En breve publicaremos la crítica correspondiente al estreno el pasado viernes de un thriller ubicado en medio del conflicto irlandés. Una de las sorpresas de la temporada que demuestra que la cantera del cine británico sigue dando muy buenos frutos. Está protagonizada por uno de los actores de moda, Jack O´Connell, con una interpretación realmente impactante. No os la perdáis.
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Aquí os dejo un artículo que publiqué para homenajear a las estupendas bandas de mi localidad natal, Tafalla, y a la gente que las capitanea, y de paso para recomendar Tocando el viento que sale a colación por el contraste de dos directores de banda totalmente antitéticos. El que tenemos en cartel, y es el gran favorito a hacerse con el Oscar al mejor actor secundario, al que interpreta J.K. Simmons en Whiplash y el entrañable Danny al que dio vida el añorado Pete Postlethwaite en Tocando el viento.
Durante las fiestas patronales de mi localidad, Tafalla, que se celebraron desde el pasado 14 de agosto hasta el día 20, tuve el inmenso placer de comprobar en los diferentes actos de las mismas el excelente nivel de las dos bandas que tenemos en la Ciudad del Cidacos.
La Banda de Música «La Tafallesa» con su director, de Óscar de Esteban, a la cabeza seduce a su audiencia gracias a su extenso repertorio y en estas fechas encandila con la interpretación de variados y preciosos pasodobles. El estar lejos a veces me ha imposibilitado disfrutar de esos grandiosos conciertos de música de cine que con tanto mimo preparan y que es una de las debilidades de este que escribe.
Alfonso Muro es quien dirige a los txikis, a la Banda de la Escuela Municipal de Música de Tafalla, y año tras año, en el concierto que ofrecen durante las fiestas, van demostrando que hay una cantera estupenda. Se atreven con todo, música de cine, versiones de The Beatles, canciones de los Blues Brothers, y, a pesar de su juventud, con una ejecución impecable.
Para todos esos magníficos músicos, pero sobre todo para los más jóvenes, y para todos los lectores de http://www.vivazapata.net a los que les apasione, o cuanto menos les interese, la música de banda, aquí va la recomendación de una película que hace unos años emocionó a este aficionado al cine.
«Tocando el viento» se engloba en ese buen cine británico que abarca temas sociales y que mezcla comedia y drama, con la crisis como telón de fondo, logrando ese perfecto equilibrio que lo hace tan interesante. Se puede considerar predecesora de alguna manera de «Full Monty» en ese sentido, pero es que además añade el atractivo de esa música de banda, en este caso de brass, que es toda una maravilla. Y como guinda un reparto que incluye a actores como Ewan McGregor y Pete Postlethwaite. Chavales, si todavía no la habéis visto, aquí tenéis una buena oportunidad.
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Tocando el viento
Director: Mark Herman
Intérpretes: Ewan McGregor, Pete Postlethwaite, Tara Fitzgerald
Duración: 107 min.
Reino Unido, Estados Unidos 1996
Sangre, sudor y lágrimas en forma de gotas condensadas sobre el frío metal de un platillo en primer plano con el fondo desenfocado. Whiplash es al jazz lo que Shine a la música clásica. La historia de una obsesión por querer aspirar a la genialidad en la ejecución de piezas imposibles, a la batería en el primer caso y de la Capilla Sixtina del piano en el segundo. La dificultad técnica del concierto nº 3 de Rachmaninov es perfectamente asimilable al reto de interpretar las versiones jazzísticas de partituras como “Whiplash” y, sobre todo, “Caravan”.
El paralelismo entre el Andrew de ficción, basado en las experiencias del director, Damien Chazzelle, como miembro de una banda de instituto, que vive por y para la música, y el personaje real, David Helfgott, en su adolescencia, justo antes de perder el norte definitivamente debido a la obsesión por el piano, resulta más que evidente. Y quien lo interpreta, Miles Teller, igual que en su día Noah Taylor y Geoffrey Rush, recibe con este papel el espaldarazo definitivo a una interesante carrera donde su mejor y más compleja composición, Aquí y ahora, permanece inédita en España.
Al otro lado del cuadrilátero se encuentra J.K. Simmons, un secundario de lujo que encarna como nadie a uno de los antagonistas más brutalmente atractivos de la historia del cine. Un director de banda en las antípodas del entrañable Pete Postlethwaite de Tocando el viento. Despiadado, manipulador, violento, falto de escrúpulos, con una crueldad psicológica solo comparable a la del sargento Hartman de La chaqueta metálica, que no duda en apretar las tuercas a sus jóvenes músicos para, según justifica, sacar el genio que podrían llevar dentro.
Chazzelle define a sus personajes en una secuencia inicial que, como un terremoto, sacude al espectador, para seguir subiendo en intensidad hasta una de las dos cimas de la película, el primer ensayo de “Whiplash”. La variedad de la planificación combinando planos detalle, movimientos de cámara y ralentizados a ritmo de jazz resulta epatante, pero el montaje eleva el filme de tal manera que a uno le entran ganas de levantarse y empezar a aplaudir en medio del cine.
En una banda el director establece el tempo con el que se ha de ejecutar la partitura, en una película el montaje marca el ritmo de la narración. Hacía tiempo que no disfrutábamos de un trabajo tan elegante, vigoroso, exquisito y valiente (no utiliza ni un solo encadenado) como el de Tom Cross. La secuencia final, diez minutos de apoteosis total, es el culmen de esta montaña rusa de sensaciones con un guión preciso y coherente, dos interpretaciones bestiales, la intensidad de 107 minutos de cine con mayúsculas y, por encima de todo, una labor de montaje que debería enseñarse en las escuelas de cine de todo el mundo. El próximo 22 de febrero Whiplash debería irse a casa, como mínimo, con el Oscar de la especialidad acompañado del otorgado al mejor actor secundario (Simmons) además de, probablemente, el de mejor sonido.
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Whiplash
Dirección y guión: Damien Chazzelle
Intérpretes: Miles Teller, J.K. Simmons, Paul Reiser
Fotografía: Sharone Meir
Montaje: Tom Cross
Duración: 107 min.
Estados Unidos, 2014
El plano es de postal. El mar en calma. La luna llena colgada de un cielo limpio, sin nubes, proyecta su reflejo en el espejo del Mediterráneo. La línea del horizonte se va desdibujando a medida que la cámara baja. El oleaje aumenta y del agua emergen decenas de cuerpos inertes. Una marea de muerte llega hasta la playa. En una secuencia que parece tomada prestada de la primera página de Gomorra de Roberto Saviano se puede sintetizar el concepto básico que ha querido plasmar Alejandro González Iñárritu en su cuarto trabajo como realizador y el primero sin la colaboración del guionista Guillermo Arriaga.
Tanto la estética como la temática de Biutiful bucea por debajo de lo bello, de lo hermoso, de lo habitual para acercarse a ese submundo que se esconde en las entrañas de cada gran ciudad y que, dándole la vuelta, aparece ahondando en el interior de Uxbal, el protagonista e hilo conductor de esta historia. El personaje, omnipresente, encarnado por un Javier Bardem metido literalmente en su piel, representa todo lo contrario de lo comentado anteriormente. Se aprovecha de las desgracias de los demás para ganar dinero, llega a ser desagradable, violento, malcarado, egoísta y, sin embargo, apartando esa coraza de tipo duro vamos descubriendo un ser torturado con un conflicto moral, vislumbramos un resquicio de luz interior que subyace dentro de esa apariencia de amoralidad y de tiniebla que transmite a todos los que le rodean. Lo único que le salva de arder en las llamas del infierno que lleva consigo son sus hijos, el asidero, la tabla de salvación de un alma condenada al fuego eterno.
González Iñárritu dibuja una historia llena de oscuridad, de mugre, de miseria, moral y real. Utiliza la explotación, la denigración de la vida de inmigrantes e inadaptados producida por las grandes ciudades en sus suburbios como imagen de lo que nadie quiere ver, a pesar de que esté ahí al lado. Muestra todo aquello que la gente ignora consciente o inconscientemente como metáfora de la degradación moral de las grandes urbes y de las personas que las pueblan. Y la naturaleza, los espacios abiertos, como la única vía de escape.
En este contexto Javier Bardem interpreta magistralmente a un hombre que ve como ese tenebroso entorno en el que sobrevive se va adueñando poco a poco de su vida y no encuentra salida. La muerte sobrevuela este relato eminentemente realista pero con un toque sobrenatural que funciona perfectamente en sus primeros tres cuartos de metraje para desmembrarse en su parte final, prolongándose excesivamente su conclusión. Precisamente el punto de inflexión en el que la narración comienza a ser más farragosa y confusa lo marca la secuencia que relatábamos al inicio de esta crítica.
Lo cierto es que González Iñárritu ha realizado uno de sus mejores trabajos, o cuanto menos, el más sincero y directo e incluso personal cuando se ha desligado de forma un tanto traumática de su co guionista Guillermo Arriaga. A pesar de todo, dentro del interés que despierta Biutiful nos queda en el debe esa irregularidad y excesiva longitud. Eso sí, en el haber tenemos el brillante trabajo de profesionales acreditados como el director de fotografía Rodrigo Prieto, Stephen Mirrione, que se ha encargado del montaje, y el compositor Gustavo Santaolalla, ganador de un Oscar y autor de la banda sonora. Y por encima de todo el actor que aparece prácticamente en cada plano de Biutiful y que es la película en sí misma, el superlativo Javier Bardem.
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Biutiful
Director: Alejandro González Iñárritu
Intérpretes: Javier Bardem, Maricel Álvarez, Eduard Fernández
Duración: 147 minutos.
Por escribir esta crítica este juntaletras puede ganarse alguna que otra enemistad, si no lo había conseguido ya con reseñas anteriores. ¿Qué le vamos a hacer? Como decía el gran e idolatrado maestro Billy Wilder, nadie es perfecto.
Sobrevalorado. Este curioso adjetivo es el que asoma a la mente, y por ende, a las teclas, cuando uno piensa en el cine de Alejandro González Iñárritu. Por el hecho de utilizar estructuras aparentemente complejas e historias entrelazadas en las que intervienen multitud de personajes y tratar temas “trascendentes” se ha elevado el trabajo de este director mejicano a los altares del cine. Cuando realmente sus estructuras , sobre todo en 21 gramos, filme que supuso su consagración, son simple y llanamente complicadas.
Que levanten la mano los que hayan visto 21 gramos. Ahora de los que hayáis levantado la mano, mantenedla levantada si fuisteis capaces de deducir el orden lógico de los fragmentos de cada historia antes de los primeros 100 minutos de película. Ahí lo tenéis. 21gramos no es sino una tentativa para esconder un vano intento de filosofar de forma barata sobre el peso del alma dentro de una forma abigarrada y alambicada para que quede disimulada la endeblez de un argumento que contado de forma lineal no aportaría mucho al universo cinematográfico. Lo que salva 21 gramos es lo mismo que hace de Babel un trabajo digno, las soberbias interpretaciones de sus actores, parte de cuyo mérito corresponde al hombre que los ha dirigido. Así pues, el apartado de la estructura se lo achacamos a los guionistas, la vertiente escritora del propio González Iñárritu y Guillermo Arriaga, y la parte de la interpretación a todos esos grandes intérpretes famosos y desconocidos y al propio realizador mejicano que los ha dirigido.
En Babel la estructura, a pesar de retorcerse, no se descuajeringa como en su trabajo anterior, cosa que es de agradecer. Pero la sensación de que las cuatro historias se encuentran unidas con calzador no deja de sobrevolar la mente de quien esto escribe durante el visionado. A pesar de ese afán de tratar de hacer la “película definitiva sobre la incomunicación humana” casi todo huele a artificial. Hemos de admitir que hemos encontrado imágenes realmente bellas y nos hemos deleitado con una de las demostraciones de amor más grandes que se puede haber visto en un cine.
A pesar de que no hay quien se crea que le pueden pasar tantas desgracias a los cuatro miembros de la familia protagonista, dos en Marruecos y otras dos entre Méjico y Estados Unidos, la historia que sucede en la frontera entre los países norteamericanos es la única que respira verdad y honradez por los cuatro costados. A este que escribe le llegó profundamente el devenir de esa cuidadora de niños mejicana a la que las circunstancias la enfrentan al sistema estadounidense, una Adriana Barraza realmente magistral, que va a estar, sin duda, entre las finalistas al Oscar a la mejor actriz de reparto y que podría competir con la japonesa Rinko Kikuchi. Completando el trío de figuras, Brad Pitt, brillando con luz propia.
No todo iban a ser críticas, aún así, el tono condescendiente de alguien que se acerca de forma tan pretenciosa e intenta hacer el trabajo definitivo que hable sobre la incomunicación nos trae a la mente, y a las teclas, la palabra pedante.
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Babel
Director: Alejandro González Iñárritu
Intérpretes: Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal
Duración: 142 min.
Estados Unidos, Méjico, 2006
Resulta curioso que casi todo el mundo vincule el título y el contenido de esta película al tema de la droga. Su título, un director conocido por contar historias violentas y llenas de potencia visual, un reparto en el que destacan Sean Penn y Benicio del Toro, cuyos currículos están plagados de thrillers que versan sobre bandas de criminales y narcotraficantes, en fin, todos estos elementos nos remiten a pensar que estamos hablando de 21 gramos de cocaína. Nada más lejos de la realidad, aunque el polvo blanco esté presente de manera indirecta en la historia. El trasfondo de esos 21 gramos es mucho menos prosaico y sí un tanto filosófico, se podría decir que incluso raya lo metafísico. Y cuando recorremos la fina línea que separa lo profundo de lo manido, lo emocionante de lo pedante y adoctrinante, podemos caer con facilidad a cualquiera de los dos lados. En este caso, y hablo del monólogo final de la película, nos movemos en el terreno poco original y trillado de lo ligeramente pedante, que trata de emocionar. A lo que íbamos, 21 gramos. La explicación que hay detrás del título resulta más interesante que la excusa argumental que sirve para ilustrarla. En el instante de la muerte el cuerpo de una persona pesa exactamente 21 gramos menos que cuando esa persona estaba viva. Ese es, por decirlo de algún modo, el peso del alma.
Para iluminar esa idea González Iñárritu ha escogido una historia de pérdida, culpa y redención, al estilo de las de Paul Schrader. Eso en el fondo, porque en la forma es totalmente personal e intransferible. Vuelve a utilizar la fotografía llena de grano, con colores muy lavados, dando frialdad a la imagen haciéndola más cruda y descarnada de lo habitual. En su ópera prima, Amores perros, ya desarrolló este estilo visual que aquí recupera. Este es uno de los puntos sobresalientes de la película, junto a las brillantísimas interpretaciones de los tres protagonistas de la historia. Un Sean Penn que alcanza uno de los hitos interpretativos de su carrera, más brillante incluso que en Mystic River, por la que ha sido nominado al Óscar. Una interpretación intimista, sobria, sin aspavientos, realmente conmovedora. De la misma forma que lo es la de Naomi Watts. Ella saca adelante un personaje harto complicado, marcado por la tragedia, golpeada por los vaivenes del destino. Y qué decir de Benicio del Toro que un gesto, con una simple mirada, transmite la profundidad emocional y la existencia torturada de un criminal en busca de redención. Podría ganar su segundo premio de la Academia.
Lo que está planteado como uno de los puntos fuertes de la película se vuelve claramente en su contra. Se ha buscado una intrincada estructura de flashbacks, que suele resultar atractiva y aporta cierto toque de thriller, pero en este caso hace que la historia parezca confusa. Han equivocado el criterio a la hora de construir la película hasta el punto de llegar a desorientar al espectador, que no es capaz de ordenar la sucesión de acontecimientos. Hasta el último tercio de película no logramos percibir la historia en toda su dimensión, pero más grave incluso resulta el hecho de que en el primer acto no seamos capaces de saber a ciencia cierta qué ha sucedido antes y qué después.
A pesar de todo nos encontramos ante una película cuyo visionado merece mucho la pena. Se queda en gran película cuando podría haber llegado a magistral. ¿Cuánto pesa la venganza? ¿Cuánto pesa el amor? ¿Cuánto pesa la vida? Está claro, 21 gramos.
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21 gramos
Director: Alejandro González Iñárritu
Intérpretes: Sean Penn, Naomi Watts, Benicio del Toro
Duración: 125 min.
USA, 2003.
En breve. Tras el monográfico dedicado a Alejandro González Iñárritu, tendréis la crítica de uno de los peliculones de la temporada de premios. Whiplash, de reciente estreno, ha sido una de las sorpresas agradables del cine independiente. Duelo interpretativo de muchos quilates entre Miles Teller y J.K. Simmons, que interpreta a un tiránico director de banda de jazz.
Y posteriormente os acercaremos a otro peculiar director de banda, para que podáis comparar. Cine y música, en este caso de bandas.
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Aprovechando el reciente estreno de Birdman queremos haceros llegar un pequeño monográfico dedicado a su director, Alejandro González Iñárritu, con el que hemos mantenido una relación de amor-odio desde prácticamente sus inicios y que, curiosamente, podréis comprobar al leer las críticas que en el momento del estreno de 21 gramos, Babel y Biutiful escribimos y que a continuación, en días sucesivos vamos a colgar para que volváis a repasarlas y a recordar sus películas. Resulta muy curioso releerlas para este que os escribe y esperamos que lo sean también para vosotros.
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Alejandro González Iñárritu comenzó su carrera con una prometedora carta de presentación, Amores perros. A partir de ahí un halo de pretenciosidad se adueñó de su cine. Los guiones de Guillermo Arriaga para 21 gramos y Babel se arrogaban el derecho de narrar la historia definitiva sobre el alma o la incomunicación humana desde una supuesta posición de superioridad intelectual frente al espectador. Especialmente sangrante resulta el caso de la primera en la que una historia potencialmente interesante se ve malograda por un montaje confuso en su arbitrariedad, alterando el orden lógico de la narración sin un criterio concreto, simplemente con el objetivo de epatar al espectador para ocultar defectos del libreto. Cuando el montaje acronológico tiene una razón de ser (Sospechosos habituales, Pulp fiction) resulta maravilloso.
En Biutiful, ya sin la colaboración de Arriaga (rota por un agrio conflicto de egos), el cine de Iñárritu comenzó a experimentar un salto cualitativo, al tiempo que su narrativa se tornaba más convencional. Birdman se ha convertido en la linealidad total, en el reverso luminoso de 21 gramos. El montaje desaparece ya que está concebida como un interminable plano secuencia, al estilo de La soga de Hitchcock. Se trata de un arriesgado ejercicio de estilo que, gracias a la temeridad y la pericia de un director de fotografía obsesionado con esta forma de rodar, Emmanuel Lubezki (espectacular inicio el de Gravity), y a la magia de la posproducción (que ha dado apariencia de continuidad allí donde acababan las tomas) rezuma elegancia y aporta verdad a una historia mucho más terrenal que los ampulosos trabajos realizados junto a su anterior guionista.
Michael Keaton es Riggan Thomson, una estrella de Hollywood venida a menos, cuyo éxito interpretando al superhéroe Birdman queda ya tan atrás en el tiempo que intenta redimirse (y demostrar que por encima de todo es un actor más que una celebridad) financiando, dirigiendo y protagonizando su propia obra de teatro en Broadway. El conflicto interior entre algo que lo eleve y lo prestigie, como un arriesgado Raymond Carver al calor de las tablas, y su regreso a la notoriedad, gracias a un hipotético “Birdman vuelve”, narrado en tono de comedia satírica tirando a negra por un González Iñárritu inédito, es el motor que mueve la maquinaria que se despliega por cada uno de los recovecos del St. James Theatre como si fuese el cerebro del actor. El juego con el espectador gracias al indudable paralelismo con el Batman de Keaton es uno más de los incontables guiños que jalonan el filme.
La riqueza del guión, con Macbeth en mente jugueteando con el metalenguaje, reflexiona sobre la creación artística y la necesidad de cada cual de sentirse respetado dentro de su profesión y de ser querido, e incluso amado, por los que le rodean, de aportar algo por lo que merezca la pena ser recordado. Este trabajo nos ha reconciliado con un realizador que ha sabido volver a poner los pies en la tierra y nos ha ofrecido excelentes interpretaciones de un elenco insuperable.
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Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)
Director: Alejandro González Iñárritu
Guión: Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris y Armando Bo
Intérpretes: Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Música: Antonio Sánchez
Duración: 119 min
Estados Unidos, 2014
Las poderosas imágenes de un mar embravecido, de cascos de barcos destrozados en torno al esqueleto de una ballena varada tiempo atrás, de la naturaleza salvaje que se rebela contra el hombre, no tendrían esa fuerza que te adhiere a la butaca sin el acompañamiento imprescindible de las notas inspiradas por el genio de un maestro del minimalismo como Philip Glass.
El hipnótico prólogo de Leviatán nos remite a lo antiguo, a lo inmutable, a lo inveterado. El propio monstruo marino ya hace referencia a la Biblia. La religión, en forma de cristianismo ortodoxo, se encuentra presente en el argumento de forma patente, a través de sus diferentes manifestaciones artísticas pero sobre todo como sustento del poder establecido e influencia sobre gerifaltes de tres al cuarto con delitos de corrupción y sangre a sus espaldas, que de forma hipócrita acuden a rendir pleitesía al todopoderoso Pope. El descarnado dibujo de la Rusia actual que propone el filme, más allá de las costumbres locales, no difiere mucho de lo que, por desgracia, estamos descubriendo que nos rodea cuando salen a la luz las vergüenzas ocultas en las cloacas del estado.
El puñetazo en el estómago que Andrey Zvyagintsev nos asesta certero con este trabajo supone una versión actualizada de ese tratado sobre la resignación que es el Libro de Job. La historia se mueve en un entorno rural en el que la tiranía del alcalde pretende expropiar, utilizando todos los medios a su alcance, un terreno frente al mar donde un mecánico tiene su casa y su taller. A pesar de contar con la ayuda de un amigo y abogado moscovita verá cómo los hilos de la burocracia se mueven para asfixiarle al tiempo que su propia vida personal se va convirtiendo, poco a poco, en un infierno. La rica polisemia de nuestra lengua nos recuerda que leviatán también define a algo de grandes dimensiones difícil de controlar, como esas redes ocultas bajo el poder, que incluso en el ámbito local, se extienden amenazantes desde el ayuntamiento a los órganos judiciales, pasando por la policía.
La fotografía colabora en la narración retratando unos paisajes agrestes, inquietantes, oníricos, que se convierten en un personaje más de la película gracias a las precisas composiciones que en ocasiones recuerdan a pinturas. Llega un momento en los 140 minutos de duración del filme en que la intensidad de thriller político mezclado con cine negro con la que comienza la historia decae para centrarse en la trama familiar. Lo que parece un parón no supone sino una nueva toma de impulso para asestar el mazazo final.
La naturaleza se vuelve a desatar de forma devastadora al son de la grandilocuencia de los compases de la música de Philip Glass en un epílogo que cierra el círculo abierto al inicio, dejando un tiempo necesario para que el espectador encaje lo mejor que pueda la crueldad de la historia de la que acaba de ser testigo al tiempo que subraya su carácter intemporal y universal.
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Leviatán
Dirección: Andrey Zvyagintsev
Guión: Oleg Negin y Andrey Zvyagintsev
Intérpretes: Aleksey Serebryakov, Elena Lyadova, Roman Madyanov
Fotografía: Mikhail Krichman
Duración: 140 min.
Rusia, 2014
¡Viva Zapata! 