Philippe trabaja como podólogo en París y va de vez en cuando a visitar a sus padres a un pueblecito, tan pequeño como aburrido, de la campiña francesa. Divorciado hace un tiempo, sale con la atractiva y dinámica Carole, también separada y madre de dos hijos adolescentes, chico y chica, que no congenian especialmente bien con el médico. A pesar de lo anodino de su aspecto, la playlist de su ipod es toda una caja de sorpresas. La selección musical de esta película debe su carácter y personalidad a las joyas que atesora ese reproductor digital.
Uno de los motivos que ha tornado en complaciente nuestra mirada para con esta comedia veraniega, aparentemente llena de tópicos, reside en los temas que nos va regalando por aquí y por allá. Como máxima representación, el “Still loving you” de Scorpions; la balada dorada por excelencia del grupo alemán que provoca un cambio de actitud del joven “hijastro” del protagonista, más afín a los ritmos electrónicos, que termina viéndolo como la banda sonora perfecta para una noche romántica.
¿La excusa argumental? Como incentivo al mediocre curso académico del chaval en el instituto, de aprobar, se le permite elegir destino vacacional. Evidentemente escoge Ibiza para buscar a su ex novia parisina a la que hace tiempo que no ve.
Sol, playa, discoteca y el cada vez más histriónico Christian Clavier. La lista de lugares comunes que se nos vienen a la cabeza con estas simples premisas resulta interminable. Entramos con el convencimiento casi matemático de qué derroteros va a tomar el largometraje cuando, como un soplo de aire fresco, llegan los créditos iniciales. Pantallas partidas y cortinillas (que van a marcar el lenguaje visual del resto del metraje) e imágenes espectaculares del ambiente y la fiesta que se respira en la isla montadas, con el estilo de Corrupción en Miami (como si aquello sucediese en Florida o en la soleada California), al pegadizo ritmo del “Love today” de Mika. Todo un chute de optimismo.
Ese afán por cuidar la forma, el envoltorio, por querer entrar por el ojo a la audiencia, sabiendo que se tiene entre manos una premisa trillada, facilita la digestión de un trabajo ligero, bienintencionado, con tono festivo y moraleja. Un empaquetado de montaje, sonido y canciones realmente atractivo que hace que sus escasos noventa minutos de metraje pasen como un suspiro y nos deparen momentos para la sonrisa, risa, carcajada (con humor de sal gorda en ocasiones) e incluso con espacio para lo emotivo y el amor (dentro de lo que se maneja en el género y sin entrar en profundidades).
Las referencias musicales que van de los 70 a los 90 y las menciones fílmicas que se mueven desde Shrek hasta el cine de autor, con El rayo verde de Éric Rohmer como principal reclamo, nos hacen mirar con benevolencia un trabajo que no engaña, que juega en la liga del entretenimiento canicular y nos ofrece algo más de lo que esperábamos encontrar de inicio.
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Un verano en Ibiza
Dirección: Arnaud Lemort
Guion: Arnaud Lemort y Mathieu Oullion
Intérpretes: Christian Clavier, Mathilde Seigner, Joey Starr
Música: Sylvain Goldberg
Montaje: Philippe Bourgeil
Duración: 87 min.
Francia, Bélgica, 2019
Todo cobra sentido cuando, tras el visionado de la película, durante la etapa de documentación para pergeñar esta crítica, descubrimos que David Leitch, el director de la misma, además de figurar en numerosos títulos como actor y coordinador de extras, se ha situado tras las cámaras en el primer John Wick (aunque no aparezca acreditado) y, además, es el responsable de la desternillante Deadpool 2. Acción, humor bestia y descacharrante y una factura técnica en cuanto a realización, montaje, sonido y efectos especiales de lo mejorcito que se puede ver ahora mismo en la pantalla grande.
Partiendo del hecho de que este que escribe no ha seguido las numerosos entregas de Fast & Furious, se puede concluir que no es en absoluto necesario estar familiarizado con la franquicia para disfrutar de esta cinta. El hilo argumental nos trae a dos personajes secundarios que dieron mucho juego en el último filme de la serie (aunque ya habían aparecido en varias ocasiones) y se ha querido hacer un spin off, un trabajo paralelo en el que alcancen el protagonismo absoluto, aprovechando su tirón entre la audiencia.
La trama reúne a los antagónicos Luke Hobbs, agente de la ley, y Deckard Shaw, fugitivo de la justicia, que han de formar equipo a regañadientes para enfrentarse a un villano, con partes de cíborg y mejorado genéticamente, que amenaza el futuro de la humanidad con un terrible virus.
Lo primero que nos llama la atención (y que potencia nuestro disfrute) es el descubrimiento paulatino de unos guiños nostálgicos que para alguien que haya traspasado la barrera de los 40 no pasarán desapercibidos. La trama quiere homenajear a todos aquellos taquillazos del cine de acción de los 80, con un más que evidente paralelismo con Tango y Cash y, acercándonos al nuevo siglo, con algún toque de Crank: Veneno en la sangre. No en vano, en el transcurso de una secuencia clave, hacia el final, podemos ver claramente pegados en la pared los posters de Superdetective en Hollywood, Arma Letal 3 y Cobra. Profundizando en el guion encontramos, además, referencias directas a miembros de grupos míticos británicos que comenzaron su andadura en los 60, como Keith Moon y Mick Jagger, usados de forma ingeniosa como manera de denominar distintos tipos de operaciones trampa.
Lo cierto es que el ojo y el oído atento no deja de percibir juegos de palabras y chistes privados que tienen que ver con trabajos anteriores de los intérpretes a los que acompañan. No vamos a hacer referencia a ellos y ellas porque tenemos apariciones sorpresa, en plan roba escenas, que nos alegran el día y no queremos estropear el goce de nadie. Pero todo este conjunto de extras no sería sino una colección de fuegos de artificio si no se tratase de la guarnición de un plato bien cocinado, un entretenimiento veraniego con toques jamesbondianos y desbordante de espectacularidad que nos ha proporcionado disfrute y desconexión de las tribulaciones diarias durante dos horas y quince minutos.
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Fast & Furious: Hobbs & Shaw
Dirección: David Leitch
Guion: Chris Morgan y Draw Pierce
Intérpretes: Dwayne Johnson, Jason Statham, Vanessa Kirby, Idris Elba
Música: Tyler Bates
Fotografía: Jonathan Sela
Duración: 135 min.
Reino Unido, Estados Unidos, 2019
La magia de no saber qué te vas a encontrar cuando se apagan las luces de la sala y te abandonas con la mente abierta a lo que quiera que refleje esa pantalla luminosa te permite descubrir paso a paso un relato para disfrutarlo, dejarte sorprender por él o comenzarlo con unas sensaciones y que el propio filme te vaya cambiando la perspectiva hasta llegar a la conclusión de que has hallado una pequeña joya.
A Nels Coxman, que trabaja incansable con su quitanieves, le acaban de nombrar Ciudadano del Año de la pequeña localidad de Kehoe, Colorado, una villa rodeada de toneladas de nieve que vive del éxito de sus estaciones de esquí, cuando su hijo Kyle fallece en extrañas circunstancias. Para él se trata de un asesinato y se obsesiona con encontrar y acabar con los responsables de la muerte de su chaval.
Algunos causan felicidad allá donde vayan, otros lo hacen cuando se largan. La enigmática cita de Oscar Wilde que abre la enésima película con Liam Neeson en el cartel y la palabra “venganza” en el título nos parece guiar por el camino de lo trillado, teniendo en cuenta que solo contamos, a priori, con esos dos datos objetivos. Un mensaje nada edificante el del ojo por ojo, corroborado por la primera media hora de metraje, de no ser porque un personaje secundario, un niño cuyo padre es un señor de la droga, nos desorienta con su discurso adulto y reflexivo acerca de la estupidez de emprender el camino del diente por diente. Ese cambio de rumbo nos coloca en el ángulo correcto para disfrutar de un trabajo que se podría situar en la órbita de John Wick y que se desarrolla en el territorio físico y espiritual de Fargo (guiño incluido), y en el que la violencia desmedida, observada desde la óptica del humor negro, adquiere un papel relevante.
Se van desgranando detalles que nos reconcilian poco a poco con una narrativa que abandona el realismo para coquetear con lo irónico y sarcástico del cómic para adultos consiguiendo de manera inmediata nuestra complicidad. Su impagable guion, giro tras giro, nos va ganando para la causa echando mano de cuantos recursos tiene a su alcance para mantener e incrementar la comicidad retorcida y oscura de la que hace gala: rótulos que reseñan el nombre y filiación religiosa de los funestamente desaparecidos de la pantalla recopilados de forma hilarante tras el último fotograma, la originalidad de unos roles secundarios primorosamente escritos y la sorprendente banda sonora del veterano George Fenton que termina de aportar el tono adecuado a cada secuencia.
Repasando los créditos finales descubrimos que la razón de haber topado con algo inesperado en una cinta que nos parecía más de lo mismo tiene que ver con su origen. Lo que tanto nos ha divertido y entretenido es el remake del largometraje noruego sin distribución comercial en España Uno tras otro, llevado a cabo por su propio director, Hans Petter Moland. Dan ganas de dar con él para echarle un vistazo.
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Venganza bajo cero
Dirección: Hans Petter Moland
Guion: Frank Baldwin, basado en la película Uno tras otro escrita por Kim Fupz Aakeson
Intérpretes: Liam Neeson, Laura Dern, Nicholas Holmes
Música: George Fenton
Fotografía: Philip Øgaard
Montaje: Nicolaj Monberg
Duración: 119 min.
Reino Unido, Noruega, Canadá, Estados Unidos, Francia, Alemania, 2019
Uno de los recuerdos más vívidos que este escribiente guarda del extinto cine Carlos III, la pantalla más grande que ha habido en Pamplona, es el estreno a finales de 1994 de El rey león. Los cinco minutos iniciales, en los que no se pronuncia ni una sola palabra, constituyen uno de los arranques más espectaculares de la historia del cine. Al veinteañero que acudió a aquella sesión de tarde le quedó meridianamente claro que la épica del instante mostraba a representantes de cada una de las especies que habitan la sabana africana en peregrinación para postrarse ante el recién nacido heredero de aquel simbólico reino. La secuencia se rubrica tan brillantemente como se ha desarrollado, con un cañonazo, un golpe seco de percusión que hace aparecer el título mientras desvanece de un plumazo las notas finales de The circle of life.
El revival resulta inmediato. 25 años después, más allá de las técnicas digitales que permiten mostrar los animales como si fuesen reales, los encuadres permanecen inmutables, la tonada se repite y el vello se nos vuelve a erizar al revisitar aquel momento. Al adentrarnos en el resto del metraje comprobamos que se trata de un remake plano por plano, con algún añadido (esta versión dura media hora más), del filme primigenio.
Dentro del proyecto de traslación de los clásicos Disney a largometrajes con intérpretes de carne y hueso (en esta ocasión recreados por ordenador) este es, sin duda, el que más le debe a su predecesor, hecho que nos suscita la pertinencia o no del mismo, ya que apenas aporta algo diferente a lo que teníamos en el original. Sirve para que una nueva generación se acerque a la historia pero tal vez habría que recurrir a la cinta de animación para que los niños de hoy comprueben cómo se puede introducir Hamlet con unas gotas de Macbeth, en fin, Shakespeare, al público infantil de modo que resulte de lo más In.
Manifiestamente mejorable en algunos aspectos, su perfección técnica a la hora de reproducir escenarios y bestias con capacidad de hablar pasma y aturde nuestros sentidos. La falta de fuste del conspirador Scar en la voz de Chiwetel Ejiofor nos deja un tanto fríos, somos partidarios de un cínico y cantarín Jeremy Irons como el malvado tío de Hamlet, perdón, de Simba, con aquella dicción perfecta y ese acento tan british.
Lástima que Jon Favreau no haya aprovechado, como hizo en El libro de la selva, para dar una vuelta de tuerca al relato e introducir aspectos novedosos que aportasen una lectura más profunda a la trama. La previsibilidad de un argumento archiconocido, la precipitación a la hora de resolver algunas escenas (que adolecen de cierto poso y pausa dramáticos) y, sobre todo, la falta de emoción y expresividad en los rostros de unos personajes que parecen sobrecargados de bótox, echan por tierra cualquier interpretación vocal, los temas musicales expresamente escritos para esta película o su incontestable acabado formal.
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El rey león
Dirección: Jon Favreau
Guion: Jeff Nathanson
Intérpretes (voces): Donald Glover, Beyoncé, Chiwetel Ejiofor
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Caleb Deschanel
Montaje: Adam Gerstel y Mark Livoisi
Duración: 118 min.
Estados Unidos, 2019
Todos los que amamos el fútbol tenemos algún recuerdo ligado a la inmensa figura de Diego Armando Maradona. 5 de enero de 1984. Estadio de El Sadar. Osasuna 4-F.C. Barcelona 2. Esa no fue la noticia. Lo que quedó ligado a la memoria colectiva y a la de este escribiente es el impresionante partido del central rojillo Javier Castañeda. El astro argentino siempre reconoció que aquel día recibió el mejor y más limpio marcaje de toda su trayectoria. Jugó sus primeros 90 minutos completos tras la lesión causada por la salvaje entrada de Andoni Goikoetxea meses antes, evento clave en su vida que aparece recogido de manera escalofriante y a cámara lenta durante los créditos iniciales.
Esa secuencia de títulos resume de manera ágil y concisa la trayectoria deportiva del protagonista de este documental desde sus inicios patrios hasta el momento en el que deja Barcelona para fichar por el Nápoles. Se trata de una narración paralela, ya que vemos cada poco una comitiva de coches que avanza a gran velocidad por las calles de una ciudad indeterminada. Al término de los mismos advertimos que se trata del momento en el que el 10 llega a un abarrotado estadio de San Paolo para ser presentado como jugador del club napolitano ante 70.000 enfervorecidos tifosi.
Esta película nos va a narrar todo lo que sucedió entre este momento y el que supondría el punto de inflexión en la relación amor-odio del “Pelusa” con los aficionados italianos y con el país transalpino en general. Roma. Final del mundial de 1990. El rival, Alemania. Suena el himno argentino y todo el público presente pita con fuerza como señal de odio al que en los últimos años había sido su ídolo. El interpelado responde repitiendo un “hijos de puta” que se puede leer claramente en sus labios. En ese paréntesis vamos a poder ser testigos tanto de los logros del futbolista como de los cambios que va sufriendo su vida personal.
El porqué de esa ruptura y todo lo extradeportivo acaecido en medio de esos dos hitos son las razones que han llevado al prestigioso documentalista Asif Kapadia, autor de Senna y ganador de un Óscar por Amy, a descubrir a la persona más allá del personaje, como tan brillantemente hizo con Amy Winehouse y Ayrton Senna.
Este trabajo nos devuelve al tipo de carne y hueso, humaniza la leyenda. Impacta por encontrarse narrado como si de una tragedia griega se tratase. La extracción humilde, de pobreza extrema, del niño criado en los suburbios de Buenos Aires, el talento indescriptible que le lleva a perder su juventud a los 15 años para mantener a toda su familia, el éxito futbolístico, su caída en las redes de la cocaína y sus devaneos con la Camorra napolitana. De manera elocuente Kapadia extrae el meollo de 500 horas de material inédito para analizar la dicotomía entre el hombre y el mito, entre el doctor Jekyll y míster Hyde, entre Diego y Maradona. ¿Quién se impondrá en tan cruenta y desigual batalla?
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Copyright imágenes © Film Four, Lorton Entertainment, On The Corner Films. Cortesía de Avalon. Reservados todos los derechos.
Maradona
Dirección: Asif Kapadia
Intérpretes: Diego Armando, Maradona, Corrado Ferlaino, Claudia Villafañe
Música: Antonio Pinto
Montaje: Chris King
Duración: 130 min.
Reino Unido, 2019
Las terribles circunstancias de una travesía de tres años pusieron al marino de Getaria Juan Sebastián Elcano a los mandos de la nave Victoria, única que regresó a puerto tras culminar la circunnavegación de la tierra demostrando de esa manera su esfericidad. Fue el primer capitán de navío en realizar tal hazaña ya que el portugués Fernando de Magallanes (quien montó la expedición) falleció en un enfrentamiento en lo que hoy son las Filipinas. Basándose en las teorías de Colón, el luso trataba de llegar a las Molucas, las islas de las especias, sitas en el océano Índico y controladas por Manuel I de Portugal, por la ruta del oeste, bordeando América por el sur. El objetivo de la empresa no se centraba, al contrario de lo que pudiera pensarse, en el logro geográfico sino en su notable importancia económica: esos preciados condimentos otorgaban por aquel entonces una rentabilidad de hasta el 2000%.
Cuando están a punto de cumplirse 500 años de la partida de aquel mítico trayecto se estrena esta fidedigna adaptación de cuanto allí sucedió, basada en el relato del cronista del viaje, Antonio Pigafetta, que, con el recurso de la voz en off, narra los intrincados acontecimientos según van acaeciendo. Esta cinta de animación se apoya en determinadas licencias (muchas menos de las que cabía esperar) para hacer más atractiva esta epopeya a un público infantil que descubrirá un acontecimiento clave para la navegación mundial que sorprenderá a más de un adulto que no se haya sumergido en esta increíble aventura.
Encontramos que esta película, además de contener una fascinante clase de historia, no desmerece, en cuanto a acabado, a ninguna de las producciones de la perfección y el presupuesto que mueve Disney. No en vano el arranque con una tempestad marítima en el cabo de las Tormentas (actual cabo de Buena Esperanza) y el refinamiento del barco, el agua, el viento y la lluvia nos trajo a la memoria pasajes similares de La Sirenita.
Un minucioso trabajo en el que entra en juego una magnífica dirección artística que recrea los frondosos paisajes fluviales de Brasil, la costa de América del Sur, los espectaculares acantilados del paso que hoy es el Estrecho de Magallanes, Filipinas, las Molucas, Cabo Verde y, por supuesto, Sevilla y el majestuoso río Guadalquivir. Pero esa ambientación debidamente iluminada y fotografiada quedaría como una naturaleza muerta de no ser por la sonorización, con unos efectos estupendamente trabajados y una partitura de tintes épicos que terminan de envolver para regalo un filme a la altura de lo mejor en el género.
Si a esto le añadimos un guion que, dentro del rigor histórico, consigue entretener y, entre sus contadas libertades, incluye un homenaje a la persecución de lanchas de Indiana Jones y la última cruzada o nos muestra que este viaje fue la fuente de inspiración de Julio Verne para La vuelta al mundo en 80 días, hace que salgamos del cine encantados y cantando el pegadizo tema compuesto para el largometraje por La Oreja de Van Gogh.
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Copyright imágenes © Dibultoon Studio, Elkano Dibultoon AIE. Cortesía de Barton Films y Filmax. Reservados todos los derechos.
Elcano y Magallanes, la primera vuelta al mundo
Dirección: Ángel Alonso
Guion: Garbiñe Losana y José Antonio Vitoria
Intérpretes (voces): Kiko Jáuregui, Vito Rogado, Iñaki Beraetxe
Música: Joseba Beristáin
Duración: 90 min.
España, 2019
En muy contadas ocasiones se abre el suelo ante nuestros pies para mostrarnos un vacío sobrecogedor, un enorme acantilado por el que estamos a punto de precipitarnos. No es nada grave, se trata simplemente del futuro ignoto que llama a la puerta y al que acompañan la incógnita, la duda y las vacilaciones, elementos que nos van a exigir una meditada aunque firme toma de decisiones. ¿Qué voy a hacer con mi vida a partir de ahora?
Esa misma sensación es la que paraliza a Vir y Lluis. Acaban de cumplir apenas un año juntos cuando ella se queda embarazada sin haberlo planificado. Ahora han de afrontar una nueva realidad que les traerá momentos felices pero también aflorará miedos, angustia y, sobre todo, expectación por lo que está por llegar.
Si en la estupenda 10.000 km Carlos Marqués-Marcet exploraba cómo se ponía a prueba el amor en una relación a distancia, aquí, sin dejar ese tono naturalista que tanta honestidad aporta a lo que cuenta, ha buscado dar un paso más en su prospección del mundo de la pareja añadiendo un elemento que implica pasar al siguiente nivel.
Una situación aparentemente banal marca el tema que se va a desarrollar a lo largo de todo el metraje. Vir bromea, con aire de seriedad, con la manera que tiene Lluis de hablar de sí mismo y de sus asuntos. Le reprocha que no utilice el plural inclusivo pensando que aquello pueda derivar, como en la canción, en un “y cada vez más tú y cada vez más yo, sin rastro de nosotros”. No hemos aprendido todavía a ser dos y ese nosotros ahora nos implica a tres.
Sin la complicidad de los intérpretes, David Verdaguer (imprescindible para el realizador) y María Rodríguez Soto, habría resultado del todo imposible contar esta historia de la manera llena de cariño y sensibilidad, sin renunciar a la crudeza del día a día, con la que está narrada. Ellos, pareja en la vida real, han aportado, generosamente, el embarazo de su niña para recrear unos papeles y unas problemáticas totalmente alejadas de sus vivencias y de su situación pero que, a su vez, palpitan tan a flor de piel que rezuman verdad por los cuatro costados. El otro elemento que otorga ese tono de documental al filme, que resulta tan atrayente, son las imágenes en VHS de los progenitores de María (la actriz) y su propia aparición en una secuencia; debidamente dramatizadas, recomponen en paralelo la manera en la que ellos habrían llevado el embarazo de Vir (el personaje).
De la contraposición de estas dos parejas de primerizos, los de hace treinta años que llevan con tanta espontaneidad y serenidad el proceso en contraste con el caos y la discusión permanente de la hija de aquellos y el padre de la criatura que lleva en el vientre, surge la reflexión e incluso la magia. Porque la belleza de una película tan hermosa florece a partir de sus impactantes imágenes que han sabido atrapar el milagro de la vida.
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Los días que vendrán
Dirección: Carlos Marqués-Marcet
Guion: Coral Cruz,. Carlos Marqués-Marcet y Clara Roquet
Intérpretes: David Verdaguer, María Rodríguez Soto, Lupe Verdaguer Rodríguez
Música: María Arnal
Fotografía: Álex García
Duración: 94 min.
España, 2019
¿Era necesaria una cuarta entrega de la saga Toy Story? Sus artífices, con John Lassetter a la cabeza, se hicieron la misma pregunta cuando, en 2010, se cerraba brillantemente la franquicia con la llegada de Andy a la vida adulta y el legado de sus juguetes a la pequeña de la familia, Bonnie. La respuesta unánime, un no rotundo, a menos que surgiese una historia que como mínimo se encontrase a la altura de los tres anteriores trabajos. A tenor de los acontecimientos y del título que figura junto a estas líneas, parece ser que esa idea brotó y floreció tan espléndidamente como para no desmerecer un ápice ante ninguna de sus hermanas. Veinticuatro años después de aquel primer alumbramiento, con la misma frescura de entonces y con el candidato al Óscar por el libreto de Del revés como director, aquí se cierra de manera espectacular la franquicia que cambió para siempre el cine de animación por ordenador introduciendo unas tramas que, además de cautivar, iban dirigidas a cada persona que entraba en la sala, sin importar su edad, para enriquecerla y aportarle mucho más de lo que nunca hubiese esperado de un filme aparentemente infantil.
Woody el vaquero, Buzz Lightyear y los demás compañeros, que ahora pertenecen a Bonnie, le acompañarán en sus primeros años de colegio. Un juguete llamado Forky, construido por la propia niña, se une a la banda y propiciará un viaje en el que conocerán nuevos amigos y reaparecerán viejos conocidos.
La receta vuelve a funcionar como un reloj: reflexión con corazoncito, diversión y entretenimiento. Perfección en la parte técnica que ofrece persecuciones que nos hacen asirnos a la butaca y disfrutar más incluso que en el mejor cine de acción sin renunciar al mestizaje con unas gotas de terror y misterio. Y las risas de siempre; el humor y la magnífica banda sonora de Randy Newman con dos nuevos temas que darán que hablar en los Óscar. Todo, rayando al nivel de 10 de las anteriores cintas.
Un precioso relato de amistad y amor con aroma a western clásico de los de John Ford, con una clara alusión a la proactividad y al inconformismo, a no aceptar una situación que sabes que es mala y que no va a mejorar, a no dejar que te pasen las cosas, a provocarlas, a escuchar tu voz interior y a encontrar tu propio camino y tu lugar en el mundo. Amén (a pesar de que Woody sigue siendo el eje sobre el que gira todo) del protagonismo de personajes femeninos fuertes e independientes, con entidad propia, tendencia creciente en los últimos años (y ejemplo a seguir) en las producciones de Disney y Pixar.
Una película inspiradora para jóvenes de 0 a 99 años. Otro guion redondo, perfectamente cerrado, que nos regala secundarios inolvidables como el impagable Duque Boom, encarnado a la voz por un descacharrantemente autoparódico Keanu Reeves. La respuesta inmediata a la fatídica pregunta: ¿qué me recomiendas de lo que hay en cartelera?
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Toy Story 4
Dirección: Josh Cooley
Guion: Andrew Stanton y Stephanie Folsom
Intérpretes (voces): Tom Hanks, Tim Allen, Annie Potts
Música: Randy Newman
Montaje: Axel Geddes
Duración: 100 min.
Estados Unidos, 2019
El veinteañero, hijo de inmigrantes coreanos aunque nacido en Estados Unidos, observa desde un pasillo en las alturas a la marea humana que cruza Grand Central Station e inventa historias para cada uno de los transeúntes. Una chica de tupidos rizos morenos, apelmazados en torno a sus orejas por la presión de los cascos por los que escucha música, mira fijamente al techo de la estación. Su ensimismamiento tiene que ver con lo que allí se representa: la bóveda celeste con el sol y todas sus constelaciones. Esa Dama de Elche negra que busca respuestas en las estrellas atrapa tan intensamente su atención que siente la irresistible necesidad de conocerla.
Esta película narra el encuentro de Daniel y Natasha en circunstancias excepcionales. Él, un romántico incurable que escribe poesía y no tiene nada claro su futuro en la facultad de medicina; ella, una joven que no pasa por su mejor momento y que no cree en el amor; el contexto, que al día siguiente Natasha va a ser deportada junto a su familia a su país de origen, Jamaica, tras 9 años viviendo en Nueva York.
Las premisas hacen intuir tópicos, en ese sentido el producto no engaña; lo previsible en un filme de corte romántico basado en una novela de éxito entre el público juvenil. Lo que nos convence a la hora de acercarnos a la historia son sus referentes, aunque se trate de préstamos que el material literario toma del cine para devolverlos a la gran pantalla a través de la adaptación. Tenemos un hito del melodrama romántico de los 90, Matrimonio de conveniencia, pasado por el tamiz de Antes de amanecer. 24 horas en las que comprimir una vida entera marcadas por la predestinación que lleva a dos personas a conocerse. El caprichoso azar al que cantaba Serrat.
Sus hechuras le confieren carácter. El cuidado técnico a la hora de fotografiarlo y editarlo lo emparentan directamente con el séptimo arte cuando podría haberse quedado en un mero remedo de telefilme. Introduce secuencias de montaje que ilustran temas que se salen de lo meramente sentimental, como el gusto por la astronomía de la protagonista o una maravillosa disertación acerca de cómo los aspectos culturales de un país (Estados Unidos, Corea del Sur), como el hecho de indicar primero el nombre (anteponer el individuo) o el apellido (el colectivo, la familia) al escribir la filiación de cada cual, afecta al carácter y la forma de ser de la gente. Y trastea con los relojes, omnipresentes en toda la narración, indicando la finitud del tiempo, como en un buen thriller al estilo de A la hora señalada.
Un par de momentos (principalmente uno en un karaoke) terminan por convencernos de que la cinta nos ha devuelto, para nuestra asombro, más de lo que esperábamos en un principio. Los aficionados al género disfrutarán y los no tan entusiastas encontrarán lugar a la sorpresa en un relato que habla sobre el destino, juguetón, que primero nos une y luego nos reúne.
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Copyright imágenes © Alloy Entertainment, Metro-Goldwyn-Meyer (MGM), Warner Bros. Cortesía de Warner Bros España. Reservados todos los derechos.
El sol también es una estrella
Dirección: Ry Russo-Young
Guion: Tracy Oliver, basado en la novela homónima de Nicola Yoon
Intérpretes: Yara Shahidi, Charles Melton, John Leguizamo
Música: Herdis Steffánsdóttir
Fotografía: Autum Durald
Montaje: Joe Landauer
Duración: 100 min.
Estados Unidos, 2019
El rollo trapichero a Colomo le viene de antiguo. Su coqueteo con las drogas, cinematográficamente hablando, comenzó con el hachís en el Lavapiés del Madrid post movida de Bajarse al moro. Costumbrismo en clave de sainete inspirado en el teatro pero con el sello inconfundible del realizador madrileño y la música de Pata Negra. En la segunda década del siglo XXI el meollo se traslada a un Cádiz festivo que mira de reojo a los fardos de cocaína que cruzan el estrecho. Antonio Carmona contribuye con un tema, pero el compás lo marca el espíritu, la letra y la ironía de algo tan característico de la tacita de plata como esas tonadas llenas de cachondeo que todos los meses de febrero hacen su aparición en el Teatro Falla.
Antes de la quema es una farsa que tira de crítica social, una matrioska en la que lo risible envuelve una trama policial que no se olvida de ninguno de los elementos canónicos del género: el plan, la banda, el pringado, la femme fatal, los polizontes y la voz en off omnisciente que narra el relato desde su conclusión. Un thriller chirigotero en toda regla.
Quique canta en una comparsa, está en paro y lucha por sacar adelante a su madre y a su hermana tras la violenta muerte de su padre. Prepara el concurso de chirigotas del carnaval mientras el Tuti, un traficante local, quiere que le ayude a robar el almacén de drogas más grande de Andalucía antes de que quemen toda la mercancía incautada.
En clave de comedia pero tirando de recursos narrativos típicos del cine negro, el guion engancha a la audiencia gracias a un truco tan manido como efectivo, el fulano que mira a cámara mientras nos cuenta, paso a paso, todo lo que le ha llevado a ese instante. Nos podemos acordar de Plan oculto y de tantos y tantos trabajos que esconden su conclusión aunque comiencen por ella. El hacer coincidir la tensión con lo desenfadado supone un acierto. Emulando al gaditano Pablo Carbonell en Lo mejor que le puede pasar a un cruasán, el peso de la trama recae sobre el malagueño Salva Reina acompañado por una caterva de atractivos secundarios con el excesivo Joaquín Núñez a la cabeza.
Colomo sigue conectando con la platea. El premio del público logrado en Málaga así lo corrobora. Si se entra en el juego que propone un libreto que mezcla liviandad, acción y un toque de suspense castizo, nos encontramos con un entretenimiento ligero no tan conseguido como La tribu pero que nos puede hacer pasar un buen rato. Lo mejor, sin duda, la química entre Salva Reina y Manuela Velasco, en un personaje de tía dura nostálgica de los 80 que enamora y seduce a partes iguales y nos redescubre, de la mano de su partenaire, un mito de aquella fabulosa década, el “Cadillac Solitario” de Loquillo, a partir de una interpretación de su significado no tan descabellada como pudiera parecer.
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Antes de la quema
Dirección: Fernando Colomo
Guion: Fernando Colom y Javier Jáuregui
Intérpretes: Salva Reina, Manuela Velasco, Maggie Civantos
Música: Antonio Carmona y Fernando Furones
Fotografía: Juan Hernández
Montaje: Ana Álvarez Ossorio
Duración: 97 min.
España, 2019
¡Viva Zapata! 