SECCIÓN OFICIAL
VIDA SALVAJE
Cédric Khan, director de Vida salvaje, con sus intérpretes Foto: Manu Zapata
Ya está aquí la última película a concurso. Vida salvaje viene de Francia y está basada en hechos reales. Relata la vida de unos niños de 7 y 8 años a los que se lleva su padre, sin el consentimiento de la madre, para seguir con la vida en el campo, al estilo de los indios americanos, que habían tenido hasta entonces, y que la madre quiere dejar de lado. Sin dejar de ser interesante, el tema no termina de resultar apasionante. Los dos primeros tercios de filme que relatan la niñez de los protagonistas resultan mucho más atractivos que la parte final ya en plena adolescencia y paso a la edad adulta. No vemos factible que pueda colarse en el palmarés.
Los actores y los hermanos reales a los que interpretan en Vida Salvaje Foto: Manu Zapata
Con esta última película ya está todo visto para sentencia. Ahora tan solo queda esperar a la noche de mañana para que el jurado dé a conocer los galardones.
SECCIÓN OFICIAL – FUERA DE CONCURSO
MURIERON POR ENCIMA DE SUS POSIBILIDADES
José Coronado y Carmen Machi de Murieron por encima de sus posibilidades Foto: Manu Zapata
Isaki Lacuesta regresa al festival que le encumbró con la concha de oro en 2011 por Los pasos dobles con una crítica feroz a las instituciones políticas y entidades bancarias que crisis mediante se han dedicado a realizar recortes y recortes de los derechos sociales y las ayudas a los ciudadanos que peor lo están pasando. Y lo hace por medio de una comedia gamberra en la que ha logrado embarcar a lo más granado del cine español, desde Imanol Arias pasando por Sergi López, José Coronado, Emma Suarez o actores jóvenes como Jordi Vilches o Raúl Arévalo amén de presencias como la del irreverente Albert Plá. Cinco ciudadanos hartos de las consecuencias que la crisis está teniendo en sus vidas se rebelan contra todo y se escapan del psiquiátrico en el que se encuentran recluidos con el objetivo de secuestrar al presidente del banco Central. El tono desatado y el humor sangriento aguanta bien la primera hora de metraje pero a partir de cierto punto se pasa de vueltas completamente y termina por resultar demasiado excesivo. Comedia transgresora que supone un grito de desahogo frente a políticos corruptos y poderes fácticos varios.
Emma Suárez de Murieron por encima de sus posibilidades Foto: Manu Zapata
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SECCIÓN OFICIAL
MAGICAL GIRL
Equipo de Magical Girl Foto: Manu Zapata
Tenemos ante nosotros una pequeña joya, llena de talento. Por una parte el de su director y guionista, Carlos Vermut, y por otra el de sus intérpretes, un magnífico reparto encabezado por un estupendo José Sacristán acompañado por Bárbara Lennie, Luis Bermejo y el descubrimiento de la película, la niña Lucía Pollán. El guión hace convivir géneros de lo más variopinto. En un principio parece una rareza que transita por la senda del humor surrealista con toques costumbristas y alusiones muy directas a los efectos de la crisis en la sociedad española, para transformarse de pronto en cine negro y que el sentido del humor mute hacia un humor más que negro, hasta el punto de hacer al espectador preguntarse qué diantres hace riéndose de según qué cosas.
José Sacristán de Magical Girl Foto: Manu Zapata
Sugiere más que muestra, deja que el espectador complete ciertos aspectos de la trama a su manera. Minimalista, hecha con un presupuesto mínimo, pero con grandes dosis de ingenio y originalidad, sus toques de violencia y su peculiar sentido del humor (amén de referencias directas al anime japonés) quieren recordar al mejor cine negro que se hace en el lejano oriente. Aunque haya también quien diga que bebe de las influencias que van de lo almodovariano a lo buñueliano.
TIGERS
Imagen de Tigers de Danis Tanovic
El realizador bosnio Danis Tanovic, que ya estuvo hace unos años en el Festival, en la sección Perlas, con Circus Columbia y que estrenó este año La mujer del chatarrero, acerca a la sección oficial su último trabajo, esta coproducción realizada entre India, Francia y Reino Unido. El planteamiento de la historia engancha de inmediato, la denuncia de un trabajador de base que propicia la lucha de las organizaciones de derechos humanos internacionales contra las multinacionales alimentarias cuyos productos causan en el tercer mundo la muerte de cientos de miles de bebés. Por eso es una lástima que con un material de partida tan interesante el guión no sepa construir la mejor película posible y se conforme con un trabajo interesante pero que no alcanza la excelencia. Tan solo los giros argumentales que se producen en el último tercio consiguen elevar un tanto el nivel de la cinta. Probablemente hubiese resultado más interesante utilizar la fórmula de un documental que la de una ficción para reflejar con mayor contundencia unos hechos ya de por sí alarmantes.
SECCIÓN OFICIAL – FUERA DE CONCURSO
LASA Y ZABALA
Pablo Malo y Unax Ugalde de Lasa y Zabala Foto: Manu Zapata
Fuera de concurso se ha presentado una película que se esperaba con gran expectación, Lasa y Zabala del donostiarra Pablo Malo, un filme basado en la investigación y el sumario del caso del secuestro, tortura y posterior asesinato de José Antonio Lasa y José Ignacio Zabala. Olvidando el trasfondo político y social que pueda tener el tema y centrándonos en lo puramente cinematográfico se trata de un magnífico thriller que en su primera hora no deja respirar al espectador y que, pese a no poder aguantar el ritmo brutal de ese fantástico comienzo, se sostiene brillantemente durante el resto del metraje. La excelente banda sonora de Pascal Gaigne y los magníficos créditos iniciales sumados al montaje, todo ello obra de Raúl López, contribuyen a ello, sin duda ninguna. Un rótulo al inicio avisa de que parte del guión está prácticamente calcado del sumario y la investigación y que hay fragmentos y personajes ficcionados con propósitos dramáticos. En este sentido Malo refleja con honestidad, de forma objetiva y sin maniqueísmo los acontecimientos, lo que aporta a la cinta una fuerza que no tienen otros trabajos que han tratado temáticas similares. Gran parte de culpa la tienen las excelentes interpretaciones de todos los actores, desde Unax Ugalde, que encarna a un sosias del abogado Iñigo Iruín, hasta Francesc Orella como Rodríguez Galindo, pasando por Oriol Vila y Ricard Sales.
Equipo de Lasa y Zabala Foto: Manu Zapata
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AIRE LIBRE
Fallido intento de la directora argentina Anahí Berneri a la hora de reflejar qué sucede en una crisis matrimonial en un guión en el que el arco dramático de los personajes brilla por su total ausencia. No existe evolución emocional alguna de los miembros de esta pareja de principio a fin del filme. El espectador no siente empatía alguna por ellos. Un Leonardo Sbaraglia que parece perdido e incómodo dentro de un desafortunado argumento protagoniza la cinta.
Leonardo Sbaraglia y Celeste Cid de «Aire Libre» Foto: Manu Zapata
FÉLIX Y MEIRA
Esta cinta canadiense tarda una hora de metraje en plantear un desarrollo argumental medianamente interesante. A la temática, una joven madre judía (Meira) atrapada en la comunidad religiosa ultra ortodoxa a la que pertenece su marido, se le podría haber sacado mucho más jugo. El planteamiento de su relación extramatrimonial con Félix resulta un tanto forzado por un guión anodino que no termina de despertar el interés del espectador salvo en momentos puntuales.
Equipo de Félix y Meira Foto: Manu Zapata
EDÉN
Mia Hansen-Love directora de Edén Foto: Manu Zapata
Tremenda sorpresa este filme de la actriz y realizadora Mia Hansen-Love en la que recorre la historia de la música garage a través de la evolución de la vida, en la ficción, de uno de los supuestos creadores del house francés o «French touch» que ha derivado en el grupo de moda en estos momentos dentro de la música electrónica, Daft Punk, al que se hace mención insistentemente en la película. Sus imponentes y peligrosos, en un principio, 131 minutos de duración suponían un hándicap para la cinta a priori, pero la frescura con la que se encuentra narrada la vida personal del protagonista contada en paralelo con la evolución de la música electrónica desde mediados de los 90 hasta el día de hoy hacen que pasen como un suspiro. Se puede tratar de un Boogie Nights o un Studio 54 de la música electrónica, aunque la directora lo conecta más con The last days of disco o 24th hour party people.
Félix de Givry de Edén Foto: Manu Zapata
Más allá de la imponente interpretación del actor principal, Félix de Givry, destaca la presencia de la musa del cine independiente estadounidense Greta Gerwig en una pequeña colaboración, pero lo que más nos ha sorprendido es la fuerza de una actriz belga desconocida en nuestro país, Pauline Etienne, que con su personalidad ejerce de contrapunto dentro de la interminable lista de relaciones frustradas del protagonista, siendo la presencia más constante en su vida. Es precisamente este delicado equilibrio entre los dos amores del protagonista, la música garage, al que es absolutamente fiel, y las mujeres, campo en el que es continuamente inconstante, unidos a una trayectoria vital en la que poco a poco se van desmoronando las ilusiones de juventud para, con casi 40 años, plantearse su vida de nuevo, lo que hace tan interesante este filme que ha supuesto un soplo de aire fresco en una jornada que estaba resultando realmente aciaga.
Reparto de Edén Foto: Manu Zapata
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LOREAK
Esta es la primera película rodada íntegramente en euskera que se presenta en la sección oficial del Zinemaldia. La forma en que comienza, con un argumento muy sencillo, recordaba más a un cortometraje que a un largo, lo que nos hizo pensar si lo que íbamos a ver era realmente una historia corta alargada artificialmente. Lo cierto es que lo que parece una anécdota poco a poco va ganando solidez hasta el punto en que el misterio que se encuentra tras esas flores del título que van pasando de un personaje a otro llega a subyugarte. El guión parte de la ligereza inicial y de algo ingenuo surgen varias historias personales apasionantes, algo muy típico de joyas del cine iraní como Buda explotó por vergüenza premiada hace unos años aquí en San Sebastián. En último termino de lo que habla Loreak es de sentimientos y relaciones humanas y al espectador le da igual si las cosas son realmente como se las imaginan los personajes (con esa ambigüedad sabe jugar también muy bien el guión), porque la forma en que le llegan y le tocan es lo que realmente le conmueve. Una estupenda película que ojalá tenga distribución en España porque merece mucho la pena. Si hablamos de quinielas el trabajo realizado a cuatro manos por Jon Garaño y José Mari Goenaga, y coescrito junto a Aitor Arregi, debería ser firme candidato al premio al mejor guión.
El equipo de Loreak Foto: Manu Zapata
LA VOZ EN OFF
La voz en off, del chileno Cristián Jiménez, que ya participó en Horizontes Latinos en 2011 con su segundo trabajo Bonsai, proviene de un guión desarrollado gracias a la sección del festival Cine en Construcción, que aporta ayuda económica para rodar o culminar la producción de los proyectos premiados. Cuenta con un inicio vigoroso, una trama familiar con un reparto coral que ofrece tantas expectativas como un elegante sentido de humor muy bien dosificado a lo largo del argumento y con un final que funciona a la perfección. ¿El problema? Que a partir de cierto momento la trama se vuelve monótona, repetitiva y deja de interesar y hace que el espectador desconecte y deje de interesarse por las vicisitudes de los personajes. es una lástima que un comienzo tan prometedor se convierta en algo deslavazado, por mucho que se quiera arreglar con unas gotas de humor y un final brillante. Dentro del gran nivel medio de la sección oficial de este año hay películas que no cumplen las expectativas y esta es una de ellas, por mucho que cuente como secundaria de lujo con Paulina García, la gran Gloria que deslumbro en el Zinemaldia y en Berlín el año pasado.
La voz en off
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LAS VARIACIONES CASANOVA
Curiosa mezcla de géneros en la que se encuentra implicado el metalenguaje de todas las formas posibles. Ópera, teatro, cine, Giacomo Casanova y el propio John Malkovich como personaje. Todo esto se funde en este filme que se acerca a lo experimental. Al seguir la representación de la ópera sobre Casanova prácticamente al pie de la letra termina por cansar esta parte teatral y cantada, haciendo excesiva la duración de la cinta. Los mejores momentos se producen precisamente cuando Malkovich, a través del guión, se ríe de sí mismo e interactúa con varios espectadores del teatro. En definitiva resulta un experimento interesante.
John Malkovich y el director Michael Sturminger Foto: Manu Zapata
PHOENIX
El director de Bárbara, el germano Christian Petzhold, vuelve a reunir a los dos intérpretes de la cinta, Nina Hoss y Ronald Zehrfeld, en esta historia que mezcla toques hitchcokianos, con referencias claras a Vértigo, dentro de una trama ubicada en la posguerra de la segunda guerra mundial. A pesar de ciertas lagunas de guión, tanto la realización como el ritmo pausado de Petzhold y la interpretación de los actores propician un trabajo consistente al que le falta un escalón para llegar a la notabilidad del trabajo anterior del trío. Su fotografía que juega con la luz y las sombras, casi al estilo del expresionismo alemán, puede ser firme candidata al galardón de la especialidad que concede el Festival.
Nina Hoss y Ronald Zehrfeld de Phoenix
HAEMOO
Este filme coreano resulta una sorpresa muy agradable en muchos sentidos, uno de ellos es la capacidad de transformación que tiene, comienza como una película costumbrista que va mudando en un drama con trasfondo social, con el tema de la inmigración y el tráfico de personas por efectos de la crisis que tan bien conocemos, se va entremezclando en paralelo una historia de amor y ya todo esto deviene en un filme de acción y catástrofes en alta mar, como podría ser La tormenta perfecta, con toques de terror que coquetean con el gore. Todo un tour de force para Sung Bo Shim, co guionista de Memories of murder que debuta en la dirección con este largometraje. A medida que avanza el metraje el filme crece para terminar convirtiéndose en un trabajo muy sólido. Si hubiera que ponerle algún pero este sería un epílogo perfectamente prescindible, de haber terminado en un precioso plano en el que se ven pisadas en en la arena se hubiera cerrado la historia de forma poética y cerrando perfectamente el círculo.
Sung Bo Shim, director de HAEMOO Foto: Manu Zapata
ZABALTEGI
NEGOCIADOR
El nuevo trabajo de Borja Cobeaga, tras alcanzar un éxito de masas inconmensurable como guionista de 8 apellidos vascos y las notables Pagafantas y No controles en la dirección, se sumerge en las procelosas aguas de un tema espinoso donde los haya: las negociaciones que se produjeron en 2005, en Francia, entre el Gobierno de España y E.T.A. Se trata de una interpretación libre de los hechos contándolos desde el punto de vista del humor, consiguiendo momentos hilarantes, que incluso llegan a la sonora carcajada, mezclados con cierto toque agridulce. Ramón Barea está tremendo encarnando a Manu Aranguren, el sosias de Jesús Eguiguren, el negociador del título, aportando una pátina de dignidad a un personaje que pone toda su buena fe para conseguir que su trabajo termine dando frutos. Una propuesta valiente que es capaz de encontrar todo lo cómico que puede haber en tema tan delicado como este.
Ramón Barea y Óscar Ladoire en Negociador
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Este año la sección oficial tiene nada menos que 17 películas y para poder ser proyectadas en los 9 días que dura el festival se acumulan más que en otras ediciones. A continuación vamos a reseñar cuatro de ellas.
De Dinamarca han llegado dos trabajos de realizadores de gran prestigio. Corazón en silencio de Bille August, director que arrebató el Oscar a Mujeres al borde de un ataque de nervios con Pelle el conquistador, trata el espinoso tema de las enfermedades terminales encarnado en este caso en la E.L.A., yendo mucho más allá de la tontuna de los retos del cubo de agua con hielo, de forma dura pero elegante, con sobriedad nórdica, sencillez y mucho sentido del humor, sin perder la delicadeza. En palabras del propio realizador se trata de una poderosa historia sobre la dignidad. Aquí ya tenemos a dos candidatas al premio a la mejor actriz, Paprika Steen y la veterana Ghita Norby, a la que ya pudimos ver en la maravillosa El festín de Babette.
Equipo de «Corazón en silencio» Foto: Manu Zapata
La otra película danesa está dirigida por Susanne Bier, Oscar 2011 al mejor filme extranjero por En un mundo mejor. Una segunda oportunidad, a pesar de visitar el territorio tan transitado por la realizadora de la fábula moral, donde no hay blancos y negros, sino multitud de variaciones de grises, queda lejos del mejor cine de Bier. De factura visual impecable, la irregularidad en su trama queda escondida, como sucede tantas veces, por un final agradable, que deja buen sabor de boca, a la altura de ese cuento amable que tanto gusta a la directora, cuando quizá la dureza de la historia pedía un final más contundente para apuntalar la dureza de las disquisiciones morales que se presentan al espectador. El protagonista es el actor de «Juego de tronos» Nicolaj Coster-Waldau.
Nicolaj Coster-Waldau Foto: Manu Zapata
La curiosidad de la jornada la hemos tenido con Autómata, producción de ciencia ficción de Antonio Banderas protagonizada por el propio actor malagueño, rodada en inglés por el español Gabe Ibáñez. Muy decepcionante. Lo más flojito de la sección oficial hasta ahora, con muchas carencias en lo argumental. Un guión muy ingenuo cargado de una cantinela filosófico existencial totalmente vacua.
Antonio Banderas Foto: Manu Zapata
Para terminar con buen sabor de boca nos vamos con lo mejor que hemos visto hasta el momento. The Drop (La entrega), película estadounidense dirigida por el belga Michaël R. Roskam y escrita por el prestigioso autor de novela negra Denis Lehane. Un thriller en toda regla que crea una atmósfera en la que sumerge al espectador. Sorprendente y espectacular Tom Hardy (claro candidato al premio al mejor intérprete), un actor que está pidiendo paso para convertirse en uno de los mejores de su generación, que tiene una química perfecta con la sueca Noomi Rapace (Los hombres que no amaban a las mujeres) que ha defendido la película junto a su director en la rueda de prensa posterior a la proyección. Se da la circunstancia de que este filme es el último trabajo de James Gandolfini, tristemente desaparecido hace unos meses.
Noomi Rapace y Michaël R. Roskam Foto: Manu Zapata
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Esta mañana hemos asistido a la proyección de dos de las películas más esperadas de las que se proyectan en la sección oficial. Muy diferentes entre sí, la primera propuesta se engloba dentro del cine de género y viene de España, la otra se podría decir que es inclasificable, que el realizador francés François Ozon es un género en sí mismo.
Antonio de la Torre y Nerea Barros Foto: Manu Zapata
A primera hora de la mañana, para despegar las legañas de nuestros adormecidos ojos, una propuesta contundente y muy sólida. La isla mínima de Alberto Rodríguez, es un thriller en toda su esencia. Un policiaco espléndidamente rodado e interpretado, donde el paisaje de las marismas del Guadalquivir se encuentra perfectamente aprovechado y se integra como un personaje más en esta historia que narra la investigación que dos policías foráneos realizan sobre la desaparición de dos chicas adolescentes en una pequeña población marismeña. Sorprendente la contención y el minimalismo en las interpretaciones de un Raúl Arévalo y un Javier Gutiérrez que desde ya son candidatos al premio al mejor actor. La película entra a formar parte desde ya mismo en las quinielas para todos los premios, desde el guión hasta la Concha de Oro pasando por la dirección y los actores. Cine de muchos quilates para comenzar el concurso de este 2014.
La otra propuesta matutina de la sección oficial, como comentábamos antes, llega de la mano del director que logró la Concha de Oro hace dos años gracias a En la casa, François Ozon, en la que adaptó libremente la obra de teatro de Juan Mayorga, El chico de la última fila. En esta ocasión se trata de otra adaptación libre, de una novela de Ruth Rendell esta vez. autora que sirvió de punto de partida Almodóvar (con absoluta infidelidad al texto original, según palabras del director manchego) para escribir y dirigir Carne trémula. Como en la estupenda Concha de Oro de 2012 una atmósfera inquietante sobrevuela la película en todo momento, pero lo que no queda tan nítido es la dirección a la que se dirige la película. La imprevisibilidad que pasa por ser una virtud en un guión, llega a desconcertar por momentos, y se convierte en una rémora. El filme, tras un comienzo muy brillante, que juega, como en el trabajo de animación Up, a narrar toda una vida en apenas 10 minutos, y después de un giro enormemente sorprendente comienza a girar en círculos y peca de cierta irregularidad que despista al espectador, pero sabe recoger la trama para concretar un final que cierre el círculo de manera adecuada y ciertamente reivindicativa. En el pase para el público ha cosechado gran cantidad de aplausos, con lo que, la propuesta arriesgada, que lo es, de Ozon, ha contado con el respaldo de los espectadores.
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A media tarde y con varios minutos de retraso Denzel Washington compareció, junto a Antoine Fuqua, director de The Equalizer, frente a los medios de comunicación que disparamos tanto en la dirección de esta nueva película que estrena en España como, sobre todo, en la de su extensa carrera que le ha proporcionado este merecido galardón. Washington recordó emocionado su trabajo junto al recientemente fallecido Richard Attenborough en Grita libertad, uno de los papeles que empezó a darle nombre entre los aficionados al cine, allá por 1987, y la primera vez que rodaba en Europa y África. De él dijo que fue un hombre dulce y sabio de quien guardará siempre un grato recuerdo.
Aquí os dejamos la rueda de prensa completa para que disfrutéis del recuerdo que el actor hizo de toda su carrera y de sus próximos proyectos. En torno al minuto 9 y 30 segundos tenéis la pregunta que desde http://www.vivazapata.net realizamos al actor, que tras unos ligeros problemas técnicos, contestó amabablemente.
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Esta mañana hemos asistido al pase de la película que va a inaugurar, fuera de concurso, la sección oficial de este Zinemaldia 2014 a partir de las 21 horas. Se trata de The equalizer, versión de la serie de televisión de los años 80, The Deflector, que el director de Training Day, Antoine Fuqua, ha realizado para la pantalla grande. El protagonista, uno de sus actores fetiche, Denzel Washington, flamante premio Donostia 2014, ya se encuentra en el Hotel María Cristina a la espera de la sesión de fotos y la rueda de prensa en la que atenderá a los medios con motivo del galardón que le ha sido concedido.
The equalizer contiene una mezcla de cine de acción y thriller de alto contenido explosivo. A pesar de su pausado comienzo, perfectamente narrado por el realizador afroamericano, una chispa hace saltar por los aires la espoleta que guarda el misterioso personaje que interpreta Denzel Washington y el filme comienza a girar y a convertirse en un policíaco de alto contenido violento y sangriento, rodado con un gusto y una precisión exquisitos, con un guión no exento de guiños cómicos. La larguísima secuencia cumbre, recordando al buen cine de acción de los años ochenta, se desarrolla en un almacén de madera y bricolaje (aprovechado por Fuqua en todas sus posibilidades) que termina convirtiéndose en una sangrienta ratonera. El reparto lo completan una Chloë Grace Moretz que ha iniciado su transición de actriz infantil a intérprete adulta (hoy mismo estrena Si me quedo) de forma valiente y brillante, y los veteranos Bill Pullman y Melissa Leo, que también participó en la serie de T.V., en sendas colaboraciones especiales.
Aunque no sea este el tipo de cine que suele ser carne de festivales, si se trata de buen cine, bienvenido sea. A partir del 17 de octubre, fecha de su estreno en España, podréis disfrutar de The equalizer en las salas, hasta entonces, a esperar con los dientes largos.
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Los actores y actrices habitualmente realizan cambios físicos extremos poniendo en riesgo su propia salud con el propósito de hacer más realista un papel. Las espectaculares transformaciones de Robert de Niro en Toro salvaje y Charlize Theron en Monster proporcionaron sendos Óscar a ambos artistas. En el caso de Boyhood sucede, por primera vez, todo lo contrario. La que hace el esfuerzo, la que se adapta a los intérpretes es la propia película. En un afán por retratar la vida tal cual, de reflejar la autenticidad con la que se produce el crecimiento tanto anatómico como psicológico de un chaval de 5 años, Richard Linklater se planteó un reto entre osado y titánico, un arriesgado rodaje de 12 años. El objetivo se centraba en obtener cortometrajes de 15 minutos de año en año que en su conjunto reflejasen de qué forma un niño, atravesando etapa tras etapa, acaba llegando a la mayoría de edad.
Resulta encomiable que un proyecto de semejante envergadura termine llegando a buen puerto. No se puede sino aplaudir una apuesta tan audaz a la hora de experimentar con la forma de contar historias pero una empresa tan ambiciosa de alguna forma se termina convirtiendo en un arma de doble filo. Un magnífico último tercio de película que nos deja con muy buen sabor de boca y el sorprendente hecho de ver crecer realmente en pantalla a todos los protagonistas puede camuflar cierta irregularidad en el conjunto. Queda patente la nitidez con la que este tramo final se había pergeñado en la cabeza del realizador desde el principio del proyecto dejando entrever que el resto del metraje, de tono cuasi documental, pudiera ser fruto de cierta improvisación, de ideas que fuesen surgiendo entre rodaje y rodaje, terminando por resultar plano y anodino en ocasiones, como lo pueda ser la vida misma, y lo que aporta mordiente y continuidad a la narración, además del cambio de aspecto físico de Ellar Coltrane, son las referencias a acontecimientos estrictamente contemporáneos al momento de la grabación, como los distintos enfrentamientos electorales en Estados Unidos, entre Bush Y Kerry o entre Obama y McCain, hábilmente introducidos en el argumento. Se podría llegar, incluso, al punto de comparar esta película con El árbol de la vida aunque la autenticidad de Boyhood se encuentre muy por encima de la pretenciosa vacuidad del filme de Malick.
Este trabajo no ha dejado de dar alegrías a su creador, la última, el Premio FIPRESCI que le será entregado en el próximo Festival de San Sebastián, antes, el Oso de Plata al mejor director en una Berlinale que siente especial predilección por su obra, tras proyectarlo internacionalmente al galardonarlo por uno de sus primeros largos, Antes de amanecer(1995). Aquella noche en vela paseando por las calles de Viena en la que Jesse y Celine se enamoraron de alguna forma constituiría el precedente de Boyhood del mismo modo que podría ser su continuación natural, si el personaje de Ellar Coltrane decidiese recorrer Europa en interrail para purgar un desengaño amoroso.
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Boyhood (Fragmentos de una vida)
Dirección y guión: Richard Linklater
Intérpretes: Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke
Fotografía: Lee Daniel y Shane F. Kelly
Montaje: Sandra Adair
Duración: 166 min.
Estados Unidos, 2014
¡Viva Zapata! 