluso en los planos más luminosos, de una fotografía muy contrastada, aunque la sobriedad y la desnudez formal del cine de los 70, de trabajos como La conversación o Todos los hombres del presidente, y el terror psicológico de La semilla del diablo sobrevuelen constantemente la concepción estética de la película.
Hawke, Thewlis y una Emma Watson, que progresa adecuadamente y demuestra, tras la fascinante Las ventajas de ser un marginado, que ya ha dejado atrás, definitivamente, a la Hermione de Harry Potter, forman el sólido triángulo sobre el que se sustenta una trama a la se podría achacar cierta previsibilidad. A pesar de ello, Amenábar consigue crear una atmósfera en la que introducir con facilidad al espectador para conseguir llevarle, sin altibajos rítmicos, de la mano, por el intrincado camino que sigue el protagonista. Juega constante e inteligentemente con lo que el aspecto de los intérpretes puede transmitir de la personalidad de sus personajes y acierta de pleno al no tratar de dar excesivas vueltas de tuerca a una historia que podía prestarse a ello.
El regusto agradable que nos queda cuando comienzan a aparecer los créditos finales es consecuencia directa de la decisión de dejar de lado los fuegos artificiales y la doble pirueta con la que finalizaban sus guiones en otras ocasiones. Esa manera de desmitificar de alguna manera ciertos dogmas del cine de terror y esa placidez anticlimática que tanto parece haber molestado a algunos, es lo que a otros nos parece que dota de singularidad a esta notable obra de género.
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Regresión
Dirección y guión: Alejandro Amenábar
Intérpretes: Ethan Hawke, Emma Watson, David Thewlis
Música: Roque Baños
Fotografía: Daniel Aranyó
Duración: 106 min.
España, Canadá 2015
El sonido penetrante de la pertinaz lluvia taladra nuestros oídos mientras la pantalla permanece oscura. Una señal de tráfico, un ramo de vistosas flores amarradas al poste con un cordel. Entra la música que envuelve todo de una sensación de misterio. Una mujer de espaldas, Lourdes, sostiene un paraguas. Una anciana sentada, Tere, en la oscuridad de su habitación. Ane, desde su asiento del autobús, observa al otro lado del cristal por el que resbalan las gotas. Un coche accidentado con las luces encendidas descansa ya, pegado al quitamiedos. Cruzando la bruma, una oveja se aleja paulatinamente carretera arriba. Una grúa, entre las nubes, contempla el paisaje desde las alturas.
De esta forma tan críptica e hipnótica queda prologada Loreak. El comienzo de la historia se produce justo después de manera bastante más convencional. Ane, a la que hemos visto anteriormente, comienza a recibir jueves tras jueves un ramo de flores en su domicilio, con el consiguiente mosqueo de su marido que nada tiene que ver con los envíos. Como en la canción de Cecilia el interrogante queda planteado.
En ese momento la duda nos invade, y no por querer saber a toda costa la identidad del secreto admirador. Comienza a atormentarnos la sensación de estar viendo un cortometraje construido a partir de una anécdota más bien tonta y trillada. Será el guión el que poco a poco vaya desterrando esa inquietud ganando solidez, sorprendiéndonos gracias a detalles y giros que no dejarán de subyugarnos a través del misterio que se esconde tras esas flores que van pasando de un personaje a otro, consiguiendo trascender de manera muy efectiva de una aparente sencillez argumental inicial, con un tono ingenuo, casi naif, para convertirse en una trama apasionante.
José Mari Goenaga y Jon Garaño se han apoyado, además de en su estupendo libreto, en tres maravillosas actrices, Itziar Aizpuru, Nagore Aranburu e Itziar Ituño, para desarrollar la magia de esta singular historia que habla de sentimientos, de relaciones humanas, de temas tan cercanos como universales como la incomunicación o la incapacidad de expresar sentimientos a través de las palabras, para lo que ellos se valen de la metáfora visual hábil y elegantemente utilizada y sus personajes de las flores del título, que funcionarán como elemento catalizador y vertebrador de sus comportamientos y reacciones. Recibimos de forma especialmente intensa el impacto que nos produce la lúcida reflexión sobre el recuerdo y el olvido que sobrevuela el relato y en su conclusión nos arranca unas lágrimas de emoción contenida.
Goenaga y Garaño han conseguido a través de la letra, pero también gracias a la luz y el encuadre y a las maravillosas notas surgidas del talento del compositor francés Pascal Gaigne, engarzar las vidas de estas tres mujeres construyendo un hermoso ramillete que va a terminar por conmovernos profundamente. Y eso que solo se trataba de flores. Simples flores.
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Loreak
Dirección: Jon Garaño y José Mari Goenaga
Guión: Jon Garaño, José Mari Goenaga y Aitor Arregi
Intérpretes: Itziar Aizpuru, Nagore Aranburu, Itziar Ituño
Música: Pascal Gaigne
Fotografía: Javier Agirre
Montaje: Raúl López
Duración: 99 min.
España, 2014
Loreak, la película de Jon Garaño y José Mari Goenaga que tan agradablemente nos sorprendio en el Festival de San Sebastián de 2014, acaba de ser seleccionada por la Academia de Cine para representar a España en la 88ª edición de una gala que se celebrará en febrero de 2016. Ha dejado atrás a Felices 140 y a otro filme que nos sorprendió positivamente, Magical girl.
La Academia además de elegir a una fantástica película ha adoptado la decisión lógica. De entre las tres era la que aunaba más calidad, pero sobre todo, la que más se podía acercar al gusto de unos académicos (los de Hollywood que votan a las películas en lengua extranjera) más bien entrados en años a los que el trabajo de Caelos Vermut podría haber echado para atrás.
Mucha suerte para Loreak, creemos firmemente que se puede colar entre las cinco cintas finalistas de este año. Para celebrarlo volvemos a colgar la crítica de la película.
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La luz de la pantalla refleja la imagen de una anciana tumbada en la cama, con los ojos abiertos, pensativa. Una escena que podría parecer apacible de no ser por el lamento del violín que llora llenando el vacío sonoro que deja el silencio de la habitación y que presagia el puñetazo en el estómago que vamos a recibir en breves instantes. Como único acompañamiento al instrumento de cuerda el rítmico tictac del reloj de mesilla que marca las ocho de la mañana. Se trata de un despertador de esos de los de toda la vida, con números árabes en la esfera, pero los veremos de números romanos, sin números, digitales, modernos, tradicionales, de pared, de cocina, de sobremesa; de todas las formas, modelos y colores y todos rasgarán el atronador silencio con ese soniquete que subraya la inexorable marcha de cada segundo que se va para siempre. Todos marcan el final de un plazo, el que se ha impuesto esta mujer, enferma de una dolencia degenerativa e incurable como la ELA (esclerosis lateral amiotrófica), que ha decidido poner fin a su vida con la ayuda de su marido, médico de familia jubilado. Antes, a modo de despedida, ha convocado a su familia, para pasar ese último fin de semana juntos. De esta forma tan poética y visual nos anuncia Bille August, el director danés que estaba llamado a suceder a Ingmar Bergman y que arrebató el Óscar a Mujeres al borde de un ataque de nervios en 1989 con Pelle el conquistador, la inmediatez de ese momento crucial.
Ante todo esta es una película donde tres mujeres, una madre y dos hijas, las magníficas Ghita Nørby, Paprika Steen (Concha de Plata en San Sebastián 2014) y Danica Curcic, confrontan sus sufrimientos, sus sentimientos encontrados ante una decisión tan drástica como profundamente meditada. Una narración perfecta que en lo visual combina la belleza neblinosa de los paisajes con los claustrofóbicos interiores y en lo textual articula un relato de ocho personajes en el que cada uno tiene su peso en una historia en la que no sobra absolutamente nada.
Muchos podrán encontrar cierto parecido argumental entre este filme y Amor, del austriaco Michael Haneke. Para este que escribe, por más que sostener esta opinión pueda suponer una tremenda herejía, el trabajo de August vuela muy por encima de una obra que se recreaba en el dolor de forma gratuita y excesiva.
La profundidad dramática de esta historia que, a pesar de su crudeza, reflexiona y hace reflexionar al espectador sobre el paso del tiempo, la fragilidad de la vida, de la existencia, sobre la llegada de la muerte y cómo prepararse para ella, sobre todo si tiene una fecha establecida, ahonda mucho más y con infinita sensibilidad en la naturaleza humana que la película de Haneke. De aquella uno salió en estado de shock, casi agredido, mientras que Corazón silencioso te deja profundamente conmovido, emocionado a pesar de la dureza de lo que te están transmitiendo.
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Corazón silencioso
Dirección: Bille August
Guión: Christian Thorpe
Intérpretes: Ghita Nørby, Morten Grunwald, Paprika Steen
Fotografía: Dirk Brüel
Música: Anette Focks
Duración: 97 min.
Dinamarca, 2014
En homenaje a Paprika Steen, presidenta del jurado de la Sección Oficial del recientemente acabado Festival de San Sebastián publicamos la crítica de la película que le dio la Concha de Plata a la mejor actriz y que se estrenó hace unas fechas en España. Se trata de Corazón Silencioso de Bille August.
En breve tendréis aquí la crítica de El desconocido, la sorprendente ópera prima de Dani de la Torre y la de B, la película, el interrogatorio de Bárcenas en el cine.
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EL PALMARÉS
El jurado de este 2015, presidido por la actriz danesa Paprika Steen, ganadora el pasado año de la Concha de Plata por su interpretación en Silent Heart, y compuesto por Luciano Tovoli, Hernán Musalippi, Daniel Monzón, Uberto Pasolini, Julie Salvador y Nandita Das, ha decidido repartir los premios agraciando con ellos a gran número de filmes, en lugar de concentrar varios en uno solo como ocurrió el año pasado con Magical girl.
Federico Veiroj, El apóstata – Foto: Manu Zapata
La Mención Especial del Jurado a El apóstata nos ha parecido acertada, porque, a pesar de ser un trabajo minoritario, su especial sentido del humor y de la cinefilia nos supo seducir. La cinta francesa Evolution es la única que ha triunfado en dos categorías, el Premio a la Mejor Fotografía y el Especial del Jurado, que la coloca en el segundo cajón del pódium. Se ha recibido con abucheos y aplausos a partes iguales. A este que escribe le llegó esa inquietante historia, que cuenta con el referente de Quién puede matar a un niño, en la que las madres y las enfermeras no son lo que parecen.
Hermanos LArrieu, 21 noches con Pattie – Foto: Manu Zapata
Los hermanos Larrieu, directores y guionistas de 21 noches con Pattie, han de agradecer el galardón al mejor guión a la maravillosa Karin Viard, que interpreta como nadie a la mujer del título, escandalosamente desinhibida en lo que a narrar de forma literaria y barroca sus encuentros sexuales se refiere. El resto del libreto no se encuentra a la altura de estos momentos sublimes de carcajada continua.
Ricardo Darín y Javier Cámara, Truman – Foto: Manu Zapata
Yordanka Ariosa, El rey de la habana – Foto: Manu Zapata
El apartado interpretativo ha confirmado una certeza, que Ricardo Darín y Javier Cámara han sido los dos mejores de este Zinemaldia. Su premio ex aequo hace justicia a una notable película como Truman. No se puede decir lo mismo de Yordanka Ariosa que, sin quitar mérito a su difícil papel en El rey de La Habana, se encuentra lejos de la antes nombrada Karin Viard y, sobre todo, de la pareja formada por Julianne Moore y Ellen Page, que nos emocionaron profundamente en Freeheld.
Joachim Lafosse por Les chevaliers blancs – Foto: Manu Zapata
Equipo de Sparrows, dirigida por Rúnar Rúnarsson – Foto: Manu Zapata
Premiar la dirección de Les chevaliers blancs, sinceramente, parece una tomadura de pelo. Un trabajo que, a pesar de la potencia del tema que aborda, las irregularidades de las ONG que ayudan a huérfanos de guerra, se pierde al tratar de llegar al meollo de la cuestión y no sabe atrapar al espectador. En todos los sentidos se encuentra a años luz de Un día perfecto. En cuanto a la Concha de Oro, ha sido algo inesperado que Steen haya pronunciado el título de la islandesa Sparrows, aunque volviendo la vista atrás, recordamos una cinta sólida, una historia dura, sin concesiones, bien narrada e interpretada a la que tan solo podíamos achacar cierta frialdad. ¿Cierta camaradería entre colegas del norte?
Santiago Mitre, Paulina – Foto: Manu Zapata
En los apartados paralelos la argentina Paulina de Santiago Mitre ha dado la campanada alzándose con el Premio Horizontes Latinos (ante una durísima competencia), con el de la Juventud y el Otra Mirada, que concede TVE a las obras más destacadas de temática femenina. Le nouveau, ganadora del Premio Nuevos Directores, dará mucho que hablar en el futuro. Por último, Amama, la cinta de Asier Altuna rodada en euskera, ha recibido el Premio Irizar al Cine Vasco.
Amama – Foto: Manu Zapata
En el negociado de los olvidos de la Sección Oficial encontramos a la perturbadora Les démons, con la que disfrutamos tremendamente, a Freeheld, una historia intensa y dos grandes interpretaciones, aunque falta de un poco más de empaque cinematográfico, que, afortunadamente, no pasó desapercibida para el jurado del Sebastiane, el premio LGTB del Festival, y a una cinta de dibujos animados japonesa, El niño y la bestia, que hubiese sido la rara avis del palmarés.
Sección oficial
– Concha de Oro: Sparrows de Rúnar Rúnarsson.
– Premio especial del jurado: Evolution, de Lucile Hadzihalilovic.
– Mejor dirección: Joachim Lafosse por Les chevaliers blancs.
– Concha de Plata al mejor actor: Ricardo Darín y Javier Cámara por Truman.
– Concha de Plata a la mejor actriz: Yordanka Ariosa por El rey de La Habana.
– Mejor guión: Arnaud y Jean-Marie Larrieu por 21 noches con Pattie.
– Mejor dirección de fotografía: Manu Dacosse, por Evolution.
– Mención especial del jurado: El apóstata, de Federico Veiroj.
Premios paralelos
– Nuevos directores: Le nouveau, de Rudi Rosenberg. Menciones especiales: Drifters, de Peter Grönlund y Vida sexual de las plantas, de Sebastián Brahm.
– Horizontes latinos: Paulina (La patota), de Santiago Mitre. Mención especial: Te prometo anarquía, de Julio Hernández Cordón y Luis Silva, por Desde allá.
– Premio del público: Nuestra hermana pequeña, de Hirokazu Kore-eda. Mejor película europea: Mountains may depart, de Jia Zhangke.
– Premio Cine en construcción: Era o Hotel Cambridge, de Eliane Caffé.
– Premio Irizar al cine vasco: Amama de Asier Altuna. Mención especial: Irene Escolar, por Un otoño sin Berlín.
– Premio de la juventud: Paulina (La patota) , de Santiago Mitre.
– Premio Tokyo Gohan Film Festival: Noma, my perfect storm, de Pierre Deschamps.
– Premio FIPRESCI: El Apóstata de, Federico Vieroj.
– II Premio Feroz Zinemaldia: Truman, de Cesc Gay.
– Premio SIGNIS: Moira, de Levan Tutberdize. Mención especial: Amama, de Asier Altuna.
– Premio cooperación española: La tierra y la sombra, de César Augusto Acevedo.
– Premio de la Asociación de donantes de sangre de Gipuzcoa, a la solidaridad:Freeheld, de Peter Sollett.
– Premio Sebastiane: Freeheld, de Peter Sollett.
– Premio TVE. Otra mirada: Paulina (La Patota), de Santiago Mitre.
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SECCIÓN OFICIAL
LONDON ROAD
Esta película supone la lógica culminación de una Sección Oficial un tanto irregular y que ha apostado por lo experimental con desigual resultado. Se trata de un musical sobre asesinatos en el que aparece Tom Hardy. No se me ocurre una mejor manera de explicar la trama de este filme en el que las canciones surgen de la transcripción real de las grabaciones realizadas a los vecinos de este barrio de Londres en el que fueron asesinadas cinco prostitutas. Salvo un par de números musicales que funcionan bien el resto de la película decae por momentos para convertirse en un despropósito. Cómo echamos de menos en estos momentos clausuras como la de Intocable.
LO QUE DEBERÍA PASAR VERSUS LO QUE PUEDE PASAR ESTA NOCHE
Esta ha sido una edición del Zinemaldia muy irregular en cuanto a lo que se refiere a las películas de la Sección Oficial. 17 películas a concurso y 5 fuera de él. Como hemos comentado antes se ha apostado por un cine más experimental y de sensaciones y eso ha tenido agradables sorpresas, pero también sonoros y escandalosos fracasos, los más por desgracia. Dando un paseo por las diferentes secciones del palmarés los premios podrían quedar (o no) de la siguiente manera.
Les démons
En cuanto a la Concha de Oro nosotros se la daríamos a la perturbadora Les Démons o en su defecto, le otorgaríamos el premio al mejor director a su responsable, Philippe Lesage. También nos haría especial ilusión que resultase triunfadora la cinta de dibujos animados El niño y la bestia.Lo que vaya a hacer el jurado es toda una incógnita, podría decantarse por lo exótico, como la fallida película china Back to the north o por lo autóctono, Amama, que por desgracia se encuentra a años luz de Loreak, que tanto nos entusiasmó y que deseamos fervientemente que sea la elegida para ir a los Óscar (la solución el próximo martes). Si optan por algo más convencional Truman de Cesc Gay sería una elección lógica. Otra opción por el riesgo sería la excesiva High Rise, aunque tal vez tenga más chance en la elección del mejor director, Ben Wheatley, al que, en el otro extremo, el del clasicismo, podría unírsele un ilustre, Terence Davis con su Sunset song.
High Rise
En el apartado interpretativo la cosa está bastante clara. Ricardo Darín es un claro contendiente, por delante de su compañero Javier Cámara. Tom Hiddleston podría ser el outsider. En la categoría femenina bien podría, de forma muy merecida, concederse una Concha de Plata ex aequo a Julianne Moore y Ellen Page por sus emocionantes trabajos en Freeheld. La otra opción sería decantarse por la comedia y por la explosiva aparición de Karin Viard en 21 noches con Pattie.
Freeheld
El guión premiado podría ser perfectamente el de Cesc Gay para Truman. Y en el apartado de fotografía la paleta iría desde los colores vivos de Sunset Song al blanco y negro de Back to the north, pasando por los tonos contrastados y el uso de la luz en Eva no duerme.
Sunset Song
PREMIO FEROZ ZINEMALDIA
Cartel de Truman – Foto: Manu Zapata
Esta mañana se ha entregado el Premio Feroz Zinemaldia, concedido por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España, a la mejor película de la Sección Oficial a criterio de la prensa. La agraciada ha sido Truman, la película de Cesc Gay que nos gustó, sin llegar a entusiasmarnos. Personalmente nos habríamos decantado por otro título, pero una decisión tomada de manera democrática siempre es plausible. Esperemos que el año próximo acabe la previsibilidad de un premio que en las dos ocasiones que se ha concedido tenía sendos ganadores cantados desde antes de comenzar el Festival. Una radiante Inma Cuesta, protagonista de La novia, segunda película de Paula Ortiz, una de los trabajos que más han sorprendido en el Zinemaldia, ha sido la encargada de hacer la entrega del premio.
Inma Cuesta – Foto: Manu Zapata
Marta Esteban, productora de Truman – Foto: Manu Zapata
Precisamente, momentos antes posaba el equipo completo para la prensa. Aquí os dejamos los mejores momentos de la presentación de una película que va a dar mucho que hablar en todos los premios que vienen a partir de ahora, incluidos los Goya, y que es, desde ya, candidata para representar al cine español en los Óscar de 2017. Aquí tenemos a los tres protagonistas, Inma Cuesta, como la novia, Asier Etxeandia, como el novio, y Alex García, como Leonardo, acompañados por la directora Paula Ortiz.
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PREMIO DONOSTIA 2015 – EMILY WATSON
«No he planificado las películas que he hecho. En ese sentido soy como una gitana, mi carrera ha sido guiada por el viento.» De esta escueta y poética manera comenzaba su intervención Emily Watson en la rueda de prensa que ha precedido a la entrega esta noche del premio Donostia.
La protagonista de Rompiendo las olas o The boxer ha repasado toda una filmografía, en la que, a pesar de considerarse joven para un premio como este, ha trabajado con grandes del cine como Robert Altman, Lars Von Trier, Jim Sheridan, Paul Thomas Anderson, Alan Parker, Tim Burton o Steven Spielberg. Sus trabajos más reconocidos han sido el citado anteriormente, Rompiendo las olas, y el que interpretó el drama Hilary and Jackie, que le reportaron sendas nominaciones a los Óscar.
Nunca se planteó dirigir una película, «para mí», ha dicho, «dirigir una película es mucho más complicado que criar un hijo». Su último trabajo en cine lo podemos disfrutar desde la semana pasada, es la cinta Everest, que protagonizó un curioso incidente en un cine madrileño donde cayó un falso techo al patio de butacas durante su proyección sin consecuencias de ningún tipo. Caballerosa, ha pedido disculpas por el infausto suceso. Ya ha podido demostrar su simpatía acercándose a firmar autógrafos y aceptando fotografiarse con los aficionados que se lo han pedido en la sesión que ha tenido lugar en el Aquarium.
La actriz londinense ha terminado la rueda de prensa comentando futuros proyectos como uan adaptación para la televisión británica de la obra de teatro The dresser en la que la que se va a rodear de grandes de la interpretación británica como Ian McKellen y Anthony Hopkins.
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SECCIÓN OFICIAL
LES DÉMONS
El equipo de Les Démons – Foto: Manu Zapata
Los tres intérpretes de Les Démons – Foto: Manu Zapata
Edouard Tremblay-Grenier, protagonista de Les Démons – Foto: Manu Zapata
El filme más interesante y el que más nos ha enganchado de Sección Oficial se ha hecho esperar hasta el último día de proyecciones a concurso. Se trata de una exploración de los demonios infantiles, la mayor parte imaginarios, y de enfrentarlos con los reales y tangibles, por muy crueles que estos sean. El director Philippe Lesage a través de la utilización de planos secuencia y un uso muy particular de la música es capaz de crear una atmósfera perturbadora en la que el espectador se imbuye. La película es capaz de sugerir para que el espectador recoja esas semillas, pero también deja tiempo para que se reflexione a medida que se están recibiendo esos estímulos. Nos encontramos ante un filme de sensaciones. Una obra que por momentos bien podría ser calificada de cronenbergiana. Gran trabajo de todos los actores, sobre todo el del niño protagonista Edouard Tremblay-Grenier. No se trata de una película para todo el mundo, pero el que conecte con ella disfrutará enormemente. Debería estar en el palmarés.
Aquí está la rueda de prensa de la película, con pregunta incluida de quien os escribe, en torno al minuto 7 y 25 segundos.
UN DÍA PERFECTO PARA VOLAR
Recha ha traído un largo a San Sebastián que como mucho podría haber dado para un cortometraje y gracias. 70 minutos de Sergi López contando cuentos e historietas con los mismos personajes a Roc Recha (hijo del propio director) se hacen larguísimos. Y el giro final shyamalanesco completa el despropósito. Larga, a pesar de su corta duración, y aburrida.
NO ESTAMOS SOLOS (Fuera de concurso)
Interesante este documental producido, entre otros, por José Miguel Monzón, el Gran Wyoming, que recoge la labor de los distintos movimientos sociales y ciudadanos y las acciones que han ido llevando a cabo ante la gestión que se está haciendo de la crisis económica. Se van alternando distintas iniciativas a lo largo y ancho de España, en lugares como Madrid, Barcelona, Sevilla, Valencia o Gijón. Lo más imaginativo, la original protesta que se realizó en el Parlamento de Andalucía.
PERLAS
EL CLAN
Un habitual de Donosti como Pablo Trapero tenía que acercar aquí su último trabajo premiado con el León de Plata a la mejor dirección en el recién acabado Festival de Venecia. El argentino retrata desde dentro a la familia Puccio, que se dedicó a secuestrar personas y pedir rescate por ellas más allá del final de la dictadura. La cotidianidad con la que queda reflejado en pantalla hiela la sangre. Se trata de un sólido trabajo que bebe de las fuentes de Uno de los nuestros. La magnífica utilización de los planos secuencia por parte de Trapero le emparenta doblemente con Scorsese. Y la interpretación de Guillermo Francella como el patriarca de la familia es espectacular, teniendo en cuenta que estamos acostumbrados a verle en papeles cómicos como el que realizaba en El secreto de sus ojos. Tal vez le pueda caer una nominación en los próximos Goya porque la película está coproducida por El deseo, la compañía de los hermanos Almodóvar.
BLACK MASS
Sólido retrato del ascenso al estatus de capo de la mafía de Boston de Jimmy «Whitey» Bulger durante los años 70 y 80 del siglo pasado, con un Johnny Depp que nos deja de nuevo sin palabras para alabar su comedida y brillante encarnación del ínclito protagonista. Lo mejor sin duda la distinta concepción visual de cada uno de los asesinatos que se suceden en la cinta y que hielan la sangre en más de una ocasión. El ramillete de actores que completan el elenco forman parte de lo más granado del Hollywood actual, nombres como el de Kevin Bacon o Benedict Cumberbatch o Peter Sarsgaard. Se trata de un retrato crudo y sin concesiones, pero al que le falta un empujón para ser la gran obra que podría haber sido. Aún así, notable trabajo de Scott Cooper.
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SECCIÓN OFICIAL
FREEHELD
Peter Sollet (director) y Ellen Page de Freeheld – Foto: Manu Zapata
Ellen Page de Freeheld – Foto: Manu Zapata
Nos encontramos ante el filme más redondo de lo que llevamos de Sección Oficial, el único pero que se le puede poner radica en una concepción en cuanto a realización más de película para televisión que de cine propiamente dicho. Salvando este escollo, la temática, basada en un hecho real, es potente y engancha (la lucha de una policía lesbiana porque le sean reconocidos los derechos que le corresponden a su pareja en caso de que ella falleciese), la pareja de actrices protagonistas están sublimes ambas, Ellen Page, que además produce la cinta, y Julianne Moore, tanto es así que podrían recibir ex aquo la Concha de Plata a la mejor interpretación femenina. El resto del reparto raya a gran altura, Steve Carell sirve de contrapunto a la intensa parte dramática y a su vez su histrionismo exacerbado se ha contrapesado con la intervención de otro grande del cine independiente, Michael Shannon. El ritmo del relato es el exacto y preciso, y tanto director como guionista han sabido no sucumbir al tono efectista de otros trabajos similares y han guardado una línea sutil que otorga gran credibilidad a lo que se está viendo y que ayuda a que la potente trama cale en el espectador. Para guinda, la música de Hans Zimmer, en un tono suave, casi minimalista, utilizada solamente para subrayar ciertos momentos clave, esos que emocionan al público y le hacen salir de la sala con el corazón en un puño.
LOS CABALLEROS BLANCOS
Basada en un hecho real, trata de denunciar las oscuras maneras de actuar, tanto burocraticamente, como sobre el terreno, de determinadas ONG que se ocupan de huérfanos de guerra en África, y a los que llevan a Europa para ser adoptados. La corrupción se encuentra instalada en todos los escalones del proceso, desde el más bajo, incluyendo a los jefes de los poblados, a los que prácticamente les compran los niños, hasta las más altas instancias. La lástima es que de un tema tan potente e interesante se haya construido una película que, es verdad, se deja ver, pero que da vueltas y vueltas sobre la misma tesis relacionada con la moralidad de lo que se está haciendo con esos niños, para terminar siendo redundante. Se encuentra muy lejos de otro trabajo mucho más clarividente en cuanto al tratamiento de este tipo de temáticas, Un día perfecto.
LEJOS DEL MAR (Fuera de concurso)
Se trata esta de una película muy arriesgada en su planteamiento, que bordea la línea de la verosimilitud, y que, por desgracia tiene varios momentos realmente desafortunados protagonizados por el personaje de José Luis García Pérez. Al contrario de quien ha vilipendiado la cinta, yo prefiero quedarme con lo que aporta, que es mucho, a una temática tan controvertida como la que aborda, desde el punto de vista de la ficción. Imanol Uribe vuelve de alguna manera al terreno de Días Contados, película con la que Lejos del mar guarda varios paralelismos. Eduard Fernández y Elena Anaya hacen dos buenas interpretaciones de dos personajes muy complicados psicológicamente hablando.
REGRESO AL NORTE
Luo Xiaoyi, actriz protagonista de Regreso al norte – Foto: Manu Zapata
La presencia china en la Sección Oficial. Poesía de postal. Excesivamente contemplativa. Morosa, lenta, se recrea en hermosos planos interminables que prolongan la duración de la película y llevan a la exasperación. Narra la historia de una joven china gravemente enferma que, tras perder su trabajo, convence a sus padres separados para que se reúnan de nuevo y tengan un hermano que pueda cuidar de ellos cuando ella no esté. Rodada en blanco y negro lo más destacado son sus elegantes encuadres y su cuidada fotografía (el premio de esta especialidad lo tiene prácticamente en el bolsillo). La presencia constante de la misma canción una y otra vez provoca una insana irritabilidad. Ahora bien, a pesar de todo lo dicho, y en contra de la opinión de quien escribe, tiene todos los ingredientes para convertirse en la película exótica que se lleva la Concha de Oro.
PERLAS
MOUNTAINS MAY DEPART
El cine de Jia Zhang-ke nunca a acabado por seducirnos. En esta desigual película, un inicio prometedor se va diluyendo a medida que la estructura del filme se va desequilibrando. Lo mejor, el retrato del nuevo capitalismo chino y la corrupción inherente al mismo a finales del siglo XX y principios de este XXI.
ZABALTEGI
LA NOVIA
De lo mejorcito que hemos visto en este Zinemaldia. Se trata de una adaptación de Bodas de Sangre de Federico García Lorca. La pasión arrebatada de las palabras del poeta se mezclan con la voluptuosidad de una Inma Cuesta sublime, en un papel que va a competir con el de Penélope Cruz en Ma ma para llevarse a casa el próximo Goya. Los textos prácticamente tomados de forma literal mezclados con un tratamiento de la imagen muy cuidado, gracias al director de fotografía Miguel Ángel Amoedo, y la música, todas las canciones, incluída una versión de Take this Waltz de Leonard Coen, basada en un poema de Lorca, conforman un conjunto insuperable al que ha dado forma la directora, Paula Ortiz. Cine que entra por los ojos y por los oídos. Mucho cine y buen cine. Ojo con ella en los próximos Goya.
ENCUENTRO CON PACO PLAZA
Ayer por la noche nos encontramos con Paco Plaza a la salida de la proyección de Freeheld y compartimos diez minutos de amena conversación sobre el devenir de esta edición del Zinemaldia y sobre el cine que llevábamos visto. El co director de Rec y responsable de Rec3 y Romasanta nos confesó su admiración por Freeheld a pesar de su falta de empaque visual además de recomendarnos encarecidamente La novia, todo un acierto como acabamos de comprobar dos horas más tarde. Un placer inesperado, el reencuentro con el amigo, pero también el interesante intercambio de opiniones con alguien que ama el cine además de hacerlo de manera inigualable.
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¡Viva Zapata! 