¡Viva Zapata!

Un tipo trajeado se pasea delante de otros cinco ajustando detalles de su indumentaria y atusando el cabello grasiento y repeinado de alguno que otro. Señores, somos comerciantes. El comercio es un arte. No consiste únicamente en poner un pie en la puerta. Lo que importa es el espectáculo, la grand opéra. Cuando terminéis, vuestros clientes deberían arrodillarse y rogar que les permitáis comprar algo. Y nunca lo olvidéis, Hitler ha muerto, pero nosotros seguimos vivos.

Nos encontramos en la Alemania de posguerra, en 1946, recién terminado el conflicto mundial y con los horrores cometidos por el nazismo todavía presentes. Quienes tenemos en pantalla son judíos residentes en un Campo de Desplazados estadounidense de Frankfurt, supervivientes de los espeluznantes recintos de exterminio dominados por los militares germanos hasta el año anterior, que se organizan para intentar ganar algo de dinero con el que poder dejar esa tierra fuente de tanto sufrimiento. Si han de aprovecharse del sentimiento de culpa del pueblo alemán o utilizar argucias que explotan la picaresca es algo que, dado el contexto histórico, consideran lícito y moralmente justo.

Aunque la reflexión más importante propuesta por el filme se encuentra en la trama paralela que compone su parte más interesante. El interrogatorio a David Bermann, cabeza pensante del grupo, mediante el que una agente especial del ejército de Estados Unidos trata de determinar si fue o no colaborador de los nazis. A partir de esta línea argumental se articula un conmovedor discurso acerca de la importancia del humor en la vida de cualquiera de nosotros sin importar lo terrible de las circunstancias que nos rodeen.

Con un tono preciso y medido, el guión consigue hacernos reír y emocionarnos sin resultar ofensivo en ningún momento. Maneja con suma delicadeza  situaciones que podrían violentar e incomodar al público por lo cruel de su naturaleza y tiene en cuenta, como reza el rótulo inicial, que se trata de una historia real y que lo que no es inexacto del todo sigue siendo correcto.

La película juega inteligentemente con este buscavidas capaz de vender arena en el desierto, brillantemente encarnado por Moritz Bleibtreu, y coloca a la audiencia en la piel de la oficial que le investiga, que no termina de creerse nada de lo que este le cuente porque de puro hilarante resulta absurdo e inverosímil. El relato de Bermann aparece tan atractivo que incluso cuando el metraje vuelve por otros derroteros querríamos que la cámara se quedase allí para averiguar cómo continúa.

El hecho de tomar la forma de una fábula no implica que lo narrado carezca de fuste. Así lo atestiguan la imagen de ese perro al que le falta una pata, compendio de las heridas externas pero sobre todo de las secuelas invisibles que cada uno de los allí reflejados acarrea, o esa ambigüedad conscientemente buscada pero que encierra una verdad palmaria resumida en una sentencia digna de la elocuencia del protagonista. Si uno no adorna la vida con mentiras la realidad sería insoportable. Sin chistes, estaría muerto.

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Bye Bye Germany

Dirección: Sam Garbarski

Guión: Michel Bergmann y Sam Garbarski, a partir de las novelas del primero

Intérpretes: Moritz Bleibtreu, Antje Traue, Mark Ivanir

Música: Renaud Garcia-Fons

Fotografía: Virginie Saint-Martin

Duración: 102 min.

Alemania, Luxemburgo, Bélgica 2017

Nino, una princesa cristiana ortodoxa, Alí, un noble musulmán, y Malik, su mejor amigo, componen los vértices de un triángulo amoroso que no es tal. La recta que une a los enamorados del título supone tal vínculo que cualquier punto externo a ella forma parte de una geometría imposible.

Alí y su familia, asentados en Bakú, capital de una provincia orientada hacia Asia cuya riqueza petrolífera se convertirá en fuente de futuras desdichas, forman parte de la élite de Azerbaiyán. Nino, hija de los duques Kipiani, nombrados príncipes de Georgia por el Zar Nicolás II, vive en un Tiflis que en 1914, en los albores de la Primera Guerra Mundial, adopta un cosmopolitismo a la europea. Malik, el tercero en discordia, es un armenio que se ha buscado la vida lejos de sus orígenes. Estos tres territorios, pertenecientes a la Rusia imperial, sufrirán tremendos vaivenes en un breve lapso temporal. La narración, a través de rótulos, subraya la importancia de una cronología que marca el segundo leit motiv de la cinta: la búsqueda de la independencia por parte de Azerbaiyán. Así, el contexto histórico adquiere una relevancia que, por momentos, se impone al conflicto entre los personajes convirtiendo la geopolítica en elemento vertebrador del argumento.

Alí y Nino, novela nacional azerbaiyana escrita bajo pseudónimo en 1937, refleja una búsqueda de la verdad y la reconciliación tras un convulso trance a través de la convivencia de términos aparentemente antitéticos como islamismo y cristianismo, oriente y occidente, tradición y modernidad, experiencia y juventud y la figura del hombre y la mujer en la sociedad de la república en la década de 1910. El guión ha sabido recoger ese legado que transmitía valores muy adelantados a su tiempo.

El hecho de que una de las impulsoras del proyecto sea hija del actual presidente del país emparenta este filme con uno de similares características, La promesa, que buscaba dar visibilidad al genocidio armenio ocurrido en Turquía precisamente en las mismas fechas en que se desarrolla Alí & Nino. En este caso se ha corrido mejor suerte en lo artístico debido tanto a la consistencia del texto en el que se sustenta el largometraje como a la elección de un equipo encabezado por tres premios Óscar. Asif Kapadia en la dirección, documentalista premiado por Amy, que glosaba la trágica figura de Amy Whinehouse, Christopher Hampton, brillante adaptador cuyo guión para Las amistades peligrosas le encumbró al principio de su carrera, y Dario Marianelli, que vuelve a maravillarnos con una preciosa partitura al nivel de la de Expiación.

La clave para que esta película funcione como un todo la encontramos en el equilibrio logrado entre la trama romántica y la política, que discurren de manera fluida con total naturalidad. La elección de un elenco internacional no ha supuesto un elemento distorsionador. La cohesión del reparto y, sobre todo, la química entre la pareja protagonista, la española María Valverde y el palestino Adam Bakri, en su segundo trabajo tras su magnífico debut en Omar, aportan credibilidad a un interesante fresco histórico.

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Alí & Nino

Dirección: Asif Kapadia

Guión: Christopher Hampton, según la novela Alí y Nino de Kurban Said

Intérpretes: Adam Bakri, María Valverde, Mandy Patinkin

Música: Dario Marianelli

Fotografía: Gökhan Tiryaki

Duración: 100 min.

Azerbaiyán, Reino Unido, 2016

1944. Junio. Francia continúa bajo la ocupación Nazi. Los aliados necesitan liberar al país galo si quieren tener alguna posibilidad de poner fin de manera satisfactoria a la Segunda Guerra Mundial. Litoral sur de Inglaterra. El viento se arremolina. Las olas rompen contra las rocas. Winston Churchill embutido en su traje negro pasea junto a la orilla. Baja la mirada. Una marea de sangre rodea sus zapatos. Su sombrero vuela y queda flotando lejos de su alcance. Paralizado observa cómo su mujer lo recoge y se lo acerca. Las playas me llevan treinta años atrás. ¡Cuántos hombres jóvenes! ¡Cuánto desperdicio! No permitiré que se repita. La imagen destiñe. Blanco y negro. Cadáveres y alambradas sobre la arena mientras se adentra en su peor pesadilla.

Los terribles remordimientos no han dejado de atormentarle. En 1915, bajo su mando, cientos de miles de soldados perdieron la vida en el desembarco de Gallipoli; una de las más terribles carnicerías acaecidas en la Primera Guerra Mundial. Cuatro días antes del día D y abrumado por el peso de la responsabilidad y de lo que sus conciudadanos esperan de él, se opone frontalmente a la Operación Overlord, los planes de Estados Unidos para realizar un ataque sorpresivo similar en las playas de Normandía. Esta película nos va a narrar las cavilaciones de un demacrado y dubitativo líder venido a menos en ese pequeño lapso de tiempo que precedió al momento clave del conflicto en Europa.

Quien espere un filme biográfico al uso o un largometraje bélico no va a encontrar nada de eso en esta, sin embargo, muy interesante semblanza del polifacético político inglés. De inicio, un Churchill obsesionado con su propia grandeza histórica aparece agotado por un lustro de cruenta contienda y aquejado de una profunda depresión. Una sombra del héroe que años antes hizo frente con bravura al Blitzkrieg, la guerra relámpago de Hitler.

La singularidad de este trabajo radica en su intención de mostrar algo nunca visto antes. Cómo la figura pétrea de un Primer Ministro vigoroso e inexpugnable, la que ha quedado en los anales, comienza a resquebrajarse. En un afán claramente introspectivo, el realizador australiano Jonathan Teplitzky analiza la flaqueza del mito, los fantasmas de un hombre al borde del colapso físico y mental, ninguneado por Eisenhower, Montgomery e incluso por su propio estado mayor, y únicamente apoyado por su esposa Clementine, auténtica espina dorsal y figura imprescindible sin la que no habría alcanzado los logros que le reportaron respeto y admiración en todo el mundo.

La sombra del anterior trabajo de Teplitzky, Un largo viaje, se encuentra presente en cada fotograma de esta cinta, hecho que queda subrayado por la sensibilidad y la crudeza con la que se acerca a la tormentosa relación de la pareja debido a la inestabilidad emocional del futuro Premio Nobel de Literatura. Los momentos más emotivos e impactantes surgen de este precioso duelo interpretativo entre dos grandes del cine británico como Miranda Richardson y Brian Cox, soberbios ambos en su encarnación del matrimonio Churchill.

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Copyright imágenes  © Salon Pcitures, Tempo Productions Limited, Head Gear Films, Metrol Technology. Cortesía de A Contracocrriente Films. Reservados todos los derechos.

Churchill

Dirección: Jonathan Teplitzky

Guión: Alex Von Tunzelmann

Intérpretes: Brian Cox, Miranda Richardson, John Slattery

Música: Lorne Balfe

Fotografía: David Higgs

Duración: 105 min.

Reino Unido, 2017 

1983. Georgia. Fotografías en blanco y negro de varias pistolas numeradas con tiras de papel resultado de una operación policial. Una voz pétrea irrumpe. Algunos de estos jóvenes destacaban por su talento, ¿pero realmente lo valoraban? En las imágenes de los registros de detención podemos reconocer a siete personas. El presentador del informativo continúa. El gobierno socialista les dio la oportunidad de estudiar música, arte e idiomas. A cambio invirtieron esa habilidad y energía en asesinar a gente inocente. Y termina por sentenciar. Serán castigados.

Apenas unos días antes Nika y Anna preparan su boda, acontecimiento que les servirá como tapadera para escapar de la Unión Soviética. Aprovechando el viaje de novios desde Tiflis a la localidad costera de Batumi planean, junto a otros dos amigos de familia acomodada como ellos y tres hermanos estonios, secuestrar el vuelo comercial que los traslade y aterrizar en la vecina Turquía.

Tras asistir al prólogo de esta historia real parece evidente que las cosas no salieron como tenían previsto. El revelador inicio indica que el QUÉ no es lo importante. El director Rezo Gigineishvili, georgiano cuyos padres pertenecían a la élite soviética, centra su película en el POR QUÉ. Cuáles fueron las razones que llevaron a estos chicos de clase alta a llegar al extremo de apresar un avión y matar a personas por un deseo de libertad, algo que desde el prisma de quien vivió lo acontecido in situ resultaba muy difícil de comprender.

Uno de los puntos fuertes del filme que lo hace singular y diferente reside en el punto de vista a partir del que se analiza el incidente. La perspectiva de alguien que asistió a todo aquello en el propio escenario donde acaeció y que ahora acomete la labor de transmitirlo de forma cuasi documental, de la manera más objetiva posible, echando mano de relatos y testimonios que ha ido recabando, convierte la cinta en algo tremendamente valioso. El mismo lance en manos de un gran estudio estadounidense habría adolecido de un marcado sesgo ornado de espectacularidad y grandilocuencia formal.

Más allá de unos hermosos planos secuencia que ayudan a retratar momentos de absoluta felicidad de Nika, como el baile de su boda, esa huida del maniqueísmo, a pesar de la cercanía física y temporal con lo ocurrido, el uso de intérpretes no profesionales y la sobriedad y austeridad de la realización, prescindiendo de música que condicione al espectador, de un montaje picado y de todo elemento que glorifique la violencia, es lo que realmente impacta al público.

Esa elección narrativa, además de emparentar con la parquedad del acercamiento de Paul Greengrass al 11-S en United 93, concede a esta película el crédito de asomarse a un suceso todavía controvertido en aquella ex república soviética ofreciendo a la audiencia información suficiente para que cavile, al igual que quien se coloca tras la cámara, acerca de los condicionantes que desencadenaron unos sucesos tan luctuosos como las consecuencias que acarrearon a todo el que, directa o indirectamente, se vio involucrado en ellos.

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Copyright imágenes  ©  Inkfilm, 20 Steps Productions. Cortesía de Karma Films. Reservados todos los derechos.

Rehenes

Dirección: Rezo Gigineishvili

Guión: Lasha Bugadze y Rezo Gigineishvili

Intérpretes: Irakli Kvirikadze, Tinatin Darakishvili, Avtandil Makharadze

Fotografía: Vladislav Opelyants

Duración: 103 min.

Georgia, Rusia, Polonia, 2017

Madre e hijo, Oso de Oro en Berlín 2013, colocó en el mapa al rumano Calin Peter Netzer. La crónica de la defensa a ultranza de su vástago por parte de esa mujer tan sobreprotectora a través de un estilo minimalista y, sobre todo, las hechuras de su magnífica secuencia final, hacían de este tipo un realizador a seguir. Este, su siguiente trabajo, también ha pasado por la sección oficial del certamen germano, cosechando un muy merecido galardón al montaje que reconoce su función clave a la hora de confeccionar el elaborado relato que se nos presenta.

Toma y Ana coinciden en la facultad de literatura y se enamoran rápidamente. Ese inicio tan fogoso y pasional comienza a salirse de los límites de lo convencional debido a las continuas depresiones de ella y a las destructivas situaciones de ambos con sus respectivas familias. Amén de las evidentes tiranteces que se producen con su progenitor, Toma se encuentra unido a su madre de manera similar a la descrita por el anterior largometraje de Netzer. De igual forma, algo oscuro parece rodear el modo en que Ana trata a Igor, su padrastro.

En un momento dado, sin solución de continuidad, el protagonista aparece en un diván conversando con su terapeuta. Su evidente cambio de estilismo capilar nos da a entender que lo que acabamos de ver corresponde al contenido de esa charla en la que relata aspectos de su vida ubicados en un pasado un tanto lejano.

Llegado este punto comenzamos a vislumbrar la alambicada estructura del filme. Inteligentemente, director y montadora han dosificado la información de modo que la cinta en sí supone una sesión de psicología en la que cada secuencia corresponde a un fragmento de la historia de esta pareja que el paciente narra al facultativo, distintos instantes no ordenados en el tiempo a partir de los que el espectador pueda aventurar un diagnóstico para este complejo problema relacional.

El estilo directo, crudo y realista escogido infiere personalidad y transmite dramatismo. De manera completamente natural, como si fuese la vida misma, para que el público no relativice el discurso como si se tratase de una ficción y se sienta interpelado y afectado por lo que se le está contando. Con un par de secuencias que llaman la atención por lo explícito de su contenido, una de ellas en el terreno sexual y otra en el escatológico, que se antojan necesarias para comprender la naturaleza del vínculo de dependencia que centra el argumento. Una especie de Síndrome de Munchausen por poderes entre dos adultos en el que una parte no hace por curar los males físicos o mentales de la otra para que sus cuidados se hagan absolutamente necesarios.

Todo esto forma parte del rigor con el que se han abordado los aspectos psicológicos, analizando además del onirismo y sus significados ocultos elementos referidos al complejo de Wendy, que rodean una relación viciada, enfermiza en origen, que no seremos capaces de discernir hasta que a la conclusión podamos ir casando todas las piezas del rompecabezas.

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Copyright imágenes  ©  Parada Film, Augenschein Filmproduktion, Sophie Dulac Productions. Cortesía de Golem Distribución. Reservados todos los derechos.

Ana, mon amour

Dirección: Calin Peter Netzer

Guión: Calin Peter Netzer, Cezar Paul-Badescu y Iulia Lumanare, inspirado en la novela de Cezar Paul-Badescu, Luminita, mon amour

Intérpretes: Diana Cavaliotti, Mircea Postelnicu, Carmen Tanase

Fotografía: Andrei Butica

Montaje: Dana Bunescu

Duración: 125 min.

Rumanía, Alemania, Francia, 2017

1864, Virginia, tercer año de la Guerra de Secesión estadounidense. Una niña que recoge setas entre las encinas del sur encuentra malherido a un soldado del norte y lo traslada al internado en el que, junto a dos adultas y a otras cuatro jovencitas, sobrevive a los horrores de la contienda. En lugar de entregarlo a las tropas confederadas deciden hacerse cargo del convaleciente hasta que se recupere en un tiempo en el que cada una de ellas tratará de seducirlo buscando su amistad, su cariño o, tal vez, algo más. La presencia de ese elemento extraño alterará la convivencia hasta el punto de enfrentar a las ocupantes de la casa señorial que serán capaces de traicionarse por culpa de los celos.

En el minuto cinco salta el resorte de quien se acerca a una película exento de información que condicione su visionado. Esto es un remake de El seductor, que Don Siegel dirigió en 1971 a partir de la novela de Thomas Cullinan. Por más que Sofia Coppola asegure que se trata simplemente de una adaptación del mismo libro, totalmente independiente de la versión cinematográfica existente, resulta harto complicado desvincularla de aquella. La cuestión, además de pertinente, se antoja inevitable. ¿Era necesario?

Buscando qué podría aportar la realizadora y guionista que no se hallase en la anterior aproximación se podría esperar una puesta al día, una modernización de la imagen de la mujer al trasladar el texto a la pantalla, algo que, por otra parte, se ha convertido en signo identificativo del cine de la responsable de Lost in translation.

Ni rastro de novedades que justificasen la revisitación amén del subrayado de los aspectos más interesantes de la novela ya presentes en el trabajo de Siegel. La idea de presentar un aparentemente apacible oasis que se va convirtiendo en una prisión sin barrotes de la que es imposible salir porque hay algo sobrenatural y buñuelesco que lo impide, como sucedía en El ángel exterminador. O el tono turbador que, al reducir el número de féminas que habitan la mansión, ha permitido a Coppola transformar la historia en una retorcida, perversa y oscura versión de Blancanieves, cambiando el sexo tanto al personaje principal como a los encargados de su cuidado.

La ironía desplegada en la narración, subrayada por un par de significativos planos, uno con seis de las protagonistas a la mesa y el último de la cinta en el que la verja de entrada simula una celda para todo el que aparece detrás, y el preciosismo de la fotografía, repartido en el uso de la luz, los elegantes movimientos de cámara y los cuidados encuadres, no parecen bagaje suficiente para haber recibido el premio a la mejor dirección en el pasado Festival de Cannes. Más aún teniendo en cuenta el ritmo excesivamente pausado del relato y dejando de lado el garrafal error de casting al escoger a Colin Farrell, cuya dudosa capacidad de atracción, sumada a una insulsa y ambigua interpretación, no hace justicia al personaje, palideciendo absolutamente en la comparación con Clint Eastwood.

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Copyright imágenes  ©  American Zoetrope, FR Productions. Cortesía de Universal Pictures Spain. Reservados todos los derechos.

La seducción

Dirección: Sofia Coppola

Guión: Sofia Coppola basado en la novela The beguiled de Thomas Cullinan

Intérpretes: Collin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst

Música: Laura Karpman y Phoenix

Fotografía: Philippe Le Sourd

Duración: 93 min.

Estados Unidos, 2017

Braveheart, Robin Hood, Dos hombres y un destino, Enemigo Público. Los variados guiños de Guy Ritchie a obras tan diferentes entre sí, y tan lejanas en algunos casos a la temática que trata en su nueva película, nos dan la medida de que su versión de las leyendas artúricas se va a acercar mucho más al pastiche con mezcla de géneros que al relato clásico.

El británico siempre ha sido ese tipo espabilado que ha conseguido primero hacerse un nombre y posteriormente vivir del cine gracias a haber sabido adoptar como propio lo que otros habían puesto de moda. A nadie escapa el más que evidente paralelismo entre su debut, Lock & Stock, y la ópera prima de Quentin Tarantino, Reservoir Dogs (homenajeada aquí también), y la no menos reseñable relación que Snatch: Cerdos y diamantes tiene con Pulp Fiction. Quiso tomar el tren de la originalidad impulsado por pioneros como el director de Kill Bill a través de sucedáneos y no le ha ido nada mal. Su revolucionario Sherlock Holmes reventó taquillas con una heterodoxa visión que revestía las novelas detectivescas decimonónicas de thriller de principios del siglo XXI.

Una vez hallada la piedra filosofal que le concedió el favor de la audiencia se ha limitado a repetir fórmula, volviendo a aplicar los conceptos de planificación, movimientos de cámara, montaje, sonido, efectos y música del cine de acción contemporáneo, en esta ocasión, a la temática medieval, especialmente al abordar peleas o persecuciones e incluso en el uso del lenguaje, que nos remite a la jerga barriobajera de los matones de poca monta de sus primeras cintas, cameo futbolero incluido. La aparición de improbables personajes, dada la época retratada, como importantes cargos militares de raza negra además de marineros asiáticos especialistas en kung fu, nos confirman, como era de prever, que se ha soslayado conscientemente el rigor histórico con la idea de potenciar el factor entretenimiento.

Atendiendo a esta última reflexión, únicamente si nos adentramos en la proyección sin prejuicios de ningún tipo, difícil ejercicio pero útil en casos como el que nos ocupa, podremos disfrutar de dos horas de cine impecablemente realizado, técnicamente perfecto y endiabladamente entretenido. Con agradables sorpresas como la confirmación de un Charlie Hunnam que tras encarnar al aventurero Percy Fawcett de Z, la ciudad perdida se convierte en este inverosímil Arturo en su camino a la realeza, y la de la barcelonesa Astrid Bergès-Frisbey.

Ritchie, como ya le sucedió en Snatch: Cerdos y diamantes, suple su falta de originalidad argumental con brillantes recursos narrativos que aportan atractivo y fluidez a su trabajo, adoptando diferentes estilos visuales para cada una de las múltiples secuencias de acción que aborda, emulando, en una de ellas, al añorado Tony Scott y sus planos cenitales en las persecuciones sobre los tejados. La originalidad de la banda sonora, que utiliza respiraciones humanas armonizadas y acompasadas con instrumentos de percusión, consigue un efecto hipnótico que encaja a la perfección con ese tono deliberadamente anacrónico del que se ha querido dotar al filme.

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Copyright imágenes  ©  Warner Bros, Village Roadshow Pictures, Safehouse Pictures, Weed Road Pcitures, Wigram Productions. Cortesía de Warner Bros. España. Reservados todos los derechos.

Rey Arturo: La leyenda de Excálibur

Dirección: Guy Ritchie

Guión: Joby Harold, Guy Ritchie y Lionel Wigram

Intérpretes: Charlie Hunnam, Astrid Bergès-Frisbey, Jude Law

Música: Daniel Pemberton

Fotografía: John Mathieson

Montaje: James Herbert

Duración: 126 min.

Estados Unidos, 2017

Tras habernos emocionado con Reparar a los vivos, dos referencias. La real, el padre que cruzó Estados Unidos en bicicleta para abrazar al receptor del corazón de su hija fallecida y sentirlo, así, latir por última vez contra su pecho. Y la cinematográfica, Pedro Almodóvar, que en varios de sus trabajos ha contado con el asesoramiento del programa de comunicación de malas noticias de la Organización Nacional de Trasplantes, en Todo sobre mi madre recogía puntualmente tanto el adiestramiento de los facultativos para manejar situaciones tan delicadas como la mecánica del procedimiento.

A pesar de ser España líder mundial en la materia, este largometraje francés, adaptación de la novela homónima de Maylis de Kerangal, ha sido el primero en abordar de principio a fin, como temática principal, de manera certera y desde todos los puntos de vista implicados, el dolor, el sufrimiento, la angustia y la esperanza que envuelven un escenario en el que la muerte de una persona ayuda a vivir a otras mediante la cesión de varios de sus órganos.

Inteligentemente estructurada, la narración comienza relatando las circunstancias del accidente que acabará con la vida del futuro donante para ir introduciendo de forma gradual a su familia, a los doctores y cirujanos, a la posible receptora y al centro de coordinación de trasplantes, haciendo una pequeña parada en forma de hermoso flashback en el que, sin apenas palabras, nos enseña quién es ese chaval y cómo enamoró a la chica que ahora sufre su pérdida.

Esa virtud, tan poco cultivada en el cine contemporáneo, consistente en el arte de narrar a través de la imagen y el sonido evitando la verborrea prescindible del diálogo superfluo preside la caligrafía con la que Katell Quillévéré ha cincelado este filme sustentado, entre otros, en los pilares de la elegante poética de la metáfora visual asentada en unos efectos digitales al servicio de un relato en el que prima la sensibilidad.

El equilibrio entre emotividad, perfectamente medida para no rozar siquiera la sensiblería, y el tono cuasi documental de las secuencias en las que se trata el trasplante desde el punto de vista médico, incluidas las tomas quirúrgicas, necesarias a todas luces pero evitando lo truculento, ofrece al público una obra que no deja de estremecer a pesar de la pulcritud y minuciosidad con la que describe los aspectos técnicos del proceso.

La película se percibe como un conjunto protagonizado por la donación y el trasplante de órganos en el que los intérpretes aparecen como meros secundarios, piezas de un engranaje en el que la partitura de Alexandre Desplat, presidida por la calidez del piano, acompaña, viste, sin destacar, dando pie a una selección musical cuya guinda la coloca, en los créditos finales, un tema de David Bowie, Five years, que apela a nuestra nostalgia recordando la aclamada versión de Tahures Zurdos. A pesar de todo, no hubiese desentonado en absoluto un colofón alternativo reflejado en el evocador inicio. Pantalla en negro. Sonido de olas de mar que, poco a poco, se desvanece.

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Copyright imágenes  ©  Les Films du Bélier, Les Films Pelléas, France 2 Cinéma, Mars Films. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

Reparar a los vivos

Dirección: Katell Quillévéré

Guión: Katell Quillévéré y Gilles Taurand, basado en la novela Reparar a los vivos de Maylis de Kerangal

Intérpretes: Tahar Rahim, Emmanuelle Signer, Anne Dorval

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Tom Harari

Montaje: Thomas Marchand

Duración: 103 min.

Francia, Bélgica 2016