SECCIÓN OFICIAL
EL REY DE LA HABANA
Agustí Villaronga tras Pá negre regresa a San Sebastián con una historia de amor (de amores, más que de amor), sexo, supervivencia, miseria y picaresca ambientada en La Habana de los años 90, en los tiempos en que cuando uno era pobre en un país pobre lo único que podías hacer era, como dicen en la película, «chingar y comer de vez en cuando». Se trata de la adaptación de la novela homónima de Pedro Juan Gutiérrez. Villaronga narra con el saber hacer que siempre la ha caracterizado el devenir del joven Reynaldo y sus encuentros y desencuentros con Magda y Yunisleidi. A pesar de sus dos horas y cinco minutos se ve sin perder el interés. No entusiasma, pero se trata de un trabajo más que correcto y un retrato fidedigno de la Cuba menos glamurosa, pero sin embargo la más auténtica.
Agustí Villaronga y los actores de El rey de La Habana – Foto: Manu Zapata
MOIRA
Esta sólida película georgiana ha supuesto una sorpresa muy agradable. Tras un comienzo interesante, pero en el que no sucede gran cosa, la trama comienza a crecer, el filme va de más a menos contando la historia de dos hermanos, el mayor acaba de salir de la cárcel con el espíritu de enmendar errores y rehacer su vida, y el menor, enamorado de una chica, empieza a rodearse de malas amistades que pueden meterle en serios problemas. Se trata de una parábola sobre el destino al que parece que no podemos burlar por mucho que lo intentemos. Un especie de Atrapado por su pasado localizado en esta ex república soviética narrado con una hermosa planificación obra del director de fotografía vasco Gorka Gómez Andreu, con mucho simbolismo, recogido en el título de la película que es el nombre de otro de los grandes protagonistas de la cinta, un barco de pesca.
Levan Tutberidze, director de Moira – Foto: Manu Zapata
PERLAS
IRRATIONAL MAN (Fuera de concurso)
Woody Allen regresa a las pantallas (este próximo viernes se estrena la película) con un híbrido entre la peculiar forma que el director neoyorquino tiene de ver la comedia romántica, al estilo inteligente-y-atractiva-alumna-se-enamora-y-seduce-a-profesor-maduro-y-atormentado-de-filosofía, como en Maridos y mujeres, y la temática en torno a los dilemas morales mucho más trascendentales, como sucedía en Delitos y faltas. Y todo ello sin dejar de hacer referencias musicales, literarias y cinéfilas, con el Hitchcock (onmipresente en este Zinemaldia) de Falso culpable y Extraños en un tren a la cabeza. Joaquin Phoenix debuta a las ordenes de Allen, mientras que la repetidora Emma Stone vuelve a deslumbrar con esos inabarcables y enormes ojos azules y esa voz tan profunda como sensual (el doblaje no hace ninguna justicia a la voz de esta notable actriz).
TAXI TEHERÁN
Jafar Panahi, confinado en su propio país por querer hacer cine vuelve a rodar a su manera sencilla un filme que comienza en tono de comedia y termina, sin perder la sonrisa, siendo una reivindicación ante las trabas que las autoridades iraníes ponen a cualquiera, sea hombre o mujer, que quiera expresarse de manera contraria a la corriente oficial de pensamiento, ya sea a través del cine, la abogacía o en cualquier tipo de campo. A través de un paseo en taxi donde el director se convierte en improvisado conductor radiografía las distintas sensibilidades que se dan entre la gente de Teherán que sube al coche. Cuenta con altibajos en una narración breve y sucinta, aunque deja buen sabor de boca.
HORIZONTES LATINOS
LAS ELEGIDAS
Otro directo al estómago, y ya van unos cuentos en este Zinemaldia. Esta película es una de esas joyas escondidas que acudes a ver sin ninguna referencia anterior y te deja impresionado por la crudeza de una temática que aborda el tema de la trata de blancas entre adolescentes mejicanas y por la manera de plasmar un tema tan espeluznante y crudo con una delicadeza y sensibilidad extremas por parte del director. Simplemente las secuencias que cuentan los encuentros sexuales forzosos de la niña protagonista en el burdel en el que es confinada, en las que el director esconde la imagen, para centrarse en el sonido, ponen los pelos de punta de una manera elegante y respetuosa con el espectador. Esperamos que su calidad la pueda aupar a algunos de los galardones a los que opta; por un lado el Premio Otra Mirada de TVE, que destaca a la mejor película de temática cercana al mundo de las mujeres del festival, y por otro al Premio de la Juventud. Por cierto dos de los productores son Gael García Bernal y Diego Luna. Se exhibió en la sección Une Certain Regard del pasado Festival de Cannes.
ENCUENTROS TCM
Junto a Juan Zavala y con otros compañeros en los encuentros TCM
Como todos los años seguimos disfrutando de esas entrevistas cercanas y amenas que realiza Juan Zavala día tras día, a partir de las dos de tarde en el Club del Victoria Eugenia, a los equipos de las películas de las secciones de Perlas, Nuevos Directores y Zabaltegi. Todo un lujo, por el propio anfitrión y por la oportunidad de conocer y fotografiar a maestros del cine tan cercanos y humildes como Hirozaku Kore-eda, de que hace unos días publicamos esas imágenes con motivo de la proyección de su último trabajo, que lidera la votación del público, Nuestra hermana pequeña.
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SECCIÓN OFICIAL
EL APÓSTATA
Marta Larralde (El apóstata) – Foto: Manu Zapata
Bárbara Lennie (El apóstata) – Foto: Manu Zapata
Equipo de El apóstata (Juan Calot, Marta Larralde, Álvaro Ogalla, Bárbare Lennie, Federico Veiroj) – Foto: Manu Zapata
Original y divertida esta propuesta que trata sobre las dificultades burocráticas de un hombre que quiere apostatar de la iglesia y que se replantea en clave filosófica el sentido de su vida hasta ese momento. Breve, concisa, hecho que es de agradecer, y llena de referencias cinéfilas muy interesantes al cine de Eisenstein (Alexander Nevsky) o al de Orson Welles (El proceso), y con esta de paso a la literatura de Kafka. De lo más refrescante de una Sección Oficial con más nubes que claros hasta el momento, a imagen y semejanza de la meteorología reinante.
Bárbara Lennie (El apóstata) – Foto: Manu Zapata
Marta Larralde y Álvaro Ogalla (El apóstata) – Foto: Manu Zapata
HIGH RISE
Sienna Miller (High Rise) – Foto: Manu Zapata
Luke Evans (High Rise) – Foto: Manu Zapata
Ben Wheatley lleva a la gran pantalla la novela Rascacielos de J.G. Ballard de la que rescata su perturbadora atmósfera y una tesis, un alegato contra el ultra liberalismo capitalista en forma de alegoría en la que el edificio del título se transforma en el microcosmos que refleja a toda la sociedad, que, a pesar de surgir en los setenta, resulta perfectamente aplicable al mundo de hoy. Con una primera mitad que funciona a la perfección, los excesos se van adueñando de la trama y pervierten un resultado final que hubiese sido diferente de haber optado por aligerar temporal y dramáticamente la segunda parte de la cinta. Tom Hiddleston brillante, como siempre, en uno de los muchos papeles arriesgados que escoge.
Tom Hiddlestone (High Rise) – Foto: Manu Zapata
EL NIÑO Y LA BESTIA
Mamoru Hosada – El niño y la bestia – Foto: Manu Zapata
Primera película de animación que se presenta a la Sección Oficial del Zinemaldia. De no ser por unos primeros 55 minutos dubitativos y excesivamente simples dramáticamente hablando, estaríamos hablando de una seria candidata a la Concha de Oro. Muchos podrán decir que no aporta nada nuevo, que se encuentra dirigida a un público eminentemente infantil. Pero el hecho es que a partir de ese punto clave la película ha conseguido tocarnos el alma. Se trata de una hermosa historia que habla de la riqueza que nos han aportado todos aquellos que nos han enseñado y nos han educado, pero también en la huella positiva que nosotros hemos dejado sobre ellos. De lo mejor que hemos visto hasta ahora.
HORIZONTES LATINOS
DESDE ALLÁ
La última ganadora del León de Oro que el Festival de Venecia concede al mejor filme es un trabajo duro, seco, parco en palabras, pero que llega al espectador, lo atrapa y no lo deja hasta el cortante punto final. Un tratamiento estético que juega constantemente con los desenfoques utilizando este elemento de forma narrativa hace que resulte, además, atractiva visualmente. Trata de la tormentosa relación de un hombre que contrata los servicios de chicos de la calle para desahogar sus instintos sexuales, pero que rehuye cualquier contacto físico con ellos, con uno de estos chavales que vive en la Caracas más marginal. Muy recomendable.
PERLAS
TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE
Estos Tres recuerdos de mi juventud comienzan muy bien para acabar desastrosamente y de forma desproporcionada. Los dos primeros segmentos y el principio del tercero resultan muy interesantes, pero el tamaño de este último en relación con el resto y el empecinamiento del director y co guionista de retorcer la historia de amor de los protagonistas da al traste con lo que hubiera podido ser un filme interesante a través de tres recuerdos muy diferentes del protagonista, que introducen tres géneros cinematográficos, tres formas muy distintas de contarlos en imágenes.
VELÓDROMO
EL DESCONOCIDO
En forma de telegrama diremos que se trata de un filme de acción rodado, montado y sonorizado espectacularmente que deja sin aliento a cualquiera que lo vea. Dani de la Torre sabe crear una tensión casi irrespirable de la mano de un gigantesco Luis Tosar. Este próximo viernes llega a las pantallas. La crítica, la próxima semana.
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SECCIÓN OFICIAL
EVA NO DUERME
Equipo de Eva no duerme – Foto: Manu Zapata
Su planteamiento experimental, que mezcla el metraje documental con cuatro secuencias independientes, resulta atractivo para hacer llegar al espectador la evolución de la imagen y el recuerdo que Eva Perón dejó en los argentinos que la amaban, pero sobre todo el incómodo peaje que los vestigios de su fantasma dio a sus detractores y enemigos una vez que lograron el poder, y que los persiguió incluso 20 años después de su muerte. Apreciable propuesta.
AMAMA
Todo lo contrario a la anterior. En este caso su propuesta experimental te va sacando poco a poco de un argumento que no acaba de enganchar. Rodada en euskera, se encuentra a años luz de la magnífica Loreak, que tan agradablemente nos sorprendió el año pasado.
PERLAS
ANOMALISA
Maravillosa sorpresa en forma de película de animación para adultos rodada con la técnica del stop motion. Charlie Kaufman nos toca la fibra sensible con esta obra singular que busca esa persona que en su perfecta imperfección, incluso aunque se trate de una anomalía, nos completa a cada uno de nosotros. Tiene mucho corazoncito dentro de un guión diferente, de esos, como el de Olvídate de mí, que solo salen de la pluma del escritor de cine que más se sale de lo convencional.
HITCHCOCK/TRUFFAUT
Este documental en torno a estos dos genios del cine y al libro que el segundo escribió a partir de las entrevistas que realizó del mago del suspense ha sido uno de los hitos de este Zinemaldia. Literalmente es como leer la obra de Truffaut viendo los fragmentos de película a los que se refiere en cada momento y con la apostilla de los comentarios de grandes del cine práctico y teórico como Scorsese y Bogdanovich, y los agradables descubrimientos de Fincher, Linklater, Anderson o Assayas con sus aportaciones sobre la inconmensurable obra y la genialidad de un tipo como Alfred Hitchcock. Imprescindible para cualquiera que ame el séptimo arte.
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SECCIÓN OFICIAL
21 NOCHES CON PATTIE
Isabelle Carré y Karin Viard – Foto: Manu Zapata
Esta irregular película de los hermanos Larrieu que mezcla el humor negro, con un tono misterioso casi místico, nos ha proporcionado los mejores momentos de lo que llevamos de Festival. Cada intervención de Karin Viard en la película es una fiesta, la pantalla se ilumina al igual que cuando hace mutis por el foro el filme pierde brillo. Las literarias, penetrantes, sensuales y excitantes descripciones de los múltiples y festivos encuentros sexuales de su personaje nos han proporcionado fantásticos momentos que, a pesar de ser su papel secundario, la convierten en candidata a la Concha de Plata a la mejor actriz.
Karin Viard – Foto: Manu Zapata
SPARROWS
El trío protagonista de Sparrows, con Atli Óskar Fjalarsson en el centro – Foto : Manu Zapata
Esta producción entre Islandia, Dinamarca y Croacia cuenta el difícil trance de un adolescente que tiene que ir a vivir con su padre alcoholizado al que hace años que no ve porque su madre deja el país. Una historia muy cruda, muy desgarrada. Contada de forma cortante, minimalista en ocasiones. El protagonista, Atli Óskar Fjalarsson, retrata el aislamiento y la desorientación de este chaval al que las circunstancias hacen que dé el paso de niño a hombre y aprende lo que es la vida en aquella inhóspita zona del mundo donde no se pone el sol de la forma más dura posible. Perfectamente puede ser candidato al premio al mejor actor. La película, sin entusiasmar, es sólida, y deja un poso de amargura y desconsuelo en el espectador.
MI GRAN NOCHE (Fuera de concurso)
Equipo de Mi gran noche – Foto: Manu Zapata
La comedia más loca, desmadrada y disparatada de Alex de la Iglesia, con Raphael como gran atracción dentro de un reparto coral que incluye nombres ilustres como Pepón Nieto, Carmen Machi, Hugo Silva, Blanca Suárez, Mario Casas, Terele Pávez, Carlos Areces o Santiago Segura. Centrada en la grabación de un especial de fin de año retrata como nadie el mundo de la televisión y traspasa la pequeña pantalla para, con sus grotescos personajes, trasponer ese dibujo a la sociedad podrida y corrupta que vemos día a día, por desgracia, en los titulares de la prensa. Cuenta con referencias a películas como La guerra de las Galaxias o El guateque, pero además hay alusiones de una u otra manera a ilustres de la canción y el espectáculo como Julio Iglesias, Rocío Jurado, Chayanne y el mismísimo José Luis Moreno, el rey midas de los especiales de nochevieja. Carcajadas aseguradas.
Blanca Suarez – Foto: Manu Zapata
Aquí tenéis la rueda de prensa de presentación de Mi gran noche. Atentos a partir del minuto 26 y 45 segundos.
PERLAS
ME, EARL AND THE DYING GIRL (YO, ÉL Y RAQUEL)
Va a ser la película independiente del año. Ya triunfó en Sundance y lo va a hacer sin duda en su desembarco en Europa. Mezcla comedia y drama en un cóctel donde, para este que escribe, destaca profusamente la primera sobre el segundo. En el momento en que las cosas se ponen un poco serias el filme, desgraciadamente, deja de enganchar tanto y se ve con un poco de lejanía. A uno le hubiese gustado entrar en la película y emocionarse como tantos que tenía alrededor durante la proyección. El hallazgo de la película son los alocados remakes en forma de cortometrajes de títulos imposibles de clásicos del cine de ayer y de hoy. Si os quedáis hasta el final de los créditos aparecen uno a uno los títulos de todos ellos.
LA ASESINA
A modo de telegrama, planos de una belleza Stendhaliana, una estética epatante, inefable, para una película contada a hachazos, con un hilo narrativo imposible de construir, recordando al peor Terrence Malick, el de To the wonder.
NUESTRA HERMANA PEQUEÑA
La nueva joya de Hirozaku Kore-Eda, tras De tal padre, tal hijo. En esta ocasión traspone a la gran pantalla una novela gráfica de estilo manga Unimachi diary, que es la historia de tres hermanas que recogen y llevan a vivir con ellas a su hermanastra tras el fallecimiento de su padre. Una historia femenina de cabo a rabo, con estas cuatro jóvenes como protagonistas, pero con varios personajes femeninos de peso en la trama. Y todo ello contado con la sensibilidad y esa forma tan armónica que tiene de narrar un maestro Kore-Eda.
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En esta edición del Zinemaldia nos está resultando complicado, y a veces imposible, asistir a los photocalls de las películas de la sección oficial y los de las secciones paralelas por la insistencia de la organización de colocarlos en los horarios de los pases, así que, por desgracia no vamos a tener tantas fotos de los equipos de las películas como en otras ediciones, pero estad tranquilos que cuando uno va con la cámara en ristre siempre se encuentra con alguna sorpresa agradable que acercar a estás páginas.
Lo apretado de la programación, que ya nos obliga a hacer encaje de bolillos para poder ver el cine más interesante que se proyecta en el Festival, nos deja muy poco tiempo para nuestra cita diaria, así que en esta edición os vamos a hacer llegar nuestras impresiones sobre las películas más notables en forma de pildoritas, casi en forma de telegrama.
Ahí van las píldoras de hoy, que son unas cuantas, y alguna muy jugosa.
SECCIÓN OFICIAL
TRUMAN
Cesc Gay y Javier Cámara Foto: Manu Zapata
El director catalán Cesc Gay confirma una vez más que lo suyo es contar historias. La forma en que te penetra la historia poco a poco nos deja una sensación más que agradable, la que te dejan los cuentos bien contados. Aunque no salgamos tremendamente entusiasmados, este canto a la amistad y a la vida de un enfermo de cáncer terminal (tema muy en boga en la reciente cartelera) nos llega, nos toca y nos hace ver el buen director de actores que es Gay. Con un Javier Cámara casi perfecto y un Ricardo Darín superlativo, amén de los numerosos cameos de lo mejorcito del panorama cinematográfico español. Ya tenemos un par de candidatos al premio al mejor actor.
Ricardo Darín Foto: Manu Zapata
SUNSET SONG
Terence Davis regresa a San Sebastián tras The deep blue sea, presentada hace tres ediciones. En esta ocasión narra la historia de una joven de la Escocia más profunda de principios del siglo XX que no se contenta con el papel que una sociedad profundamente machista tiene reservada a las mujeres. Davis retrata su obra de un moda clásico, y la fuerza tanto del inicio de la película como de la interpretación de la protagonista sustentan el filme durante la primera hora, para adolecer posteriormente de un exceso de metraje. Lo más destacable la hermosa fotografía y el trabajo de la desconocida Agyness Deyn, a tener en cuenta en la categoría de mejor actriz.
Terence Davies Foto: Manu Zapata
EVOLUTION
Este trabajo dirigido por la francesa Lucile Hadzihalilovic podría perfectamente presentarse en el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Casa más allí que aquí. Recuerda tremendamente a Quién puede matar un niño, la obra maestra de Chicho Ibáñez Serrador, tanto en lo formal, con esa estética minimalista en ese pueblecito costero, como en lo argumental. En esta ocasión lo inquietante vuelve a venir de seres aparentemente adorables, como lo eran los niños en la citada película o los pájaros en el filme homónimo de Hitchcock. Aquí son las madres y las enfermeras los elementos que van a sembrar la inquietud en el espectador. Su principio un tanto dubitativo casi nos hace desertar y bajar el nivel de atención, pero cuando el argumento va cobrando sentido aumenta el interés. De todos modos se desarrolla de modo irregular para culminar de forma poética, tras una estética visual un tanto descarnada, dejando un sabor de boca agradable.
Max Brebant – Foto: Manu Zapata
PERLAS
SICARIO
Denis Villeneuve, Emily Blunt, Benicio del Toro – Foto: Manu Zapata
Con decir que al final de la proyección de prensa se ha escuchado un silencio sepulcral está dicho todo. Y no se correspondía con indiferencia hacia el nuevo trabajo del canadiense Denis Villeneuve, sino con el mazazo final de una película que exuda realismo por los cuatro costados. Hay veces que sería preferible algo de edulcoración, pero esto es precisamente lo que hace grande a esta disquisición moral sobre los límites en el uso de la ley, o directamente sobre el hecho de traspasarla, dejarla atrás, ignorarla, para, supuestamente conseguir acabar con un mal mayor al que se va a provocar al burlarla. Benicio del Toro deja sin palabras en una nueva interpretación brutal. Pero es Emiily Blunt, en un papel protagonista, complejo, que va más allá del cine de acción para centrarse en la faceta realista que tiene la historia, la que demuestra que se mueve con agilidad en cualquier tipo de registro entre el drama, la comedia o el citado cine de acción.
Emily Blunt- Foto: Manu Zapata
HORIZONTES LATINOS
EL CLUB
El chileno Pablo Larraín tras una obra maestra como No y una obra notable como Gloria nos asesta un puñetazo en el estómago con esta cruda historia sobre la trastienda más tétrica de la iglesia, en una historia donde nadie queda libre de pecado. Refleja la complejidad de una situación incómoda para todo el mundo y que describe situaciones que ponen la carne de gallina cuando un enviado del Vaticano es enviado para cerrar una casa de retiro en la viven recluidos sacerdotes que han abusado de la confianza de los hábitos para cometer los hechos más execrables, abuso de menores, colaboración con el régimen de Pinochet. Seca, dura, pero magnífica.
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El día ha amanecido soleado el la bella Easo para recibirnos un año más. Tras los trámites habituales para acreditarnos hemos asistido a la primera de las colas para acceder al pase del filme que va a inaugurar esta sexagésimo tercera edición del Festival de Cine de San Sebastián.
Una sala totalmente abarrotada ha asistido a la proyección del último trabajo de Alejandro Amenábar. La platea, en la que nos encontrábamos mezclados prensa especializada, profesionales y público en general, ha acogido la película con aplausos, sin mayores alharacas. No ha habido una atronadora y prolongada ovación.
SECCIÓN OFICIAL
REGRESIÓN (PELÍCULA INAUGURAL)
Amenábar ha querido regresar a terreno conocido, como decía Hitchcock, tras el fiasco comercial de Ágora, su ambicioso último proyecto. Ha vuelto al cine de género, en este caso de misterio con toques de terror, ese que le ha dado tantas alegrías en el pasado gracias a Los otros, Abre los ojos o Tesis, a la que hace un pequeño guiño en forma de referencia puntual a las snuff movies.
El tono de la historia casa con un acabado visual que recuerda por momentos a Seven, gracias los matrices oscuros, incluso en los planos más luminosos, de una fotografía muy contrastada. El punto de partida se sitúa en 1990, en un pueblecito de la América profunda, donde acaban de detener a un hombre acusado de haber abusado de su hija, a pesar de que él alega no recordar nada de lo sucedido. Segundos antes, a través de rótulos, se nos ha advertido de que desde principios de los 80 en Estados Unidos hay informaciones que hablaban de rituales satánicos. El detective encargado de la investigación (Ethan Hawke), con ayuda de un psicólogo (David Thewlis),intenta profundizar en lo que parece algo más de lo que las apariencias indican.
El realizador consigue crear una atmósfera en la que introducir con facilidad al espectador para conseguir llevarle, sin altibajos rítmicos, de la mano, por el intrincado camino que sigue el protagonista. Juega constante e inteligentemente con lo que el aspecto de los intérpretes puede transmitir de la personalidad de sus personajes y acierta de pleno al no tratar de dar excesivas vueltas de tuerca a una historia que podía prestarse a ello. El regusto agradable que nos queda cuando comienzan a aparecer los créditos finales es consecuencia directa de la decisión de dejar de lado los fuegos artificiales y la doble pirueta con la que finalizaban sus guiones en otras ocasiones. Notable regreso de un Amenábar que demuestra que se mueve como pez en el agua rodando en inglés y con actores de la categoría de Hawke, Thewlis y una Emma Watson, que progresa adecuadamente y demuestra, tras la fascinante Las ventajas de ser un marginado, que ya ha dejado atrás, definitivamente, a la Hermione de Harry Potter,
Alejandro Amenábar . Foto: Manu Zapata
En la rueda de prensa vespertina Alejandro Amenábar ha contestado a cuantos hemos tenido a bien inquirirle sobre su película o sobre aspectos del cine en general, como ha sido el caso de este que escribe (atentos a partir del minuto 15:30 de la rueda de prensa). Como dato curioso ha querido aclarar, acotado por uno de sus productores Fernando Bovaira, el porqué del retraso de su estreno en Estados Unidos previsto para el 28 de agosto. Van a llegar durante este mes de septiembre y en octubre y noviembre a la práctica totalidad de la geografía europea y según cómo funcione la película se fijará fecha para el desembarco estadounidense de la cinta.
NUEVOS DIRECTORES
PIKADERO
Con Pikadero nos hemos encontrado ante una singular comedia romántica que pivota toda ella en torno a la gran actriz que eclipsa a todo lo que tiene alrededor: Bárbara Goenaga. Narra la historia casi literal de un coitus interruptus, una relación amorosa que por distintas circunstancias no puede ser culminada ante la imposibilidad de contar con el espacio donde hacerlo, el picadero del título. Una película simpática, original, en la que la protagonista salva la insipidez de su partenaire masculino.
Bárbara Goenaga. Foto: Manu Zapata
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Otro año más vivazapata.net va a acudir a Donosti para acercar a todos sus lectores, a todos vosotros, lo más destacado de lo que va a acontecer en el Zinemaldia. La información estará centrada en la sección oficial, sin olvidar todas esas sorpresas en forma de buen cine que nos encontremos en otras secciones. Esperamos que lo disfrutéis tanto como nosotros.
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Ma ma supone el regreso del Medem clásico. Del mejor Medem. El de La ardilla roja o Los amantes del círculo polar. Aquel que había quedado difuminado entre las costuras de sus últimos trabajos. Aunque tal vez el adjetivo clásico no sea el correcto para definir la singular voz del cineasta donostiarra en su inspirada primera etapa. El que nos dejó obras más o menos irregulares como Caótica Ana o Habitación en Roma no era sino un sucedáneo. Celebramos la vuelta del genuino Medem. Con sus juegos de palabras llenos de dobles sentidos, en la polisemia del título sin ir más lejos, su metaforismo exacerbado, pero elegante, ese toque psicológico y profundo que adquiere la situación más nimia cuando pasa por su original tamiz y, en lo particular de esta historia, la visión diferente, en positivo, de un tema tan espinoso que, aunque sea de refilón, nos ha tocado a todos de una u otra manera: el cáncer de mama.
Lo que aquí se nos cuenta es el proceso que sigue la enfermedad y las huellas que deja sobre una mujer con un marido ausente y un hijo a su cargo desde el momento cero, el del fatal diagnóstico: una Penélope Cruz magnífica, omnipresente en cada segundo de metraje, que aporta todos los matices y alguno más a esa Magdalena que se niega a llorar por su complicado destino. Junto a ella, sobrio, pero lleno de sensibilidad, Luis Tosar, y el televisivo Asier Etxeandia, en un personaje tan tierno como sorprendente.
Por más que de este planteamiento pudiésemos esperar algo oscuro, tenebroso y triste, lo que nos encontramos, en cambio, es una película alegre, clara y luminosa, teñida de blanco de principio a fin. Un blanco que puede resultar gélido en ocasiones, pero blanco al fin y al cabo. Las paredes del hospital, la decoración de las casas, la lechosa luz que impregna todo y que se acentúa con la sobre exposición de cada uno de los planos, hasta la camiseta del Real Madrid, todo es de un blanco relucientemente atómico. Una aproximación diferente, al inconfundible estilo Medem, a una temática que podría haber derivado en un dramón de lágrima a moco tendido y que sin embargo es capaz de emocionarnos.
El acabado visual recuerda con profusión a momentos tanto de Lucía y el sexo como de Los amantes del círculo polar. Más allá de la luz y los colores, que también, es la caligrafía fílmica, los puntos y las comas que regulan la rítmica sucesión de planos, la culpable del déjà vu. Esa manera de avanzar y retroceder en la narración mediante el montaje, que aporta subtextos, entrelineados y apostillas a lo que se nos está contando, surge de las manos de Iván Aledo, colaborador habitual del guipuzcoano, en el que Medem vuelve a confiar tras el empecinamiento de querer asumir esta tarea en solitario. Uno de los factores clave en este renacimiento artístico, sin ningún lugar a la duda, es la reunión de estas dos creatividades que forman una sinergia perfecta, cual matrimonio bien avenido, sumando mucho más juntos que por separado.
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Ma ma
Dirección y guión: Julio Medem
Intérpretes: Penélope Cruz, Luis Tosar, Asier Etxeandia
Música: Alberto Iglesias
Montaje: Iván Aledo, Julio Medem
Fotografía: Kiko de la Rica
Duración: 111 min.
España, 2015
El fracaso no es una opción. La polisemia de esta sencilla sentencia compendia diversos temas importantes que se mueven en torno a esta película. El primer significado, el más evidente, nos dice que nos encontramos ante un producto diseñado para romper taquillas cuya ambición se extiende más allá de nuestras fronteras: todos los rótulos que aparecen en pantalla se encuentran en inglés e incluso podemos advertir que los personajes mueven los labios en la lengua de Shakespeare. Su éxito en España queda fuera de toda duda, gracias a la insuperable maquinaria de propaganda de Telecinco Cinema, que vaya a triunfar allende los mares ya es harina de otro costal.
Una segunda acepción de la frase que titula este comentario surge al hilo de su repetida, insistente y machacona presencia en boca de los protagonistas. La expresión define el carácter típicamente estadounidense que el cine ha convertido en tópico recurrente. Un guiño al espectador yanqui hubiera resultado aparente e incluso conveniente de cara a la carrera comercial de la cinta, pero tamaña reiteración, sumada a varias referencias que persiguen similar propósito, simplemente deja en evidencia al que trata de ser más papista que el Papa en el terreno de los que intenta emular.
De esta forma la bandera del título no podría ser otra que la de las barras y estrellas. La misma que plantó la misión Apolo XI en la luna y la que un extravagante multimillonario quiere retirar de allí mediante una expedición que pretende desacreditar la gesta conseguida en 1969. Mike Goodwing, un joven surfista descendiente de una saga de astronautas, y sus amigos Marty y Amy intentarán abortar los perversos propósitos del excéntrico magnate.
Si bien la perfección formal del filme hace que se le pueda equiparar a lo mejor que ha surgido de tierras californianas para situarlo sin ninguna duda en el firmamento en cuanto a cine de animación español se refiere (muy por encima de trabajos como Planeta 51, o la anterior incursión de este mismo equipo, Las aventuras de Tadeo Jones), en lo tocante al tratamiento de las tramas se encuentra a años luz de lo que Hollywood ha alumbrado en los últimos años.
Amén del batiburrillo de referencias televisivo-fílmicas que en forma de refrito trufan el libreto de Atrapa la bandera, este equipo todavía arrastra las pesadas rémoras de su anterior guión repleto de estereotipos mal entendidos. Aunque ha superado muchos de esos puntos flacos, el hecho de que a estas alturas del siglo XXI los personajes femeninos no pasen de ser meras comparsas en el argumento, apoyo de sus partenaires masculinos o simplemente chicas en biquini en la revista Sports Illustrated dice muy poco de cara a lo que se va a transmitir a tantas niñas y niños, futuros espectadores que van a acudir en masa a los cines.
Ya se ha adquirido la pericia técnica, pero todavía hay mucho que aprender de una industria liderada por la gente de Pixar y de obras maestras como la reciente Del revés, sobre todo en lo que al contenido se refiere.
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Copyright imágenes © 4 Cats Pictures, Lightbox Entertainment, Telecinco Cinema, Telefónica Studios. Cortesía de Paramount Pictures España. Reservados todos los derechos.
Atrapa la bandera
Dirección: Enrique Gato
Guión: Jordi Gasull, Neil Landau, Javier López Barreira
Intérpetes (voces): Dani Rovira, Michelle Jenner
Música: Diego Navarro
Duración: 97 min.
España, 2015
Cut Bank, Montana; el pequeño pueblo del que parece imposible salir y que desea fervientemente dejar atrás la pareja protagonista de esta película para perseguir un futuro mucho más prometedor. La localización (y el clima asociado a ella) como personaje. Concepto tomado prestado del cine de los hermanos Coen que cobra una relevancia inusitada en sus mejores thrillers: el cruce de Miller (título original de Muerte entre las flores), da nombre al paraje donde concluían los macabros paseos campestres de la mafia irlandesa; en Fargo, Dakota del Norte, la nieve y el frío presagiaban el desastre; la asfixiante canícula y la humedad texana de Sangre Fácil desataban la sospecha y la desconfianza.
La atmósfera que Matt Shakman ha sabido crear para narrar esta historia y el guión del que parte, firmado por Roberto Patino, parecen impregnados de esa admiración por los responsables de estas obras clave en el neo noir. Tanto, que han revestido su filme con un tono de thriller que surge de la cotidianidad de un pueblecito perdido en medio de la América profunda, tomando prestados para ello unos diálogos bañados en esa oscura comicidad marca de la casa. Si tuviésemos que describir esta cinta en términos coenianos nos encontraríamos, sin duda, ante un Fargo contado con el minimalismo de Sangre Fácil.
Cut Bank narra el embrollo en el que se ve metido un joven mecánico (Liam Hemsworth) después de grabar en vídeo el asesinato de un cartero de forma accidental y tratar de cobrar la recompensa que el servicio de correos ofrece en estos casos.
La minuciosidad con la que se dibuja la impagable galería de personajes que pueblan el relato le otorga ese toque de personalidad que hace del buen cine independiente un divertimento necesario e imprescindible. El sheriff (John Malkovich), un fulano peculiar con un código de comportamiento y una manera de hablar que recuerda tremendamente a su homóloga embarazada, Frances McDormand, en Fargo (sobre todo cada vez que no puede evitar vomitar al encontrar un cadáver), el inspector de correos (Oliver Platt), que no para de soltar improperios, el enfermero que cuida del padre del protagonista mientras hace punto de cruz o el tipo raro del pueblo, que da tan pocas señales de vida que todo el mundo le cree muerto, son algunas de las teselas de este mosaico formado por los habitantes de tan singular microcosmos cuya presentación anima el inicio de una trama que al poco da la sensación de atascarse.
El único pero que puede achacarse a este primer trabajo en cine de un realizador prolíficamente televisivo radica en ese valle de atención que nos encontramos a la altura de la media hora inicial, momento en el que el argumento parece dar vueltas sin poder llegar a ningún lugar. Es en ese instante cuando un giro de 180 grados consigue sorprendernos y volver a engancharnos hasta un final brillantemente resuelto. Todo ello sin abandonar el ritmo tranquilo de la narración, el que transmite la población de Cut Bank, Montana.
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Cut Bank
Dirección: Matt Shakman
Guión: Roberto Patino
Intérpretes: Liam Hemsworth, John Malkovich, Billy Bob Thornton
Música: James Newton Howard
Duración: 93 min.
Estados Unidos, 2014
¡Viva Zapata! 