El próximo domingo se celebra la gala anual de los premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood donde se galardonará el mejor cine estrenado durante el pasado 2014. Para ir preparando el camino en vivazapata.net hemos preparado una alfombra roja que marcará el camino hacia la ceremonia y que comenzará el próximo lunes 16 y culminará el viernes 20 recordando las críticas de algunas de las películas más importantes que concurren el domingo 22.
Vamos a estrenar dos críticas de películas estrenadas recientemente de las cuales todavía no habíamos publicado su reseña, Alma salvaje y Foxcatcher, así que atentos al calendario de publicación que os detallamos a continuación.
Este monográfico especial está formado por:
Domingo 15: Crítica de Alma salvaje (inédita en vivazapata.net) – Candidata a mejor actriz y mejor actriz secundaria.
Lunes 16: Crítica de Foxcatcher (inédita en vivazapata.net) – Candidata a mejor director, actor, actor secundario, guión original y maquillaje.
Martes 17: Crítica de Leviatán – Candidata a mejor película extranjera.
Miércoles 18: Crítica de Whiplash – Candidata a mejor película, actor secundario, guión adaptado, montaje, sonido.
Jueves 19: Crítica de Boyhood – Candidata a mejor película, director, actriz secundaria, actor secundario, guión original, montaje.
Viernes 20: Crítica de Birdman – Candidata a mejor película, director, actor, actriz de reparto, actor de reparto, guión original, fotografía, sonido y montaje de sonido.
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Uno de los aspectos que más han llamado la atención sobre la gala celebrada el pasado sábado es que el cambio de día le ha sentado muy bien a la audiencia que ha sido la más alta de las últimas ediciones, coincidiendo con la destacada labor de un mordaz Dani Rovira en las labores de presentador de la misma. Por vez primera desde hace muchísimo tiempo tuvimos la sensación de que, por fin, se había escogido a la persona adecuada. Ágil, divertido, sabiendo improvisar y ser irreverente sin que se notase demasiado (o sí) que estaba metiendo el dedo en ojo. El Iker Casillas-Sara Carbonero que se marcó con su pareja, Clara Lago, en el momento de ser premiado no tuvo desperdicio.
Dani Rovira y Clara Lago
Y por fin un numero musical de inicio brillante, superando los prejuicios y las decepciones de otras ediciones (la pasada sin ir más lejos) al más puro estilo de «Los Miserables» y con un subtexto totalmente reivindicativo, al son de «Resistiré» del Duo Dinámico, y con unos vídeos de acompañamiento que conformaron un todo impresionante, digno de los Oscar. Un salto de calidad muy importante que nos puso, como espectadores, la carne de gallina.
Itziar Aizpuru, Loreak.
En cuanto a los premios, más allá de la justicia del triunfo de una magnífica película como La isla mínima, que ya se daba por descontado, vamos a centrarnos en las injusticias de la noche.
Ya de por sí constituía una incongruencia el que uno de los mejores filmes del año como Loreak contase tan solo con una nominación, mejor música, que acompañase a su candidatura a mejor película, se echaba de menos ,entre otras, una mención en mejor guión original y, sobre todo, a la mejor interpretación secundaria femenina del año, la de la veterana Itziar Aizpuru. En el grupo de actrices se coló, incomprensiblemente, Mercedes León, que en La isla mínima tiene una aparición correcta pero sin la suficiente enjundia como para optar a un galardón de esta categoría. Pero ya, el desatino total y absoluto llegó con la premiada, Carmen Machi, que además de estar de más en ese grupo de actrices, realiza una de las peores (si no la peor) interpretaciones que este que escribe le recuerda. Si se quería premiar la inestimable ayuda que Ocho apellidos vascos ha prestado al cine español gracias a la ingente cantidad de espectadores que ha acercado a las salas se podía hacer, como así sucedió, reconociendo la magnífica interpretación de un Karra Elejalde que se come con patatas al resto del reparto. Dani Rovira está correcto, el premio al actor revelación se antoja excesivo. Pero lo de Carmen Machi no tiene nombre, teniendo en cuenta además, que la legítima merecedora del premio, Itziar Aizpuru, ni siquiera se encontraba entre las candidatas. Por cierto, llamó poderosamente la atención que todos los premiados por Ocho apellidos vascos reivindicaran la ausencia en la categoría de mejor director de Emilio Martínez Lázaro pero ninguno se acordara de agradecer el Goya a los guionistas, Borja Cobeaga y Diego San José.
Karra Elejalde y Carmen Machi, Ocho apellidos vascos
La otra polémica de la noche vino del premio a la mejor actriz revelación que se llevó Nerea Barros. Su personaje, y su interpretación, constituye el único lunar de un peliculón como La isla mínima. En ningún momento el guión justifica la presencia de una mujer sin una pizca de acento en un lugar tan profundamente andaluz como la zona de las marismas (no hay más que ver y escuchar al resto de personajes). Y no deja de ser curioso porque Alberto Rodríguez en sus anteriores trabajos, incluso en este, ha cuidado muchísimo los personajes secundarios. Incluso en su interpretación se echa de menos el dolor desgarrador que le deberían producir los acontecimientos que se narran en la película. Teniendo a su lado actrices como Natalia Tena, magnífica en 10.000 Km., Ingrid García Jonsson o Yolanda Ramos, nunca debió recibir el galardón.
Barbara Lennie, Magical girl
Un último comentario para el ninguneo que ha recibido por parte de la Academia Carlos Vermut y un trabajo difícil y arriesgado como Magical girl, tan solo reconocido (merecidamente) con el premio a la mejor actriz que fue para Bárbara Lennie, aunque tal vez también el guión de la película podía haberse hecho con el Goya.
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En la primera mitad de “Cautivos del mal” un entusiasmado Kirk Douglas, que interpreta a un productor incipiente en la etapa más efervescente de su carrera, idea una solución creativa buscando ahorrar en vestuario, maquillaje y efectos especiales para la película de terror de bajo presupuesto que se encuentra rodando. No hallan el modo de caracterizar a los hombres pantera, elemento clave que tiene que provocar pánico en la audiencia. En un alarde de inspiración, Douglas propone que su presencia se explique exclusivamente a través del sonido y de las reacciones de quien se cruce con ellos para que sea el público quien tenga que corporeizar su constante amenaza y los perciba realmente aterradores. Carlos Vermut en “Magical girl”, su segundo largometraje, actúa de igual manera que este productor furibundo. Ante la tentación de dar todo mascado prefiere confiar en el espectador y simplemente esbozar para que sea este el que complete el dibujo. Lo que no se muestra se imagina, ahí se encuentra lo realmente inquietante. ¿Qué se puede esconder tras una puerta adornada con un lagarto negro? Nada bueno, máxime si se encuentra estrechamente ligado a lo que nos contó Kubrick en su testamento cinematográfico, “Eyes wide shut”.
Todo ello partiendo de una historia costumbrista ubicada en el centro de Madrid, salpicada por retazos de crítica social relacionada con la galopante crisis que nos azota, en la que un padre (versátil Luis Bermejo) se encuentra dispuesto a cualquier cosa para conseguir ese vestido carísimo de la heroína favorita de su hija enferma (fantástica Lucía Pollán) con tal de ver de nuevo una sonrisa en su preciosa carita. La forma en que se retuerce la trama y van entrando en el baile, de forma perfectamente hilada, las figuras de una misteriosa mujer (escalofriante Bárbara Lennie) y de un profesor retirado (contundente José Sacristán) no hacen sino aumentar el interés, y el misterio, de lo que sucede ahí arriba en la pantalla.
Dando un nuevo salto mortal, el director y guionista realiza una curiosa aproximación a un sentido del humor y de la violencia un tanto surrealista, íntimamente emparentado con el cine negro contemporáneo proveniente de Corea o Japón, que hará exclamar más de una vez al espectador: ¿de qué demonios me estoy riendo? Vermut, con una tremenda dosis de mala uva, es incluso capaz de hacernos empatizar con un personaje para luego mostrarnos cosas de él que no nos van a gustar en absoluto, de modo que la evolución de cada uno de ellos en esta película se convierte en una pequeña montaña rusa en la que lo que va a pasar a continuación resulta tan inesperado como sorprendente. Su capacidad de sugerencia, el magnetismo y la fuerza de lo que está contando unidas a una fértil imaginación capaz de crear un universo propio hacen de este madrileño un cineasta brillante en su singularidad con sello de autor de culto al que habrá que seguir muy de cerca, más si cabe tras el éxito apabullante conseguido recientemente en San Sebastián.
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Magical Girl
Dirección y guión: Carlos Vermut
Intérpretes: Luis Bermejo, Bárbara Lennie, José Sacristán
Fotografía: Santiago Racaj
Montaje: Emma Tussell
Duración: 127 min.
España, 2014
El sonido penetrante de la pertinaz lluvia taladra nuestros oídos mientras la pantalla permanece oscura. Una señal de tráfico, un ramo de vistosas flores amarradas al poste con un cordel. Entra la música que envuelve todo de una sensación de misterio. Una mujer de espaldas, Lourdes, sostiene un paraguas. Una anciana sentada, Tere, en la oscuridad de su habitación. Ane, desde su asiento del autobús, observa al otro lado del cristal por el que resbalan las gotas. Un coche accidentado con las luces encendidas descansa ya, pegado al quitamiedos. Cruzando la bruma, una oveja se aleja paulatinamente carretera arriba. Una grúa, entre las nubes, contempla el paisaje desde las alturas.
De esta forma tan críptica e hipnótica queda prologada Loreak. El comienzo de la historia se produce justo después de manera bastante más convencional. Ane, a la que hemos visto anteriormente, comienza a recibir jueves tras jueves un ramo de flores en su domicilio, con el consiguiente mosqueo de su marido que nada tiene que ver con los envíos. Como en la canción de Cecilia el interrogante queda planteado.
En ese momento la duda nos invade, y no por querer saber a toda costa la identidad del secreto admirador. Comienza a atormentarnos la sensación de estar viendo un cortometraje construido a partir de una anécdota más bien tonta y trillada. Será el guión el que poco a poco vaya desterrando esa inquietud ganando solidez, sorprendiéndonos gracias a detalles y giros que no dejarán de subyugarnos a través del misterio que se esconde tras esas flores que van pasando de un personaje a otro, consiguiendo trascender de manera muy efectiva de una aparente sencillez argumental inicial, con un tono ingenuo, casi naif, para convertirse en una trama apasionante.
José Mari Goenaga y Jon Garaño se han apoyado, además de en su estupendo libreto, en tres maravillosas actrices, Itziar Aizpuru, Nagore Aranburu e Itziar Ituño, para desarrollar la magia de esta singular historia que habla de sentimientos, de relaciones humanas, de temas tan cercanos como universales como la incomunicación o la incapacidad de expresar sentimientos a través de las palabras, para lo que ellos se valen de la metáfora visual hábil y elegantemente utilizada y sus personajes de las flores del título, que funcionarán como elemento catalizador y vertebrador de sus comportamientos y reacciones. Recibimos de forma especialmente intensa el impacto que nos produce la lúcida reflexión sobre el recuerdo y el olvido que sobrevuela el relato y en su conclusión nos arranca unas lágrimas de emoción contenida.
Goenaga y Garaño han conseguido a través de la letra, pero también gracias a la luz y el encuadre y a las maravillosas notas surgidas del talento del compositor francés Pascal Gaigne, engarzar las vidas de estas tres mujeres construyendo un hermoso ramillete que va a terminar por conmovernos profundamente. Y eso que solo se trataba de flores. Simples flores.
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Loreak
Dirección: Jon Garaño y José Mari Goenaga
Guión: Jon Garaño, José Mari Goenaga y Aitor Arregi
Intérpretes: Itziar Aizpuru, Nagore Aranburu, Itziar Ituño
Música: Pascal Gaigne
Fotografía: Javier Agirre
Montaje: Raúl López
Duración: 99 min.
España, 2014
Las notas brotan de la guitarra como un manantial. La voz de Silvia Pérez Cruz, que ya nos emocionó en Blancanieves, hace que, de nuevo, se nos ponga un nudo en la garganta mientras vivimos una intensa comunión entre la cosmopolita Barcelona y la heterogénea Bombay, entre el sosiego y el ruido, entre el orden y el caos, con los rostros de dos maravillosas actrices en pantalla, la india Nandita Das y la barcelonesa Aina Clotet, y la cámara, siguiendo la certera mirada de una estupenda cineasta como María Ripoll, envolviendo a cada una de ellas mientras el mar las une y las separa.
El agua forma el hilo conductor de esta desgarradora historia desde su propio inicio. El agua de un río, el agua de una pila, el agua del mar. El líquido elemento transformado en reflejo de lo que somos o de lo que creemos ser, porque un ingrediente importante en la narración lo conforman espejos ante los que, constantemente, uno de los personajes escudriña en busca de su identidad sin saber a ciencia cierta quién es en realidad. Del mismo modo actúa la estructura de la película donde una parte emerge, en un efectivo juego especular, en otra muy distinta para terminar por desatar el nudo emocional de la trama.
Este filme, que acompaña a Mina en su odisea para encontrar a Sita, la hermana que le arrebataron siendo niña en los suburbios de Bombay, supone la adaptación al cine por parte de Anna Soler-Pont, productora de la cinta, de su propia novela homónima escrita a cuatro manos junto a Asha Miró. La historia de estas dos mujeres forzosamente separadas ha inspirado al equipo de la película que ha querido dar un toque de atención a la creciente masculinización de la industria audiovisual. Para ello no se ha dudado en colocar regidoras al frente de departamentos tan importantes como producción y guión pasando por dirección artística, montaje, música, fotografía, sonido, vestuario, casting y, por supuesto, dirección.
Rastros de sándalo incluye una de las más hermosas elipsis que nos hemos encontrado en el cine en los últimos tiempos, obra de una artesana de las soluciones narrativas ingeniosas como es María Ripoll, que nos lleva sorprendiendo con estructuras efectivas e inteligentes desde su brillante debut, Lluvia en los zapatos. Aquí juega con el lenguaje cinematográfico de una manera tan sutil, elegante e invisible, que termina por coser dos piezas de esta historia sin que seamos capaces de apreciar la costura, en un maravilloso juego metalingüístico. Más que de “cine dentro del cine” estaríamos hablando de “cine dentro de un cine” y de un juego de muñecas rusas en el que tres películas diferentes conviven en una sola, de forma heterogénea pero totalmente equilibrada, para narrar una conmovedora historia de amor fraternal emocionante hasta la lágrima, en la que no sobra una coma.
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Rastros de sándalo
Dirección: María Ripoll
Guión: Anna Soler-Pont
Intérpretes: Nandita Das, Aina Clotet, Naby Dakhli
Música: Zeltia Montes y Simon Smith
Fotografía: Raquel Fernández
Montaje: Irene Blecua
Duración: 95 min.
España, India 2014
Esta noche a las 22 horas en La 2 de TVE proyectan «Chico & Rita». Aquí tenéis la crítica que publicamos en el momento de su estreno.
CHICO & RITA
¡Viva el cine! Así concluía uno de los momentos más recordados de la pasada ceremonia de los Goya. Cuando salió a recoger su premio al mejor largometraje de animación Javier Mariscal habló en defensa de Internet pero dejando bien claro que a él, como le enseñó su padre cuando era niño, le encanta disfrutar del cine proyectado sobre una pantalla enorme, con un sonido espectacular, sentado en una butaca en medio de una gran sala a oscuras rodeado de un montón de desconocidos y dando buena cuenta de unas palomitas (o sin ellas). Aquellas palabras mostraban sobre todo el agradecimiento de un gran aficionado al cine más que el discurso de un cineasta de carrera. Mariscal acaba de aterrizar en este mundillo de la mano de Fernando Trueba y su frescura y entusiasmo se han unido a la pasión que el director madrileño tiene por la música cubana, el jazz, el cine clásico, los musicales de los años 50 y las historias de amor bien contadas y esta combinación ha producido un fantástico cóctel que ha dado como resultado una maravillosa película.
Con Chico & Rita sucede como cuando te enamoras. Esa carita sonriente debajo de ese gorrito de lana ha llamado tu atención y tienes curiosidad por saber qué hay detrás de todo eso. De la misma forma que te has acercado a esa chica te aproximas a esta película, algo te atrae y estás a la expectativa. Lo cierto es que no se trata de un flechazo inmediato, y eso es bueno, porque te seduce lentamente. Al principio despierta tu interés, hace que te sientas cómodo con ella y poco a poco te va ganando hasta el punto en que llega a emocionarte y, en última instancia, a enamorarte.
Chico & Rita se alimenta de la cinefilia impenitente de un Fernando Trueba que se acerca a clásicos del cine que tiran de nuestra vena más romántica. Como si de un bolero se tratase ante nuestra atenta mirada se desarrolla la historia de un amor apasionado entre un pianista y una cantante con la música cubana como hilo conductor pero a su vez es una declaración de amor a La Habana, a Nueva York, al jazz latino, al cine musical y a los grandes melodramas. El punto de ignición de este gran incendio de emociones se produce durante una noche de pasión entre los dos protagonistas y a la mañana siguiente, cuando Chico comenzará a escribir una canción, al piano, con una exuberante y desnuda Rita sentada a su lado. Ese tema inacabado que irá arreglando y perfeccionando a lo largo de los años relatará la historia de amor, celos, encuentros, desencuentros y música entre Chico y Rita.
La película comienza ágil, desenfadada, descarada y te va seduciendo poco a poco hasta emocionarte y enamorarte por completo. Por supuesto no se trata de un filme de dibujos animados dirigido a los más pequeños sino a un público adulto que disfrute de un relato bien contado, de las historias de amor más grandes que la vida y de la buena música, con el extra de poder dar un paseo por La Habana y el Nueva York de los 50. Para los que adoramos el musical clásico el espectacular número que ilustra la llegada a la Gran Manzana de los protagonistas inunda de nostalgia y fuerza la pantalla. Ahí se encuentran presentes Un día en Nueva York, Cantando bajo la lluvia, Un americano en París, Una cara con ángel, Melodías de Broadway, Gene Kelly, Fred Astaire, Stanley Donen, Vincente Minnelli o Cyd Charisse, entre otros.
En el fondo Chico & Rita supone una reconciliación con el cine, con la música, con la pasión, con el Amor con mayúsculas, con ese romance secreto e imposible que tenemos ahí escondido y no hemos querido o no hemos podido olvidar, del pasado o del presente, aquel al que nos gustaría escribirle con carmín en el espejo, después del ansiado reencuentro: “Necesitaba volver a besarte”.
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Copyright de las imágenes © 2012 Isle of Man Films, CinemaNX, Estudio Mariscal, Fernando Trueba Producciones Cinematográficas S.A., HanWay Films, Magic Light Pictures, Mesfilms. Reservados todos los derechos.
Chico & Rita
Director: Fernando Trueba, Javier Mariscal, Tono Errando
Intérpretes (Voces) : Bebo Valdés, Idania Valdés, Estrella Morente
Duración: 93 minutos.
España, Gran Bretaña, 2010.
El próximo sábado se celebra la gala anual de los premios Goya, en esta ocasión para galardonar al mejor cine español estrenado durante 2014. Para ir preparando el camino en vivazapata.net hemos preparado una alfombra roja que marcará el camino hacia la ceremonia y que comenzará el próximo miércoles 4 y culminará el viernes 6 recordando las críticas de algunas de las películas más importantes que concurren el sábado 7.
Este monográfico especial está formado por:
Miércoles 4: Crítica de Rastros de sándalo – Candidata a mejor guión adaptado.
Jueves 5: Crítica de Loreak – Candidata a mejor película y mejor música original.
Viernes 6: Crítica de Magical girl – Candidata a mejor película, director, actor, actriz de reparto, actor de reparto, actor revelación y guión original.
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Copyright de las imágenes © Academia de Cine, eldesafiodigital.com, Natixis Coficiné, Pontas Films, Golem Distribución, Irusoin, Moriarti Produkzioak, A Contracorriente Films, Films Distribution, Sabre Producciones, TVE, Canal+ España, Aquí y Allí Films, Avalon. Reservados todos los derechos.
Mañana martes a las 22 horas, La 2 de TVE emite Chico & Rita, la película de Fernando Trueba y Javier Mariscal que fue nominada al Oscar a la mejor película de animación en 2012.
Desde http://www.vivazapata.net queremos recomendaros el visionado del filme, tanto si no lo habéis visto todavía como si ya lo hicisteis en su día, y para ello mañana os dejaremos aquí la crítica que publicamos en el momento de su estreno en salas comerciales.
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Copyright de las imágenes © 2012 Isle of Man Films, CinemaNX, Estudio Mariscal, Fernando Trueba Producciones Cinematográficas S.A., HanWay Films, Magic Light Pictures, Mesfilms. Reservados todos los derechos.
La prestigiosa y veterana revista de cine «Fotogramas» ha tenido a bien contar con nuestra humilde opinión, entre los 75 críticos que ha convocado, gracias a nuestra colaboración semanal con Diario de Navarra, para votar las cinco mejores películas españolas y extranjeras de 2014 y así determinar, y premiar con el Fotogramas de Plata a las mejores en cada categoría.
«La isla mínima» y «Boyhood» han sido las más votadas. Aquí tenéis la reseña de nuestra votación.
También podéis encontrar nuestros votos en el siguiente enlace, junto con las votaciones del resto de críticos convocados. Como no podía ser de otra manera, por el riguroso orden alfabético, aparecemos en última posición. Junto a ellos, el enlace de la cobertura que ha hecho la revista en su número de febrero, que acaba de publicarse en papel, y se recoge también en su edición digital.
Pincha aquí para ver los votos de la crítica en la edición digital de Fotogramas.
Pincha aquí para ver el artículo de Fotogramas sobre Las mejores películas de 2014 en su edición digital.
La revista nos ha dado las gracias a todos cuantos hemos participado con nuestra opinión que ha servido para otorgar estos dos reconocimientos.
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Copyright de las imágenes © Manu Zapata, Iván Zapata, Fotogramas. Cortesía de Hearst Magazines S.L. Reservados todos los derechos
El conflicto de Irlanda del Norte ha sido abordado durante los últimos veinticinco años por el cine británico e irlandés desde distintos prismas. Agenda oculta se centró en la guerra sucia del gobierno Thatcher, En el nombre del padre en la lucha de un inocente por limpiar su nombre y el de su progenitor injustamente encarcelados, Bloody Sunday recordó los trágicos sucesos que sacudieron Derry en 1972, Hunger, la huelga de hambre de presos del IRA en 1981 y Cinco minutos de gloria, el encuentro cara a cara del hermano de un asesinado con el hombre que lo mató. En todas ellas, más que menos, la contienda forma parte esencial de la trama. En ´71 simplemente aparece como telón de fondo sobre el que se desarrolla la acción, narrada en clave de thriller, sin profundizar en aspectos sociopolíticos. El punto de vista es el de un soldado novato al que la ideología de unos y otros le resulta ajena.
1971. Gary Hook (Jack O´Connell) se alista en el ejercito británico para ir a Alemania pero, de la noche a la mañana, se ve movilizado a Belfast en mitad del momento más cruento de enfrentamientos entre la población protestante (con sus grupos paramilitares afines), la católica (entre la que se encuentran dos facciones enfrentadas del IRA), la policía y el ejército británico. En una redada quedará aislado de su unidad y luchará por su vida en medio de un fuego cruzado en el que parece ser un muñeco de feria contra el que todo el mundo dispara. Uno de los personajes le espeta la frase que mejor sintetiza la idea que se encuentra detrás del filme: “les das igual, para ellos (el ejército) solo eres un trozo de carne”.
Sorprende la solidez y la templanza con la que Yann Demange afronta la realización de este, su primer largometraje. Consigue que el espectador entre en la película desde el inicio y lo mantiene en tensión gracias a un pulso narrativo sin tiempos muertos y a secuencias modélicas como una trepidante persecución cámara en mano por las estrechas callejuelas de Belfast que deja literalmente sin aliento. La acción se sucede prácticamente en tiempo real, en un día y una noche en los que la vida, en las calles jalonadas por barricadas ardiendo, no vale nada. Ese suspense generado por la coincidencia entre el tiempo fílmico y el de la historia, si se sabe transmitir, es siempre marchamo de buen cine.
La interpretación de Jack O´Connell se basa en su mirada, en su rostro y en la gestualidad de su cuerpo, debido al laconismo de su personaje. Transmite una mezcla de fuerza y vulnerabilidad que deja muy pequeño su papel en la fallida Invencible. La huella más profunda que deja este contundente guión queda plasmada a través de la relación de las trayectorias vitales del protagonista y de un adolescente recién incorporado al IRA. Dos personajes cercanos en la lejanía, aparentemente antagonistas, pero unidos por la desubicación y la desorientación ante todo lo que les rodea.
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Copyright de las imágenes © Crab Apple Films, Protagonist Pictures, Warp Films. Cortesía de Vértigo Films. Reservados todos los derechos
´71
Dirección: Yann Demange
Guión: Gregory Burke
Intérpretes: Jack O´Connell, Sean Harris, Richard Dormer
Música: David Holmes
Fotografía: Tat Radcliffe
Duración: 99 min.
Reino Unido, 2014
¡Viva Zapata! 