Nebraska desprende aroma a cine clásico desde el inicio. En el momento en que aparece el logo de Paramount, en su versión de los años 50, y la imagen, teñida en blanco y negro, de un hombre caminando por el arcén de una atestada carretera interurbana, la propia película sumerge al espectador en un hábitat distinto al que está acostumbrado a visitar cuando se acerca a una sala.
Toda la cinematografía de Alexander Payne se aleja consciente y deliberadamente de los estándares a los que nos tienen acostumbrados los grandes estudios. El estilo pausado, reposado, contemplativo que rezuma este trabajo por los cuatro costados -del que Entre copas, About Schmidt o Los descendientes son una buena muestra- nos remite a otra época. Para un cinéfilo de pro encontrar un filme como éste supone un remanso de paz. Se arrellana en su butaca y sin moverse ni un centímetro disfruta de 115 minutos de buen cine que se degusta con una sonrisa en la boca.
Es de agradecer que un tipo como Payne sea de los pocos privilegiados que, en la intrincada jungla de la industria cinematográfica estadounidense, tenga el derecho al montaje final en sus obras y que gracias a esta posición de poder consiguiese, contra la opinión de la productora, mantener la premisa de rodar en blanco y negro. Esa fantástica luz captada por el director de fotografía Phedon Papamichael, unida a la elegancia de una realización a partir de planos fijos con encuadres perfectamente compuestos y cuyos únicos movimientos se limitan a panorámicas y travellings, nos retrotrae a ese cine de los años dorados de Hollywood donde la cámara era invisible.
Nebraska habla de soledad, de aislamiento, y narra con naturalidad y humanidad la búsqueda de una dignidad de la que muchos, como Woody, el protagonista, se han visto despojados con el paso de los años. La curiosa odisea de este lacónico y taciturno septuagenario -interpretado por un superlativo Bruce Dern- aquejado de demencia o quién sabe si de algo más grave, que por azares del destino vuelve a su pueblo natal acompañado por su hijo menor, y la peculiar relación que le une tanto con su mujer -maravillosa June Squidd- como con su vástago son las mejores excusas para explorar las relaciones paternofiliales y mostrarnos lo poco que, en muchas ocasiones, conocemos de nuestros progenitores.
Esta peculiar road movie parte desde Montana y recorre cuatro estados de la América profunda para centrar su acción en el condado de Madison, no el de los famosos puentes, que está en Iowa, sino el de Nebraska. A pesar de que un paseo en furgoneta sea parte importante en la resolución de la trama no aparece por allí el bueno de Clint Eastwood, aún así, su espíritu revolotea juguetón no muy lejos ya que es más que probable que Alexander Payne sea uno de los llamados a tomar el testigo que deja el viejo Clint, considerado por muchos como el último de los clásicos. El tiempo lo dirá.
Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.
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Nebraska
Director: Alexander Payne
Guión: Bob Nelson
Intérpretes: Bruce Dern, Will Forte, June Squibb
Fotografía: Phedon Papamichael
Música: Mark Orton
Montaje: Kevin Tent
Duración: 115 min.
Estados Unidos, 2013
En breve tendréis disponible la crítica de «Nebraska», la fantástica nueva película de Alexander Payne que cuenta con 6 candidaturas a los próximos Oscar, entre ellas la de un Bruce Dern que se hizo con el premio al mejor actor en el pasado Festival de Cannes. Además esta semana también publicaremos la crítica de «Vals con Bashir». Como sabréis el pasado 11 de enero falleció Ariel Sharon, tristemente famoso por ser el responsable de la matanza en el campo de refugiados de Sabra y Shatila, en el Líbano. En este estupendo documental de animación Ari Folman reflejó en cierta manera aquel luctuoso acontecimiento.
Todos los años en el cine norteamericano aparecen varias joyas independientes que con un discurso libre, directo y transgresor luchan de igual a igual con las grandes producciones, tanto en taquilla como en la obtención de premios como el Oscar o los Globos de Oro. Una de las ventajas que tiene el cine independiente es que puede contar cualquier tipo de historia ya que la creatividad de los guionistas y directores no se encuentra encorsetada por la corriente de corrección política que reina en las películas de los grandes estudios. Uno de los cineastas que todos los años agita el pacato panorama de la cartelera estadounidense con sus corrosivas y ácidas historias es el director y guionista Alexander Payne.
En su primera incursión tras las cámaras, Ciudadana Ruth, se atrevió nada más y nada menos que con uno de los temas tabú de la sociedad de su país: el aborto. Siguió hurgando en la herida con una sátira sobre el éxito y el fracaso en el mundo escolar, Election. El reconocimiento de crítica y público le llegó con su tercer trabajo, About Schmidt, que le reportó su primera nominación al Oscar, como guionista.
Entre copas, su último trabajo hasta la fecha, ha supuesto la consagración definitiva de este controvertido cineasta. Aclamado como uno de los mejores trabajos del año, ha arrasado en los premios del cine independiente y en los de la crítica. Los Globos de Oro la situaron en lo más alto premiándola como la mejor comedia del año. El espaldarazo definitivo llegó con el Oscar en la categoría de guión adaptado, escrito al alimón por Payne y Jim Taylor, su colaborador habitual. Junto a Million Dollar Baby ha sido de lo mejor que nos ha llegado de una cinematografía que invade nuestras carteleras inundándolas de títulos mediocres y olvidables entre los que, de vez en cuando, se cuelan joyas como estas dos películas.
En Entre copas Alexander Payne retrata la crisis existencial del estadounidense medio treintañero, separado, decepcionado de la vida, encarnado a la perfección por Paul Giamatti, un secundario de lujo, roba escenas en películas como El negociador y que gracias a este trabajo ha conseguido llegar al gran público en su segundo papel protagonista.
Otro de los logros de Payne es la recuperación para el cine de un sex symbol de principios de los noventa, desaparecida desde entonces, pero que regresa por la puerta grande: la hermosa y brillante Virginia Madsen, cuya labor ha sido reconocida con una merecida nominación al Oscar a mejor actriz secundaria. Thomas Haden Church, también candidato como actor de reparto, es otra de las sorpresas. Encarna al amigo crápula del protagonista, mujeriego hasta el límite.
Entre copas nos invita a la ruta del vino en California y nos cuenta la peripecia de dos amigos que celebran la despedida de soltero de uno de ellos catando vinos, conociendo bellas mujeres y haciendo que nos desternillemos de risa, consiguiendo momentos de tremenda hilaridad combinados con toques de dramático patetismo, pero con una puerta abierta a la redención final.
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Copyright de las imágenes © Fox Searchlight Pictures, Michael London Productions, Sideways Productions Inc. Cortesía de Hipano Foxfilms. Reservados todos los derechos.
Entre copas
Director: Alexander Payne
Guión: Alexander Payne, Jim Taylor
Intérpretes: Paul Giamatti, Thomas Haden Church, Virginia Madsen
Duración: 125 min.
Estados Unidos, 2004
Un paseo sin prisa es un regalo. Esta frase que aparece un par de veces en Al encuentro de Mr. Banks compendia la idea implícita de que una historia bien contada, como el buen vino, necesita respirar a la hora de ser narrada adecuadamente, de modo que llegue al espectador de una forma que además le conmueva en cierta manera.
Esto es, ni más ni menos, lo que ha conseguido John Lee Hancock. En un alarde de equilibrio entre drama y comedia y dosificando la emoción de forma precisa, ha sabido dibujar la evolución de la protagonista de su película, P.L.Travers, una escritora huraña y excéntrica, y su peculiar relación de amor-odio con Walt Disney, valiéndose de flashbacks perfectamente encajados que funcionan como caja de resonancia metafórica reforzando el significado de lo que se está viendo y anticipando lo que está por venir.
Más allá del propio Disney, brillantemente encarnado por Tom Hanks, importante dentro de la trama pero secundario al fin y al cabo, el objeto del interés de esta historia es la personalidad arrolladora de esta insobornable autora, interpretada por una maravillosa Emma Thomson, de cuya imaginación surgió la niñera más famosa del mundo de la literatura y el cine, Mary Poppins.
Este particular tour de force entre productor y literata se produce precisamente dentro del más que interesante proceso de creación del filme que dio al propio Disney su única candidatura al Oscar a la mejor película. El cine dentro del cine ha sido siempre uno de los filones que la propia industria del entretenimiento ha sabido explotar en beneficio propio y tratándose de uno de los trabajos más recordados de la historia del séptimo arte resulta fascinante descubrir los entresijos que llevaron a que Mary Poppins fuera finalmente así y de ninguna otra manera.
La música forma parte esencial del argumento, tanto la estupenda banda sonora de Thomas Newman como las propias canciones de Mary Poppins, que sirven además para acentuar de alguna manera el carácter autobiográfico de muchos de los pasajes de la novela y de los personajes de la misma. El momento mágico, especialmente emocionante, que se consigue con “Let´s go fly a kite” es una de esas pequeñas perlas que se encuentran de vez en cuando dentro de una película.
El título original, Saving Mr. Banks, podría traducirse como “Salvar a Mr. Banks”. Ese señor Banks no es otro que el padre de la familia protagonista de Mary Poppins, un banquero al que Disney quiere dibujar como mezquino y autoritario, cosa que algo en el interior de P.L. Travers no puede permitir que ocurra bajo ningún concepto. Este es el motor de esta película y el catalizador que mueve algo dentro de la propia escritora, de forma que nos encontramos ante una historia sobre el perdón, más aún, sobre la capacidad de perdonarse a uno mismo, de redimirse salvando al Mr. Banks particular que esta autora lleva escrito en su nombre, porque eso, en última instancia, supone salvarse a sí misma.
Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.
Copyright de las imágenes © Walt Disney Pictures, Ruby Films, Essential Media & Entertainment, BBC Films, Hopscotch Pictures. Cortesía de Walt Disney Pictures España. Reservados todos los derechos.
Al encuentro de Mr. Banks
Director: John Lee Hancock
Guión: Kelly Marcel, Sue Smith
Intérpretes: Emma Thomson, Tom Hanks, Annie Rose Buckley
Música: Thomas Newman
Fotografía: John Schwartzman
Montaje: Mark Livolsi
Duración: 125 min.
Estados Unidos, Reino Unido, Australia, 2013
Ayer tuvimos la ocasión de asistir al preestreno de «Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!» tras la gala de entrega de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos donde triunfaron «Caníbal»,»Vivir es fácil con los ojos cerrados» y «Stockholm». El propio director Guillaume Gallienne, en un español más que correcto, presentó una cinta que tiene mucho de autobiográfico y que da fe, según sus propias palabras, de la enorme cantidad de dinero que se dejó en psiquiatras. Este actor de la Comedie Française con familia en Madrid estuvo ameno y divertido y se metió en el bolsillo al público asistente antes de la proyección. Su película confirmó todas las espectativas que había despertado, tras las recientes 10 nominaciones a los César del cine francés. Un filme diferente, una comedia en la que pasas de reírte a carcajadas a reflexionar sobre lo que subyace detrás de esas hilarantes situaciones. Un fantástico trabajo del que tendréis aquí la correspondiente crítica en el momento de su estreno el 28 de marzo. Lo mejor de todo, salir de disfrutar este impresionante trabajo de Guillaume Gallienne, director, guionista, actor por partida cuádruple, y encontrártelo en la puerta del cine, estrecharle la mano y darle la enhorabuena por su trabajo. Es algo que raramente sucede, y menos aún que esa felicitación sea sincera porque la película haya merecido la pena.
Por otra parte, mañana tendréis por aquí la crítica de «Al encuentro de Mr. Banks» y el viernes la revisión de uno de los mejores trabajos de Alexander Payne, «Entre copas», que ese mismo día estrena «Nebraska», de la que hablaremos en profundidad el miércoles de la próxima semana.
In memoriam: Philip Seymour Hoffman – Crítica de «Casi Famosos» – Estreno en España: 16-febrero-2001
Que levante la mano el que, en su más tierna adolescencia, en el despertar a la vida y al amor de los quince años, no se haya sentido atraído, haya perdido la sesera, el sentido, o más sencillo, se haya enamorado perdidamente de esa fascinante chica cuatro o cinco años mayor, de larga melena rubia, mirada penetrante y acariciante voz que, casualidades de la vida, se atreve a hablar con tan renacuajo imberbe simplemente porque le cae bien, aunque, evidentemente, bebe los vientos por un tío mayor que ella que, a pesar de resultar simpático, no le trata como se merece.
Esa increíble mujer se hace conocer por el nombre de guerra de Penny Lane, como la canción de Los Beatles, y se cabreará si la llamas groupie. Ella no es de esas a las que les da igual todo con tal de acostarse con un músico famoso, te dirá que es una band aid, lo que supone algo más: reconocer el talento de un músico y no permitir bajo ningún concepto que lo eche a perder, pero sin dejar de pasar por su cama, claro.
Aunque nos presenten Casi Famosos como una declaración de amor a la música, a la intensidad y a la reverencia con la que se vivía en los años setenta, como una radiografía de los históricos grupos que poblaban el universo sonoro, es mucho más que todo eso. Es una hermosa historia de amor imposible, pero posible, la idealización de una mujer, la trayectoria de todo enamoramiento, el subirla a un pedestal y descubrir que es humana y débil, como todo el mundo, a pesar de lo cual, más allá de todo el sufrimiento que produce tan intenso sentimiento, sigue siendo la mujer más fascinante del mundo.
Cameron Crowe, director de esta magnífica película, cuenta de forma autobiográfica sus inicios en el periodismo musical, cómo a los quince años comenzó a realizar reportajes para la prestigiosa revista Rolling Stone acompañando en sus giras a las míticas bandas de la época. Se ha inventado un grupo, Stillwater, compendio de formaciones legendarias como Led Zeppelin o Rolling Stones, con un vocalista carismático y un virtuoso de la guitarra, fuertes personalidades en constante conflicto, cuyos modelos, nombrados en el filme son los míticos Jimmy Page, Robert Plant, Keith Richards y Mick Jagger.
Pero como hemos comentado, todo eso queda eclipsado por la aparición de una fascinante Kate Hudson, esa Penny Lane, que enamora a William Miller, el alter ego del director, y que adora al genial guitarrista de Stillwater, en una interpretación que puede ser recompensada con un Oscar* el próximo 25 de marzo.
Llena de referencias y chistes sobre conocidas estrellas musicales, Casi Famosos es una de las más destacadas cintas del año, muy por encima de algunas de las nominadas a mejor película. Lo único que se le puede reprochar a Crowe es que no se moje a la hora de retratar en toda su crudeza lo que sucedía dentro de esos grupos, los excesos con las drogas, el alcohol y las mujeres, tal vez como último homenaje a esa Penny Lane, de la que él se enamoró en 1973 y que es de los pocos personajes reales que reconoce haber retratado en esta fantástica historia.
*Kate Hudson finalmente perdió ante Marcia Gay Harden (Pollock), toda una injusticia, pero Casi Famosos se hizo con el Oscar al mejor guión original.
**Se da la desgraciada coincidencia de que Lester Bangs, el personaje que interpreta Philip Seymour Hoffman, murió en 1982 de una sobredosis de fármacos.
Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.
Copyright de las imágenes © Columbia Pictures, Dreamworks SKG, Vinyl Films. Cortesía de Columbia Tristar Films de España. Reservados todos los derechos.
Casi Famosos
Director: Cameron Crowe
Guión: Cameron Crowe
Intérpretes: Patrick Fugit, Kate Hudson, Billy Crudup, Philip Seymour Hoffman
Duración: 130 min.
Estados Unidos, 2000.
En breve tendréis aquí nuestra opinión sobre «Al encuentro de Mr. Banks», dirigida por John Lee Hancock y protagonizada por Emma Thomson y Tom Hanks, y que se estrena mañana. Además, aprovechando que llega a los cines «American Hustle», la película con más nominaciones a los Oscar, publicaremos la interesante crítica que en su día escribimos sobre el anterior trabajo de David O. Russell, «El lado bueno de las cosas».
Cuando Jaume Collet-Serra consiguió ser número uno en la taquilla estadounidense en febrero de 2011 con el sólido thriller Sin identidad era un completo desconocido por estos lares. A día de hoy, tristemente, sigue siéndolo. Este barcelonés ha desarrollado toda su carrera en el país americano y su figura ha quedado desdibujada a pesar de haber cosechado relativos éxitos adscritos al género de terror. Aprovechando su influencia al otro lado del Atlántico ha comenzado a producir para nuevos talentos del cine español y esta película, además de ser el primero de estos proyectos, a su vez supone el salto al largo de un reputado cortometrajista como Jorge Dorado.
Dorado, curtido tanto en las tablas del cine en pequeño formato como en rodajes junto a directores del prestigio de Pedro Almodóvar o Guillermo del Toro, se ha rodeado de un equipo técnico eminentemente local, aunque no por ello menos sólido, pero con clara vocación internacional. Óscar Faura, el director de fotografía, tiene a sus espaldas trabajos tan importantes como El orfanato o Lo imposible y el compositor Lucas Vidal ya se está haciendo un hueco en la competitiva industria norteamericana. Ellos dos, junto al francés Alain Baineé, director artístico de la magnífica Blancanieves, son los responsables de la creación de la atmósfera tan especial que rodea un filme como el que nos ocupa, que mezcla elementos de misterio, cine negro y un toque de terror psicológico pasado por el tamiz de la ciencia ficción.
En la parte artística es donde más se ha notado la mano de Collet-Serra, sobre todo gracias a su capacidad para aglutinar un reparto potente y comercial que le aportara a este trabajo rodado en inglés una relativa notoriedad en los mercados internacionales. Nombres de cierto peso como los de los británicos Mark Strong o Brian Cox apuntalan un elenco en el que destaca la joven Taissa Farmiga, auténtica revelación de la película, que por su personalidad recuerda a la Natalie Portman de sus inicios, en un complejo e inquietante papel.
Con todos estos mimbres se podría haber construido un más que apañado thriller, lástima que la bisoñez de Dorado le haya jugado alguna que otra mala pasada. La falta de cobertura en rodaje ha hecho que determinadas secuencias chirríen remitiéndonos inevitablemente a una realización ramplona que recuerda más a un cortometraje que a una producción de cierta envergadura. Aún así, la verdadera impericia del director radica en no haber sabido resolver ciertas situaciones de guión que, de tan fácilmente subsanables, resultan pueriles a ojos de un espectador que, a mitad de metraje, ya tiene claves, tan evidentes como torpemente mostradas, para aclarar la intriga y cuestionarse por la ceguera del protagonista ante lo que resulta más que evidente.
El madrileño no ha sabido construir el mecanismo para crear suspense, dejando el habitual camino de miguitas de pan, de pistas semiocultas, que mantiene ese delicado equilibrio que hace partícipe al espectador a la hora de resolver el intríngulis de la trama, de forma que el castillo de naipes que es siempre una película de misterio se le viene abajo inevitablemente.
Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.
Copyright de las imágenes © 2013 The Safran Company, Antena 3 Films, Ombra Films, Roxbury Pictures, Studio Canal. Cortesía de Warner Bros. Spain. Reservados todos los derechos
Mindscape
Director: Jorge Dorado
Guión: Guy Holmes
Intérpretes: Mark Strong, Taissa Farmiga, Brian Cox
Fotografía: Óscar Faura
Música: Lucas Vidal
Montaje: Jaime Valdueza
Duración: 95 min.
Estados Unidos, 2013
Las luces, que han quedado a media intensidad durante la publicidad y los trailers, se apagan del todo. Por un instante la sala queda en completa oscuridad. La pantalla comienza a iluminarse a medida que se forma el logotipo de Universal Pictures. El globo terráqueo gira sobre su propio eje mientras comienza a sonar una enigmática melodía con reminiscencias indias (de la India, Asia). La música se transforma. Su tonada, más rítmica ahora, al estilo de aquel famoso anuncio de Coca-cola, acompaña a dos furgones que se mueven por las calles de Nueva York. Ya estamos dentro de la película.
Hace tiempo descubrí que una de las pistas que nos pueden llevar a pensar que vamos a ver una película interesante es este hecho que estamos comentando. Cuando por alguna causa nos quitan de en medio la fanfarria de la productora de turno es que quieren captar nuestra atención desde el principio. La fanfarria es como volver a decirte: “eh, estás en un cine y esto que vas a ver es una película”. De la otra forma crean una atmósfera desde el principio que hace que te metas en la historia prácticamente sin darte cuenta. Por eso cuando me sucedió esto al principio de Plan Oculto no pude evitar sonreír, me arrellané en la butaca y me dispuse a disfrutar de 129 minutos de buen cine.
Y es que el cine de Spike Lee, como el buen vino, va mejorando con los años. Sus películas han tenido todas, o casi todas, un nexo común, la ciudad de Nueva York. Tras Woody Allen, es el director más típicamente neoyorkino de la historia del cine. Siempre que puede busca historias que sucedan en la Gran Manzana o directamente las sitúa en la ciudad de los rascacielos, rindiendo homenaje a cada uno de sus míticos rincones, como el que hizo a la zona cero de las Torres Gemelas en La última noche. En los años 80 y 90 Spike Lee destacó por ser el referente número uno del cine de reivindicación afro americana con clásicos como Haz lo que debas, Fiebre Salvaje o Malcolm X. Pero es precisamente en estos primeros años del siglo XXI cuando Lee ha dado un giro en su carrera dejando de momento ese papel de portavoz de la comunidad negra norteamericana. Con sus dos últimos trabajos se ha construido una reputación de artesano y autor. Han sido dos más que interesantes adaptaciones literarias que muestran la estupenda madurez del antaño reivindicativo director. La última noche probablemente sea su mejor película y con Plan Oculto ha conseguido realizar un thriller modélico que te mantiene pegado al asiento de principio a fin, aprovechando para dar su particular repaso a esa torre de Babel de razas y culturas que es el Nueva York actual en el marco de un atraco a un banco donde nada ni nadie es lo que parece.
Otro valor añadido de Plan oculto es un reparto de campanillas. Clive Owen, Jodie Foster, Williem Dafoe, Chistopher Plummer y un habitual del cine de Lee, Denzel Washington. Hay pocos actores que soportan un plano general trasero mientras caminan, unas veces por su torpeza al moverse y otras porque simplemente no saben caminar ante una cámara. Denzel Washington no es uno de ellos. Además de ser un estupendo intérprete probablemente es el actor que mejor se mueve en pantalla del cine actual. Esas piernas semiarqueadas, que recuerdan a un deportista, esa forma de evolucionar, grácil, como si fuese deslizándose, ese movimiento de hombros con el que consigue un ritmo entre elegante y vacilón. Parece como si fuese pisando nubes, como si fuese un bailarín, lo que se ha dicho más de una vez de Zinedine Zidane en un campo de fútbol traspasado a la pantalla grande del cine. Esa espléndida coordinación de movimientos es lo que les da a sus personajes, ya sean protagonistas o antagonistas, un toque especial.
En definitiva, que tenemos razones más que suficientes para decir que en Plan Oculto hay un thriller muy bien realizado, con firma de autor y numerosos valores añadidos que la convierten en una propuesta muy estimulante.
Copyright del artículo © Manu Zapata Flamarique. Reservados todos los derechos.
Copyright de las imágenes © 2013 Universal Pictures, Imagine Entertainment, 40 Acres & A Mule Filmworks, GH Two. Cortesía de UPI (Universal Pictures International) Spain. Reservados todos los derechos
PLAN OCULTO
Director: Spike Lee
Intérpretes: Denzel Washington, Clive Owen, Jodie Foster.
Duración: 129 minutos
USA, 2006
En breve tendréis aquí nuestra opinión sobre el reciente estreno «Mindscape», dirigida por Jorge Dorado y protagonizada por Mark Strong y Taissa Farmiga. Además, aprovechando la reciente emisión en televisión de la película Plan Oculto de Spike Lee y el estreno en cine de su último trabajo Oldboy, publicaremos la interesante crítica que en su día escribimos sobre ella.
¡Viva Zapata! 